De la géographie nationale de Christina Bell:
(Traduit par le très campivallensien Mathieu Bédard)

Cuchabata Records a démarré à 25 km de l’île de Montréal approximativement, dans une petite ville francophone appelée Salaberry-de-Valleyfield, Québec. Au début des années 2000, Valleyfield a couvé une poussée de bizarrerie particulière, qui a mené à certaines des oeuvres cools et insolites parues chez Cuchabata. Cette bizarrerie a façonné les sons étranges du fondateur de Cuchabata, David Dion, un natif de Valleyfield.

Résidant maintenant à Montréal, Dion est l’homme à tout faire qui organise et opère volontairement (et le plus souvent seul) le plus gros de ce ballet DIY. Libre de toute attente de succès brut, le label a été lancé initialement comme une façon de faire paraître son propre travail. Rapidement, Dion s’est allié à d’autres musiciens partageant des affinités d’esprit, pour créer une communauté fondée sur la spontanéité, l’expérimentation et l’éthique DIY.

On s’est rencontrés pour parler de se lancer et de bâtir une communauté par-delà les limites des échanges monétaires, ainsi que de combler le fossé qui est perçu entre les scènes artistiques francophone et anglophone de Montréal.

(Photo par: David Dugas Dion)

Pourquoi as-tu lancé Cuchabata Records en 2003, et pourquoi continuer? Les raisons ont-elles changé au fil du temps?

Au début, je voulais produire mes propres affaires. Je ne me suis jamais attendu à faire de l’argent ou à signer un grand nombre de groupes; c’était surtout juste pour mes propres groupes et des amis qui jouaient de la musique.

Puis j’ai déménagé à Montréal et je me suis lié d’amitié avec encore plus de musiciens. Produire leurs oeuvres m’intéressait parce que le label était devenu une communauté, pas une entreprise. C’est surtout une question d’amitié. Je produis encore beaucoup de mes propres trucs, mais j’ai rencontré aussi un grand nombre de gens et de groupes via l’étiquette. Je veux mettre de l’avant les groupes que je trouve très bons. À travers ce processus, des amitiés se développent. C’est pas bien plus compliqué que ça. C’est une question de passion.

Qu’est-ce que la direction artistique signifie pour toi, quand il s’agit de ton label?

Il n’y a pas un style de musique typique sur le label. Il y a du folk, du noise, de l’improvisation libre, du punk, etc. Ça repose sur ma propre perception, parce que j’aime tous ces genres. J’encourage surtout la musique qui n’est pas conventionnellement considérée comme « facile d’écoute », parce qu’il y a beaucoup d’étiquettes qui produisent de la musique facile à écouter. Néanmoins, je demeure ouvert au rock et au folk conventionnels – ou autres, peu importe – pourvu que ça soit bon et qu’il y ait des affinités avec les membres du groupe.

Je ne cherche pas vraiment de nouveaux groupes, simplement parce que je suis très occupé avec le label. Je n’ai pas à faire beaucoup de recherche : il y a toujours de nouveaux trucs à produire, même sans ramener de nouveaux individus au sein du label. Plusieurs personnes sur l’étiquette ont plusieurs groupes. Parfois, ça ne fonctionne pas, mais la plupart du temps ça marche, parce que les gens savent à quoi s’attendre.

Après avoir déterminé qu’un groupe a le bon profil, comment définis-tu ton niveau d’implication dans leur travail?

Quand je rencontre un groupe, je leur dis que je ferai ce que je peux avec le temps et l’énergie que j’ai. Ils me font part de leur plan pour l’année à venir et je travaille avec eux pour qu’il s’accomplisse. Je peux les aider avec le booking, les tournées, l’enregistrement ou le mixage.

En dehors du label, je travaille 40 heures par semaine dans un bureau, en plus des groupes dans lesquels je joue. Et j’ai une vie, aussi.

Les groupes savent que c’est une communauté et qu’il est attendu qu’ils participent également. J’essaie de fournir autant d’énergie à chaque groupe, mais c’est plus facile si le groupe en fait lui-même une bonne part pour la communauté en partageant sur les réseaux sociaux, mentionnant l’étiquette fréquemment, soutenant les autres groupes du label, etc. Il y a des groupes qui ne le font pas aussi volontairement que d’autres.

Quel conseil donnerais-tu à un groupe qui n’a jamais travaillé au sein d’un label auparavant? Quels comportements rend faciles ou désirables le fait de travailler avec un groupe?

Tout le monde peut apporter quelque chose. Si un groupe est à la recherche d’un service en particulier, un des autres artistes peut s’occuper de connecter les bonnes personnes. Si un groupe n’est pas de la ville, quelqu’un sur l’étiquette peut offrir le gîte. Pour donner un autre exemple, si quelqu’un dans un des groupes écrit aussi pour une publication, je peux lui donner une cassette et il va assurément écrire là-dessus. Des choses toutes simples qui créent des relations de partage entre les individus.

L’unique chose que je demande aux groupes, c’est d’être la seule personne qui gère les communications externes, comme les bulletins d’information et les courriels. On ne veut pas inonder les gens d’information, donc si je suis le seul à manier les relations médiatiques, je sais qu’on ne surchargera personne avec nos communications. Je suis le seul intermédiaire entre les médias et les groupes et le seul qui gère la page Facebook, la page Bandcamp et le bulletin d’information du label.

Après douze ans, on en arrive au point où les gens commencent à savoir qui nous sommes en tant que label et j’en suis très fier.

(Photo par: Mertin Hoëk)

Parle-moi du Cuch Fest.

Le premier Cuch Fest a eu lieu en 2006. À cette époque, l’étiquette opérait encore à partir de Valleyfield. Je ne planifiais pas de le faire chaque année, mais depuis on le fait tous les ans. C’est en général vers la fin de l’année; c’est une sorte de fête qui célèbre tout ce qu’on a réalisé.

On l’organise dans un lieu différent chaque fois. Le premier était dans un buffet, à Valleyfield. Les bars ne voulaient pas l’accueillir parce que leurs propriétaires trouvaient que notre musique méritait d’être jetée aux poubelles. Ils voulaient des groupes qui font des hommages à ACDC – le genre de chose qui avait la cote à Valleyfield.

Jusqu’à il y a deux ans, c’était toujours l’affaire d’une seule soirée. Il y a deux ans, ça a été deux soirs, et l’an dernier, quatre. Donc, ça continue de croître.

(Affiche par: Tommy Johnson)

C’est comment de travailler avec des groupes autant francophones qu’anglophones à Montréal?

Je pense que c’est bien une réalité, qu’il y a parfois deux communautés solitaires. Il y a toutefois certaines personnes qui s’efforcent d’organiser des soirées avec des groupes francophones et anglophones ensemble, dans des salles comme la Brasserie Beaubien. Dans ces concerts, les gens doivent partager la salle et se rencontrer. À un certain point, ils se rendent compte que ce n’est qu’une barrière linguistique et que la différence culturelle n’est pas si grande.

(Pour une exploration cinématographique de la scène bilingue, Dion vous recommande de jeter un coup d’oeil au documentaire Montreal Underground.)

Quels autres labels locaux de style « DIY » t’enthousiasment?

Misery Loves Company et Talking Skull.

Avec tout ça, où en est Cuchabata Records en ce moment?

Quand j’ai commencé en 2003, j’avais un petit « 4-track » à la maison. Je voulais enregistrer ma musique et la produire sur CD-R, pour envoyer de la musique à des labels, ce genre de choses. Mais j’ai réalisé que si j’allais m’autoproduire, c’était plus cool d’avoir mon label. Les premières années, j’étais nul dans tout. Les enregistrements sont terribles et le graphisme, pas génial. Je pense que ça a pris un bon cinq à sept ans avant de faire quelque chose de bien. J’ai pris ce temps pour apprendre à gérer les relations de presse, organiser des tournées, tout ce genre de trucs, et j’apprends encore. C’est un processus continu. Notre label est un petit train qui va loin : le petit train ne roule pas très vite, mais il roule. En ce qui concerne Cuchabata : c’est mieux que jamais, en ce moment, sur tous les plans.

Des secrets du traversier de Claire Marie Guimond:
(Traduit par le miroir infini de Maya Keshav)

J’explique tout en traversier. Quatre-vingt-dix minutes de l’eau donnent l’impression d’être un miroir quand tu tiens le coup jusqu’au continent infini, et d’être une photo quand tu reviens chez toi, comme maintenant, tu le vois? Sur l’île les fleurs éclosent en hiver. Pourquoi tu frissonnes? J’ai dit quelque chose? Il y a plus de vent de ce côté du bateau.. Je peux rien voir à travers la fumée de la forêt. Les cris éparpillés ont l’air urgent, trop bas pour entendre, mais je comprends complètement. Tu mets le feu à quelque chose? Depuis cet angle, ton bras a l’air d’être en feu. Tu sais, tu peux me dire n’importe quoi. La fumée et le brouillard se ressemblent, selon moi. Tu vas brûler jusqu’au pont-garage. Tout ça a du sens, je communique bien?

From the tantalizing oddities of Hailey Celesse McCarthy:
(Traduit par Sergio Calla)

Jaune partout

Nous avons rencontré, Flora et moi, Vincent Ferrari, alias Cosi e Cosi, au Psychic City. Le grand sous-sol sombre était rempli d’instruments gesticulants, d’accessoires et de bizarreries esthétiquement alléchantes. D’un petit coin sombre, Vincent a soulevé ses effets. Emballé d’un carré de tissu jaune, son équipement minimaliste est identifié par son ruban jaune habituel; « Ce tissu jaune provient d’une cabane délabrée située sur une terre gelée à la frontière entre Winnipeg et Minnesota où je suis resté pendant l’hiver, sans chauffage. Je marchais sur cette terre gelée. » C’est représentatif d’un linge servant à dorloter un nouveau-né. À travers un terrain vague gelé, le tissu jaune s’enroulait autour d’une nouvelle création – Cosi e Cosi

« Le jaune ne fait même pas vraiment triper. Ce n’est pas ma couleur préférée, » dit-il.

Nous nous sommes rendus à son appartement près du parc Laurier où Vincent fabrique plein de choses jaunes.

Les bagues

« La dernière fois que j’ai joué au hockey remonte à 2004-2005, je crois. Je jouais souvent, mais je ne joue plus. Cette bague a été méritée au championnat provincial lorsque j’avais 18 ans et l’autre en 2003 lors d’un championnat collégial. Deux années de suite après cela, j’ai perdu des matchs de championnat en surtemps. J’ai donc abandonné et je n’ai pas patiné du tout pendant 5 ans, » dit-il en tournant ses bagues. « C’est à ce moment-là que je me suis intéressé à la musique. »
« Cinq ans plus tard, j’ai patiné pour la première fois au Forks à Winnipeg avec une fille, et encore une fois 5 ans plus tard avec une autre fille, au Forks. Sinon, je n’ai plus vraiment rechaussé mes patins. Les bagues ont été mises dans une boîte chez mes parents sans jamais les avoir portées. Lorsque je les ai retrouvées, j’avais envie de les porter afin d’accepter mon passé de hockeyeur. »

Les Agneaux

Vincent sort son petit jouet en peluche qui semble très vieux. « C’est Lamby, il est très important pour Cosi e Cosi, » dit-il. « Je ne sais pas comment l’expliquer, mais Lamby est présent à chaque spectacle. Cet ourson aide à montrer ma nature fragile contrairement à la façon dont je performe sur scène. Je suis effectivement fragile, mais j’aime révéler la féminité versus la masculinité et garder le contact avec le caractère fragile. »

Je demande : « Vous jouez sur la dialectique des sexes ? D’un côté, vous avez une présence hyper-masculine, mais en même temps très féminine. » Vincent est quelqu’un d’élégant et aisé qui se présente avec délicatesse. Il a été noté que chaque élément qui l’entoure a une portée symbolique.

« Avant ce projet, qui a débuté en 2013, j’étais guitariste en duo avec une chanteuse et parfois en tournée. Je faisais partie d’une bande de guitaristes, mais je ne me sentais jamais à l’aise. Je me suis tanné de la guitare. J’étais épuisé. »

Les Couteaux

En se faufilant autour de la pièce, Vincent tente d’éviter d’être photographié avec ses objets. Il ramasse deux couteaux et les manipule avec soin. « Pourquoi les couteaux ? », je demande.

« Bien, j’ai une chanson qui s’appelle *Knife Play Forever* qui fait partie d’une série conceptuelle. J’ai fait une vidéo pour cette chanson à Winnipeg et à ce moment-là j’avais un petit couteau jaune. » Vincent prononce les mots « petit » et « jaune » rapidement et doucement et « couteau » en toute confiance. Il ajoute ceci pour la dernière phase de la série conceptuelle
*Worthy Knife Stab*: « J’ai créé une vidéo avec Jean Bourbonnais et j’ai utilisé le couteau dans la vidéo. Il y a donc une série avec des couteaux.”
« Et la fascination avec les couteaux…? », je demande, en me souvenant que malgré ma phobie du maniement de couteaux, il n’y a aucun danger ici.

« La profondeur que peuvent pénétrer les couteaux. »

« Vous considérez les couteaux comme une arme… un instrument… un outil ? Vous les voyez comme des objets ? »
« Les couteaux sont un symbole… tout est dans l’acte, » dit-il avec une voix rauque. « Ce que tu peux faire avec. C’est très dangereux et quand je parle d’une pénétration profonde, c’est d’y aller dans la profondeur des choses. »

La feuille

« Lors du lancement de Cosi e Cosi, je faisais la livraison de journaux et un soir en particulier, disons fortement romantique, des feuilles soufflaient sur ma voiture et c’est une de ces feuilles. »

Vincent Gallo

« J’étais un grand admirateur » Vincent Ferrari tient l’étui dans ses mains baguées. « Dans ma jeunesse les gens me disaient que je lui ressemblais, mais avec le temps, ce commentaire a
cessé. »

« Il n’y a que 500 copies de ces CD. Je ne suis pas un collectionneur d’objets matériels. » Il arrête et répète avec conviction.
« L’objet lui-même n’a pas de signification. Un objet est la création de l’effort investi. »

De la stupeur de Hailey Celesse McCarthy:
(Traduit par l’ahurissement de Marie-Pier Chevrier?)

Une chambre-forte de drones élémentaires converge vers une glaise psychédélique et progressive sur Out, le premier album de Jo Passed. Chaque piste est un champ électrique enveloppant un sombre caveau, attendant patiemment de libérer ses ombres à l’activation d’un interrupteur de courant électrique. Les harmonies vocales de Jo Passed se drapent autour de Out comme de douces transmissions; chaque composition magnétique crée une forme en renforçant le coeur, voltigeant sans goût et invisible, mais sentie.

Des rêves de Laura Stanley:
(Traduit par la sereine mélasse de Mathieu Bédard)

Parvenez au sommet des Two Mountains de Nennen et détendez-vous. L’âpreté d’une rupture (« Anger Cure »), les désirs inassouvis (« 4.5 ») ou les conversations inopportunes (« Villeray ») y sont assourdis et délavés par un filtre « slumber ». La haine se glisse hors du corps, épaisse et lente comme de la mélasse, mais au service de son but. Amy Macdonald a construit son album si délibérément qu’il paraît juste de s’occuper de soi avec autant de soin en retour. Assoyez-vous un moment et respirez : quelle paix à l’amiable.

De l’affection hésitante de Christina Bell:
(Traduit par le flafla douloureux de Mathieu Bédard)

Betty told me s’écoute comme une conversation qui durerait tout un album au sujet des dangers d’une affection hésitante. C’est un drame ondulant, un récit cliquetant et désinvolte sur le pilotage dans les rues périlleuses de l’amour et du désamour. Même si elles chantent surtout sur le fait d’être perdantes, The Submissives sont cools tout de suite en partant. Elles sont résolues à dire les choses comme elles sont. Simplement. Sans flafla. Sans être affectées? Douloureusement.

Du coeur vidal de Rolf Carlos:
(Traduit par le lobe sanguinolent de Mathieu Bédard)

Le collage sonore de Tamara Filyavich, « Return Fire », vous invite à réfléchir à cette sinistre question : « Maman, qu’est-ce qui va m’arriver si je meurs dans un pays étranger? » Des transmissions radio, des synthétiseurs granuleux et de la magnifique musique chorale ukrainienne s’échangent des coups de feu entre les tranchées sanguinolentes de votre lobe temporal. La pièce de 17 minutes s’ouvre sur des échantillons fantomatiques de « Plyve Kacha » — une chanson funèbre du folklore ukrainien, ressuscitée à la lumière des conflits récents — puis décline lentement en des pleurs évidés venus de synthétiseurs entêtants. Éventuellement, des salves d’arpèges broyés, charcutés sont tirées de l’éther, perçant votre tympan comme ils perceraient votre torse; vous tombez sur un sol inconnu, maudissez votre sort, ainsi que l’absurdité de la vengeance, puis pensez à votre mère tandis que le son des tirs de riposte s’affaiblissent peu à peu: « Mon très cher enfant, tu seras enterré par d’autres gens. »

De l’esprit fragmenté de Laura Stanley:
(Traduit par la mentalité capricieuse de Louis-Félix de Chevigny)

Nos cœurs ont autrefois battu à l’unisson. Ce battement synchronisé a repoussé la solitude qui vivait en moi depuis si longtemps. Maintenant, elle est de retour et je peux entendre les spectres de notre vie d’auparavant : nos chicanes, notre joie, ton disque de jazz favori, le bruit de nos assiettes, les parasites de notre télé la fois où nous avions oublié de payer notre facture de câble. Dans Frag, le Montréalais Philippe Vandal invoque, par des sentiments oubliés, une discordance lointaine. Comme nous, ces souvenirs sont fragmentés et atonaux. En les écoutant, on pourrait penser qu’ils sont aussi effrayés par le futur que je le suis.

Des rêves d’Hollywood perdus de Mike Roy:
(Traduit par la plage fondante de Mackenzie Smedmor)

À travers le regard changeant d’un rêve de kaléidoscope, She-Devils apparaît dans un appel de désir absorbant. “Come” vous attire jusqu’au plus profond de lui grâce au bourdonnement inversé du surf rock des années 60, en décomposant lentement les processus pop réanimés par la répétition méticuleuse de paroles et de rythmes de guitare. “Where There’s No One” crépite en jouant des ballades classiques se transformant en une nouvelle toile d’esthétiques, tandis que “I Wanna Touch You” soulève les ascensions et les descentes comme un ascenseur coincé entre les étages de l’extase et la confusion. Le remix additionnel de “Come” cimente la nature expérimentale qui est gravée dans l’album telle une collection de morceaux de casse-tête de pièce prête `à être jouée.

De la purge matinale de Heather Lune:
(Traduit par Sergio Calla)

La danse est-elle sacrée ? Fuir des tunnels souterrains pendant une nuit glaciale pour s’intégrer dans les sons archaïques afin de se régénérer et de se moderniser. Puis l’été arrive avec ses rayons de soleil étendus, donnant envie de se soûler désespérément dans cette lumière chaude pour encore une fois angoisser au départ du soleil et à l’arrivée du gel. Dans cette frénésie frisquette, UsKindAnimals chantent à l’âme des hymnes sauvages cherchant aveuglement des mélodies bestiales. Faire un deuil euphorique en écoutant de la bonne vieille musique d’enterrement? C’est la macabre danse hivernale. Un squelette qui vous secoue pour vous faire sortir de votre propre corps refroidi.