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Ideas :: Weird Generations

Weird Generation

Making anomalous music is a privilege. This becomes clear if you stick with it long enough. But it’s a hell of a long journey and the reasons you started making music will change over time. Respect is due to those who stick to their vision, but respect is earned by keeping open ears and an open mind.

Don’t fight getting older; just stay enthusiastic. Enthusiasm is key to relating to inquisitive souls of all ages, cultural backgrounds and even language preferences. Your sense of enthusiasm helps to determine how people respond to you.

If you fancy yourself being devoted to music for life, this goes double. Triple for those who seek to express themselves at the fringes of mass cultural approval. As the cliché goes: ‘music has the power to inspire’–but more often than not, it has the power to disappoint, and this feeling of disappointment lasts a lot longer. Don’t get disillusioned. Enthusiasm isn’t an end in itself, but without it, you won’t seek out new ideas. Chasing coolness brings diminishing returns; being enthusiastic keeps your fire burning.

You don’t want to relate to these people because you fear it’s like seeing a much older and more pathetic version of yourself.

Two situations cemented my outlook. The first was a crossroads in life. The second was a crossroads in outlook.

My music career started to fall apart after I hit thirty. After years of hauling around my entire home studio to smoke infested clubs in the years prior to laptop-based electronics, my gear was breaking down and I had less desire to replace it. I had started to work full time and couldn’t hack those Thursday night gigs anymore. What was most dispiriting was that my friends had stopped coming out to gigs, not that they ever had a huge appetite for “electro-jazz in dub”.

Who was left?

Older guys in the corner or right up front. Folks who would call into my campus radio show and blow me away with their musical knowledge, but faded into the woodwork at live events. Or maybe they would had anyone else been there. You don’t want to relate to these people because you fear it’s like seeing a much older and more pathetic version of yourself.

I asked myself: who were “my people” anyways? My fast-disappearing peer group of a few years prior? The subset of that group who came along for the first few stops of my musical ride? New faces on the scene, now maybe 10 years younger? Or these folks in the front or at the side who I didn’t know but actually paid cover? There’s a point (usually more than one) in which everyone makes a transition; where those things that made you fall in love with music start to compete with other priorities. Either you adjust or move on. There’s a point where you have to decide that you’re doing what you’re doing for the sake of a lifelong commitment to communicating through sound, or just playing a game that’s less fun all the time.

So, who were “my people”? All of the above.

Starting to ask those questions affected my outlook on what might come next, and changed my perspective on the past. I realized that I was prey to the consciousness of generational divide which is essentially rockist. The youthful affiliation among artistic non-conformists most resembles the audience dynamics of rock music: a genre where the age of the audience drops off sharply after the age of 30, where close friendships are said to take the place of family, and all of it is aided and abetted by mass marketing messages that want to reinforce ageism as an aspect of branding youth culture. The universalist messages of “us” “kids” “next gen” and so forth are repeated constantly by and for this audience – Dad Rock is evil, even if you both love Fleetwood Mac, ‘cause he doesn’t love it the same way as you. You can’t construct a market segment unless you define it against something, or someone, else.

I realized that I was prey to the consciousness of generational divide which is essentially rockist.

But things don’t have to play out this way. If you think genre dynamics no longer exist, then you’d be surprised to see the age strata at reggae gigs (lots of old dreads who positively make the party), or jazz shows or hip hop shows (which, when I was coming up, contained toddlers to uncles in whose crates DJs would dig). At the same time, I’ve witnessed the sharp ageism of rock subculture within other forms of aggressive music from metal to noise, and it’s partly a consequence of the rebellious (or at least antagonistic spirit) that says on the one hand “fuck you, I’m not like you”, and on the other seeks unity in this condition. Clearly, the tension of exclusion and unity has been profitable for advertising.

Over time, those who are truly passionate about music reveal themselves. Music ferments in weird and wonderful ways. When considering one’s own trajectory to outsider or outward bound sounds, know that it’s a long journey. Youthful pretensions to tortured genius give way to painful choices, but if you are able (and if life circumstances permit you) to seek more knowledge, greater understanding of music as an ever expanding universe becomes more obvious. To truly explore anomalous music, to really develop an individual language, you’ve got to open up instead of maintaining the barriers that made sense to your post-teenage self. I’ve been involved with more music since the age of 30 than ever before. If that makes me sound like an old hippie, so be it. Life’s too short to dwell on appearances.

David Dacks has done music in public for 27 years. He’s been a performer, DJ, label owner, remixer, journalist, and a radio programmer. Currently, David is the Artistic Director of The Music Gallery in Toronto.

Composer de la musique atypique est un privilège. Le sentiment d’être privilégié devient flagrant si l’on persévère assez longtemps. Toutefois… c’est toute une épopée et les motivations qui vous ont d’abord poussé à faire de la musique évolueront. Si les artistes fidèles à leur vision sont respectés, il n’en demeure pas moins que le respect s’acquiert en gardant une oreille attentive et un esprit d’ouverture.

N’essayez pas de défier votre âge, cultivez simplement votre enthousiasme. Cette qualité est essentielle pour se lier à des esprits inquisiteurs de tout âge, de toute ascendance et, même, de tout groupe linguistique. Votre élan d’enthousiasme permet de définir la réaction que vous générez chez vos interlocuteurs.

Si vous considérez la musique comme une vocation pour la vie, on double la mise. On la triple pour ceux qui convoitent de s’exprimer en périphérie du consensus de la culture de masse. Comme le dicte le cliché « la musique a le pouvoir d’inspirer ». Pourtant, la plupart du temps, elle a le pouvoir de décevoir, sentiment qui perdure bien plus longtemps. Il ne faut pas se laisser gagner par le désillusionnement. L’enthousiasme n’est pas un but en soi, mais sans lui, personne ne cherche de nouvelles idées. Affecter le détachement a une incidence néfaste; laisser l’enthousiasme nous habiter anime la flamme.

On évite ce genre de personne, par peur de voir un reflet pathétique de soi-même à un âge plus avancé.

Deux circonstances ont renforcé ma perspective au cours de ma vie. La première a été la croisée des chemins de vie. La deuxième a été la croisée des perspectives.

Ma carrière musicale a commencé à se désintégrer quand j’ai passé le cap des trente ans. Avant l’arrivée de l’électronique et des portables, j’ai passé des années à trimbaler mon studio maison dans les clubs où flottaient des volutes de cigarette. Mon équipement tombait alors en pièces, mais j’étais moins enclin à le renouveler. J’avais commencé à travailler à temps plein et je n’arrivais plus à encaisser les numéros du jeudi soir. Le plus démoralisant, c’était de voir que mes amis ne venaient plus aux spectacles, sans vouloir prétendre qu’ils se régalaient d’« électro-jazz dub » non plus.

Qui restait-il?

Les anciens dans le coin ou à l’avant. Les gens qui appelaient à mon émission de radio étudiante et m’époustouflaient d’abord avec leur culture musicale, mais qui se fondaient ensuite au décor pendant les spectacles. Du moins, ils l’auraient fait si la salle eût été bondée. On évite ce genre de personne, par peur de voir un reflet pathétique de soi-même à un âge plus avancé.

Je me posais la question : qui est « mon public », finalement? Ma clique de connaissances d’autrefois qui s’amenuisait à vue d’œil? L’extension de cette clique qui suivait pour les premières percées de mon parcours musical? Les nouveaux visages du milieu, de peut-être dix ans mes benjamins? Ou les autres, ici et là, que je ne connaissais pas, mais qui payaient leur place? À un moment (souvent à plusieurs reprises), une transition s’opère en chacun de nous, le moment où ce qui nous a fait tomber amoureux de la musique doit rivaliser avec de nouvelles priorités. Il faut s’adapter ou passer à autre chose. Éventuellement, vous devez décider si ce que vous faites, vous le faites au nom d’un engagement pour la vie à communiquer par le son… ou s’il s’agit d’un simple jeu de moins en moins amusant.

Au bout du compte, qui était « mon public »? Toutes ces réponses.

Ces questions qui germaient en moi ont marqué ma vision de l’avenir et ont changé ma perspective du passé. J’ai compris que j’étais en proie à une prise de conscience, celle de la différence intergénérationnelle qui s’apparente sommairement à la dynamique propre au rock. L’affiliation à la jeunesse au sein des artistes non conformistes ressemble tout à fait au jeu de forces de la musique rock : un genre dont le public de plus de trente ans s’effrite de façon radicale, un milieu où les bonnes amitiés substituent la famille, et la dynamique du monde du rock est nourrie par le marketing de masse qui renforce l’âgisme, maintenant partie intégrante de la culture de la jeunesse. Les messages universalistes tels « nous, les jeunes », « la prochaine génération » et ainsi de suite sont repris constamment par la jeunesse… pour la cibler (du rock de boomer, c’est honteux, si votre paternel et vous aimez tous les deux Fleetwood Mac, lui a une façon bien personnelle de le faire). On ne peut pas bâtir un segment de marché sans le définir par contraste à un autre segment, ou une autre personne.

J’ai compris que j’étais en proie à une prise de conscience, celle de la différence intergénérationnelle qui s’apparente sommairement à la dynamique propre au rock.

Pourtant, les choses n’ont pas forcément à suivre ce cours. Si vous croyez que la dynamique interne des genres ne font plus effet, vous seriez étonné de voir la tranche d’âge dans l’assistance des spectacles reggae (beaucoup de dreads poivre et sel qui s’avèrent « l’âme » de la fête), ou de spectacles jazz ou hip-hop (où, lorsque j’assistais, se trouvaient des bambins et des oncles vers qui les DJ se tournaient pour faire des trouvailles). En même temps, j’ai aussi été témoin d’âgisme accrue dans la sous-culture rock, dans ses variantes agressives du métal au bruitiste, et cet âgisme est en partie une conséquence du sens de la rébellion (ou du moins d’antagonisme) qui veut à la fois clamer « va chier, j’sus pas comme toi » et trouver le lien qui unit le milieu. Il est clair que cette tension entre le sentiment d’exclusion et le besoin de rassemblement a profité au monde de la publicité.

Le temps finit par dévoiler le visage des vrais mordus de la musique. Ferments de la musique, dans toute leur splendeur et leur excentricité. Lorsqu’on pose un regard sur le parcours propre à la musique marginale ou exploratoire, on doit savoir que le chemin est long. Ambitions de jeunesse et génie en mal font place aux choix pénibles. Pourtant, si vous pouvez (et si les aléas de la vie vous le permettent) approfondir vos connaissances, votre compréhension de la musique, en tant qu’univers en croissance constante, deviendra limpide. Afin d’entièrement explorer la musique atypique, pour vraiment développer votre propre langage, il faut vous ouvrir et, donc, ne pas vous fier aux barrières qui semblaient logiques lors de la postadolescence. J’ai touché à plus de musique que jamais après mes 30 ans. Si cela fait de moi un vieux hippy, tant pis. La vie est trop courte pour s’attarder aux apparences.

David Dacks fait de la musique sur la scène publique depuis 27 ans. Il a été musicien, DJ, propriétaire d’une maison de disques, remixeur, journaliste et programmateur de radio. En ce moment, David est directeur artistique de la Music Gallery à Toronto.

Ideas :: I want to give you the benefit of the doubt

I want to give you the benefit of the doubt

I want to give you the benefit of the doubt, but I feel an urgent need to set the standards of the space. I wouldn’t tolerate a friend sexually harassing someone in my bathroom, or shouting racial slurs in my kitchen. In the same way, I want to make sure that Weird Canada is a space where people can feel safe. Not safe from challenge, but safe from the mundane and banal hatred that certain people face in every remote gas station and bank, in every park, and on every street. I want to make a space where the loudest voices and the biggest wallets don’t make the rules.

As a curator and a leader, I am accountable to my community, both in ensuring that it is a safe and inclusive space, and in challenging our relationship to each other and the outside world.

In my last couple years of leading Weird Canada – a community that exists to encourage, document and connect creative expression across Canada – I keep asking myself, “Is this art gay-bashing, or is it irony? Is this book furthering the objectification of women, or is it third wave feminism? Is this music cultural appropriation, or is it someone trying to explore their own origins?”

Free speech has nothing to do with this. This is about asserting community-defined, community-inclusive boundaries in a very specific community space.

I would have more good faith about the whole thing if at the root of these circumstances I didn’t always find a clustering of mainly straight, middle class men, wrapped in a shroud of ambiguity and confusion. There’s nothing wrong with straight white men, they are just born into their bodies like the rest of us, but why are they so often at the centre of these ambiguous, problematic circumstances?

All I have to go on is the visuals, the optics. The artists I deal with rarely bother with an artist’s statement. I often don’t know the stories, the gender, the race or the sexual orientation of the artist. And those details matter. There is a big difference between a gay man writing a homophobic-slur-rage-anthem, and a straight man writing the same song. One is an expression of lived pain, the other an unnecessary exacerbation and extension of that pain.

It is exhausting.

Many organizations and individuals avoid this assessment fatigue and instead just assume the best, often falling into jargon and defences of free-speech when challenged. Free speech has nothing to do with this. This is about asserting community-defined, community-inclusive boundaries in a very specific community space. Spaces without intentional boundaries have boundaries as well, they are just the default: invisible, normative, and exclusive.

Artists can and should express anything and everything that emerges. Anything else will lead to stagnation and cultural suffocation. Art should be about exploration and imagination, not pandering to the hippest trends in activist etiquette.

Still: don’t pilfer the choicest pieces of linkbait from other people’s struggles, as if creative expression is some kind of exploitation buffet. If your art is selling parts of someone else’s identity, while ignoring their current or historical struggle, you should closely examine your expression. I’m not saying “NO” I’m saying ”think.”

You will never see your own face. You will see photos, reflections and refractions.

There are many thoughts here that you could legitimately use as bicker bait, but I challenge you to read these words to find value rather than searching for the inevitable parts that rough your fluff. I am exhausted with being the culture police. Myself, I’m a human being dropped into this world without skin. Every speck of dust or dirt goes straight into my muscles, grinding against me every time I move. I don’t want to police anyone’s art, or anyone’s expression. I don’t want to exclude, to hurt, to offend. I want to love, to expand, to grow.

You will never see your own face. You will see photos, reflections and refractions. Listen to the world around you. Creatively express your own lived experience, practice empathy and thoughtfulness: all of our art will be stronger, and all these conversations will raise us up.

Marie LeBlanc Flanagan is the Executive Director of Weird Canada/Wyrd Arts Initiatives.

Je veux vous donner le bénéfice du doute. En fait, avant de faire ce geste, je ressens le besoin urgent d’établir les normes de l’espace. Je ne tolérerai, en aucun cas, qu’un ami viole quelqu’un dans ma salle de bains, ou crie des propos injurieux et racistes dans ma cuisine. De la même façon, je veux m’assurer que Weird Canada est un espace dans lequel on peut se sentir en sécurité. Pas des défis de la vie, mais de cette haine banale que ressentent les gens dans toute station d’essence et banque, dans chaque parc et rue. Je veux créer un espace dans lequel les plus gros portefeuilles ou les plus grosses voix ne dictent pas leurs règles.
En tant que leader et curatrice, je suis responsable de ma communauté. Je lui dois autant de m’assurer de sa sécurité et qu’elle soit un espace inclusif, que de m’assurer que nos relations entre nous et avec le reste du monde soient mises au défi.
Durant mes dernières années à mener Weird Canada – une communauté qui existe dans le but
d’encourager, de documenter et d’assurer la connexion des expressions créatives, à travers le pays – il m’est souvent arrivé de me demander : « Est-ce que telle création est homophobe ou est-ce ironique? Est-ce que tel livre renforce l’idée de la femme-objet ou est-ce qu’il fait partie de la troisième vague féministe ? Est-ce que c’est de la récupération culturelle d’une musique ou quelqu’un qui explore ses propres origines ?

La liberté d’expression n’a rien à voir avec ça. Il s’agit d’affirmer des
frontières définies par la communauté et incluant chaque membre de la communauté dans un espace communautaire très spécifique.

Si je ne voyais pas ces images d’hommes pour la plupart blancs, hétérosexuels, de la classe moyenne, enveloppés dans un linceul d’ambiguïté et de confusion, gravitant autour de ces concepts, je serais peut-être plus confiante. Je n’ai rien contre les hétérosexuels blancs – ils sont nés dans un corps, comme nous tous – mais pourquoi faut-il qu’ils soient si souvent au cœur de ces circonstances ambiguës et problématiques? Les seuls outils dont je dispose pour avancer sont le visuel, l’optique. Les artistes auxquels j’ai affaire s’occupent rarement de faire des déclarations sur leur démarche artistique. Souvent, il m’arrive de ne pas connaître l’historique, la race ou l’orientation sexuelle de l’artiste. Chacun de ces détails vaut son pesant d’or. Il y a une grande différence entre un homosexuel écrivant un hymne rageur et homophobe et un hétérosexuel écrivant le même texte. Cet hymne peut soit être l’expression d’une peine vécue ou une aggravation exagérée et inutile de cette même peine.

C’est épuisant

Beaucoup d’organisations évitent cet épuisement à l’évaluation, et tombent souvent dans le jargon et se mettent à défendre la liberté d’expression lorsqu’ils sont confrontés au problème. La liberté d’expression n’a rien à voir avec ça. Il s’agit d’affirmer des frontières définies par la communauté et incluant chaque membre de la communauté dans un espace communautaire très spécifique. Les espaces n’ayant pas de frontières intentionnelles ont aussi des frontières, celles par défaut : invisibles, normatives et exclusives. Les artistes peuvent -et doivent- exprimer toutes les choses qui émergent. Toute autre chose ne serait que de la stagnation et un étouffement culturel. L’art doit être une source d’exploration et d’imagination et ne pas être à la solde des dernières tendances liées à la bienséance activiste. Pour autant : n’allez pas piocher dans les plus beaux morceaux de la lutte d’autrui, comme si la création expressive n’était rien d’autre qu’un buffet. Si votre œuvre vend une partie de l’identité d’une autre personne, dont vous ignorez tout de ses luttes actuelles ou historiques, vous devriez réexaminer attentivement votre façon de vous exprimer. Comprenez-moi bien : je ne dis pas “NON” je dis “pensons”.

Vous ne verrez jamais votre propre visage. Vous ne verrez que des photos, des réflexions ou des réfractions.

Il y a beaucoup d’idées ici qui pourraient être utilisées comme appât assouvissant une envie de querelles, mais je vous mets au défi de relire ce texte, en y trouvant de la valeur, plutôt qu’en y cherchant les inévitables passages qui ne vous caressent pas dans le sens du poil. Ce rôle de police de la culture m’épuise. Je suis moi-même un être humain, lâché dans ce monde, sans épiderme. Toute poussière ou saleté s’incruste dans mes muscles, s’abattant sur moi au fil de mes pas. Je ne veux pas censurer l’art ou l’expression de quiconque. Je ne veux pas exclure, blesser, offenser qui que ce soit. Je veux aimer, m’étendre, grandir.

Vous ne verrez jamais votre propre visage. Vous ne verrez que des photos, des réflexions ou
des réfractions. Écoutez le monde qui vous entoure. Exprimez créativement votre vécu, pratiquez
l’empathie et la considération : tout notre art sera plus fort, et toutes ces conversations disparaîtront progressivement.

Marie LeBlanc Flanagan est directrice administrative de Weird Canada/Wyrd Arts Initiatives.