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New Canadiana :: Old Haunt – Refuge

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A real integrity is present in Lucas Huang’s melodies and tones, with stirring vocals sitting at the heart of Old Haunt. Inside the weaving guitar work, within the perpetual feedback, there is an atmosphere of honesty and spiritual seeking. In many ways this EP is current, but it also recalls the past: all tracks are covers of traditional gospel songs. Recorded in Montréal, this release is about reimagining, Old Haunt transmits beautiful notes of reflection from within this colonial mess now called Canada.

Une intégrité authentique anime les mélodies et les tonalités de Lucas Huang, et des voix émouvantes siègent au cœur d’Old Haunt. L’honnêteté et la quête spirituelle règnent entre les échos, entrelacées dans le canevas musical de la guitare. Sous plusieurs angles, cet EP est au goût du jour, mais il ravive aussi le passé : toutes les pistes sont des reprises de gospel traditionnel. Enregistré à Montréal, l’album se veut un exercice de recréation, car Old Haunt transmet les belles notes d’une réflexion menée depuis cette dérive coloniale qu’on nomme aujourd’hui « Canada ».

Old Haunt – Come Ye Sinners

Old Haunt – City of Refuge

New Canadiana :: Supercooling – Wild Blue Yonder

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Supercooling is a perfect nighttime listen, a radiant drone project between Catherine Debard and Matt May. Their layered soundscapes are ethereal while also suggestive of radio waves. The interplay between the artists is dynamic and beautifully entwined. As Matt’s layered guitar creates landscapes, Catherine’s electronics oscillate between, often acting as a voice. Sounds on this album really do evoke a voyage in the clouds, but beyond airplanes, the tracks are otherworldly. Wild Blue Yonder is a soundtrack for difficult to describe dreams: those crazy ones when you’re flying above the earth, when all we are told is impossible is suddenly real.

Supercooling est la musique parfaite pour une écoute nocturne, un éclatant drone bourdonnant entre Catherine Debard et Matt May. Les sons superposés évoquent à la fois une ambiance éthérée et des ondes radio. L’interaction entre les musiciens est dynamique et démontre une belle connivence. Souvent, telle une voix qui porte, le son électro de Catherine se faufile entre la guitare de Matt qui crée les paysages. Comme s’ils étaient d’un autre monde, les sons de cet album évoquent un voyage dans les nuages, bien au-dessus des avions. Wild Blue Yonder est la bande sonore de ces rêves difficiles à décrire, ces rêves fous où vous flottez au-dessus de la terre, où tout ce que vous croyiez impossible est tout à coup réel.

Supercooling – Our Shadows Are Made of Mist

Supercooling – I C Q

Ex Libris :: Freda Guttman – Conversations with Freda

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Conversations with Freda compiles thoughts and reflections on a life invested in art and activism through the words and works of Freda Guttman. The text draws from personal experiences working on projects addressing various issues of social justice while also discussing deeper questions of participation, community, and the role of art and artists in society. That these are reflections from Montreal should not be lost on the reader, a city whose recent history of noise includes both dissonance and dissidence. The spirit of that community certainly influences how the relationship between the artist and society is thought of although this document only forms parts of the ongoing conversation. It is a beautifully screenprinted and inspiring document of sustained practise and belief in the power of art, as well as a jumping off point for further discussions on our relation to art, to society and to our separation or integration of the two.

Conversations with Freda rassemble — par les mots et les œuvres de Freda Guttman — des pensées et réflexions d’une vie consacrée à l’art et l’activisme. Le texte s’inspire des expériences personnelles au sein de projets de justice sociale et de discussions autour de questions plus profondes sur la participation, la communauté et le rôle des arts et des artistes dans la société. Le lecteur doit garder à l’esprit les origines montréalaises de ces réflexions, une cité dont l’histoire récente comprend la dissonance et la dissidence. L’esprit de cette communauté influence sans doute comment la relation entre l’artiste et la société est envisagée, mais ce document ne forme qu’une partie de cette conversation en cours. Il est magnifiquement illustré, porte à la réflexion sur le pouvoir de l’art, et constitue un point de départ pour engager la conversation sur notre relation avec l’art, et avec la société; et la façon dont nous séparons ou intégrons les deux.

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New Canadiana :: Stefan Christoff & David Parker – Wire Tones EP

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Reflecting on Canada’s ever­ expanding penitentiary system, the Howl! Arts collective presents three brooding compositions recorded one autumn day in 2013 at the Artel in Kingston. Musically, the collaboration of Stefan Christoff on piano and David Parker on contrabass sees the duo explore the use of texture and resonance to sustain harmonic overtones.

Spoken samples elaborating on the struggle against Canada’s industrial prison complex is provided by Kim Pate from the Canadian Association of Elizabeth Fry Societies. Admirably, Parker and Christoff have focused on an issue too often deflected in public discourse. In the liner notes, the musicians comment “although tones on their own can’t bring down prison walls, or rip down barbed wire, hopefully this recording can speak to the passion that drives prison abolitionists, the human spirit driving thousands of people fighting to undercut regressive, expansionist prison policies under the Conservatives.”

Dans le cadre d’une réflexion sur l’expansion continuelle du système pénitentiaire canadien, le collectif Howl! Arts présente trois compositions sombres enregistrées l’an dernier lors d’une journée d’automne au Artel, à Kingston. La collaboration musicale de Stefan Christoff au piano et de David Parker à la contrebasse explore l’utilisation de la texture et de la résonance pour créer des merveilles harmoniques.

Des extraits vocaux portant sur la lutte contre le complexe de l’industrie carcérale au Canada ont été fournis par Kim Pate, de l’Association canadienne des Sociétés Elizabeth Fry. Parker et Christoff attirent admirablement l’attention sur un problème généralement évité dans le discours public. Dans les notes d’accompagnement, les musiciens expliquent : « même si les sons ne peuvent pas détruire des murs de prison ou arracher de fils barbelés à eux seuls, nous espérons que cet album fera écho à la passion des personnes militant pour l’abolition du système carcéral; à l’humanité profonde qui en amène des milliers à se battre pour contrecarrer les politiques carcérales régressives et expansionnistes des Conservateurs. »


Stefan Christoff & David Parker – Shifting Skies


Stefan Christoff & David Parker – Beyond Injustice

Inferred Views :: Sam Shalabi + Stefan Christoff

Sam Shalabi + Stefan ChristoffSam Shalabi + Stefan Christoff

Sam Shalabi and Stefan Christoff have created an incredibly evocative album with родина (Rodina). The pieces move quickly between moods but maintain a heavy tension throughout. That tension, along with the pairing of the instruments, free jazz strategies and makam musical systems invite you to imagine the two as opposing geo-social entities. Once that thought enters your head, it becomes hard to not hear it whenever listening to these recordings. Peter Bradley spoke to the pair of musical travellers.


Sam Shalabi and Stefan Christoff – To Sophia


Sam Shalabi and Stefan Christoff – Vardar River Song

Peter Bradley: At times, this album is like hearing a conversation in which two people are speaking different languages, but both understanding the other. Can you respond to that idea, or about the nature of conversation between the two different musical systems that you brought together on this album?

Sam Shalabi: I think part of what we are after is another more personal kind of communication between these two instruments that have a certain stature and significance within their own cultures and musical traditions. There are plenty of ready-made templates or styles and paths of how to bridge these systems, but our approach is more to go somewhere more intuitive than formal. We aren’t so much interested in ‘fusions’ of ‘East Meets West’, or doing something that is even a bridge between those traditions of music making – much of our practice comes from using improvisation, which is the common thread musically, and a kind of ‘conceptual ’ trust in each other and what it is we are trying to convey.

In a way, it seems abstract that political or sociological elements could be components in purely instrumental music, but that’s exactly the idea: that those things are motors or generating themes in how this music gets shaped and played, and so, for us, it’s a way to make music ‘between’ cultures that gets shaped by more political or abstract (at least within the context of music) concerns rather than reconciling two musical systems.

Stefan Christoff: In many ways the collaboration is rooted in conversation, in a sharing of ideas (both musical and political) between artists. Certainly different musical traditions – jazz improvisation and makam – influence the music, although beyond specific musical arrangements or choices, the music is rooted in open conversation and a sharing of ideas on the world.

In ways родина reflects on experiences in different places around the world, but is also a very personal exchange. Really the album reflects deeply (emotionally also) on difficult questions about cultural identity in North America, colonial territories shaped by profound violence against indigenous peoples, and now home to increasingly precarious societies that have cultural roots across the globe.

Your album notes say that the music is “inspired by the endless search for home in North America, a place of lands and people continuing to struggle against the legacy and current reality of colonialism. родина is about reflecting on ancestors, dreams of another place, and a future of liberation.” In the context of those notes, can you talk about the inclusion of two solo pieces alongside to two duo pieces?

Shalabi: I think the solo pieces are inversions of the duo pieces: neither of them could be cast as traditional within their own cultures, and part of that idea was to be more transparent in that theme of ‘home’, in that this search for place can’t be strictly geographical anymore – as much as one would like it to be. The idea of purity in that sense is problematic and a goal whose definition has to be redefined across ‘borders’ anyways. ‘Home’ in that sense becomes an active place of struggle and liberation in a collective sense, but also ‘incarnated’ in an individual sense, hence, those solo pieces.

Sam Shalabi - Oud

Christoff: It was important to include both conversational pieces alongside our individual voices. In a sense the questions and conversations that inspired the recording are collective, but also impact us deeply as individuals. Both voices on the record are critical and the solo pieces illustrate that although we are collaborating on the record, we certainly aren’t a band that are stuck together; we are off on our individual journeys: Sam in Cairo, myself in Montreal.

In regards to the ideas behind the album, the endless search for home, I think that we are both always on that search, finding elements of ‘home’ in different places, while sustaining a certain restlessness that is common today, but I think also very particular to the transient identity of people who have spent large amounts of time within the borderlines that define Canada. That melancholy, that restlessness, the focus on the horizon, open spaces, all impacts of psyche and I believe it’s critical to understand that all those aspects that are key to Canadian cultural identity are rooted in largely unresolved questions and current realities of colonization that shapes these territories called Canada, or the Northern part of Turtle Island.

I’m not sure if you played together beforehand, but recently this has been working as a long distance musical relationship. Is the result of that a more deliberate sort of collaboration, or a more impromptu and casual one?

Shalabi: Our friendship and our interest in how music in general and our own music relate to and reflect our lives in a political and personal sense (which are inseparable anyways) is the continuity in what we do. For us, that’s a very ‘deliberate’ and evolving thing. The impromptu element is mainly logistical because of where we live, but certainly isn’t how we treat what we do. In a way, the distance and time feed into what we do and give us more to put into our music when we meet again.

Christoff: Over the past decade we have gotten to know each other in Montreal and our conversations and a personal connection is really at the root of the music. Certainly the distance creates a specific dynamic, where we come together when we are both in Montreal and work in a relatively intense way on the projects. Actually, we recently recorded a follow-up duets album to родина, that we hope to release soon.

I think that there is a common appreciation of what we are both experiencing in our lives, taking place in different places, given our life experiences and backgrounds, while also a common interest in making thoughtful and engaged music that is rooted in more internationalist ideals. Although obviously this project is still developing, and although I feel proud of the recordings until now, I do feel that there is still a massive space for exploration and development.

Rodina cover

The artwork is beautiful. I’m wondering why you included the elements that you did.

Christoff: The album design was done by my partner Nazik Dakkach, who explains that “the art is a reflection on exile, because homeland is associated for a lot of people with the overseas trip, with the concrete crossing of the ocean. Also the design tries to respond to the music, creating a landscape that follows the expansion of the sound and evokes a sense of loss and displacement, inherent to the immigration experience, especially when taking place within a colonial context.”

Also, silk screen artist/printer Jesse Purcell (from the Justseeds Artists’ Cooperative) was an important part of the process, putting forward skilled craftsmanship into materializing the design.

I’m wondering about the references to Macedonia on the titles of two of the pieces?

Christoff : родина translates to motherland, or homeland, in multiple Slavic languages, a title that members of my family, who have roots in the former Yugoslavia, helped me come up with. My piano tones are also shaped by this heritage; those geographical references to Macedonia also occur within this framework.

In a way the title is an attempt to challenge to all the political talk these days about homeland in North America (including that repugnant and racist TV show). I think that we understand and acknowledge that this (North America) is the ‘homeland’ of no one, except indigenous people, really, until our societies, in a mass and collective way, truly address the colonial heritage of this place.

That feeling of restlessness and the different cultures heard in the music illustrates our individual connections to different places and cultures around the world. Our restlessness and search, which I feel is also heard in the music, I feel directly relates to the fact we are not really at ‘home’ in North America. Our next album, recent collaborations (also recorded at La Sala Rossa in Montreal), develop on these ideas and themes, both politically and musically.

In a sense I feel that the album expresses a deep discomfort and non compliance with the political order in North America that we both share, shaped by the colonization of indigenous lands. Obviously the recordings won’t overturn that injustice; there are many protest movements working in that direction that we both support and are involved in as human beings, (recently the album was chosen as a gift for donors to the Idle No More grassroots fundraising campaign), however the recording is an airing of grievances and also expresses an aware melancholy that is felt given all these points.

Sam Shalabi et Stefan Christoff sont à l’origine d’un album incroyablement évocateur avec родина (Rodina). Les morceaux passent rapidement d’une humeur à l’autre mais la même tension lourde persiste tout au long de l’album. Cette tension, de même que l’association des instruments, les stratégies de free jazz et les systèmes mélodiques du maqâm vous invitent à imaginer les deux musiciens comme des entités géo-sociales opposées. Une fois que cette pensée a fait irruption dans notre cerveau, il devient difficile de ne pas l’entendre lorsqu’on écoute ces enregistrements. Peter Bradley s’est entretenu avec le duo de voyageurs musicaux.


Sam Shalabi et Stefan Christoff – To Sophia


Sam Shalabi et Stefan Christoff – Vardar River Song

Peter Bradley : Par moments, lorsqu’on écoute cet album, on a l’impression d’entendre une conversation où deux personnes parlent des langues différentes tout en se comprenant mutuellement. Pouvez-vous nous parler de ce concept et de la nature de la conversation entre les deux systèmes musicaux qui est présente sur cet album?

Sam Shalabi : Je crois que ce qu’on cherche notamment à obtenir, c’est un autre type de communication plus personnel entre ces deux instruments qui ont une stature et une signification particulières au sein de leurs propres cultures et de leurs traditions musicales. Il existe une foule de modèles tout prêts, de styles ou de façons de faire le pont entre ces systèmes, mais notre approche consiste à faire quelque chose de plus intuitif que formel. Les styles « fusion » ou « l’Orient rencontre l’Occident » ne nous intéressent pas vraiment. En fait on n’essaie même pas de construire un pont entre ces façons traditionnelles de faire de la musique : on a beaucoup recours à l’improvisation, c’est un point commun entre nos deux traditions musicales et nous avons une sorte de confiance « conceptuelle » l’un envers l’autre par rapport au message que nous essayons de faire passer.

D’une certaine façon, cela paraît abstrait d’affirmer que des éléments politiques ou sociologiques peuvent être les composantes d’une musique purement instrumentale, mais c’est exactement l’idée : ces éléments sont des moteurs et influent sur la façon de créer et de jouer la musique. Alors pour nous, c’est un moyen de faire de la musique « entre » les cultures, une musique façonnée par des questions plus politiques ou plus abstraites (en tout cas, dans le contexte musical) plutôt que de réconcilier deux systèmes musicaux.

Stefan Christoff : À plusieurs égards, notre collaboration s’enracine dans une sorte de conversation, dans un partage d’idées (tant musicales que politiques) entre des artistes. De toute évidence, différentes traditions musicales – l’improvisation jazz et le maqâm – influencent la musique, au-delà des simples arrangements ou des choix musicaux spécifiques : notre musique est une conversation ouverte et un partage d’idées sur le monde.

D’une certaine manière, родина est une réflexion sur les expériences de différents endroits à travers le monde, mais c’est aussi un échange très personnel. En fait, l’album illustre profondément (et émotionnellement) des questions difficiles à propos de l’identité culturelle en Amérique du Nord, des territoires coloniaux façonnés par une violence profonde contre les peuples autochtones, des territoires où vivent aujourd’hui des sociétés de plus en plus précaires qui ont des racines culturelles dans le monde entier.

D’après les notes qui accompagnent l’album, votre musique « s’inspire de la quête sans fin d’un port d’attache en Amérique du Nord, des lieux et des gens qui continuent de se battre contre le colonialisme : aussi bien l’héritage qu’il a laissé que sa réalité actuelle. родина parle des ancêtres, des rêves d’ailleurs et d’un avenir de libération ». Dans ce contexte, pouvez-vous expliquer l’inclusion de deux morceaux en solo parallèlement à deux morceaux en duo?

Shalabi : Je pense que les morceaux en solo sont l’envers des morceaux en duo : aucun morceau ne pourrait passer pour traditionnel dans sa propre culture, et l’idée était d’être plus transparent dans ce thème du « port d’attache » : cette quête d’un « chez soi » ne peut plus être strictement géographique désormais, contrairement à ce que pensent certains. L’idée de pureté dans ce sens est problématique et un objectif dont la définition doit en tout cas être étendue au-delà des « frontières ». Dans ce contexte, le « chez soi » devient un lieu actif de lutte et de libération au sens collectif mais il incarne aussi un sens individuel, d’où ces morceaux en solo.

Sam Shalabi - Oud

Christoff : Il était important d’inclure des morceaux joués sur le mode de la conversation couplés à nos voix individuelles. En un sens, les questions et les conversations qui ont inspiré l’enregistrement sont collectives mais elles ont aussi une influence profonde sur nous en tant qu’individus. Les deux voix sur le disque sont essentielles et les morceaux en solo illustrent le fait que même si nous collaborons sur le disque, nous ne sommes pas du tout un groupe dont les membres seraient toujours ensemble; nous suivons notre propre cheminement individuel, Sam au Caire et moi à Montréal.

En ce qui concerne les idées qui sous-tendent l’album, la quête sans fin d’un chez soi, je pense qu’on est tous les deux dans cette recherche constante; on trouve des éléments de « chez soi » à différents endroits tout en ressentant un certain malaise. Ce malaise est courant à notre époque mais aussi très spécifique à l’identité éphémère des gens qui ont passé beaucoup de temps à l’intérieur des lignes de démarcation qui définissent le Canada. Cette mélancolie, ce malaise, la focalisation sur l’horizon, les grands espaces, tout cela a une influence sur le psyché et il est essentiel de comprendre que tous ces aspects qui sont cruciaux pour l’identité culturelle canadienne trouvent leurs racines dans des questions en grande partie non résolues et dans des réalités actuelles liées à la colonisation qui façonnent ces territoires que l’on appelle Canada, ou la partie septentrionale de l’île de la Tortue.

Je ne sais pas si vous avez joué ensemble avant, mais ces derniers temps vous semblez entretenir une relation musicale à distance. Du coup, est-ce que votre relation est plus réfléchie, ou plus impromptue et informelle?

Shalabi : Notre amitié et notre intérêt pour la façon dont la musique en général et notre musique en particulier illustrent et évoquent nos vies au plan politique et personnel (deux dimensions indissociables) permettent d’assurer une certaine continuité dans ce que nous faisons. Pour nous, c’est une chose très « réfléchie » et évolutive. L’élément impromptu est principalement logistique à cause des lieux où nous vivons, mais certainement pas dans notre façon d’aborder notre travail. D’une certaine manière, la distance et le temps alimentent ce que nous faisons et nous donnent de la matière à mettre dans notre musique lorsque nous nous retrouvons.

Christoff : Au cours de la décennie qui vient de s’écouler, nous avons appris à nous connaître à Montréal et notre conversation et la connexion qui nous unit sont vraiment au cœur de la musique. Il est évident que la distance crée une dynamique particulière. Lorsque nous sommes tous les deux à Montréal, nous travaillons de façon relativement intense sur les projets. À ce propos, nous avons récemment enregistré un album de duos qui prolonge l’album родина; on espère le sortir prochainement.

Je pense qu’il existe une appréciation réciproque des expériences que nous faisons chacun de notre côté, à des endroits différents, compte tenu de nos expériences de vie et de nos antécédents. Il y a aussi une volonté commune de faire une musique réfléchie et engagée qui s’enracine dans des idéaux plus internationalistes. Même si ce projet est encore en phase de développement, et même si je suis fier des disques que nous avons faits jusqu’à maintenant, j’ai le sentiment qu’il y a encore beaucoup de place pour l’exploration et le perfectionnement.

Rodina cover

Le visuel est magnifique. Pourquoi avoir intégré de tels éléments?

Christoff : Le design de l’album a été fait par mon partenaire Nazik Dakkach, qui explique que « l’art est une réflexion sur l’exil, parce que pour beaucoup de gens, la notion de patrie est associée à un voyage outremer, concrètement, il faut traverser un océan. Par ailleurs, le design essaie de répondre à la musique, de créer un paysage qui suit la propagation des notes et évoque un sentiment de perte et de déplacement, inhérent à l’expérience d’immigration, surtout lorsque le déplacement s’effectue dans un contexte colonial. »

Par ailleurs, l’artiste/sérigraphiste Jesse Purcell (de la Justseeds Artists’ Cooperative) a joué un rôle important dans le processus. Son savoir-faire artisanal se matérialise dans le design.

Pourquoi ces références à la Macédoine dans les titres de deux morceaux?

Christoff : родина signifie mère patrie ou patrie, dans plusieurs langues slaves. C’est un titre que les membres de ma famille, qui ont des racines dans l’ancienne Yougoslavie, m’ont aidé à trouver. Mes tonalités de piano sont aussi influencées par cet héritage; ces références géographiques à la Macédoine s’expliquent aussi dans ce contexte.

D’une certaine façon, le titre est une tentative de remise en question des débats politiques actuels à propos de la patrie en Amérique du Nord (et notamment de la série TV Homeland, une série ignoble et raciste). Selon nous, l’Amérique du Nord n’est la patrie de personne, si ce n’est des Autochtones, tant que nos sociétés n’auront pas réglé, pour de bon et de façon collective, l’héritage colonial de cet endroit.

Ce sentiment de malaise et les différentes cultures entendues dans la musique illustrent nos connexions individuelles avec différents endroits et différentes cultures à travers le monde. Notre malaise et notre quête, qui s’entendent à mon avis dans la musique, rappellent le fait que nous ne sommes pas vraiment « chez nous » en Amérique du Nord. Sur notre prochain album (également enregistré à La Sala Rossa à Montréal avec de récentes collaborations), nous avons développé ces idées et ces thèmes, à la fois politiquement et musicalement.

Dans un sens, j’ai l’impression que l’album exprime un malaise et un désaccord profonds – que nous partageons tous les deux – avec l’ordre politique en Amérique du Nord, façonné par la colonisation des terres appartenant aux peuples autochtones. De toute évidence, les disques ne vont pas remédier à cette injustice… Il existe de nombreux mouvements de protestation qui œuvrent en ce sens que nous soutenons et auxquels nous participons en tant qu’êtres humains (récemment l’album a été choisi comme cadeau de remerciement pour les personnes ayant fait un don dans le cadre de la campagne de financement populaire Idle No More). Mais le disque est un moyen de faire entendre des doléances et il exprime aussi la mélancolie consciente qui est ressentie compte tenu de ces questions.