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Far Shores // Inferred Views :: Wednesday Lupypciw

a preview of the upcoming performance work ALLIES HONOUR YOU at Queen City Pride Festival in Regina next week (!!)


a still of the video Bed Of Intimacy, 2014.

Calgary’s Wednesday Lupypciw is known for her candid, humorous, and absurd video work that investigates the strange and murky intersections of art, craft, identity, feminism, sexuality and relationships. Wednesday’s personal grapplings with these issues become a means through which we can poke fun at our own attempts to rectify personal, political, and creative desires for satisfaction within a realm littered with obstacles. Here we discuss her home in Calgary, the Canadian art scene, sincerity & vulnerability, cunt-art, collaboration, art, and activism.

Your video work approaches, with a wry humour, matters of personal failure, intimacy, and the common awkwardness of relationships. It seems very sincere even when it is being sarcastic, and I think this is because of a lack of pretense and artifice. Have you always been so candid in your work? If not, was there a moment or breakthrough that allowed you to access this subject matter?

I think there was a show at Stride back in the day called Sincerity Overdrive. I agree with you that there’s a lot of awkwardness and wholeheartedness in my work. It’s because I use the first and only takes of myself rolling around these elaborate sets in my bathtub… My intentions are always the best! And I think there is a place for this in contemporary art and scholarship! I studied in the ACAD Textiles department, where there was this really heavy emphasis on 2nd Wave Feminist performance art from the 1970s, because it’s what the instructors at the time knew and came of age with. Again and again, we were drilled with the idea that The Personal Is Political, and eventually it rubbed off in this way that totally endeared me to Cunt Art. I WANT TO BE CUNT ART SO MY VIDEOS BRING THE PUSSY, but in a way that acknowledges that it’s the 21st Century and we know better than all of those essentialist ideas that were floating around 40 years ago. Cunt Art v2.0.

Also, I realized, I think just finishing and getting out of art college, that work I made earnestly and impulsively stood on its own a lot better in the world than work that was made to be Art and fare well in crits. That probably isn’t totally clear–of course I make things as art, I show these things in galleries, I apply for grants and file my taxes as an artist etc. etc. I’m in the cult or whatever. I just know, if I see something that’s really beautiful and slick and well-made, I only get so much out of it and then move on. So I want to make work that is a little restless and uncomfortable and incomplete and unsettled, work I keep on trying to figure out. The whole messy story is trying on the nerves, but more valuable than the demo reel.


a still of the video Bed Of Intimacy, 2014.

Embracing the soft, vulnerable, messy aspects of self and of relationship/community is an important tool for casting doubt on the values of dominator culture. Presenting those in a professional/academic art space wherein the values of individual success/“bootstrapping” (and the inherent diminishing of systematic oppression) and the institutionalized privileges still very much linger is an important aspect of feminist art traditions. What sorts of responses have you encountered from people who are made uncomfortable by your work, and in what ways do you see problematic dynamics being maintained?

Well, from the get-go my work only ends up in a very specific kind of institution and context. I’m often programmed because the piece is supposed to make people mildly uncomfortable, to fulfill a promise and moral duty to be “thought provoking” because it’s colourful and silly and certainly not going to be the “masterfully crafted” one! Some shows I get into–grab-bag survey shows based on geography (ex. any Biennial), or vag-only shows (conflating Feminism with female-ness, sisterhood based on assumption)–have their own way of normalizing very different practices, simply by being so extensive. Or, the show is marketed to a certain group from the beginning. Work is curated to fill that demographic need. These preconceptions and marketing are sometimes problematic because they can cheat work out of its full meaning.

I like doing solo exhibitions or working with independent curators, because then it feels like there is intelligence in how the host place relates to the work; their advocacy of it is holistic. Doing performance art in public places, even if it’s in a museum or something, is more confrontational and direct and the audience squirm factor is high. I think people are conditioned to believe that anyone doing performance art is gonna barf or bleed all over something! The only thing I’ve noticed is that people immediately withdraw or walk away if they’re uncomfortable with what’s happening. Or they tune out if it takes them longer than 3 seconds to assess what’s going on. People–audiences, curators, prep crews–aren’t in the habit of sitting with things they don’t like, or trying to express why they don’t like it. And that’s fine. I don’t like everything either.

What has been your experience been doing community based performance work, ie. your queer solidarity drum circle with FAG?

Oh man, I totally love that you picked up on the QUEER NOISE SOLIDARITY performance because it’s one of my favourites. QUEER NOISE SOLIDARITY was co-presented by the Feminist Art Gallery (FAG) and FADO Performance Art in Toronto. More so than community-based, I’d classify it as a conscious collaboration work. Community-based sounds like it would be more open than what I did. Maybe I’m not as breezy as I’d like to be about some details! I sifted through contact lists and Bandcamp pages for months before approaching specific people to join the group of 12 drummers. Everyone who was involved in that work was paid a proper artist fee, and was paid to rehearse. That is always important to me. Rita McKeough, my mentor, collaborator, and performance art hero, has worked like this too. You maintain authorship of the work, but you provide meaningful–hopefully meaningful–opportunities to many people who help you realize the vision. The vision that was a 20-foot equilateral triangle lined with female drummers thrashing and screaming with me from sunset to sundown on a grassy plain.



performance stills from QUEER NOISE SOLIDARITY, 2013. Photo credit Henry Chan for these.

I felt very networked, very legit, and very purposeful doing that performance in that context (and then I came back to Calgary where people often doubt Feminism haha!). I’m currently working towards similarly epic, but different drum-based performances in Regina and Calgary.

I’d like to one day do something community-based, but that seems like it would have to have a broader focus than a one-night only gig. I think the key to community-based projects is that they go out of the organizer’s hands to accommodate a fuller part of the collaborators’ opinions, ideas, aesthetics, etc.

Though your work addresses and employs traditional craft labour practices, I get the sense it is more about the human experience of working to survive, of striving to connect with others, and of struggling against systematic oppression. Was there a process by which your work came to be more about the latter than about, say, fibre art pure and simple, or were you always more concerned with the dialogue?

I do have concerns about craft and craft theory, but they are mostly about how people perceive crafts, the social settings in which crafts were made historically, and how crafts are being made today. I use craft media because I’ve been using craft media as long as I can remember, because I appreciate my formal training in textiles, because crafting is political in some ways, and because on some deep level I must enjoy yarn and soft things.

It’s always funny for me to see people walking up to my work, because they’ll do things like squint and pore over minute details in a textile, trying to glean some meaning from it, whereas I totally didn’t even think about that detail and I made the thing!

My work has always been a repository of emotional and psychic content for me. That is the richness, and a solid entry point. The textile is something I may have spent hundreds of hours making, but I was preoccupied about many things, like feeling it sit on my thighs instead about worrying about how it looked as it grew. I’ll put crafts into a show so that they can work in concert with everything else–the videos, the sound, the performers, the room. Basically, take a craft out of my whole setup and it’s just a pale anaemic object. Deirdre Logue from the Feminist Art Gallery said something really nice to me once about wanting “something with DNA on it” as a memento of a performance. I get it.


a still of the installation MY SEX WEBSITE, 2014. Photo credit Stacey Watson for this one.

Wednesday Lupypciw de Calgary est connue pour ses vidéos candides, comiques, et absurdes qui examinent les intersections étranges et obscures de l’art, de l’identité, du féminisme, de la sexualité et des relations. La lutte personnelle de Wednesday avec ces problèmes se transforme en moyens qui nous permettent de se moquer de nos tentatives de rectifier les désirs personnels, politiques, et créatifs afin d’être satisfait dans un royaume parsemé d’obstacles. Ici, nous discutons de son chez-soi, à Calgary, de la scène artistique canadienne, de la sincérité & de la vulnérabilité, du cunt-art, de la collaboration, de l’art et de l’activisme.

Votre vidéo frôle, avec un humour ironique, des sujets d’échecs personnels, d’intimité, et de malaises naturelles dans les relations. C’est très sincère même quand c’est sarcastique, et je pense que c’est parce qu’il n’y a pas de faux-semblant, ou d’artifice. Avez-vous toujours été si candide dans votre travail? Sinon, y a t’il eu un moment, ou une percée qui vous a permis d’aborder ce sujet?

Je pense qu’il existait une présentation à Stride dans le passé qui s’appelait « Sincerity Overdrive ». Je suis d’accord avec vous qu’il y a beaucoup de malaise et de sincérité dans mon travail. C’est parce que j’utilise la première et la seule prise de moi-même lorsque je tourne dans ma baignoire, entourée de cette mise en scène élaborée…Mes intentions sont toujours les meilleures! Et je pense qu’il y a une place pour ça dans l’art contemporain et l’érudition! J’ai étudié au département du Textile d’ACAD, où ils mettent vraiment un gros accent sur la performance artistique des années 1970 pendant la seconde vague du féminisme. C’était ce que les professeurs connaissaient et ce avec quoi ils avaient grandi. Maintes et maintes fois, on nous a martelé avec l’idée que « l’aspect Personnel est Politique », et éventuellement, j’en étais imprégnée et c’est ce qui m’a fait adorer le cunt-art. JE VEUX DEVENIR LE CUNT-ART, MES VIDÉOS AMÈNENT DONC LE PUSSY, mais dans un sens qui reconnait le fait que nous sommes dans le 21e siècle et que nous comprenons mieux ces idées d’essentialisme qui circulaient il y a quarante ans. Le cunt-art version.2.0.

En plus, je m’en rendais compte, juste après avoir fini et être sortie d’une école d’art, que les œuvres que je faisais honnêtement et impulsivement se tenaient mieux dans le monde que les œuvres qui étaient faites pour être de l’Art et s’en tiraient bien lorsque critiquées par d’autres étudiants en arts… Cela n’est probablement pas très clair—bien sûr, je transforme des choses en art, je montre ces choses dans des galeries, je fais les demandes pour des bourses et je déclare mes impôts d’artiste, etc. Je suis dans un culte, ou whatever. Je sais juste que si je vois quelque chose qui est vraiment beau et super et bien fait, j’en retire ce que je peux et je passe à autre chose. Donc, je veux créer des œuvres qui sont un peu agitées et gênantes et incomplètes et perturbées, des œuvres que je continue d’essayer de comprendre. Le but ultime, même si maladroit, et de mettre les nerfs à l’épreuve, mais que ça ait une plus grande valeur que le démo.

En adhérant à la faiblesse, à la vulnérabilité, aux complications de soi-même et aux relations et à la communauté est un outil important pour semer le doute dans les valeurs de la culture dominante. Présenter ces idées dans un espace d’art professionnel/académique, où les valeurs de réussite individuelle/bootstrapping (et la diminution inhérente de l’oppression systématique) et les privilèges institutionnalisés qui persistent encore fortement est un important aspect des traditions en art féministe. Quelles sortes de réponses avez-vous trouvées de gens qui sont perturbés par votre travail, et de quelles façons voyez-vous l’entretien des dynamiques de problématiques?

Eh bien, de prime abord, mon travail se retrouve seulement dans un genre d’institution et de contexte très spécifiques. Je suis souvent programmée parce que la pièce est supposée de perturber modérément les gens, de remplir une promesse et un devoir moral de susciter la réflexion parce qu’elle est colorée et débile et elle ne sera certainement pas celle qui sera « façonnée de mains de maître »! Les expositions auxquelles je suis admise—les expositions fourre-tout fondées sur la géographie (ex. Une biennale), où les expositions vag-only (regrouper le féminisme avec le fait d’être femme, la solidarité féminine fondée sur les suppositions) – ont leurs propres façons de normaliser des pratiques très différentes, simplement en étant si approfondies. Ou bien, l’exposition est lancée à un groupe particulier dès le début. Le travail est organisé afin de répondre aux besoins démographiques. Ces idées préconçues et le marketing sont souvent problématiques, car ils peuvent sacrifier la pleine signification de l’oeuvre.

J’aime faire des expositions en solo, ou travailler avec des conservateurs indépendants, puisqu’il me semble qu’il y a plus d’intelligence dans la relation entre la salle et la façon dont l’œuvre en est imprégnée; cette promotion est holistique. En faisant de l’art performance dans des lieux publics, même dans un musée ou quelque chose comme ça, il y a plus de confrontation et c’est plus direct et le degré de tortillement du public est élevé. Je pense que les gens sont conditionnés à croire que tout le monde qui fait de l’art performance va dégobiller ou saigner partout ! La seule chose que j’ai remarquée est que si les gens sont perturbés, ils se retirent calmement ou s’en vont immédiatement. Ou bien ils décrochent complètement si ça leur prend plus de 3 secondes pour évaluer ce qui se passe. Les gens—le public, les conservateurs, l’équipe technique—ne sont pas habitués de travailler avec des choses qu’ils n’aiment pas, ou d’essayer d’exprimer la raison pour leur aversion. Et c’est correct. Je n’aime pas toutes les choses non plus.

Quelles sont vos expériences de travail pour les oeuvres de performances en milieu communautaire, c.-à-d. votre solidarité gai et votre relation avec FAG ?

Super ! Je suis absolument ravie que tu aies reconnu la performance de QUEER NOISE SOLIDARITY parce que j’ai adoré. QUEER NOISE SOLIDARITY était présenté conjointement par le [Feminist Art Gallery (FAG)] (https://www.facebook.com/FeministArtGallery et FADO Performance art à Toronto. Plus qu’une performance en milieu communautaire, je le classifierais comme un travail de collaboration délibéré et réfléchi. Ce genre de performance me semble amener plus d’ouverture que ce que je faisais. Peut-être que je ne suis pas aussi jovial que j’aimerais être pour certains détails ! Pendant des mois, j’ai filtré une liste de contacts et des pages de Bandcamp avant d’aller vers des gens en particulier pour qu’ils se joignent au groupe de 12 percussionnistes. Tous ceux qui étaient impliqués dans ce travail étaient rémunérés une somme appropriée pour des artistes et ils étaient payés pour répéter. C’est toujours important pour moi. Rita McKoough, ma conseillère, ma collaboratrice, et mon héroïne de l’art performance, elle, travaillait aussi comme ça. Vous gardez la paternité de l’œuvre, mais vous fournissez des occasions significatives –enfin, vous espérez qu’elles soient ainsi- aux gens qui vous aident à réaliser votre vision. La vision qui était un triangle équilatéral de 20 pieds garni des tambours féminins qui se débattent et hurlent avec moi de l’aurore jusqu’au coucher de soleil sur une plaine couverte d’herbe.

Je me suis sentie très connectée avec les gens, très réglo, et très déterminée en faisant cette performance dans ce contexte (et puis je suis retournée à Calgary où les gens doute souvent de l’existence du féminisme haha!) En ce moment, je travaille vers une performance à Régina et à Calgary basée sur des tambours aussi enlevants, mais différents en même temps.

Un jour, j’aimerais faire quelque en milieu communautaire, mais il me semble que ça devrait avoir un focus plus large que si c’était pour un seul gig. Je pense que la clé des projets communautaires est qu’elle sorte des mains de l’organisateur afin de satisfaire une plus grande partie des opinions des collaborateurs, de leurs idées, et de leur esthétique, etc.

Bien que votre travail traite des pratiques d’art traditionnel et à recours à ces dernières, j’ai l’impression qu’il s’agit plus de l’expérience humaine de travailler pour survivre, de vouloir absolument connecter avec les autres, et de lutter contre l’oppression systématique. Yavait-il un processus par lequel votre travail venait plus de ce dernier au lieu de, par exemple, le textile pur et simple, ou étiez-vous toujours plus préoccupé par le dialogue ?

En fait, j’ai des intérêts pour l’art et la théorie de l’artisanat, mais c’est surtout par rapport à la façon dont les gens comprennent les arts, les milieux sociaux dans lesquels les arts sont créés historiquement, et la façon les arts sont faits aujourd’hui. J’utilise les métiers d’arts médiatiques, parce que c’est ce que je fais depuis toujours, parce que j’apprécie ma formation institutionnelle dans le domaine des textiles, parce que l’artisanat est politique à certains égards, et parce qu’au fond, j’aime bien les fils et les choses douces.

Ça m’amuse toujours de voir les gens s’approcher de mes œuvres, parce qu’ils font des choses comme de plisser les yeux et examiner les détails minuscules dans un textile, essayer de trouver un sens dans tout ça, tandis que je n’ai absolument pas pensé à ce détail et c’est moi qui ai créé la chose !

Mes œuvres ont toujours été un entrepôt de contenu émouvant et psychique pour moi. C’est ce qui fait sa richesse, et un point d’entrée solide. Le textile est quelque chose que j’ai peut-être passé des centaines d’heures à fabriquer, mais j’étais préoccupée par beaucoup de choses, telles que de sentir le textile sur mes cuisses au lieu de m’inquiéter de son apparence au fur et à mesure de sa croissance. Je mets de l’art artisanat dans des expositions afin qu’il puisse travailler de concert avec toutes les autres choses—les vidéos, le son, les acteurs, l’espace. En gros, éliminez l’artisanat de l’ensemble de mes oeuvres et ça devient juste un pâle objet anémique. Une fois, Diedre Logue de Feminist Art Gallery a dit quelque chose de très beau par rapport à « vouloir quelque chose avec de l’ADN dessus » comme un souvenir de la performance. Je comprends.

Video – Open Relationship – “Girl Like You”


Marking the disbanding of Victoria BC’s favourite born weirdos, “Girl Like You” is an ode to the mythical Chick-toria–proof that there is indeed an island out there (somewhere) populated entirely by sweet and pretty babes on bikes, that may or may not drink beers with you.

Marquant la séparation du groupe de bizarroïdes préférés de Victoria, « Girl Like You » est une ode à la mythique Chicktoria – preuve qu’il y a réellement quelque part une île seulement peuplée par de jolies jeunes femmes à vélo, disposées (ou non) à aller prendre un verre avec toi.