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Ideas :: Everyone Knows This is Somewhere

Ideas :: Everyone Knows This is Somewhere

It is a January night in Toronto. The cold snap has passed, and even though the sidewalks are still treacherously icy, a handful of people have shuffled through a loading dock filled with trucks and snow-covered ice machines into a handsomely refurbished space for a gig organized by music collective Somewhere There.

On his fiftieth birthday, tenor saxophonist Paul Newman is celebrating by inviting some friends to play with him. Alto player Karen Ng joins him on a piece whose title comes from a fortune cookie (“You May Attend a Party Where Strange Customs Prevail”), and percussionist Joe Sorbara contributes to a special duo version of his “Large Solo Piece No. 1”.

In the break between sets, the small crowd — most of whom have played with Newman at one point or another — gather together to chat. Drummer Germaine Liu isn’t playing tonight, but she has brought a birthday cake. A wish is made, candles are blown out, and everyone has a piece of the vegan chocolate cake. After the break, trombonist Heather Segger joins Newman, and then she and Ng return to the stage to play the newest, still-in-progress piece to wrap up the night. Newman beams, and declares this to be an excellent birthday gathering.

That last piece’s title? “Everyone Knows This is Somewhere”.


Somewhere There is nowhere*. Somewhere There was established as a venue in 2007, and has existed in three distinct phases. The original Somewhere There, at the back of an old furniture warehouse near Queen and Dufferin, was founded by Scott Thomson in 2007. When it moved, the second incarnation on Sterling Road was run by a collective of musicians. But Somewhere There hasn’t had a physical space for over a year now. “Noise complaints and other unpleasantness” were the putative reasons its loft spot on Sterling was shut down in early 2013, on the eve of a weekend-long festival designed to bring some new faces into the space.

What does it mean to be a venue without a venue?

While the search for a suitable space continues, the collective has been putting on shows when it can, and is planning to host its second festival at the end of February.

But what does it mean to be a venue without a venue? Does the resolutely uncommercial, mostly-improvised music that Somewhere There plays host to need a physical space to thrive? How can a space sustain itself when its shows play to crowds that can often be counted on the fingers of one hand?


A note on nomenclature: The music played at Somewhere There doesn’t adhere to constraints of genre so much as a nexus of performative methodologies. A lot of it is improvised music (both of the “free” and “structured” varieties), and as such, sometimes follows in the jazz tradition. But on any given night, you’d be just as likely to hear the influence of electroacoustic, noise, musique concrète, postpunk, electronic or debased forms of folk music.

For the purposes of this piece, I’ll broadly describe the sort of music that predominates at Somewhere There as “informal creative music”, (and often simply use the phrase “creative music”) a term proposed by Scott Thomson, who defined those words thusly:

  1. “creative” is not meant in opposition to “uncreative” music but rather as distinct from “recreative” music — which, like European classical music, reproduces an idea that been prepared in advance, where the details are sorted out and perfected as much as possible before presentation to an audience. In creative music, musicians solve some of the problems in realtime, responding to each other.

  2. “informal” music breaks down the distinction between “composer” and “collaborator”. The boundary between musician and audience is porous and soft, and there is a chance for audience and performers to get to know each other. Everyone experiences the music together and there’s a greater sense that it “belongs” to a community — it just so happens that some are creating the sounds and others are listening.


February 2013. Thanks to The Tranzac Club, in the immediate aftermath of the loss of the Sterling venue, the first Somewhere There festival went ahead. To lead things off, the organizers invited trombonist Scott Thomson, who founded the original Somewhere There, to give a talk. He discussed the reasons he started the venue, looked back at the history of the local scene that preceded it, and outlined what he had hoped to achieve. (Direct quotations in this section are from that talk, entitled “Somewhere There and its Public”, delivered February 22, 2013.)

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Thomson felt that a space like Somewhere There was “something that was really needed” in the wake of a cycle of instability for creative music spaces. In the mid-2000s there was a small but fertile creative music circuit, a triangle of sorts for musicians and audiences that included the old Array Space (home to Leftover Daylight and the AIMToronto Interface series), the Tranzac, and a Sunday afternoon series at the Now Lounge. One by one, each of these became less reliable — through rumblings of condo development, trouble with the neighbours, and a loss of sympathetic personnel at the venue, respectively.

The value of these spaces was that individual gigs could be complemented with longer-term series or residencies, where an artist or group could hold down a regular timeslot over an extended time, giving a chance to build a repertoire or develop chemistry. Some shows would also take place in bars, but those would often be one-off gigs, which required more work to set up and promote and would often play to an unsympathetic crowd that was there for other reasons.

There had been efforts to set up series at a few bars (including Oasis and Victory Café), but Thomson felt there was “fundamentally no sympathy” for music that was considered too weird. In the end, “commercial forces impinged on [the] ability for shows to take place week in, week out and inevitably the bottom line would creep into the equation and the bar owner would, based on that, shut something down prematurely”.

Thomson felt he was catering to a “public” for the work rather than a “market”, opening up a conversational space and using each small audience as a chance to engage, talk about other shows, and foster connections.

Unsatisfied with the bars and fearful that the alternative spaces might disappear altogether, Somewhere There was founded as a small-scale entity with a different sort of agenda. By design, it was closer to a living room than a bar, right down to the couches up front. It had a private feel, but was open to the public. “Creative music suffers in a wholly public context. It also suffers in a wholly private context because nobody gets to hear it.”

Thomson gave a lot of thought to who the audiences were at Somewhere There’s shows, noting, “it’s hard not to when the audience might be two people.” But, inspired by Portland’s Publication Studio (which prints small runs of books customized to a title’s demand, whether that’s one copy or one hundred), Thomson felt he was catering to a “public” for the work rather than a “market”, opening up a conversational space and using each small audience as a chance to engage, talk about other shows, and foster connections. “I don’t think the public grew that much, but that wasn’t really the point. It would have been nice — it would have helped cover the rent.” But “it felt like I was attending to the social life of the music.”

Thomson estimated that in a run of about eight hundred shows, the average audience was about six people. There would be occasional “events” that would bring in larger crowds, and nights with just the musicians. But no matter how many showed up, the programming went ahead seven nights a week. It was often driven by the residency program where musicians could play regularly and curate sets by other artists, creating new opportunities for collaboration and inspiration.

Over time, the labour required to organize so many shows and maintain the space took its toll, and a rent increase put the venue’s continued viability in jeopardy, Thomson stepped back, and would subsequently move to Montréal. Somewhere There would continue, but in a different location and with a group of musicians taking over the reins.

At the festival, in the aftermath of the second location’s closing, Thomson closed his talk with a provocative question from what was now an outsider’s perspective: should Somewhere There still be a venue? If that was simply assumed, he warned, choices might be made for the wrong reasons.


Paul Newman

To the collective that took over Somewhere There after Thomson, it seemed obvious that a permanent space was needed, and that there’d be a hole in the fabric of the local creative music scene without it.

To their credit, when the original location closed up, the group that came together managed to find the new space on Sterling Road quickly enough that previously scheduled programming wasn’t lost. But every affordable space (especially in Toronto’s red-hot real estate market) demands compromises, and the second Somewhere There was less loved and less practical — a smaller space that was less amenable to large-scale rehearsals, less separated from neighbours and generally a little less comfortable. Although good music was still being made, after a while the motivating spirit wasn’t quite the same.

Attendance at shows decreased — the venue was dismissively known in some quarters as “No One’s There”. As the members of collective admit: “the energy was actually starting to wane a bit. Things tended to be a little more ad hoc and less focused than they had been… it was starting to fray at the edges a bit by the end.” (I presented the organizers behind Somewhere There with some questions for this piece, which they chose to respond to collectively by email. The answers were provided by Paul Newman, Pete Johnston and Joe Sorbara with additional feedback from Michael Lynn, Heather Segger, Arnd Jurgensen, and David Sait. Direct quotations in this section are from these responses.)

On losing the Sterling venue, the initial reaction was, once again, to try and find a new space as quickly as possible and go on as before. But the past year has lead to reflection and retrenchment: "the problem is that that space was being supported by a very small group of volunteers who, let’s be honest, were burning out. The model wasn’t sustainable.” Homelessness might have a hidden upside.

“There is absolutely something liberating about not worrying about paying the rent for the venue every month,” the collective agreed. Plus, one can only imagine that fewer administrative headaches left everyone more time to focus on playing. “We’re all just a little bit healthier one year on.”

In the meantime, the collective has continued to present a few shows per month. Both the main Somewhere There shows and a spin-off series named Audiopollination have found a temporary home at the new Array Space, a venue that is comfortable and acoustically superior, even if it is a bit out of the way and tough to find for first-time visitors.

By design, [Somewhere There] was closer to a living room than a bar, right down to the couches up front. It had a private feel, but was open to the public.

Having fewer shows makes for a different sort of experience. Thirty-two shows over a year versus seven a week has led to a palpable sense that the shows have less of that super-casual living-room vibe and are more like a traditional “concert”, seeing a finished product instead of dropping in to see something still gestating. “These recent presentations feel ‘more like shows’,” the collective confirms. “They’re less informal than the events at the venue set out to be. The idea that fewer events offer less of a chance to treat performances as part of the process… is also true.”

(As an aside, I asked the Somewhere There collective if their kind of music and social model depended on small crowds, essentially in having more performers in the room than audience members. They responded, “would something about Somewhere There be ruined if there were large crowds consistently? Let’s find out!”)


Space is important. “Most venues do come and go, and exist in time and a place for a limited period of time,” notes Jeremy Strachan (a local musician and PhD candidate in musicology who is writing on Udo Kasemets and 1960s experimentalism in Toronto). He provided some historical perspective to my questions about venues and creative music, and it’s worthwhile to quote him at length. “Physical spaces provide a crucial element of tangibility that have historically fostered not only growth and sustainability for those scenes, but instantiate their own pasts. The many chapters in Toronto’s history of experimental music can arguably be said to be written around performance spaces: Double Double Land, Somewhere There, The Music Gallery, The Tranzac, The Art Culture Resource Centre (a space at 789 Queen West from the early 80s). It goes back to the 60s and even 50s — Avrom Isaacs’ Gallery on Yonge Street was an important location for mixed media concerts and free improvisation, as well as Fluxus-style ‘environments’ and happenings. Because the nature of music scenes is so fleeting, with people coming and going, the venues themselves become important archival documents, allowing people to locate memory and presence to real places at real times.”

Although venues come and go, their survival not only provides continuity to performers and audiences, it also allows for venues to mutate and develop in unforeseen directions. The history of Toronto’s Music Gallery is instructive in this regard: founded by CCMC as a sort of open jam space it adapted over time into something else entirely and is now an important creative music institution, working as an interface between the “informal” milieux of places like Somewhere There and the more formal world of high culture.


Pragmatic utopianism. I asked the Somewhere There collective if trying to find a space for resolutely non-commercial music is an act of defiance in the current socio-political environment. Are they challenging the dominant model of capitalism and looking for new forms of organization/community, or is it just a practical matter of trying to find some place (er, somewhere) to play music? My sense is that the response came with a bit of a hesitation, and I’m guessing I would get a wide range of answers if I spoke to the individual members.

But they did agree on these sentiments: "first of all, defying capitalism is a practical matter at this point. It’s not a sustainable system. Period. Really, though, by any and all understandings of a society centred around the building of capital, what we do wouldn’t and shouldn’t exist. If we were interested only in money, we wouldn’t be making the music we make and we wouldn’t be presenting the music we present. Nobody is getting rich off of creative music.”

Furthermore, “the music that we listen to, make, present, nurture, celebrate, works in direct opposition to any musics designed to be accessible to as many consumers as possible. We’re interested in listening ears and open minds. We’re interested in challenging music, critical music, impossible music. We are music-ists, not capitalists.”

Financial and existential marginality is nothing new, and sustainability has long been incompatible with musical boundary pushing. Informal spaces simply don’t make sense in a market-driven system. But that is, of course, the system we’re in.

“We do live and work in a capitalist society,” the collective agrees. “It wouldn’t be helpful to anyone to pretend that that’s not true… The only way we’re going to have space for informal creative music-making in Toronto is to get some funding in place, either from an arts council or two or from a private benefactor or through some combination of these things. At this point, that’s our long-term goal."

“‘Fringe’ music scenes… operate within frameworks that rely mostly on volunteer efforts, sporadic public funding, personal donations, and (very) lastly, box office revenue to pay rent,” notes Strachan. The role of government funding for creative music — and the notion that such investments are actually fairly savvy over the long run — is worthy of a whole other essay. But for the time being, let’s ignore the how — and assume that groups like Somewhere There are going to continue to present as many shows as they can, through whatever means — and think about why these shows are valuable.


Communities create art. Does art create communities? Many of the overlapping communities we situate ourselves in are defined by passivity, craven profiteering, and subtle hierarchies of dominance. That makes communities based on other principles — small-scale, engaged, locally-based — something worth cherishing and nurturing.

Let me propose two ideas. One: making music and making spaces to make music are fundamentally social processes, even more than artistic processes. Two: for better or for worse, the particular social relations we engage in become embodied in the communities we inhabit.

If those things hold true, then it follows that membership in a creative music community is a wilful act of projecting a better sort of society.

This is as true for informal creative music in Toronto as it is for hip-hop in Halifax, string quartets in Saskatoon or noise bands in North Vancouver — attending to our scenes, however small and “marginal” they are, is an investment in the kind of world we want to live in.


If that’s the case, one tentative conclusion is that making the effort is valuable, even if it’s for small-scale and temporary results. That gives a bit of a mooring against the constant flux of contingencies and compromises.

Some venues will thrive, some will disappear. A few will become victims of their own success. Some experiments will work out and others won’t. There will be endless new ways to succeed and fail and to learn and move on from either. Just like in improvised music, failure is a viable option — sometimes it’s not really failure at all. Failure is a pause, not a full stop, and a chance to come at a problem from a new angle. Somewhere There is dead; long live Somewhere There.



It is a February afternoon in Toronto. The latest cold snap has passed, and I make my way into The Tranzac, where Allison Cameron, equally talented as a composer and improviser, is beginning a new monthly series, much like the residencies she once had at Somewhere There.

Playing as a duo with D. Alex Meeks — the mysterious Holiday Rambler — Allison sits at the piano and begins to play, doubling her lines with a ribbon synthesizer while incomprehensible bursts from a radio babble in the background. I look around the room and see we are a crowd of three; I recognize the other faces.

In the break between sets, we are five people gathered together at the front of the room. Composer/songwriter Stephen Parkinson wanders over to the piano an idly picks out a few notes. I introduce myself to William Davison, who I had seen doing some improvised electroacoustic pieces at an Audiopollination show a couple weeks before. D. Alex explains how Pierre Bastien’s mechanical constructions are his third biggest influence on his drumming. We get an update on Allison’s cat.

For the second set, Allison sits on the floor, surrounded by her small amplified instruments, plucking a ukulele and generating squeals of feedback while rolling a metal ball over the keys of a thumb piano. The building is unusually quiet. There’s the occasional glass clink as the bartender sets up; it complements the music. Over in the Tiki Room, a few people gather around a table for some sort of meeting. It was all very Tranzac-y.

The sun is bright over Brunswick Avenue, and through the window I watch a man trying to clear the ice off the sidewalk with a series of plunging, harpoon-like stabs, unaware that his actions are being scored by a pair of musicians across the street. The musicians don’t know they’re providing a soundtrack, either, but it seems to be in perfect sync as the music slows and weary homeowner slumps forward out of frustration or exhaustion.

In fact, the whole scenario seems perfect, close to my idea of a secular heaven. Good people and good music around me, the sunlight glowing through the windows, just as these odd bits of culture can find their way through the cracks and illuminate the folks who need it and nurture it.

Everyone knows this is somewhere.



If you are curious, you are welcome to explore Toronto’s creative music community. Some of the music being played is probably similar to music you already know, but has just been put into a different box. (Some of the music is utterly unlike anything you already know.) Going to small-scale shows can be a bit awkward for the introverted or shy (I can attest to this from personal experience), but if you show up and nod politely and find a spot off to the side, you’ll be given some space to yourself. If you step over and say hello to the musicians and others milling around, you’ll be greeted warmly. There are shows going on quite frequently if you know where to look. Here are some places to look:

  • The second annual Somewhere There Creative Music Festival happens February 21–23. The line-up is stacked with great local talent.
  • Both Somewhere There’s ongoing shows and spin-off series Audiopollination can be found at Array Space, Audiopollination specializes in throwing together musicians who have never played with each other before and also features live, realtime processed visuals, adding another layer of improvisation.
  • Soundlist is a weekly e-mail digest of “Toronto Experimental Music, Free Improvisation and Sound Art”.
  • Allison Cameron plays The Tranzac Club on the first Sunday of every month, 1–3 p.m. (Many other creative musicians have monthly residencies there as well, including Lina Allemano, Aurochs, Sandro Perri, Alaniaris, Steve Ward, Nick Fraser and Ryan Driver. Shows are always PWYC)

C’est une nuit de janvier à Toronto. La vague de froid est passée. Même si les trottoirs sont encore traîtreusement glacés, une poignée de gens ont marché d’un pas traînant à travers une plate-forme de chargement remplie de camions et de machines à glace enneigées jusqu’à un espace joliment réaménagé pour un spectacle organisé par la coopérative Somewhere There.

Le jour de ses cinquante ans, le saxophoniste ténor Paul Newman fête en invitant des amis à jouer avec lui. La saxophoniste alto Karen Ng se joint à lui pour jouer un morceau dont le titre vient d’un biscuit chinois (« You May Attend a Party Where Strange Customs Prevail »), et le percussionniste Joe Sorbara contribue à une version duo spéciale de « Large Solo Piece No. 1 ».

Pendant les pauses entre les prestations, la petite foule se rassemble pour jaser, la plupart d’entre eux ayant déjà joué avec Newman à un moment ou un autre. La batteuse Germaine Liu ne joue pas ce soir, mais elle a apporté un gâteau d’anniversaire. On fait un souhait, on souffle les bougies et tout le monde a un morceau du gâteau au chocolat végétalien. Après la pause, la tromboniste Heather Segger se joint à Newman et elle retourne sur la scène avec Ng pour jouer le nouveau morceau, encore en cours d’élaboration, afin de clôturer la soirée. Newman sourit et déclare que c’est une fête d’anniversaire réussie.

Le titre du dernier morceau? « Everyone Knows This is Somewhere ».


Somewhere There n’est nulle part. Somewhere There fut établi en tant que salle de spectacles en 2007 et a évolué en trois phases distinctes. L’espace original de Somewhere There, en arrière d’un entrepôt de meubles près des rues Queen et Dufferin, fut fondé par Scott Thomson en 2007. Lorsque l’établissement changea de lieu, cette deuxième instauration fut gérée par une coopérative de musiciens sur le chemin Sterling. Mais Somewhere There n’a pas eu d’espace réel depuis plus d’un an : « des plaintes relatives au bruit et autres désagréments » étaient les présumées raisons de la fermeture du loft sur Sterling au début de l’année 2013, à la veille d’un week-end ou un festival devait amener de nouveaux visages dans l’espace. L’embourgeoisement rapide du quartier a fait en sorte que plusieurs espaces musicaux DIY ont été supplantés par des centres d’entraînement physique et d’autres signes de mobilité sociale ascendante et de progrès urbain.

Mais qu’est-ce que ça veut dire d’avoir un espace sans avoir un espace?

Alors que la chasse à l’espace approprié continue, la coop organise des spectacles où elle le peut et sera l’hôte de leur deuxième festival à la fin du mois de février.

Mais qu’est-ce que ça veut dire d’avoir un espace sans avoir un espace? Est-ce que la musique résolument non commerciale et quasiment improvisée présentée à Somewhere There nécessite un espace réel pour grandir? Comment un espace peut-il se soutenir lorsqu’il présente des spectacles où le public ne représente qu’une poignée de gens?


Une note sur la nomenclature : La musique qu’on joue à Somewhere There n’adhère pas aux contraintes de genre autant qu’aux méthodologies liées à la performance. L’improvisation prend beaucoup de place (à la fois celle « libre » et celle « structurée ») et suit quelquefois les traditions jazz. Mais, chaque soir, vous pourriez aussi bien entendre les influences de l’électroacoustique, du noise, de la musique concrète, du postpunk, de la musique électronique ou de la musique folk dégradée.

Aux fins de cet article, je décrirais généralement le genre de musique présenté à Somewhere There comme étant une « musique créative décontractée » (et en utilisant souvent simplement « musique créative »), un terme que Scott Thomas a proposé, lui qui définit ces mots ainsi :

  1. « Créative » non pas pour l’opposer à la musique dépourvue de création, mais plutôt pour la distinguer de la musique « récréative » — qui, comme la musique classique d’Europe, reproduit une idée préconçue, où les détails sont arrangés et perfectionnés autant que possible avant de les présenter au public. Dans la musique créative, les musiciens règlent quelques-uns des problèmes en temps réel, en se renvoyant la balle.
  2. « Décontractée », car cela explique la différence entre le « compositeur » et le « collaborateur ». La barrière entre le musicien et le public est ouverte et douce et il y a un moment où le public et les artistes peuvent apprendre à se connaître. Les gens sont témoins de musique ensemble et il y a cette conscience qu’elle « appartient » à la communauté – il se trouve juste que certains créent les sons et que les autres les écoutent.


Février 2013. Grâce au Tranzac Club, le contrecoup de la perte de la salle sur Sterling a tout de même permis au premier festival Somewhere There d’avoir lieu. Pour commencer, les organisateurs ont invité le tromboniste Scott Thomson, fondateur du Somewhere There initial, à en parler. Il a discuté des raisons de l’ouverture de la salle, en se remémorant l’histoire de la scène locale avant que le lieu existe, et a dressé les grandes lignes de ses buts. (Les citations de cette partie du texte proviennent de cette rencontre, intitulée « Somewhere There and its Public », en date du 22 février 2013)

Thomson trouvait qu’un espace comme Somewhere There était « quelque chose de vraiment nécessaire » à la suite de l’instabilité des salles dédiées à la musique créative. Au milieu des années 2000, il y avait un circuit de musique créative, exigu mais fertile, comme un genre de triangle pour les musiciens et les spectateurs, formé par l’espace Old Array (d’où provient Leftover Daylight et la série AIMToronto Interface), le Tranzac et la série hebdomadaire du dimanche après-midi au Now Lounge. Un à un, chaque espace est devenu inconstant, respectivement dû aux constants développements de condominiums, aux problèmes avec les voisins et à la perte d’employés compatissants.

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Ces espaces et les artistes qui y présentaient pouvaient bénéficier de séries de spectacles à long terme et de résidences, un attrait important. Un groupe ou un artiste pouvait donc obtenir un temps régulier et le maintenir, leur permettant de bâtir leur répertoire et de développer une chimie. Certains spectacles se tenaient dans des bars, mais ceux-ci étaient éphémères et demandaient davantage de travail pour l’installation et la promotion, pour finalement devoir se produire devant un public indifférent et qui était là pour d’autres raisons.

On avait essayé d’instaurer des séries de spectacles dans certains bars (dont Oasis et Victory Café), mais Thomson trouvait qu’il n’y avait « au fond, aucune sympathie » pour de la musique considérée trop bizarre. Bref, « les forces commerciales empiétaient sur les spectacles qu’on tentait de présenter de semaine en semaine et inévitablement, en raison des impératifs monétaires, le propriétaire du bar devait stopper la chose prématurément. »

Insatisfait des bars et craintif que d’autres espaces ne disparaissent littéralement, Somewhere There fut fondé en tant que petite entité avec un but différent. Il ressemblait davantage à un salon qu’à un bar, grâce aux sofas dans l’entrée. On ressentait cette ambiance privée, même si c’était ouvert au public. « La musique créative souffre dans un milieu entièrement public. Elle souffre aussi dans un contexte entièrement privé parce que personne n’a la chance de l’écouter. »

Thomson a réfléchi beaucoup à qui était dans le public aux spectacles à Somewhere There. Il remarqua que « c’est difficile de ne pas s’en préoccuper lorsqu’il ne peut y avoir que deux personnes dans l’assistance. » Mais, inspiré par Publication Studio de Portland (qui imprime de petites quantités de livres sur mesure selon les demandes du titre, que ce soit pour une copie ou pour cent) Thomson trouvait qu’il travaillait pour un « public » plutôt qu’un « marché » en ouvrant un espace ou l’on pouvait converser et utiliser la petite taille de la foule comme une chance de communiquer, de parler d’autres spectacles et de favoriser les connections. « Je ne crois pas qu’il y a eu bien plus de spectateurs, mais ce n’était pas vraiment le but. Ça aurait été bien, ça aurait aidé à payer le loyer ». Mais, « j’avais l’impression de m’occuper de la vie sociale de la musique. » Thomson estimait que pour une séquence de 800 spectacles, chacun attirait en moyenne six spectateurs. Il y avait certains « évenements » qui amenaient plus de gens et certains autres soirs où seuls les musiciens étaient présents. Mais peu importe le nombre, la programmation suivait son cours 7 soirs par semaine. La motivation venait du programme de résidence où les musiciens pouvaient jouer régulièrement et organiser des sets pour d’autres artistes. Ceci permettait de créer de nouvelles opportunités de collaboration et d’aide à l’inspiration. Au fil du temps, le travail que demandait l’organisation d’autant de spectacles et le maintien de l’espace ont fait des ravages. En plus, l’augmentation du loyer mettait constamment les chances de réussite en péril. Thomson a pris du recul et est par la suite déménagé à Montréal. Somewhere There allait continuer, mais dans un espace différent, avec un groupe de musiciens reprenant les rênes.

Au festival, l’après-coup de la fermeture du deuxième espace a forcé Thomson à poser une question provocante, maintenant du point de vue d’un étranger et terminant ainsi la discussion : est-ce que Somewhere There devait encore être un espace? Si l’on tenait cela pour acquis, Thomson nous prévenait que des choix seraient faits pour de mauvaises raisons.


Paul Newman

Pour le collectif qui a repris Somewhere There après Thomson, il semblait évident qu’un local permanent devenait nécessaire, que sans ce local, il manquerait quelque chose à la scène musicale locale.

Tout à leur honneur, après la fermeture de l’endroit original, le groupe formé a réussi à trouver le nouveau local sur le chemin Sterling assez rapidement pour ne pas perdre la programmation prévue. Mais tous les espaces abordables (surtout sur le marché immobilier convoité de Toronto) exigeaient de faire des compromis, et le deuxième Somewhere There était moins apprécié et moins pratique — un espace plus petit, moins bien aménagé pour les répétitions de grande envergure, moins éloigné des voisins, et en général, un peu moins confortable. Même si on y faisait de la bonne musique, après un moment, la motivation n’était plus la même.

L’affluence aux spectacles diminue et dans certains cercles, on renomme avec mépris la salle No One’s There (N.D.T. : « Il n’y a personne »). Les membres du collectif avouent : « l’énergie commençait à décliner un peu. Les choses commençaient à être plus ad hoc et moins canalisées qu’avant… ça commençait à s’effriter un peu vers la fin ». (Pour écrire cet article, j’ai envoyé des questions aux organisateurs de Somewhere There auxquelles ils ont choisi de répondre collectivement par courriel. Les réponses ont été fournies par Paul Newman, Pete Johnson et Joe Sorbara avec les commentaires de Michael Lynn, Heather Segger, Arnd Jurgensen et David Sait. Les citations dans cette section proviennent de ces réponses.)

La première réaction à la perte de la salle du chemin Sterling fut, encore une fois, de tenter de trouver un nouvel espace aussi rapidement que possible et de continuer comme avant. Mais l’année qui venait de s’écouler avait provoqué réflexion et repli : « le problème c’est qu’un très petit groupe de bénévoles soutenait ce local, et ils étaient, soyons honnêtes, au bout du rouleau. Le modèle d’affaires ne pouvait pas réussir ». L’itinérance a peut-être un bon côté caché.

Le collectif s’accorde : « c’est incroyablement libérateur de ne pas se demander comment payer le loyer de la salle chaque mois ». De plus, on peut imaginer que sans les maux de tête administratifs, tout le monde pouvait consacrer plus de temps à jouer. « On est tous un peu plus en santé un an plus tard. »

Entre temps, le collectif présente toujours quelques spectacles chaque mois. Somewhere There et sa série dérivée Audiopollination ont trouvé un toit temporaire au nouveau Array Space, une salle confortable et acoustiquement supérieure, même si c’est un peu plus loin et plus difficile à trouver pour les nouveaux visiteurs.

Présenter moins de spectacles était une expérience différente. Trente-deux représentations par année plutôt que sept par semaine donnaient l’impression qu’elles avaient moins de cette ambiance super décontractée de salon et ressemblaient plus à des spectacles traditionnels, qu’on voyait un produit fini plutôt que de jeter un coup d’œil à un projet en gestation. « Les dernières représentations ont plus l’air de spectacles », confirme le collectif. « Elles sont moins informelles que ce que nous avions planifié pour les événements à la salle. L’idée qu’un nombre restreint d’événements donne moins la chance de voir les spectacles comme un processus… est tout à fait vraie. »

(En aparté, j’ai demandé au collectif Somewhere There si leur genre musical et leur modèle social dépendaient des petites foules, essentiellement en ayant plus de musiciens que de membres du public dans la salle. Ils ont répondu : « est-ce que l’essence de Somewhere There serait ruinée s’il y avait toujours de grandes foules? Essayons! »)


L’importance du lieu : « La plupart des salles vont et viennent, et existent à un moment et dans un lieu donnés pour une courte période » affirme Jeremy Strachan (un [musicien]9https://soundcloud.com/kominorecords/sets/k0m1n0-002/) local et doctorant en musicologie, sa thèse porte sur Udo Kasemets et l’expérimentation des années 1960 à Toronto). Il offre une perspective historique à mes questions sur les salles et la musique créative, et il vaut la peine de le citer en entier. « Les lieux physiques offrent un élément crucial de la tangibilité qui a historiquement favorisé non seulement la croissance et la longévité de ces scènes, mais qui fait en sorte que celles-ci créent leur propre passé. On peut faire la démonstration que les nombreux chapitres de l’histoire de la musique expérimentale torontoise ont eu lieu autour de ces lieux de spectacle : Double Double Land, Somewhere There, The Music Gallery, The Tranzac, The Art Culture Resource Centre (une salle située au 789, rue Queen Ouest au début des années 1980). On peut remonter jusqu’aux années 1960 et même 1950 – Avrom Isaacs’ Gallery sur la rue Yonge était un lieu important pour les concerts de médias combinés et d’improvisation, autant que les “environnements” de style Fluxus et les happenings. Parce que l’essence des scènes musicales est si fluide, les gens vont et viennent, les salles deviennent en elles-mêmes d’importants documents d’archives, permettant aux gens de placer leurs souvenirs et leur présence à des endroits précis, à des moments précis. »

Même si les salles apparaissent et disparaissent, leur survie ne procure pas seulement une continuité pour les musiciens et leur public, elle permet aux salles de se transformer et de se développer dans des directions inattendues. L’histoire de la Music Gallery de Toronto est intéressante à ce sujet : la salle, fondée par CCMC pour servir d’espace ouvert dédié à l’improvisation, s’est adaptée avec le temps à quelque chose de complètement différent et tient maintenant lieu d’institution importante de musique créative et sert de liaison entre les milieux « informels » comme Somewhere There et le monde plus formel de la haute culture. D’ailleurs, la Music Gallery fut originalement conçue comme « galerie de musique » au même titre qu’une galerie d’art visuel. Ce sens littéral du nom, bien qu’évident, m’a tout de même surpris lorsque j’ai appris que ses fondateurs aspiraient réellement à créer une galerie musicale.


Utopisme pragmatique. J’ai demandé au collectif Somewhere There si la tentative de trouver un espace pour faire de la musique résolument non commerciale est un geste de provocation envers l’actuel environnement sociopolitique. Est-ce qu’ils mettent au défi le modèle dominant du capitalisme et cherchent de nouvelles formes d’organisation/de communauté, ou est-ce seulement une question pratique de trouver un endroit pour jouer de la musique? J’ai senti une hésitation à répondre et j’imagine que j’aurais obtenu une variété de réponses si j’avais parlé à chaque membre individuellement.

Mais ils se sont entendus sur ces points : « d’abord, mettre au défi le capitalisme est une question pratique en soi actuellement. Ce n’est pas un système durable. Point. Par contre, dans toute conception d’une société axée sur l’accumulation de richesses, ce qu’on fait ne devrait pas et ne pourrait pas exister. Si on s’intéressait seulement à l’argent, on ne produirait pas la musique que nous faisons et on n’offrirait pas la musique que nous présentons. On ne devient pas riche avec la musique créative.»

De plus, « la musique que nous écoutons, créons, présentons, encourageons, célébrons diffère complètement de la musique créée pour être accessible au plus grand nombre de consommateurs possible. Nous nous intéressons aux oreilles attentives et aux esprits ouverts. Nous voulons de la musique déstabilisante, de la musique critique, de la musique impossible. Nous sommes des musiquistes, pas des capitalistes. »

L’individualité financière et existentielle n’est pas un fait nouveau, et la longévité a longtemps été incompatible avec l’exploration au-delà des frontières musicales. Les lieux informels semblent insensés dans un système axé sur le marché. Mais c’est le système dans lequel nous vivons.

« Nous vivons et travaillons dans une société capitaliste », admet le collectif. « Le nier ne rend service à personne… La seule façon d’avoir un espace pour faire de la musique créative informelle à Toronto est d’obtenir du financement, provenant d’un ou deux conseils des arts ou d’un bienfaiteur privé ou combinant les deux. En ce moment, c’est notre objectif à long terme. »

« Pour payer le loyer, les milieux de musique marginale dépendent surtout de l’implication des bénévoles, d’un financement public sporadique, de dons privés et, vraiment en dernier lieu, des revenus de la vente de billets », affirme Strachan. On pourrait écrire un autre article en entier sur le rôle du financement gouvernemental de la musique créative et la notion qu’un tel financement est vraiment astucieux à long terme. Mais pour le moment, oublions le comment et présumons que les groupes comme Somewhere There continueront à offrir autant de spectacles que possible, peu importe les moyens utilisés – et demandons-nous pourquoi ces spectacles sont si importants.


Les communautés engendrent l’art. Est-ce que l’art engendre les communautés? L’idée a été proposée au premier festival Somewhere There, le 23 février 2013, dans la conférence de Martin Arnold intitulée « Wondering About an Experimental Folk Music ». Arnold s’est inspiré à son tour du livre de Sally Banes, « Greenwich Village 1963: Avant-Garde Performance and the Effervescent Body ».

La passivité, le mercantilisme lâche et les hiérarchies subtiles de domination caractérisent plusieurs des communautés superposées auxquelles nous appartenons. Les communautés fondées sur d’autres principes, réduites, engagées et locales, valent la peine que nous les chérissions et les favorisions.

Je vous propose deux idées. Un : Plus qu’un processus artistique, faire de la musique et offrir des lieux pour en faire est un processus social fondamental. Deux : pour le meilleur et pour le pire, les relations sociales particulières que nous forgeons font partie intégrante des communautés que nous habitons.

Si j’ai raison, alors de toute évidence, adhérer à une communauté de musique créative est un acte délibéré d’aspiration à une société meilleure.

C’est tout aussi vrai pour la musique créative informelle torontoise que pour le hip-hop à Halifax, le quatuor de cordes à Saskatoon ou le noise de North Vancouver – prendre part à nos scènes, même petites et “marginales”, est un investissement dans un monde où nous voulons vivre.


Si c’est le cas, tentons de conclure en disant que ça vaut la peine de faire des efforts, même si ça ne donne que des résultats temporaires à petite échelle. Ça donne un point d’ancrage contre le flot constant d’imprévus et de compromis.

Certaines salles prospéreront, d’autres disparaîteront. Quelques-unes seront victimes de leur propre succès. Certaines expériences fonctionneront et d’autres non. Il y aura un nombre infini de façons de réussir et d’échouer, d’apprendre et de persévérer. Comme en musique improvisée, l’échec est une solution viable, parfois, ce n’est même pas un échec. Une défaite est une pause, pas un arrêt complet, et une chance d’aborder un problème sous un angle nouveau. Somewhere There est mort, vive Somewhere There.



C’est un après-midi de février à Toronto. La dernière vague de froid est terminée et j’entre au Tranzac où Allison Cameron, une compositrice et improvisatrice talentueuse, commence une nouvelle série mensuelle qui ressemble à la résidence qu’elle a déjà eue chez Somewhere There. Jouant en duo avec D. Alex Meeks, le mystérieux Holiday Rambler, Allison est assise au piano et commence à jouer, doublant ses lignes avec un synthétiseur à ruban alors que des éclats incompréhensibles sortant d’une radio babillent en arrière-plan. Je regarde autour de moi et je remarque que nous sommes trois, des visages que je reconnais.

Pendant la pause entre les prestations, les cinq personnes se rassemblent au-devant de la pièce. L’auteur-compositeur Stephen Parkinson erre jusqu’au piano et joue nonchalamment quelques notes. Je me présente à William Davison que j’avais vu jouer des pièces électroacoustiques improvisées lors d’un spectacle à Audiopollination quelques semaines auparavant. D. Alex explique que les constructions mécaniques de Pierre Bastien font partie des trois grandes influences de sa technique à la batterie. Allison nous donne des nouvelles de son chat.

Lors de la deuxième prestation, Allison est assise au sol, entourée de ses petits instruments amplifiés, pinçant un ukulélé et créant des couinements de rétroaction tout en faisant rouler une balle de métal sur les touches d’un piano à pouces. L’édifice est anormalement silencieux. On attend parfois des verres s’entrechoquer pendant les préparatifs derrière le bar, agrémentant la musique. Au Tiki Room situé au-dessus, quelques personnes se rassemblent autour d’une table pour une rencontre quelconque. Ça faisait très Tranzac.

Le soleil brille sur l’avenue Brunswick, et par la fenêtre, je regarde un homme qui tente de déglacer le trottoir dans une enfilade de gestes semblables à des coups de poignard ou de harpon sans se douter que ses gestes sont mis en musique par un duo de musiciens l’autre côté de la rue. Les musiciens non plus ne savent pas qu’ils en fournissent la bande sonore, mais on dirait que la synchronisation est parfaite alors que la musique ralentit et que l’homme, las, abandonne, frustré ou exténué.

En fait, le scénario semble parfait, tout près de l’idée que je me fais d’un paradis laïc. Autour de moi de mbonnes personnes et de la bonne musique, les rayons du soleil brillent dans les fenêtres, pendant que ces curieux morceaux de culture réussissent à trouver leur chemin à travers les ouvertures et illuminent les gens qui en ont besoin et qui les encouragent.

Tout le monde sait qu’on est ici « somewhere » (N.D.T. : quelque part)



Si vous êtes curieux, n’hésitez pas à explorer la communauté de musique créative torontoise. La musique qu’on y joue peut parfois ressembler à celle que vous connaissez, elle a seulement été mise dans une boîte différente. (Et parfois, la musique ne ressemble en rien à ce que vous connaissez.) Assister à un spectacle à petite échelle peut être intimidant pour une personne introvertie ou gênée (croyez-en mon expérience personnelle), mais si vous y allez, faites un signe de tête poli et choisissez une place retirée sur le côté, on vous laissera en paix. Si vous vous avancez et que vous dites bonjour aux musiciens et à ceux qui se tiennent autour, on vous accueillera chaleureusement. Il y a souvent des spectacles si vous savez où chercher. Voici quelques lieux à découvrir :

  • Le deuxième Festival annuel de musique créative Somewhere There a lieu du 21 au 23 février. La liste des participants regorge de musiciens locaux talentueux.
  • Vous trouverez les spectacles en vigueur de Somewhere There et de sa série dérivée Audiopollination à l’Array Space. La spécialité d’Audiopollination est de rassembler des musiciens qui n’ont jamais joué ensemble et de présenter des pièces visuelles en direct et créées en temps réel ajoutant une couche supplémentaire d’improvisation.
  • Soundlist est un résumé hebdomadaire par courriel traitement de “musique expérimentale de Toronto, improvisation gratuite et art sonore”. Allison Cameron joue au Tranzac Club le premier dimanche chaque mois de 13 h à 15 h. (Plusieurs autres artistes créatifs ont une résidence mensuelle au même endroit, dont Lina Allemano, Aurochs, Sandro Perri, Alaniaris, Steve Ward, Nick Fraser et Ryan Driver. Pour entrer, vous payez ce que vous pouvez.)

Inferred Views :: Jason Wydra of Soybomb HQ

Soybomb HQ (photo: Amanda Fotes)Soybomb HQ (thumb - photo: Amanda Fotes)

In October of 2003, a group of enterprising skateboarders, hardcore music enthusiasts and carpenters built a half-pipe in their apartment above a bike shop near Queen Street West in Toronto. Founder Jason Wydra had originally intended the space to be a place where he and his friends could skate and sleep. Soon enough, bands were setting up on the half-pipe to play shows to increasingly large crowds of friends and fans in the community. Ten years later, Soybomb HQ has become one of the city’s most beloved DIY venues, with some events bringing in over 1,000 people throughout the evening. The space has maintained its inclusive ethos in the midst of a rapidly changing neighbourhood. As their 10th anniversary approaches, Wydra shared some insights as to how Soybomb has managed to survive and flourish for all these years.

Alison Lang: What was the first show like at Soybomb?

Jason Wydra: It was a Halloween party/show — because Halloween rules. It wasn’t too different from what goes on now. The sound system was crappier, and the general layout of the space was a bit different, but it was punk/hardcore music with drunk people having fun. It was probably also the last or second last time we had the ramp open for skating while the bands were playing. The bands actually played over by the kitchen then, not in the ramp. There was probably about 100-200 peoples that passed through, I think. Most people were in costume of course!

In cities all over Canada, there are places where people open up their living/creative spaces to bands and the public. Unlike Soybomb, though, a lot of these places don’t last a year, much less 10. What is the secret to Soybomb’s longevity, do you think?

I think one of the main things to realize is that if you have neighbours, whether it be a business or a resident, they have their own concerns as well, so you have to be an ambassador to the space and make friends. Do favours for them, and make stuff positive. If there’s a problem, fix it! That way when you have a gig happening that has a bunch of (probably drunk) people and kids showing up, they won’t mind so much. Also, don’t turn your space into a concert venue where you’re throwing events constantly. That will piss off your neighbours no matter what you do!

We make sure that the neighbours’ properties are kept clean and we invite them to ALL the gigs too! So even if they don’t feel like going, at least they don’t feel excluded. We’ve had to mop the downstairs store when it had beer dripping down on it, and we even spent over $1,000 and a full week resurfacing the floor.

We have also never tried to book shows as a source of real revenue in order to pay rent and bills. That puts you in the inevitable position of booking too often, pissing off your neighbours, and also potentially booking gigs that are not fun.

I imagine you have seen a lot of changes in 10 years in the area surrounding Soybomb. How do you guys maintain your space and ethos in the midst of these changes?

We’ve been lucky. We’ve never actually had our rent increased in the entire decade we’ve been there. I think part of that is attributed to the fact that we are mostly decent tenants. I really love what we have at Soybomb and I don’t ever want to put that in jeopardy by being an annoying tenant and constantly bugging the landlord. So again, ambassadorship.

But the neighbourhood has changed a LOT. Condo and townhouse development in the area has brought a different kind of resident to the community, and with them different kinds of businesses. Then the fire at Duke’s Cycle happened in 2008 and a lot of older mainstays of the neighbourhood were gone. One by one the older, less flashy businesses disappeared, rents went up, and a multitude of boutiques for shoes, clothes, furniture, spas, fancy restaurants and bars moved in. I can’t say if it’s bad or good. But it’s driven the rent up, so that most of the boot-strap DIY-minded people who used to populate this area are gone.

As for maintaining a general ethos towards what we do, how we participate in the music community, and the ways we encourage others to participate, I don’t think the changes in the area effect that. With the rise of DIY mentality in general in our culture, I think there is a certain amount of respect for people who seem to be giving it a go.

What does 10 years really mean to you? Are you nostalgic about all the stuff that’s happened since you started the place, or do you avoid that type of sentimentality?

Ten years went by too fast. It’s hard! When you’re busy and have your eyes focused on your little goals (and I have a thousand of them) you don’t really notice it go by.

There are little moments from Soybomb’s past that I treasure. Just recently one of my all-time biggest musical influences, Nick Sakes — a principal member of the band Dazzling Killmen, and later Colossamite, and then Sicbay — actually came and played my birthday gig this year with his new project Xaddax, which is a noisy weird two-piece consisting of him and his partner Chrissie. Still trying to wrap my head around that one. Pretty major bucket list stuff right there.

I am proud of all the work I’ve done in the place, but in the end, I don’t dwell on it. I’m always focused on the next project. I only want past successes to help facilitate new and exciting projects in the end, and sentimentality is rare.

What do you have planned for the 10th anniversary?

We’ve enlisted bands like Alaskan from Ottawa, Expectorated Sequence from Montreal, a Black Faxes revival (including a buttload of Misfits songs), local sweethearts Pretty Mouth, and many more will be making appearances.

The celebration will take place over two nights: Friday, Oct. 25 and Saturday, Oct 26, and both nights will be Halloween costume balls of course! We’ll have printed posters for the event and maybe even revisit a Soybomb t-shirt again. In typical Soybomb fashion, more details will likely get figured out the night before the shows. Heh!

En octobre 2003, une bande de planchistes, d’amateurs de musique hardcore et de charpentiers pleins d’initiative ont construit un half pipe dans leur appartement situé au-dessus d’une boutique de vélos près de la rue Queen Ouest à Toronto. Le fondateur, Jason Wydra, voulait à l’origine que l’endroit serve, pour ses amis et lui, à faire du skate et à dormir. Rapidement, des groupes ont commencé à donner des spectacles sur la rampe devant une foule croissante d’amis et de fans des environs. Dix ans plus tard, Soybomb HQ est l’une des salles indépendantes les plus aimées en ville; certains spectacles attirent même plus de 1000 personnes en une soirée. L’endroit a conservé son approche inclusive au coeur d’un quartier en pleine mouvance. Pour le 10e anniversaire qui approche, Wydra jette un peu de lumière sur un Soybomb qui est parvenu à survivre et à s’épanouir pendant tant d’années.

Alison Lang : À quoi ressemblait le premier spectacle à Soybomb?

Jason Wydra : C’était un party/show d’Halloween, parce que, l’Halloween, c’est cool. Ce n’était pas très différent d’aujourd’hui. Le système de son était plus merdique et la salle était aménagée un peu différemment, mais c’était de la musique punk/hardcore avec des gens soûls qui s’amusaient. C’était probablement aussi la dernière ou avant-dernière fois que la rampe était ouverte pour rouler pendant que le groupe jouait. En fait, les groupes se produisaient près de la cuisine dans le temps, pas sur la rampe. Il y a eu autour de 100 à 200 personnes ce soir-là. La plupart étaient déguisées, évidemment!

Partout au Canada, les gens ouvrent les portes de leur lieu de création/de vie à des groupes de musique et au public. Pourtant, contrairement à Soybomb, nombre de ces endroits ne résistent pas un an, encore moins dix. Selon toi, quel est le secret de la longévité de Soybomb?

Je pense qu’une des principales choses qu’on doit comprendre, c’est que si vous avez des voisins, que ce soit un commerce ou un domicile, ils ont leurs propres soucis aussi. Donc, il faut être un ambassadeur de l’emplacement et se faire des amis. Rendez-leur des services, faites en sorte que tout se passe bien. S’il y a un problème, réglez-le! De cette façon, quand vous organisez un concert et qu’une gang de jeunes (probablement soûls) se pointe, ça ne les dérangera pas autant. Il ne faut pas non plus qu’il y ait constamment des concerts. Ça fera chier vos voisins peu importe ce que vous faites!

On s’assure que la propriété des voisins reste propre et nous les invitons à TOUS les concerts! Même s’ils n’ont pas le goût de venir, au moins ils ne se sentent pas exclus. On a dû nettoyer le plancher du commerce d’en dessous, car de la bière avait coulé jusqu’en bas. On a même dépensé 1000 $ et passé une semaine entière à refaire le plancher.

Nous n’avons jamais tenté d’organiser des concerts pour en tirer un vrai revenu, qui aurait servi à payer le loyer et les comptes. Le côté lucratif nous aurait inévitablement forcés à organiser trop de concerts, à faire chier les voisins, et aussi possiblement à accueillir des concerts plates.

J’imagine que tu as été témoin de beaucoup de changement en dix ans dans le quartier de Soybomb. Comment avez-vous fait pour conserver votre emplacement et votre éthique au travers tous ces changements?

On a été chanceux. Notre loyer n’a jamais vraiment été augmenté durant les dix années que nous avons passées ici. Je crois que c’est surtout parce que nous sommes de bons locataires. J’aime vraiment ce que nous avons à Soybomb et je ne voudrais jamais risquer de le perdre en étant un locataire fatiguant et en cassant les pieds du propriétaire. Donc encore, rester ambassadeur.

Mais le quartier a changé, vraiment. Le développement de condos et de maisons aux alentours a amené une nouvelle sorte de résidents et, avec eux, d’autres sortes de commerces. Puis, il y a eu le feu à Duke’s Cycle en 2008 et plusieurs icônes du quartier ont disparu. Un à un, les commerces moins branchés ont disparu, les loyers ont monté et une multitude de boutiques de souliers, de vêtements, de meubles, des spas, des restaurants et des bars chics ont pris leur place. Je ne peux pas dire si c’est bon ou mauvais, mais le prix des loyers a grimpé en flèche, ce qui a en retour éloigné la plupart des gens du coin plus enclins au DIY et à l’autogestion.

Pour ce qui est du maintien de notre éthique dans notre façon de participer à la communauté musicale et d’encourager les autres à y participer, je ne crois pas que les changements dans le quartier affectent cet aspect. Avec l’essor de la mentalité DIY dans notre culture, je pense qu’il y a une part de respect envers les gens qui se lancent dans cette voie.

Qu’est-ce que ces dix années représentent vraiment pour toi? Es-tu nostalgique au sujet des choses qui sont arrivées depuis le début ou est-ce que tu évites ce genre de sentimentalité?

Ces dix années ont passé trop vite. C’est dur! Quand tu es occupé et que tu a les yeux rivés sur de petits objectifs (et j’en ai des milliers), tu ne te rends pas vraiment compte que ça passe.

Je chéris certains moments du passé de Soybomb. Tout récemment, une de mes plus grandes influences musicales de tous les temps, Nick Sakes — un des membres principaux du groupe Dazzling Killmen, et plus tard Colossamite, puis Sicbay — a joué lors d’un concert pour mon anniversaire avec son nouveau projet Xaddax, un duo bizarro-noise constitué de sa partenaire Chrissie et lui-même. J’essaie encore de la comprendre, celle-là. C’est pas mal en haut de ma liste des choses à voir.

Je suis fier de tout ce que j’ai accompli ici, mais je ne m’assis pas là-dessus. Je me concentre toujours sur le prochain projet. Au bout du compte, je veux seulement que les succès du passé facilitent de nouveaux projets stimulants. Je me laisse rarement aller à la sentimentalité.

Qu’est-ce que vous prévoyez pour le 10e anniversaire? On aura des groupes comme Alaskan d’Ottawa, Expectorated Sequence de Montréal, le retour deBlack Faxes (qui interprétera une tralée de chansons des Misfits), des coqueluches d’ici, Pretty Mouth, et bien d’autres feront leur apparition.

La célébration aura lieu sur deux jours : vendredi 25 octobre et samedi 26 octobre, et les deux soirées seront des bals costumés d’Halloween, bien sûr! On fera imprimer des affiches de l’événement et peut-être même qu’on pensera à des t-shirts Soybomb à nouveau. À l’habitude de Soybomb, les détails seront démêlés à la dernière minute avant les concerts. Hé!

Inferred Views :: Craig Martell of The Wunderbar Hofbrauhaus

Craig Martell of The Wunderbar Hofbrauhaus

Every city needs a Wunderbar, but only Edmonton has it. This venue re-invigorated many of Edmonton’s music scenes – and definitely launched a few – and provided a space and outlet for an entire city’s indie endeavours. There have always been alternative venues in Edmonton, especially when it came to shows organized by Weird Canada (Bonnie Doon Bowling Alley, Steel Wheels Pizza, Edmonton Music Society, the McKernan LRT Tunnel, The End of the World, Castle Awesome, The Wicked Awesomes! basement), and traditional venues that allowed smaller and weirder shows to happen (The Artery, Bohemia, Likwid Lounge and New City). Yet nothing gave Edmontonian bands and promoters everything they needed – a central location, low costs, a good sound system and helpful, accepting, friendly staff – until The New Wunderbar opened its doors.
The New Wunderbar celebrated its second birthday this past summer, and in its short time as an Edmonton venue, it’s come to mean a lot to a lot of people. It’s an easy-to-book bar with owners that are genuine music fans, and it’s got a beer list that beats out every other bar in the city. It’s a small room, but it’s versatile; with an 80-person capacity, you don’t need many people to keep it from looking empty, and when it’s packed, it can be the concert you’ll talk about forever.
Locals (or ex-locals) like The Wicked Awesomes!, Krang, Brazilian Money, Travis Bretzer, TAIWAN, Bonspiel, Fire Next Time, Scenic Route To Alaska, Renny Wilson, Jessica Jalbert, Slates, Sans AIDS, Mac DeMarco, Jom Comyn, Energetic Action, Rhythm of Cruelty, The Group Sound, Mitchmatic, Geister, etc. etc. all play or played the venue regularly, but out-of-town acts like Phil Elvrum, Japanther, Mark Sultan, Nü Sensae and Dog Day have also taken the Wunderbar stage. Wunderbar has also meant a lot to the Weird Canada community, with Aaron Levin having booked many shows there while living in Edmonton (Grimes, Pop Winds, Babysitter, Walter TV, Fist City, DBL Dragon, Feral Children, and many more), and many of these bands play there on their way across the prairies. This summer even saw ‘Weird Canada Day’ – a full day event at Wunderbar featuring Monomyth, Brazilian Money, Rocktimus Crime and 10 others.
One of the main reasons for Wunderbar’s popularity with local and touring bands is that the staff treats artists and promoters with a great deal of respect, freedom and generosity. If you set up a show at Wunderbar, there is a sound system that they will help you use, little to no charge, and bands/promoters get 100% of the door. Co-owner Craig Martell does most of the booking at this point, but the core idea has stayed the same.
Craig could be an imposing guy. Standing at 6’5, he is definitely a presence in the small Wunderbar room. As soon as you talk to him, his affability is immediate. He’s a conversationalist that can speak about anything, shows a genuine interest in the people he’s talking to, and cares about what he says and how he says it. That’s what’s so immediately clear about Craig and the other Wunderbar owners: they care. They care about the bands that come to their bar, they care about the product they put out, and they care about their patrons.
The Wunderbar story is really best told by Craig himself, so I sat down with him for an oral history of the bar. Any sections in italics are additions meant as explanatory asides.
Michael Deane
Totally Disconnected

/////////////// WUNDERBAR: THE BEGINNING ///////////////
Craig moved to Edmonton from Nova Scotia about five years ago. At first, he worked downtown at the Sherlock Holmes pub along with his Wunderbar co-owners before they decided to branch out and start their own bar. Wunderbar was always a mixed bag before Craig and co. took it over. It had a reputation as a skinhead bar, but if you went in on a Saturday night, it might look like a German soccer tavern with Euro club hits being played, or there could be a punk show packed to the gills with 18-year olds.

I had been to Wunderbar a few times beforehand, and contrary to popular belief it had the same owners for seven years. People tend to think that it had a pile of different owners, because it had a bunch of faces, but it was the same owners the whole time. The owners didn’t spend a lot of time here because they had other business endeavours that they were involved with. They had one manager, Chris, who was a really nice guy and a good manager, but they had no intention of ever being a live music venue. They wanted to have a hangout spot for them and their friends, kind of a mod club European soccer bar, and that involves by nature a lot of skinheads. It got the reputation as a Nazi bar, but it was never that; it was almost all non-racist skinheads. So that crowd kept them in business for a number of years, but when things started dying out and their friends aged a bit, they kind of panicked and figured they needed people in there. A few bands came and asked to play, so they allowed shows to happen. They kind of begrudgingly became a live music venue. Chris did his best to allow bands to play and be good, but he wasn’t really involved in the local music scene. He wasn’t seeking out development of local talent, but he’s an amazing guy.
Chris now works on the railroad, and also worked at the scooter shop that the former Wunderbar owners also ran.

They had a manager who took over before we did and he tried to turn it into a dance club, and that’s when everything self-destructed as a venue. Bands would be asked to play, but they’d be asked to play 40% cover songs. Or they’d book a punk show and on the same night they’d book a birthday party for one of the Edmonton Eskimos – it just led to a lot of chaos. Then they decided to sell the business and they actually did sell it to a guy about a month or two before we bought it. The guy who bought it was a guy we’d known for years from the service industry – he was a fine dining server with an amazing resume, but he eventually got into doing a lot of crack. He went to rehab and came out, and presented the owners with a great business plan about how he wanted to turn it into a bistro. He wanted to take over but he had no money, so he wanted to run the place and pay them back with his profits. They really wanted to get rid of the place so they agreed to it. And then within a month they realized the place had changed completely. He would get people to work on it and send the owners the bill and everyone who was working here were street people and crackheads, and the owners were just like, “this isn’t what we agreed to.”The owners then installed Cameron Noyes, who is a local music legend. He played in a bunch of punk bands back in the day, used to book European tours for Canadian punk bands, managed SNFU, and was involved with The Smalls. He had run the place for about a month before we took over, and when we started he became our booker. We had no intention of ever owning a live music venue; it’s the exact business I never wanted to get into. It’s the hardest bar to make money with because you are automatically saying “we’re not going to have regulars” – you’re not going to have guys who come in every night and spend $100, which every other bar has. If you go to a neighbourhood pub, you’re going to have a guy who comes in every day and drops $50-75, and we don’t have anyone that comes in here five nights per week. We had a business plan for something that wasn’t going to be a music venue, but the two things we didn’t have were money and any sense of making it a real thing.

/////////////// TAKING OVER WUNDERBAR ///////////////
We were going to be a beer bar, we were going to have food, and we were going to be arts-related, but not in a pretentious way. Wunderbar came up for sale and we had all been there, and Chris – my business partner – had been in a band that played here quite a bit. He knew the old owners, and it was affordable. Even for us on a small level – in the bar industry – money works on level you can’t fathom. As someone who never has more than a thousand dollars, the idea of ordering $3,000 of liquor every week is so foreign. So, the bar came up for sale, and we made the down payment – we had enough for a down payment, but we had no other money. We had $4,000 between us and borrowed the rest from friends and family and bought the place – we bought it on a Wednesday and took over on the following Saturday. Very little was here, and they’d been doing a lot of local draught anyway, but we had to deal with challenges like having the worst reputation with every liquor store and brewery in town from when the crackhead owned it, so nobody wanted to deal with us. On the Saturday when we took over we had $500. We bought the booze from the previous owners, but there wasn’t much there because the owners had a blowout party the night before. So, we loaded up a Honda Civic full of beer, filled the fridge, sold it, and then the next day went to fill the Civic with beer again. We had no employees, so Levi ran it by himself for the first month, and we would cover his shifts at Sherlock Holmes, and then we would work at Wunderbar on our nights off. We were putting in 18 hours a day every day for the first three months. I only knew two local bands in Edmonton at the time, so Cameron’s booking and our friends making special trips across the river to drink at out bar kept us alive for the first three or six months.

Craig Martell (at the bar) of The Wunderbar Hofbrauhaus
Craig Martell (at the bar) of The Wunderbar Hofbrauhaus
When you buy a bar in Edmonton, especially on Whyte Ave., you don’t usually buy the bar or any real estate, you get the liquor licence and the lease. In the area where Wunderbar is located (off Whyte Ave.), licences are pretty limited and there’s a hard cap on how many are allowed to be issued.

/////////////// BECOMING A LIVE MUSIC VENUE ///////////////
At the beginning, we didn’t know enough bands to book seven nights a week. We knew right away that we had to be a live venue; when you look at the room, I can’t imagine anything but that. At first we flirted with the idea of playing both sides – during the week we’d just be a neighbourhood pub and keep the old regulars and on weekends we’d do live shows and pack the place. And neither of those things happened, because it turns out there weren’t really any old regulars by that time. And our shows weren’t packing the place. We thought they were, but we didn’t know any better. It’s like if you go to buy something you’ve never considered buying – I went to buy a window last week, and if the guy said “that’s $20” I’d be like “OK,” and if he said, “that’ll be $2,000” I’d be like “OK.” I don’t know what that costs. We’d have a show and 20 people would come, and we’d be like, “Oh man, 20 people in the bar, that’s great.”We’ve become more in tune with what we can get out of our crowd. Like, there are certain scenes and certain shows in Edmonton where we know we could have a packed crowd that aren’t going to drink hard, where there are other crowds where you can have a half-full room and make two or three times the money – but that took a long time to figure out. We definitely just scraped by at the beginning, because we had a different model back then. Cameron and us came up with this terrible idea where we’d never charge cover so we could get walk-by traffic. It would be free cover and we’d pay the bands guarantees. Not huge guarantees, nobody was getting rich, but I know that some nights we’d shell out $300 to bands and lose our profits and more. I also realized that cover’s not a bad thing – people will pay it. I also realized that if bands are making $300 anyway, why would they want to push the show? Why would they care about filling the place if they’re always going to make $300? After the first three months, we started playing with that a bit more – charging cover some nights – and that’s the time when I took over the booking.Very few of the people that would play a weekend show at the beginning could get a weekend show now. It was very much the old guard at that time, like folk stuff, North Country Fair stuff, and anything that would fall into our laps. We were open to too much at the time – we were like ‘regardless of genre, regardless of quality, we’ll be a room that you can play’ and we quickly realized that that’s not a good idea. It’s a great utopian dream that’s completely unrealistic in application. We then started picking and choosing a little better. We wanted to be a music hub, but we didn’t know how to go about that. We knew so few people, so we didn’t know who was a popular band and who wasn’t a popular band, we didn’t know each scene. I can almost pinpoint the moment when I met each scene, when I met each crowd, and the leader of that crowd. We tried a few things –open mics, DJ nights – and some of that worked and some of it didn’t, but now booking seven nights a week is a breeze.
The first band I can remember that started playing here regularly was Almanac, which was Donald Fenniak and Jon Mick’s old band. They played a show and were one of the first bands we got to know a bit, and we were like ‘guys, come back.’ Jom Comyn also did a few of the first shows here; I remember his first show was him with The Joe and Fuck The Tundra. Then Joe started putting on a couple of shows, and quickly you just adapt to that. I also knew Mattie from Clean Up Your Act productions, just from mutual friends, and he was like ‘I don’t book at Wunderbar anymore, but since you guys are running it now I will.’ He put on a couple of cool shows and we started seeing what can happen when you get clever with your booking and know how to run a show. Because we had no idea; our gear was terrible, we had no understanding of anything and we were just going with the flow. We could’ve been really easy to manipulate if people wanted to.

The fist two local bands that I recall seeing in Edmonton that I remember being excited about were an indie-pop band called Yes, Nice and Audio/Rocketry. I saw Audio/Rocketry open for Greg MacPherson at the Haven, and I remember contacting Audio/Rocketry to play here. I thought they were so good and that it was a pipe dream getting them to play here – which is interesting because Matt now works here. I remember contacting Audio/Rocketry about shows and being like, ‘hey, take it any day you want,’ and they played and the show was just massive. Huge successes like that made me realize what this bar could be if we booked a little more carefully and stuck to our guns a little more.

/////////////// THE WUNDERBAR STRATEGY ///////////////
Even recently we’ve changed strategies a lot in terms of the amount of money we’re putting out versus what’s coming in. At the end of the day it’s a business, and though we have a pretty altruistic approach to it, we’ve embraced that a bit more. At first, we were very quick to do things that would lose us money. But we’ve now created the standard for how I think things should work – our ideals have never changed, but our strategy has.To some degree we’re all timid guys. We almost had a socialist approach to things. Like we had one person booking, but we’d just give people shows. There have been many lessons learned, like we can’t do a noise show on the weekend. I don’t want to book anything where someone would walk in and say “this is bad quality.” We want to stay underground to some degree, but I don’t want anyone to ever come and say ‘this band doesn’t put any effort into being creative.’ So we avoid really radio stuff. My worry was always pigeonholing ourselves. I always want to stay in touch with younger acts, so even if the band isn’t great, when they get older they might have good bands and still come to Wunderbar. And that’s still a line I’m afraid that I don’t walk well.
Wunderbar does not really cater to a single scene or sound. Folk, punk, pop, hip hop, noise, indie and experimental bands will all play at Wunderbar in the same week. This actually grows the scene around Wunderbar, rather than having it as a bar that limits itself by catering to just one genre. Craig does all of the booking at this point, and though he has an advanced and broad musical palette, they can’t all be bands that he enjoys hearing.

I’ll make concessions for bands I don’t like. For example, I have a pop-punk rule. I’m not a huge pop-punk fan myself. That said, the pop-punk crowd are some of our best customers – they’re our most loyal customers, they’re the sweetest guys, and they’re incredibly talented. But I have a rule that if a pop-punk band wants to play here and I don’t know them, and another pop-punk band [that we know] won’t vouch for them, I won’t book them. There are other venues that will do it. DV8 will do it, New City will do it; there’s no lack of places to play. So, basically, it’s my own judgment; it comes down to me being me. But I’m fairly open-minded. I used to be hesitant to say no, but what I’ve quickly realized is that there’s a crowd of 800 people that come to Wunderbar, and if I have a show and those people won’t be into it, and the band has no way of bringing their own crowd, why would I book it? So, if some modern-rock radio band wants to play and I say no, I’m not being a dick; realistically there are promoters in town that could kill with that, so why would you play a bad show here when you could play a good show somewhere else? I’m really aware of that these days. I used to get kind of angry when I’d see other venues that didn’t do things as well as us get shows that I thought we should be getting. And now I don’t care because we get a lot of quality shows. The only time I care is when I think I’m the only person in town who could possibly promote it right.

Wunderbar Logo
Over the two years it’s been open, Wunderbar has served as a venue for all sorts of local and touring bands. Many bands that have or have gone on to a lot of national and international attention have played the Wunderbar stage. Craig has definitely been someone that has given many local acts their first gig, and I wanted to know what bands most surprised him, or most impressed him when they were a band that he had never heard of previously.

One of the inspiring moments I had was watching Energetic Action. I think they’d played a few shows, like, I’d seen their name around town. Mattie had set up a weird-billed show, with them, a punk band, and a proggy stoner rock band. Energetic Action came in and they were new to it with that band. The beef that night was that everyone was sharing a backline, but Energetic Action didn’t want to, they wanted to use their own gear. Due to technical difficulties, their set-up took like 35-40 minutes, and they started playing and couple of songs in their amp blows, and Mattie was like, ‘you’re done, get off the stage, you should’ve borrowed gear.’ And they came up to me outside and said ‘we can do better than this, we’d love another shot.’ And I thought about it and I was like, ‘that’s the best four minutes of music I’ve seen in a really long time. I want you to headline next month.’ That was the first time when I realized we don’t just have to act as a medium, we can control things to some degree; if we think a band is worthwhile, we can push them, we can make sure they play to the right people. If I see a young band who has a big crowd of friends, and those friends won’t be coming to their shows in a year, I’ll be straight up and say ‘I’m going to wear out that draw.’ It’s going to happen anyway, so what I’m going to do is give you guys a place where you can play to new crowds and hopefully make fans, and I’m going to put you on shows with touring bands and I am counting on you to bring your friends out until they don’t care any more. And it usually works out. I’ll get a touring band who wants to play with a certain band, and I’ll say ‘they don’t draw,’ and it’s not being rude, it’s saying you’re coming to a town where you want to play with a band that will draw zero people, which means at the end of the night you’ll all have zero dollars. So, scratch that, tell that band they can’t play and I’ll get a band that will draw and I’ll get that band a show where they get to play for some people. Let’s not create ‘everyone loses’ situations. Spreading the word about these bands is very important.There are so many bands that have blown me away with their selflessness, which is something that a lot of promoters don’t pay attention to. They’ll use a band and think they’re doing the band a favour by giving them a show. There was a show where a bunch of friends of mine from Cape Breton were playing, and they have some draw out here. I played them for Fire Next Time, and they loved it and wanted to play. We packed the show out at $10 cover and made a lot of money, and I was able to give this band their guarantee and a half, and was left with several hundred dollars, which I tried to give to Fire Next Time. And Fire Next Time said ‘we don’t want it. Give it to the touring band. We’ve been on tour and we know what it’s like, give it to them.’ I had to force it on them. It was like your aunt trying to pay you for babysitting when you’re a kid. Having an appreciation for the bands is so important.I won’t book bands if they’re not good people. I’m pretty good with seeing the good in everyone, but there are a few bands that have left a bad taste in my mouth. Promoters talk, so if a band is playing here, I will have heard if they’ve screwed around in other venues – I’ll hear about it. People tell me not to book them. That’s one thing that I think will help Edmonton long-term. Myself and other venue operators in town have great relationships, and I want them to succeed. We’re really good at working together – and I can develop bands and send them to bigger venues. There are a lot of bands in Edmonton that shouldn’t be playing a CD release show at Wunderbar with 40 people waiting in line. When a band comes to me and I know it can’t work, I can say “Hey Phil, put this on at The Artery if you like it.”

/////////////// WUNDERBAR’S GROWING IMPORTANCE ///////////////

I think Wunderbar has become important and I didn’t expect us to become this important. And we’re not important to everybody – for lots of people we’re just a room to play, and they have no loyalty to it, and that’s cool, I don’t care. I think there are enough people who really care about us genuinely, and would do anything for us, and that’s so cool. I don’t think there are many venues like that in Canada. What’s shocking to me is the amount of bands that are touring that will come through and say ‘I’ve heard nothing but good things from my friends.’ And that’s what venues forget: bands talk too. If you start screwing over bands, they will tell people not to play there. And I’m sure there are 10 bands in Edmonton that tell everyone not to play Wunderbar because they hate me. For touring bands, I’d say in the history of Wunderbar there’s been a couple that have only had an OK time, but the vast majority have an incredible time and tell everybody, and there’s only been one situation where the person hated it. Lack of a sound guy can be a beef for some people, but if we had a sound guy we wouldn’t be able to do what we do every night. We don’t get too much criticism – overall, it’s a very positive thing. There aren’t too many bands that would choose to play another venue over here, and when it does happen, I get confused.Occasionally, my one worry is that I think we get taken for granted. Sometimes, because we occasionally have no-risk deals, there’s no money on the line for the bands. If zero people come out, they don’t have to pay us anything – and we’re one of the only rooms in town where you can have a weekend show and not have money you have to pay the venue. I’ve seen some shows where I’ve gotten kind of mad because I know the band didn’t push it very hard. I know that they were like ‘oh well, we let this one slip away. I guess we have a night where we don’t make a bunch of money,’ but I have a night where I make NO money, and that sucks.

/////////////// THE FINANCIAL STRUGGLE ///////////////
Craig, Levi and Chris have yet to take a pay cheque from Wunderbar. They live almost exclusively off tips. After two years of running a fairly successful venue, and one that has a lot of importance for Edmonton and other bands around Canada, this is probably puzzling to many people. Somehow, however, it hasn’t dampened the Wunderbar owners’ enthusiasm.

Sometimes we get scared. Occasionally, me and Levi will have a conversation where it hits us that we’ve been doing this for two years, and in two years we’ve made less money than we’ve ever made, ever. Wunderbar is in a way better financial spot than we used to be in many ways, and the amount of money that comes in is dramatically better than it used to be, but I don’t think we’ll ever be in a place where it can support me, Chris and Levi. Maybe one of us. But I’ve decided that I always want this to be a thing. Wunderbar always has to be a thing, and we’ll make money from other business ventures. We always have other pots on the stove, and some of them are getting to be potentially real. One of them is another bar, and one is another restaurant. In a dream world, we’ve always wanted a bit of an empire, but an empire of businesses that we actually believe in and care about, which most ownership groups don’t. We’re never detached – I see people now that have fancy beer in their bar because they see us doing it, and I see people booking bands because they see us doing it – so who knows? Maybe in two years we won’t be hot any more because some other venue will open with the same door deal and a better room. This is why, at the end of the day, we try to be nice to people so people want us to succeed. It takes a lot of work to keep up, but when it clicks it clicks, and right now it’s clicking more often than not. This summer has blown me away – so many amazing bands coming through. I very rarely now have a show where I’m like, ‘I hated that, that sucks.’
For those in Edmonton, a place like Wunderbar has become such a staple that it’s hard to imagine what the city would be like without it. And for many bands that have toured through Edmonton, Wunderbar is a welcome surprise.

I think this can happen in every place – I think every place is dying for it. I’ve talked to a bunch of people – and not just bands wistfully thinking ‘I wish we had this’ – people who genuinely know the industry, people who book at other bars, and they realize that what most cities have just isn’t good enough. You can find other bars that are as flexible and easygoing as us, but usually the show will be pretty slack, everything about it, the promotion and all that. Because it does take a lot of work. You can find bars that are staying in touch with the local music scene, but occasionally they have egos and it’s hard to get a show there. It’s hard to find a promoter that will reply to your emails. There are a lot of things that we do that people really appreciate, and I think that every major centre should have a Wunderbar. Every major centre should have an 80-person room where you can have 20 people in on a Monday night and it doesn’t feel like a disaster, and that you can pack and have it be fun and still have bands make money. Having bands fill our room and say they filled a 250-person room last time they were town but made as much money with us is so great. I don’t know if it’ll ever happen, but I’d love to start one up in Halifax and one in Winnipeg, to start. It’s strange to me to hear bands say that with all these huge venues with great sound gear and a cool feel to the room that they like Wunderbar the most, but it’s really cool.

Craig Martell’s Top 5 Shows at Wunderbar

1. Mount Eerie – “It was like a hero that played here, and I thought the show was perfect.”

2. Fire Next Time and Audio/Rocketry tour kick-off – “It was everything we ever wanted a night to be.”

3. Found Festival Fund Raiser – “There was a performance that night by one guy from Calgary called Distance Bullock, who to my mind is the most talented performer in Alberta. He had a performance that did things I’ve never seen done. I’ve never seen a loud room hushed like it was there, and there were 60 people sitting on the floor around him while he was in our back room playing through an amp, and no one was even whispering. Every person there – there were the Scenic Route To Alaska boys, Ryan from Fire Next Time, Will and Tyler from The Wicked Awesomes!, Ben Sir from E-Town Beatdown – and everyone was mesmerized. All these people with no musical taste in common were all gobsmacked, blown away, and I’ve never seen that happen before.”

4. Rural Alberta Advantage – “Second time we ever went all ages.”

5. Sans AIDS goodbye show – “It’s a crowd I’ve never particularly warmed to; they’re the biggest pain in the ass of any crowd. But Peter’s a guy I genuinely cared about, and one of the dozens of people that have moved away from Edmonton where I genuinely felt it. I think I want to fly him out for a show – I think he’s a genius, I think his music is genius, I love it so much, and I think he’s a really good person. So that show was great just because I was happy we could do it for him.”

Chaque cité à besoin d’un Wonderbar, mais seulement Edmonton l’a. Ce site a revivifié plusieurs scènes musicales d’Edmonton— et en a définitivement lancé quelques unes —et a fournit un endroit et un exutoire pour les efforts indépendants de la ville entière. Il y a toujours eu des sites alternatifs à Edmonton, spécialement quand ça concernait les spectacles organisés par Weird Canada (Bonnie Doon Bowling Alley, Steel Wheels Pizza, Edmonton Music Society, the McKernan LRT Tunnel, The End of the World, Castle Awesome, The Wicked Awesomes! basement), et des installations traditionnels qui permettaient aux spectacles plus petits et plus bizarres de se produire (The Artery, Bohemia, Likwid Lounge et New City). Mais encore, rien n’a donné aux groupes et promoteurs Edmontoniens tout ce dont ils avaient besoin— une location centrale, de bas coûts, un bon système de son et des employés aidant, acceptant et amicaux —jusqu’à ce que The New Wunderbar ait ouvert ses portes.
The New Wonderbar célébrait son deuxi;eme anniversaire cet été passé et dans son bref temps en tant que site d’Edmonton, c’en est devenue à vouloir dire beaucoup pour beaucoup de gens. C’est un bar facile à réserver avec des propriétaires qui sont de sincères fans de musique et il a une liste de bières qui bat tout les autres bars dans la cité. C’est une petite pièce, mais c’est versatile; avec une capacité de 80 personnes, vous n’avez pas besoin de beaucoup de gens pour l’empêcher d’avoir l’air vide et quand c’est bourré de monde, ça peut être le concert dont vous allez parler pour toujours.
Les habitants ( ou anciens habitants) comme The Wicked Awesomes!, Krang, Brazilian Money, Travis Bretzer, TAIWAN, Bonspiel, Fire Next Time, Scenic Route To Alaska, Renny Wilson, Jessica Jalbert, Slates, Sans AIDS, Mac DeMarco, Jom Comyn, Energetic Action, Rhythm of Cruelty, The Group Sound, Mitchmatic, Geister, etc. etc. Tous jouent ou ont joué sur le site régulièrement, mais des numéros hors-ville comme Phil Elvrum, Japanther, Mark Sultan, Nü Sensae et Dog Day ont aussi saisi la scène de Wonderbar. Wunderbar veut aussi dire beaucoup pour la communauté de Weird Canada, avec Aaron Levin qui a réservé plusieurs spectacles là pendant qu’il vivait à Edmonton (Grimes, Pop Winds, Babysitter, Walter TV, Fist City, DBL Dragon, Feral Children, et plusieurs autres) et plusieurs de ces groupes jouent là sur leur chemin à travers les prairies. Ce été à même vu le ‘’Jour de Weird Canada’’—un évènement d’une journée au complète à Wunderbar présentant Monomyth, Brazilian Money, Rocktimus Crime et 10 autres.
Une des raisons principales pour la popularité de Wunderbar avec les locals et les groupes en tournée c,est que les employés traitent les artistes et les promoteurs avec beaucoup de respect, de liberté et de générosité. Si vous montez un spectacle à Wunderbar, il y a un système de son qu’ils vont vous aider à utiliser, avec presque pas de frais et les groupes/promoteurs reçoivent 100% à la porte. Le Co-propriétaire Craig Martell s’occupe de la plupart des réservations à ce point, mais l’idée central est restée la même. Craig pourrait être un gars imposant. Se tenant à 6’5, il est définitivement une présence dans la petite pièce de Wunderbar. Aussitôt que vous lui parlez, son affabilité est immédiate. Il est un causeur à qui vous pouvez parler de n’importe quoi, il montre un intérêt réel pour les gens à qui il parle et se soucie de ce qu’il dit et comment il le dit. C’est ce qui est immédiatement clair à propos de Craig et les autres propriétaires de Wunderbar : ils s’en soucient. Ils se soucient des groupes qui viennent dans leur bar, ils se soucient du produit qu’ils réalisent et ils se soucient de leurs patrons.
L’histoire de Wunderbar est vraiment mieux racontée par Craig lui-même, alors je me suis assis avec lui pour une histoire orale du bar. Toute section en italique son des additions pour un explicatifs à parts.
Michael Deane
Totalement déconnecté

/////////////// WUNDERBAR: LE COMMENCEMENT ///////////////
Craig a déménagé à Edmonton de Nouvelle-Écosse il y a environ cinq ans. Au début, il a travaillé au centre ville au pub Sherlock Holmes avec ses collègues de Wunderbar avant qu’ils ne décident d’aller ailleurs et commencer leur propre bar. Wunder avait toujours été un sac mixte avant que Craig et cie s’en empare. Ça l’avait une réputation de bar à skinhead, mais si vous y alliez un samedi soir, ça aurait pu avoir l’air d’une taverne de soccer allemande avec des hits de Euro club jouant ou il aurait pu y avoir un spectacle punk rempli à craquer de jeunes de 18 ans.

J’avais été au Wunderbar quelques fois auparavant et contrairement à la croyance populaire c’était les mêmes propriétaires depuis sept ans. Les gens ont tendances à penser que ça l’avait un tas de propriétaires différents, parce qu’il y avait beaucoup de visages, mais c’était les mêmes propriétaires durant tout ce temps. Les propriétaires ne passaient pas beaucoup de temps ici parce qu’ils étaient impliqués dans d’autres initiatives d’affaires. Ils avaient un directeur, Chris, qui était un gars vraiment chouette et qui était un bon directeur, mais ils n’avaient jamais eu l’intention d’être un site pour la musique en direct. Ils voulaient avoir un endroit pour sortir pour eux et leurs amis, un genre de club moderne de bar Européen de soccer et qui implique par nature beaucoup de skinheads. Ça l’avait la réputation d’être un bar de Nazi, mais ça n’a jamais été ça; c’était presque tous des skinheads non racistes. Alors, cette foule les a gardés en affaire pour un certain nombre d’années, mais quand les choses on commencé à s’éteindre et que leurs amis ont vieillis, ils ont un peu paniqué et compris qu’ils avaient besoins de gens là. Quelques groupes sont venus et ont demandé pour jouer, alors ils ont permis aux spectacles d’arriver. Ils sont devenus un peu contre leur volonté un site pour la musique en direct. Chris a fait de son mieux pour permettre aux groupes de jouer et d’être bons, mais il n’était pas vraiment impliqué dans la scène locale de musique. Il ne cherchait pas le développement de talent local, mais c’est un mec superbe.
Chris travail maintenant sur les chemins de fer et a aussi travaillé dans un magasin de scooter que l’ancien propriétaire de Wunderbar gérait aussi.
Ils eurent un directeur qui a pris la charge avant que nous le fassions et il a essayé de le tourner en club de danse et c’est à ce moment que tout s’est autodétruit en tant que site. Des groupes ce faisait demandé de jouer, mais ils devaient jouer à 40% des reprises de chansons. Ou ils réservaient un spectacle punk et la même soirée il réservait une fête d’anniversaire pour un des Edmonton Eskimos—ça l’a juste mené à beaucoup de chaos. Puis, ils ont décidé de vendre l’entreprise et ils l’ont actuellement vendue à un gars un ou deux mois avant que nous l’achetions. Le gars qui l’avait acheté était un gars que nous connaissions depuis des années du service de l’industrie—il était un fin serveur de salle avec un CV impressionant, mais il a éventuellement commencé à prendre du crack. Il est allé en désintox et en est ressortit et a présenté aux propriétaires un super plan d’affaire à propos de comment il voulait le tourner en un bistro. Il voulait prendre la charge, mais il n’avait pas d’argent, donc il voulait gérer la place et les repayer avec ses profits.
Ils voulaient vraiment se débarrasser de la place alors ils ont accepté. Puis dans un mois ils ont réalisé que la place avait complètement changée. Il faisait travailler des gens sur ça et envoyait la facture aux propriétaires et tout le monde qui travaillait ici était des gens de la rue et des drogués et les propriétaires étaient juste comme : ‘’Ce n’est pas sur ça qu’on s’est mis d’accord.’’ Ensuite les propriétaires ont installé Cameron Noyes, qui est une légende locale de musique. Il a joué dans un tapon de groupes punk dans le temps, il avait l’habitude de faire des tournées en Europe pour les groupes Canadiens de punk, il gérait SNFU et était impliqué avec The Smalls. Il avait géré la place pour environ un mois avant que nous prenions la charge et quand nous avons commencé il est devenu notre réserveur. Nous n’avions pas l’intention de posséder un site de musique en direct; c’est l’entreprise exactement dans laquelle je ne voulais pas me lancer. C’est le bar avec lequel c’est plus difficile de faire de l’argent parce que tu dis automaitquement ‘’Nous n’allons pas avoir de réguliers’’—vous n’allez pas avoir des gars qui vont venir chaque soir et dépense 100$, ce que tout les autres bars ont. Si vous allez dans un pub de quartier, vous aller avoir un mec qui va venir tout les jours et laissez 50-75$ et nous n’avons personne qui vient ici cinq soirs semaine. Nous avions un plan d’affaire pour quelque chose qui n’allait pas être un site de musique, mais les deux choses que nous n’avions pas était de l’argent et un quelconque sens d’en faire un vrai truc.
/////////////// PRENDRE LA CHARGE DE WUNDERBAR ///////////////

Nous nous en allions à un bar de bière, nous allions prendre de la nourriture et nous allions être en lien avec l’art, mais pas d’une façon prétentieuse. Wunderbar fut mis en vente et nous avions tous été là et Chris—mon partenaire d’affaire- avait été dans un groupe qui jouait ici assez souvent. Il connaissait les anciens propriétaires et c’était abordable. Même pour nous sur une petite échelle- dans l’industrie du bar- l’argent marche sur un niveau que vous ne pouvez même pas imaginer. En tant que quelqu’un qui n’a jamais plus que mille dollars, l’idée de commander 3000$ de liqueur chaque semaine était étrangère. Alors, le bar fut mis en vente et nous avons fait le paiement initial, nous avions assez pour un premier paiement, mais nous n’avions pas d’autre argent. Nous avions 4000$ entre nous et nous avons emprunté le reste d’amis et à la famille et nous avons acheté la place- nous l’avons acheté un mercredi et nous en avons pris la charge le samedi suivant. Il y avait peu ici et ils avaient fait beaucoup de breuvage local de toute façon, mais nous devions faire face avec des défis comme avoir la pire réputation avec chaque magasin d’alcool et de brasserie en ville du temps où les crackheads le possédaient, alors personne ne voulait faire affaire avec nous. Le samedi quand nous avons pris la charge, nous avions 500$. Nous avons acheté du fort des anciens propriétaires, mais il n’y en avait pas beaucoup parce que les propriétaires avaient fait un party explosif la nuit avant. Donc, nous avons chargé une Honda Civic pleine de bière, remplis le frigo, l’avons vendue et puis la journée après nous sommes encore allé remplir la Civic de bière. Nous n’avions pas d’employés, alors Levi le gérait lui-même pour le premier mois et nous faisions ses quarts à Sherlock Holmes et puis nous allions travailler au Wunderbar durant nos soirées libres. Nous y mettions 18 heures chaque jour pour les trois premiers mois. Je connaissais seulement deux groupes locaux à Edmonton dans le temps, alors les réservations de Cameron nos amis qui faisaient des voyage spéciaux en traversant la rivière pour boire à notre bar nous ont gardé en vie pour les premiers trois à six mois.

Craig Martell (at the bar) of The Wunderbar Hofbrauhaus

Quand vous achetez un bar à Edmonton, spécialement sur Whyte Ave, vous n’achetez habituellement pas le bar or tout autre propriété, vous obtenez le permis d’alcool et la location. Dans la région où Wunderbar est situé (hors de Whyte Ave.) les permis sont plutôt limités et il y a une limite fixe sur combien sont autorisés à être donné.

/////////////// DEVENIR UN SITE DE MUSIQUE EN DIRECT ///////////////

Au début, on ne connaissait pas assez de groupes pour réserver sept nuits par semaine. Nous avons immédiatement su que nous devions être un site en direct; quand vous regardez la salle, je ne peux imaginer rien d’autre que ça. En premier, nous avons flirté avec l’idée de jouer sur les deux côtés— durant la semaine, nous ne serions qu’un pub de quartier et on garderait les anciens réguliers et durant la fin de semaine nous ferions des spectacles en direct et remplirions la place. Aucune de ces choses est arrivé, parce qu’en fin de compte il n’y avait pas vraiment d’anciens réguliers à ce temps là. Et nos spectacles ne remplissaient pas la place. Nous pensions qu’ils le faisaient, mais nous ne connaissions pas mieux. C’est comme si vous alliez achetez quelque chose que vous n’aviez jamais considéré acheter—Je suis allé acheter une fenêtre la semaine dernière et si le gars disait ‘’c’est 20$’’ je serais comme ‘’OK’’ et s’il disait, ‘’ça va faire 2000$’’ je serais comme ‘’OK’’. Je ne sais pas ce que ça coûte. Nous avions des spectacles et 20 personnes viendrait et nous serions comme ‘’oh mec, 20 personnes dans le bar, c’est super.’’ Nous somme devenus plus à l’écoute avec ce que nous pouvions tirer de notre foule. Genre, il y a certaines scènes et certains spectacles à Edmonton où nous savons que nous pourrions avoir une pleine foule qui ne vont pas beaucoup boire, où il y a d’autres foules où vous pouvez avoir une salle à moitié pleine et faire deux ou trois fois l’argent— mais ça prend du temps à comprendre ça. Définitivement, nous nous en sortions à peine au début, parce que nous avions un modèle différent dans le temps. Cameron et nous avons trouvé cette terrible idée où nous ne demanderions pas de tarif pour les reprises alors nous aurions des clients qui se présente sans rendez-vous. Ça serait gratuit pour les reprises et nous paierions les garanties de groupes. Pas de gigantesques garanties, personne ne deviendrait riche, mais je sais que certains soirs, nous donnerions 300$ aux groupes et nous perdions nos profits et encore plus. J’ai aussi réalisé que les reprises n’étaient pas une mauvaise choses— les gens vont payer. J’ai aussi réalisé que si les groupes font 300$ de toute façon, pourquoi voudraient-ils pousser le spectacle? Pourquoi se soucieraient-ils de remplir la place s’ils vont toujours faire 300$? Après les trois premiers mois, nous avons commencé à jouer avec ça un peu plus—nous mettions des tarifs sur les reprise certains soirs—et c’est durant le temps quand j’ai pris la charge des réservations. Très peu de gens qui jouait les spectacles de fin de semaines au début pouvait le faire maintenant. C’était vraiment le vieux gardien durant ce temps, comme des trucs folk, des trucs de North Country Fair, et tout ce qui tombait entre nos mains. Nous étions ouvert à trop de chose dans le temps—nous étions comme ‘’peu importe le genre, peu importe la qualité, nous serons une salle où vous pouvez jouer’’ et nous avons rapidement réalisé que ce n’est pas une bonne idée. C’est un grand rêve utopien qui est complètement irréaliste en application.
C’est alors que nous avons commencé à choisir un peu mieux. Nous être un sanctuaire de musique, mais nous ne savions pas comment procéder avec ça. Nous connaissions si peu de gens, alors nous ne savions pas qui était un groupe populaire et qui ne l’était pas, nous ne connaissions pas chaque scène. Je peux presque dire à quel moment précis j’ai rencontré chaque scène, quand j’ai rencontré chaque foule et le chef de cette foule. Nous avons essayé quelques trucs—des micro ouverts, des soirées DJ—et certains qui ont marché et d’autre qui n’on pas, mais maintenant faire des réservations sept soirs semaine c’est un jeu d’enfant. Le premier groupe que je peux me souvenir qui a commencé à jouer régulièrement ici était Almanac, lequel était l’ancien groupe de Donald Fenniak et Jon Mick. Ils ont fait un spectacle et ils étaient l’un des premiers groupes que nous avons connu un peu et nous étions comme ‘’Mecs, revenez.’’ Jom Comyn a aussi fait quelques uns des premiers spectacles ici; je me souviens de son premier spectacle c’était lui avec The Joe et Fuck The Tundra.
Puis Joe a commencé à mettre en place quelques spectacles et rapidement tu t’adaptes juste à ça. Je connaissais aussi Mattie des productions Clean Up Your Act, simplement d’amis mutuels, et il était comme ‘’Je n’enregistre plus au Wunderbar, mais puisque c’est vous les gars qui le gèrent je vais le faire maintenant.’’ Il a fait quelques cool spectacles et nous avons commencé à voir ce qui peut se passer quand vous devenez rusé avec vos réservations et quand vous savez comment menez le bal. Parce qu’on ne le savait pas, notre équipement était terrible, nous n’avions aucune compréhension de rien et nous nous laissions juste aller avec le courant des choses. Nous aurions pu être vraiment facile à manipuler si les gens auraient voulu.
Les deux premiers groupes locaux qui je me rappelle avoir vu à Edmonton à propos desquels je me souviens d’avoir été excité étaient un groupes de pop indie appelé Yes, Nice et Audio/Rocketery. J’ai vu Audio/Rocketery ouvrir pour Greg MacPherson au Haven et je me souviens d’avoir fait un contrat avec Audio/Rocketery pour jouer ici. Je pensais qu’ils étaient bon et que c’était un rêve illusoire qu’ils jouent ici—ce qui est intéressant parce que Matt travail maintenant ici. Je me souviens d’avoir engagé Audio/Rocketery à propos des spectacles et d’être comme ‘’hey, prenez le n’importe quel jour qui vous plaît.’’ Et ils ont joué et le spectacle était juste impressionnant. Des succès gigantesque comme ça m’a fait réaliser ce que ce bar pourrait être si nous réservions de façon un peu plus attentionné et si nous restions un peu plus fermes dans nos idées.
/////////////// LA STRATÉGIE WUNDERBAR ///////////////

Même récemment nous avons beaucoup changé de stratégie en termes de montant d’argent que nous dépensons versus ce qui entre. À la fin des temps c’est une entreprise et bien que nous avons une approche plutôt altruiste, nous avons embrassez cette idée un peu plus. En permier, nous étions très rapides à faire des choses qui nous faisaient perdre de l’argent. Mais nous avons maintenant créé le standard pour comment je pense que les choses devraient fonctionner— nos idéaux n’ont jamais changé, mais notre stratégie oui. Jusqu’à un certain degré, nous sommes tous des gars timides. Nous avions presque une approche socialiste pour les choses. Genre, nous avions une personne en réservation, mais nous donnions aux gens des spectacles. Il y eu plusieurs leçons d’apprises, comme un ne peu pas faire un spectacle de noise durant les fins de semaine. Je ne veux pas réserver rien que les gens rentreraient et diraient : ‘’c’est de la mauvaise qualité.’’ Nous voulons rester clandestin jusqu’à un certain degré, mais je ne veux pas que quelqu’un vienne et dise ‘’Ce groupe ne fait aucun effort pour être créatif.’’ Alors nous évitons vraiment les trucs de radio. Mes inquiétudes nous catégorisaient toujours. Je veux toujours rester en contact avec les actes plus jeunes, alors même si le groupe n’est pas super, quand ils vieilliront, ils auront peut-être un bon groupe et viendront peut-être encore au Wunderbar. Et c’est encore une fine ligne sur laquelle j’ai peur que je ne marche pas très bien.
Wunderbar ne se résume pas vraiment à une seule scène ou son. Folk, pop, hip hop, du noise, indie et des groupes expérimentaux vont tous jouer au Wunderbar durant la même semaine. Ceci fait actuellement grandir la scène autour de Wunderbar, plutôt que d’avoir un bar qui se limite en ne répondant qu’à un genre. Craig fait toutes les réservations à ce point-ci et bien qu’il possède une palette musicale large et avancée, ils ne peuvent pas tous être des groupes qu’il aime entendre.
Je vais faire des concessions pour des groupes que je n’aime pas. Par exemple, j’ai une règle de punk pop. Je ne suis pas un grand fan de punk pop. Ceci dit, la foule de punk pop font partie de nos meilleurs clients—ils sont nos clients les plus loyaux, ils sont les mecs les plus fins et ils sont incroyablement talentueux. Mais j’ai une règle que si un groupe de punk pop veut jouer ici et que je ne les connais pas et qu’un autre groupe punk pop [que je connais] ne veulent pas se porter garant d’eux, je ne vais pas les réserver. Il y a d’autres endroits où ils peuvent le faire. DV8 va le faire, New City va le faire; il ne manque pas de place pour jouer. Alors, essentiellement, c’est mon propre jugement; ça en revient à moi étant moi. Mais je suis plutôt ouvert d’esprit. J’avais l’habitude d’être hésitant à dire non, mais j’ai rapidement réalisé que s’il y a une foule de 800 personnes qui viennent au Wunderbar, et si j’ai un spectacle et que ces gens n’accrochent pas et que si le groupe ne peut pas apporter leur propre foule, pourquoi les réserverais-je? Alors, si un groupe de radio de rock moderne veut jouer et que je dis non, je ne suis pas un trou-de-cul; réalistement il y a des promoteurs en ville qui tueraient avec ça, alors pourquoi ferais-tu un mauvais spectacle ici quand tu pourrais en jouer un bon ailleurs? Je suis vraiment au courant de ça ces jours ci. J’avais l’habitude de me fâché quand je voyais d’autre sites qui ne faisaient pas les choses aussi bien que nous avoir des spectacles que je pensais que nous devrions avoir. Et maintenant je ne m’en soucie plus parce que nous avons beaucoup de spectacles de qualité. Le seul temps où je m’en soucie c’est quand je pense que je suis la seule personne en ville qui pourrait possiblement ne faire la promotion de la bonne façon.
Durant les deux ans que ça l’a été ouvert, Wunderbar a servi en tant que site pour toutes sortes de groupes locaux et en tournée. Plusieurs groupes qui sont ou qui étaient partis sur beaucoup d’attention nationale et internationale ont joué sur la scène du Wunderbar. Craig a définitivement été quelqu’un qui a donné à plusieurs actes locaux leur première danse, et je voulais savoir quels groupes l’ont plus surpris, ou l’ont plus impressionné quand il y avait un groupe dont il n’avait jamais entendu parler précédemment.
Wunderbar Logo

Un des moments inspirants que j’ai eu fut de regarder Energetic Action. Je pense qu’ils ont fait quelques spectacles, genre, j’ai vu leur nom en ville. Mattie avait préparé un spectacle étrangement billeté, avec eux, un groupe punk et un proggy groupe rock gelé. Energetic Action est arrivé et ils étaient de petits nouveaux avec ce groupe. Le bœuf cette soirée fut que tout le monde partageait une sonorisation, mais Energetic Action ne le voulait pas, ils voulaient utiliser leur propre équipement. À cause de difficultés techniques, leur assemblage a pris comme 35-40 minutes et ils ont commencé à jouer quelques chansons dans leur coups d’ampli, et Mattie était comme ‘’Vous avez fini, débarquez de la scène, vous auriez dû emprunter de l’équipement ‘’ Et ils sont venu me voir dehors et ont dit ‘’On peut faire mieux que ça, on aimerait un autre essai.’’ Et j’y ai pensé et j’étais genre, ‘’C’est les meilleures quatre minutes de musique que j’ai vues depuis longtemps, je veux que vous soyez le groupe principal le mois prochain.’’
C’était la première fois quand j’ai réalisé que nous n’avions pas à agir en tant que médium, nous pouvons contrôler les choses jusqu’à un certain degré; si nous pensons qu’un groupe en vaut la peine, nous pouvons les pousser, nous pouvais faire sûre qu’ils jouent pour les bonnes personnes. Si je vois un jeune groupe qui a une grosse foule d’amis et ces amis ne vont pas venir à leurs spectacles dans un an, je vais être direct et dire ‘’ je vais épuiser cet attirage’’. Ça va arriver de toute façon, alors ce que je vais faire c’est de vous donnez les gars une place où vous aller pouvoir jouer pour de nouvelles foules et on espère, vous faire des fans et je vais vous mettre sur des spectacles avec des groupes en tournée et je compte sur vous pour apporter des amis jusqu’à ce que ça ne leur tente plus. Et généralement ça marche. Je vais m’arranger pour qu’un groupe en tournée qui veut jouer avec un certain groupe, et je vais dire ‘’ Ils n’attire personne’’ et ce n’est pas impoli, ça dit que vous arriver dans une ville où vous voulez jouer avec un groupe qui attire zéro gens, ce qui veut dire qu’à la fin de la soirée, vous allez tous avoir zéro dollars. Alors, efface ça, dis à ce groupe qu’ils ne peuvent pas jouer et que je vais aller chercher un groupe qui va attirer et je vais procurer à ce groupe un spectacle où ils auront la chance de jouer pour quelques gens.
Ne créons pas de situations où tout le monde est perdant. Faire passer le mot à propos de ces groupes est très important. Il y a tellement de groupes qui m’ont étonné avec leur altruisme, ce qui est quelque chose que beaucoup de promoteurs à laquelle ils ne paient pas attention. Ils vont utiliser un groupe et penser qu’ils rendent une faveur au groupe en leur donnant un spectacle. Il y avait un spectacle où un tas d’amis à moi de Cape Breton jouaient et ils attiraient du monde là. Je leur ai joué pour Fire Next Time, et ils l’ont adoré et voulaient jouer. Nous avons rempli le spectacle à 10$ la reprise et avons fait beaucoup d’argent, et j’ai été capable de donner à ce groupe leur garantie et la moitié, et il me restait encore plusieurs centaines de dollars, lesquels j’ai essayé de donner à Fire Next Time. Et Fire Next Time a dit ‘’On les veut pas. Donne les au groupe en tournée. Nous sommes allé en tournée et nous savons ce que c’est, donne leur.’’ J’ai du les forcé à le prendre.
C’était comme votre tante qui essaie de vous payer pour avoir gardé quand vous étiez un gamin. Avoir une appréciation pour les groupes est important. Je ne vais pas réserver des groupes s’ils ne sont pas de bonnes personnes. Je suis pas mal bon pour voir le bien en chacun, mais il y a quelques groupes qui m’ont laissé un mauvais goût dans la bouche. Parlotte de promoteurs, alors si un groupe joue ici, je vais avoir entendu s’ils ont foutu le bordel dans d’autres sites—je vais en entendre parler. Les gens me disent de ne pas les réserver. C’est une chose que je pense qui va aider Edmonton sur le long terme. Moi-même et d’autres opérateurs de site en ville ont de super relations, et je veux qu’ils réussissent. Nous sommes vraiment bons pour travailler ensemble— et je peux développer des groupes et les envoyer vers de plus grands sites. Il y a beaucoup de groupe à Edmonton qui ne devraient pas jouer un spectacle de sortie de CD au Wunderbar avec 40 personnes qui attendent en lige. Quand un groupe vient me voir et je sais que ça ne peut pas marcher, je peux dire ‘’hey Phil, met ça à The Artery si tu aimes ça.’’

/////////////// WUNDERBAR PREND DE L’IMPORTANCE///////////////

Je pense que Wunderbar est devenu important et je ne m’attendais à ce que nous devenions aussi importants. Et nous ne sommes pas important pour tout le monde- pour beaucoup de gens nous sommes juste une salle dans laquelle jouer et ils n’ont pas de loyauté envers elle, et c’est cool, ça ne me dérange pas. Je pense qu’il y a assez de gens qui se soucie vraiment et sincèrement de nous et qui ferait n’importe quoi pour nous et c’est tellement cool. Je ne pense pas qu’il y ait beaucoup de site come ça au Canada. Qu’est-ce qui est choquant pour moi c’est le nombre de groupes qui sont en tournée qui vont venir et dire ‘’J’ai rien entendu sauf des bonnes choses de mes amis.’’ Et c’est ce que les sites oublient : les groupes parlent aussi. Si vous commencé à bousiller avec les groupes, ils vont aux gens de pas jouer là. Et je suis sûre qu’il y a 10 groupes à Edmonton qui disent à tout le monde de pas jouer au Wunderbar parce qu’ils me détestent. Pour les groupes en tournée, je dirais que dans l’histoire du Wunderbar il y en a eu quelques uns qui seulement eu un temps OK, mais la grande majorité ont un temps incroyable et le disent à tout le monde et il n’y a eu qu’une situation où la personne a détesté ça.
Le manqué d’un technicien sonore peut être un problème pour certaines personnes, mais si nous aurions un technicien du son, on ne pourrait pas être capable de faire ce qu’on fait chaque soir. On n’a pas trop de criticisme—en général, c’est une chose très positive. Il n’y pas beaucoup de groupes qui choisirait de jouer sur un notre site au lieu de d’ici, et quand ça l’arrive, je deviens confus. Occasionnellement, ma seule inquiétude c’est que je pense qu’on est pris pour acquis. Parfois, parce nous avons occasionnellement des ententes sans risques, il n’y pas d’argent à perdre pour les groupes. Si zéro personne vient, ils n’ont pas à nous payer quoique ce soit—et nous sommes l’une des seules salles en ville où vous pouvez avoir un spectacle de fin de semaine et ne pas devoir donner l’argent que vous avez pour payer le site. J’ai vu quelques spectacles où je me suis genre fâché parce je sais que le groupe ne s’était pas poussé vraiment fort. Je sais qu’ils étaient comme ‘’Oh et bien, laissons celle-là aller. J’imagine qu’on a une soirée où on ne fait pas un tas d’argent,’’ mais j’ai une soirée où je ne fais PAS d’argent et c’st nulle.

/////////////// LA DIFFICULTÉ FINANCIÈRE ///////////////
Craig, Levi et Chris n’ont pas encore pris un chèque de paie du Wunderbar. Ils vivent presque exclusivement sur les pourboires. Après deux ans à avoir géré un site plutôt fructueux, et l’un qui a beaucoup d’importance pour Edmonton et d’autres groupes autour du Canada, cela est probablement mélangeant pour plusieurs personnes. D’une façon, cependant, ça n’a pas découragé l’enthousiasme des propriétaires du Wunderbar.

Parfois, nous avons peur. Occasionnellement, moi et Levi auront une conversation où ça nous frappe qu’on a fait ça pour deux ans et en deux and nous avons fait moins d’argent que nous ayons jamais fait. Wunderbar est d’une façon un meilleur endroit financier qu’on avait l’habitude d’être de plusieurs façons, et le montant d’argent qui rentre est dramatiquement mieux que c’était, mais je ne pense pas que nous n’allons jamais être dans un endroit qui peut supporter moi, Chris et Levi. Peut-être un de nous. Mais j’ai décidé que je veux toujours que ceci soit une chose. Wunderbar doit toujours être quelque chose et nous allons faire de l’argent d’autres projets d’entreprise. On a toujours un autre chaudron sur le feu et certains d’entre eux deviennent potentiellement réels. L’un d’entre eux est un autre bar et l’un est un autre restaurant. Dans un monde de rêve, nous avons toujours voulons un peu d’un empire, mais un empire d’entreprise dans laquelle nous croyons et que nous nous soucions, ce dont la plupart des groupes propriétaires ne font pas. Nous ne sommes jamais détachés— je vois des gens maintenant qui ont de la bière chic dans leur bar parce qu’ils nous voient le faire, et je vois des gens réserver des groupes parce qu’ils nous voient le faire— alors qui sait? Peut-être que dans deux ans nous seront plus super parce qu’un quelconque autre site va ouvrir avec la même entente à la porte et une meilleure salle. C’est pourquoi, à la fin des temps, nous essayons d’être gentils avec les gens pour que les gens veuillent notre succès. Ça demande beaucoup de travail pour ne pas tomber derrière, mais quand ça clique ça clique, et maintenant ça clique plus souvent que non. Cet été m’a épaté- tellement de groupes géniaux qui sont venus. Je n’ai que très rarement des spectacles maintenant où je suis comme ‘’ J’ai détesté ça, c’est nulle.’’
Pour ceux à Edmonton, une place comme Wunderbar et devenu un tel incontournable que c’est difficile d’imaginer ce que la cité serait sans lui. Et pour plusieurs groupes qui ont fait des tournées à travers Edmonton, Wunderbar est une surprise bienvenue.

Je pense que ça peut arriver à chaque endroit— je pense que chaque endroit agonise pour ça. J’ai parlé à une poignée de gens— et pas juste des groupes pensant nostalgiquement ‘’je voudrais qu’on ait ça’’—les gens qui connaissent sincèrement l’industrie, les gens qui réservent aux autres bars et qu’ils réalisent que ce que la plupart des cités ont ce n’est pas assez. Vous pouvez trouver d’autres bars qui sont aussi flexible et décontracté que nous, mais habituellement le spectacle va être plutôt lousse, tout à propos de lui, la promotion et tout ça. Parce que ça demande beaucoup de travail. Vous pouvez trouver des bars qui restent en contact avec la scène de musique locale, mais occasionnellement ils ont des egos et c’est dur d’avoir un spectacle là. C’est difficile de trouver un promoteur qui va répondre à vos emails. Il y a beaucoup de choses qu’on fait que les gens apprécient vraiment et je pense que chaque centre majeur devrait avoir un Wunderbar. Chaque centre majeur devrait une salle pour 80 personnes où vous pouvez avoir 20 personnes sur une soirée de lundi et que ça n’a pas l’air d’un désastre, et que vous pouvez la remplir et avoir du plaisir et que les groupes fassent encore de l’argent. Avoir des groupes qui remplissent votre salle et dire qu’ils ont remplis une salle de 250 personnes la dernière fois qu’ils étaient en ville mais qui ont fait autant d’argent avec nous est tellement géniale. Je ne sais pas si ça ne va jamais arriver, mais j’aimerais en commencer un à Halifax et un à Winnipeg, pour débuter. C’est étrange pour moi d’entendre des groupes dire qu’avec tous ces sites gigantesque avec un super équipement sonore et une salle à la sensation cool qu’ils aiment Wunderbar le plus, mais c’est vraiment cool.
Le top 5 des spectacles au Wunderbar selon Craig Martell
1. Mount Eerie – “C’était comme si un héro qui jouait ici, et je pensais que le spectacle était parfait.”
2. Fire Next Time and Audio/Rocketry tour kick-off – “C’était tout ce que nous ayons jamais voulu qu’une soirée soit”
3. Found Festival Fund Raiser – ‘’Il y avait une performance cette soirée-là par un des gars de Calgary appelé Distance Bullock, qui dans ma tête est le performeur le plus talentueux de l’Alberta. Il avait une performance qui faisait des choses que je n’avais jamais vues être fait. Je n’ai jamais vu une salle bruyante être tue comme ce le fut là et il y avait 60 personnes assises sur le sol autour de lui pendant qu’il était dans nos coulisses jouant à travers un ampli et personne ne chuchotait même pas. Chaque personnes là- Il y avait les gars de Scenic Route To Alaska, Ryan de Fire Next Time, Will et Tyler des The Wicked Awsomes!, Ben Sir d’E-Town Beatdown—et tout le monde était hypnotisés. Tout ces gens avec aucun goût musical en commun étaient tous bouche-bée, épatés et je n’ai jamais vu ça avant.’’
4. Rural Alberta Advantage – “Deuxième fois que nous sommes allés tout âge.”
5. Sans AIDS goodbye show – “C’est une foule à laquelle je n’ai jamais particulièrement aimé : ils sont la plus grosse épine dans le pied de toutes les foules. Mais Peter est un mec dont je me soucie réellement et l’une des douzaines de personnes qui on déménager d’Edmonton où je l’ai ressentis sincèrement. Je crois que je veux le faire voler pour un spectacle—je pense qu’il est un génie, je pense que sa musique tire du génie, je l’aime tellement et je pense qu’il est vraiment un bonne personne. Donc ce spectacle était simplement super parce que j’étais content que nous pouvions le faire pour lui.’’