De la cascade de Chris Jacques:
(Traduit par l’attraction morbide de Nicolas Coutlée)

Je vais devoir sauter dans ma machine à voyager dans le temps pour celle-là. Bienvenue en 1984. J’ai 13 ans et m’apprête tout juste à sortir de ma stupide phase de headbanger pour plonger tête première dans le punk rock. Chaque fin de semaine, je me rends au centre-ville pour découvrir de nouveaux sons chez Pyramid Records et Records of Wheels. Sur un coup de tête ou par simple chance, je tombe sur un 7″ du groupe local Johnny Zhivago. Je me rappelle une prestation vue sur Alternative Rockstand il y a à peu près un an et peut-être même un vidéoclip sur Video Video, deux excellentes émissions locales diffusées sur la très regrettée chaîne de télévision publique VPW (West of the Red).

Mi-fasciné, mi-dégoûté, je tenais le disque dans mes mains. Du synthé? Ouache. Il me faudrait encore quelques années avant que je puisse apprécier pleinement les dommages que pouvaient affliger un Moog, un Korg ou autres Arp. Envoyant au diable toute forme de précaution ou de goût artistique, j’ai sorti un 2$ de mes poches et suis retourné en hâte chez moi avec mon disque aux drôles de sonorités. Je le faisais jouer constamment – pour moi-même – jamais pour qui que ce soit d’autre. C’était mon plaisir coupable, un vrai plaisir coupable; jamais je ne le montrais et même je le cachais souvent. Tout cela devait changer des années plus tard lorsque j’apprendrais à comprendre et à apprécier cette magnifique vague de pop synthétique qui avait alors cours.

Je ne sais vraiment rien de plus sur eux – s’ils ont enregistré autre chose ou ce qu’ils font à présent. Je serais toutefois tout à fait disposé à rééditer de leur matériel.

Chris Jacques habite à Winnipeg. Il est à la tête de Dub Ditch Picnic Records et est un Nouveau Romantique inavoué.

Du mixtape qui disperse les gens dans la salle de Jesse Locke:
(Traduit par la pandémie de Maya Keshav)

Des décennies avant que le partage de fichiers, Discogs, et Youtube aient démocratisé la connaissance musicale, les nouvelles de la révolution industrielle pouvaient seulement arriver à ce côté de l’océan par le bouche à l’oreille ou au prix des imports chers. À côté des tels contemporains que March of Values, Diner’s Club (mettant en vedette un Brian Ruryk naissant), et les légendes du coin Fifth Column (dont tous passent à Urban Scorch, la réponse de Toronto à No New York). The Party’s Over étaient un gange des insurgé d’école d’art qui ont reçu le memo et ont décidé de le faire passer autour de la ville peu importe comment ils le pouvaient. L’électronique marécageuse, les couper-collers de Xerox (1, 2), et les images d’horreur de leur cassette de 1981 montrent le chemin à d’innombrables itérations post- et post-post-punk, mais qui sont parallèles aussi aux efforts économiques les plus tôts de Cronenberg. Même si les membres ont atteint plus tard les plus grands niveaux de notoriété dans Kids on TV et le combo Cure-vénérant dit Century’s End, c’est le Tissue Sample contagieux qui est le plus probable de provoquer une pandémie à l’avenir.

Du disco boréal de Jesse Locke: (Traduit par les ballades hyperboréennes de Maya Keshav)

La basse acide ondoyante fait fondre le permafrost du dernier EP de Brusque Twins. La dernière fois que ce duo glacial-chaud était rejeté sur ces rivages, c’était avec le succès remarquable Vol. 1 comp de Visage Musique; il apparaît ici encore avec quatre nouvelles ballades hyperboréennes. Le chant lyrique de Hollie Hensman est la pulsation témoine de cette boîte secrètement goth, qui balançe au rythme de la nuit.

Des mélodies cachées de Brandon Hocura: (Le mode en rafale de Odile Leclerc)

Loneliness, malgré son titre, est un album avec un cœur chaleureux de fils et en son cœur se tient l’amitié musicale au long terme entre Don Stagg et Eric Simpson. Le duo a précédemment enregistré un épic prog fait-maison sous le nom de VIIth Temple, mettant en vente une sortie de LP d’un rare orange brûlé trempée dans du Moog-doux, Mellotron et Giant. Sur Loneliness la paire ont échangé leurs plumes, velours et épic groupe de jam pour de minces cravates et des batteries bon marché. Le LP porte encore des odeurs de patchouli, mais le son pique de soudure et d’électricité et habite une zone naissante quelque part entre krautrock et nouvelle vague. Les chants sont tout amassés sur la face-a, commençant avec une ode à l’inefficacité du T.T.C. (certaines choses ne changent pas!). Les thèmes dystopiens de science fiction sont égaux pour la Ligue, un point culminant est la ballade romantique ‘’Anna King’’ qui sonne comme si ça pourrait être un prélèvement de Trans. Les instrumentaux sur la face-b sont décidément ressentis plus comme Teutonique et avait un certain charme de CBC qui sonne comme l’enregistrement de JP Decerf pour Parry Music. Le côté s’ouvre même une sinueuse Panthere rose défoncée. À propos du truc de solitude de cet album c’est l’incroyable photo couverture. Don Stagg m’a dit qu’il a grimpé sur un toit à St-James Town pour prendre une photo pour la manche quand il a rencontré un jeune homme prenant du crack. L’homme était étonnement aimable et Don a pris cette photo évocatrice alors que la nuit tombait sur la froide cité. Empoignez cette tranche préservée d’étalement d’Ontario si vous en avez la chance, ça va probablement vous surprendre de savoir comment peu de chose ont changé durant toutes ces années.

De la limpidité noble de Simon Frank: (Traduit par les mœurs moins nobles de Maya Keshav)

Police Des Mœurs peut être la plus grande exportation d’Alphaville depuis Lemmy Caution et Anna Karina. Le duo connaît intuitivement quand il faut laisser parler librement les séquenceurs, quand il faut intervenir, et quand il faut commander leurs boîtes à rythmes de jouer un autre fill sans pitié. La meilleure façon de le ressentir, c’est pendant que tu observes l’architecture brutaliste, avec un livre de poche usé existentiel dans ta poche. [N.B.: Certaines copies du 7” sont accompagnés d’une feuille de 1984 d’Orwell.]

Des nouvelles de minuit de Brandon Hocura: (Traduit par Odile Leclerc)

Une scène familière; un jeune rêveur seul dans le sous-sol de ses parents fait de la musique pour échapper la solitude et l’ennui. Maintenant, la chose inhabituelle à propos de cette scène c’est que le sous sol est rempli d’équipement d’enregistrement maison d’état de l’art (pour 1984) et de synthétiseurs et le sous-sol est situé en Alberta rural entouré d’infinis champs de patates, à des miles de n’importe quoi d’à peine métropolitain. Pour le jeune Tona Walt Ohama, les portails majeurs vers le monde entier de sa ferme isolée étaient à travers la télévisions, la radio et les enregistrements. Une diète bien étoffée de classique, de rock, de prog et d’encore plus important du New Wavers comme Gary Numan et John Foxx ont donné à Ohama le vocabulaire dont il avait besoin pour diffuser de magnifique messages analogues de sa ferme vers le monde plus grand. I Fear What I Might Hear, le premier album approprié de Ohama, est un pièce maîtresse de forme folk moderne, capturant parfaitement le climat culturel Canadien du début des années 80 et son effet sur un jeune esprit sensible. I Fear est à la fois une introspective et un pastoral comme Nick Drake, mais plutôt qu’évoquer des images acoustiques de Camus et de tempéramental landes Anglaise, ça parle de McLuhan et un paysage branché qui est également à moitié du labeur boueux et du butin de média. Le LP marche effectivement comme un document uni en partie parce que les thèmes existentiels de l’isolation, de l’identité et du délabrement culturel sont explorés comme de la matière à sujet en parole tout au long, mais aussi parce que les chansons sont toute cousues ensembles utilisant de concrètes pastiches de son qui s’étend d’idyllique et rustique (animal&eau) à industriel et urbain (moteur et TV). Vraiment c’est une lettre de détresse claire voyante et de déboîtement révélant la disparition d’une dichotomie, où ça n’a pas d’importance là où tu vis, Google va te trouver. N’ayez pas peur toutefois, c’est un grand confort de savoir que la voix claire et visionnaire de Ohama est quelque part dehors dans le Grand et Large Aether. Pour plus d’aperçu dans le super esprit d’Ohama, allez voir mon dialogue étendu avec Tona via Polyphasic Recordings.

De la métamorphose stroboscopique de Jesse Locke: (Traduit par les frères imaginaires de Maya Keshav)

Depuis le ventre jusqu’à la tombe, les frères Simon et Josh Frank sont unis par les liens synthétiques ainsi que familiaux. Fusionnés ensembles en tant que duo electro-creep Hot & Cold, ils tremblent et détalent comme les insectes gothiques sous la lumière stroboscopique. Ce c20 de six chansons par Rose Mansion Analog de Beijing recâble les tons flous de Martin Rev avec l’eléctronique pulsante, les mélodies de basse caractèristiques de Hooky, et le chant sonore et abrasif.

De la clameur chatoyante d’Aaron Levin: (Le mode en rafale de Odile Leclerc)

NMR a trouvé un assortiment audacieux entre les battements hérissés et les low-ends maniaques de N.213 et Reflektionss. Leur double force combinée dévie entre les angoissantes batteries hermétiques et les pleines poignées de concoctions gothiques moussantes d’écume digitale. Pendants que N.213 lève au cric votre hybride avec de brûlants dialogues illimités, Reflektionss pipette leur minimalisme de sous-sol directement à travers votre système nerveux. Les deux accueillent une convolution millénaire de peur saisissante et de douceur du 21e siècle, alors attrapez le vite avant que leurs sommets divergents vous submergent dans le nihilisme. [ Note pressante : décrit en haut est le pressage test saisi du stand d’ Isolated Now Waves. La sortie actuelle diffère significativement.]