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How To Understand Band Partnership Agreements


Steve Carey is lawyer in British Columbia and Ontario, as well as a former entertainment and arts journalist. He practices at Alexander Holburn Beaudin + Lang LLP, a full-service law firm.

Business law doesn’t matter to most bands until it’s too late to know it. For most DIY bands, you form, write, play some venues, release an album, tour a bit, then split, hopefully with some cash in hand. It’s fun to jam, but when money starts to change hands, there’s the possibility for serious disputes. An on-stage blowout, backstage rager, or an unwanted debt can be avoided by understanding default partnership rules or through the creation of a band partnership agreement.

A partnership agreement, also called a band agreement, is a contract explaining how the band operates, how decisions are to be made, and how profits are tallied up and split.

Without an agreement, automatic rules set out in the various provincial partnership acts apply. If you’re playing in a band with a view to making a profit, you’re already a partnership and the default rules apply to you. These are fine in most circumstances, but may expose members to liability, limit the band’s ability to add or remove members, or cause problems with overly litigious bandmates. Understanding these goes a long way towards resolving conflicts and saving friendships.

If you’re thinking of drafting a band agreement yourself, consideration should be given to flexibility and ensuring the interests of the band as an entity and the artists as individuals are protected and balanced. For the majority of Canadian bands, a DIY two to three page agreement is an easy precaution to avoid disputes and financial problems.

As a side note, if you’re quitting your day job, consider Employment Insurance (up to 15 weeks for the self-employed), Workers Compensation benefits, and private insurance, particularly if the band is touring: health bills can be huge and replacement policies for equipment critical. If you’re not quitting your day job, know that you can offset your personal income tax using the band’s losses, so long as your band has a reasonable chance of profit over time.

Band Agreements

Your band agreement can be as complex or simple as you’d like it to be. The various partnership acts across Canada typically impose the following default terms:

  • All profits are split in equal shares between members;
  • Each partner can agree to binding contracts on behalf of all others;
  • Partners are liable for the debts of the entire partnership, not just their own share;
  • No partner can be kicked out;
  • The death or insolvency of a partner will dissolve the partnership, which may not be intended if the group is to continue on;
  • Partners may not compete with the band; and
  • Each partner has a right to take part in management.

These default terms can be overwritten by a band agreement. Typical band agreements include terms for dealing with:

  • the responsibilities of members of the band;
  • how decisions are to be made – must they be unanimous, a majority, or only by specific persons;
  • limits on the ability of certain partners to spend funds without approval, or to enter into contracts on the partnership’s behalf;
  • financial controls, such as signing authority, banking limitations, and otherwise;
  • what expenses the band covers (i.e. repairs to the tour bus are okay, but you pay your own bar tab);
  • distribution of profits and specific royalty calculation for music sales, licensing of songs, live performances, merchandise and other income;
  • conditions for removing/leaving members, such as buyouts, morality clauses, whether or not leaving members may refer to the band in self-promotion or perform the band’s songs;
  • hiring temporary members;
  • what specific assets belong to the partnership (such as the name, goodwill, intellectual property) and a schedule to the agreement with physical assets listed (i.e. stage sets, props, lighting equipment);
  • and the date the agreement terminates, how it is renewed, and how it is amended.

Your agreement doesn’t need to cover everything. Partnership agreements can be re-written to address situations as they occur, provided clear provisions are inserted for doing so.

Consider the following scenarios, and the way the default rules or an agreement may handle them.

The band stores their personal equipment at their shared jam space. One member brings a side-project band in, and they use the main band’s equipment. Is this acceptable? An agreement may set guidelines around the use of band or member equipment without consent (necessary if you’ve got a sweet BC Rich Warlock you don’t want anyone changing the tuning on).

The default rules say the side-project should not exist if it competes with the band, which is not desirable.

The bassist takes on merchandising and promotion. She spends hours designing t-shirts and pressing buttons, selling the merch before and after shows. She books all the shows and does all the band’s mail-order. Should she be compensated in an equal share with the other members, or would some other payment be appropriate? The default rules state partners share profits equally, while an agreement may compensate her separately for her additional work. It’s up to the band to decide what’s fair compensation for its members.

A band starts gaining momentum and booking shows. Without telling the others, one member starts a side-project. The gigs wind-up double booked with the side-project. What recourse do the band members have? The default rules state if the side-project gig is played, the bandmate must pay the profits into the main band, which will almost certainly lead to a fight. An agreement may state the band’s gigs have priority. It can also have terms to compel attendance or prohibit competition. Unless you’re a mainstream hit machine, the financial expense of getting a court order isn’t worthwhile when the band can just replace the member or the member can leave.

A band records an album. All agree the album is complete. Without telling anyone, the guitarist re-records all their his tracks and incurs extra studio time. Who pays? The default rules state the partners are on the hook as a group, while an agreement may allow the partners to recover from the member for the amounts incurred without authority. Debt recovery is something that most people can handle in the various provincial small claims courts without a lawyer. It is relatively painless.

A band member falls ill before a gig. A fill-in musician is hired. Who pays the fill-in, and is the band member entitled to a share of profits, even though she didn’t play? The default rules state the band as a whole pays the fill in, and the absent member still gets a share. An agreement may say otherwise, depending on how your band operates.

Solo Artists and Corporations

What do you do if you’re an individual? You’re a “sole-proprietor”: one person operating with a view to profit. You keep everything. Losses from your business can be used to offset income from your day job, and reduce your income tax, with some exceptions. However, any debts or liabilities you incur can be claimed against your personal assets: you don’t have other members to bail you out. If you need others, you may choose to hire other musicians as employees to tour with you, or to record with you, and should take care to structure a deal with them to avoid a partnership.

Groups or individuals may chose to act as a corporation. It is a separate legal person, owned by its shareholders and managed by its directors. All profits and losses are the corporation’s, who can structure payouts to its directors and shareholders as it sees fit. Its shareholders and directors are limited in their liability, with exceptions. Due to the time and financial costs involved in maintaining a corporation, and the short life-span of most music groups (five to seven years), there is no special benefit to incorporation for most bands. If you begin to turn a significant profit an accountant or legal professional should be consulted relating to incorporations and tax treatment, but for most Canadian bands, this is unnecessary.

Sample Agreements and Conclusions

A number of sample band agreements are available for free online or for a small fee. Pay attention to definitions of terms and ensure the language of the pre-drafted agreement is clear before all members agree to it. If you are concerned with how the agreement operates, have a lawyer review it.

The point of a band agreement is to avoid conflicts and allow every band member to know how the band operates. Whether it be sharing the cost of tour bus repairs or paying the hardest working member a little more for their effort, a band agreement can cover a lot of ground and prevent a lot of disputes before they happen. That way, your band can focus on what it does best: play shows, entertain crowds, and contribute to the Wyrd music scene.

Steve Carey est avocat en Colombie-Britannique et en Ontario, ainsi qu’ancien journaliste de l’art et du divertissement. Il travaille à Alexander Holburn Beaudin + Lang LLP, un cabinet juridique à service complet.

La plupart des groupes sont indifférents au droit des affaires jusqu’à ce qu’il soit déjà trop tard. Pour plusieurs groupes amateurs, il y a la rencontre initiale, l’écriture, les spectacles et performances, les albums, la tournée, puis la séparation avec un peu d’argent, si tout se passe bien. C’est plaisant de créer de la musique, mais quand l’argent change de mains, il peut y avoir des disputes graves. On peut éviter les explosions de rage sur scène, les crises en coulisses, ou les dettes non désirées si on comprend les règles par défaut, ou si on crée un accord de partenariat pour le groupe.

Un accord de partenariat, c’est un contrat qui explique comment le groupe fonctionne, comment les décisions sont prises et comment les bénéfices sont partagés.

Sans accord, les diverses lois provinciales automatiques sur les sociétés en nom collectif s’appliquent. Si vous jouez dans un groupe en vue de réaliser des profits, vous êtes déjà en partenariat et les lois provinciales s’appliquent à vous. La plupart du temps, ces lois ne causent pas de problèmes, mais elles peuvent exposer les membres à des poursuites en responsabilité, limiter la capacité du groupe d’ajouter ou d’expulser des membres du groupe, ou peuvent poser des problèmes avec des membres trop litigieux. Comprendre ces règles aide énormément à la résolution des conflits et à empêcher de désunir les gens.

Si vous pensez à écrire votre propre accord de partenariat, il faut être flexible et s’assurer que les intérêts des artistes, des individus et du groupe en tant qu’entité soient protégés et équilibrés. Pour la plupart des groupes amateurs canadiens, un accord de deux ou trois pages est une précaution simple pour éviter les disputes et les problèmes financiers.

En passant, si vous quittez votre emploi « normal », considérez l’assurance-emploi (jusqu’à 15 semaines pour les travailleurs indépendants), les indemnités d’accident du travail et l’assurance privée, surtout si le groupe est en tournée : les frais médicaux peuvent être immenses et les politiques de remplacement d’équipement peuvent être graves. Si vous conservez votre emploi, vous pouvez compenser vos propres impôts de revenu personnel avec les pertes du groupe, tant que le groupe prévoit générer des profits au fil du temps.

Les ententes de partenariat entre les membres d’un groupe

Votre accord de partenariat peut être aussi complexe ou simple que vous le voulez. Les divers accords de partenariat à travers le Canada imposent typiquement les termes par défaut suivants :

  • Les membres partagent en parts égales tous les profits;
  • Chaque membre peut accepter les contrats obligatoires au nom du groupe;
  • Les membres sont responsables des dettes du partenariat au complet, pas seulement chacun de sa propre part;
  • Aucun membre ne peut être expulsé par les autres;
  • Le décès ou l’insolvabilité d’un membre dissout le partenariat, un résultat possible qui ne serait pas prévu si le groupe continue;
  • Les membres ne peuvent pas rivaliser avec le groupe; et
  • Chaque membre a le droit de participer à la gestion.

Ces termes par défaut peuvent être remplacés par un accord de groupe. Les accords de groupe typiques incluent des termes pour gérer :

  • les responsabilités des membres du groupe;
  • comment les décisions sont prises; doivent-elles être unanimes, majoritaires ou seulement prises par des personnes spécifiques;
  • les limites de certains partenaires à dépenser les fonds sans approbation ou à conclure des contrats au nom du groupe;
  • les contrôles financiers, tels que le pouvoir de signature, les limitations bancaires et autres;
  • les dépenses que le groupe peut effectuer (par exemple, les réparations de l’autobus de tournée sont acceptables, mais les membres doivent payer leur verre dans les bars);
  • la distribution des profits et le calcul de redevances spécifiques des ventes musicales, délivrer les licences des chansons, les performances en direct, la marchandise et autre revenu;
  • les conditions pour expulser un membre ou lorsqu’un membre quitte de son plein gré, comme les indemnités, les clauses de moralité, si les membres qui quittent peuvent faire référer ou non au groupe pour des fins d’autopromotion ou s’ils peuvent jouer les chansons du groupe;
  • l’embauche de membres temporaires;
  • quels biens spécifiques appartiennent au groupe (comme le nom, la bonne volonté, les propriétés intellectuelles) et un horaire pour l’accord avec des biens physiques énumérés (par exemple les décors, les accessoires, le matériel d’éclairage); et
  • la date à laquelle l’accord prend fin, comment peut-il être renouvelé et comment peut-il être modifié.

Votre accord n’a pas besoin d’être exhaustif. Un accord de partenariat peut être réécrit pour aborder de nouvelles situations lorsqu’elles surviennent, à condition que des dispositions claires soient introduites pour la réécriture. Tenez compte des scénarios suivants et de la façon dont les règles par défaut ou l’arrangement pourrait aider à l’accord .

Le groupe entrepose leur équipement personnel dans leur espace de jam partagé. Un membre apporte un groupe faisant partir d’un projet différent et utilise l’équipement principal du groupe. Est-ce acceptable? Un accord peut mettre en place les lignes directrices concernant l’utilisation de l’équipement du groupe ou d’un membre sans le consentement (ce qui est nécessaire si vous avez une pièce rare comme la BC Rich Warlock que vous ne voulez être désaccordée)

Les règles par défaut stipulent que ce projet en parallèle ne devrait pas exister s’il entre en compétition avec le groupe, ce qui n’est pas souhaitable.

La bassiste se charge de faire le commerce et la promotion. Elle passe des heures à esquisser des chandails et à appuyer sur des boutons, vendant la marchandise avant et après les spectacles. Elle réserve tous les spectacles et s’occupe de toutes les ventes par correspondance du groupe. Devrait-elle être payée également avec les autres membres du groupe ou est-ce qu’un autre paiement serait approprié? Les règles par défaut stipulent que les partenaires partagent les profits également, alors qu’un accord séparé peut lui offrir un supplément pour son travail. C’est le groupe qui décide ce qui est une compensation juste pour ses membres.

Un groupe commence à devenir populaire et à réserver des salles de spectacle. Sans le dire aux autres, un membre commence un projet à part. Les réservations de spectacle finissent par entrer en conflit avec ce projet. De quel recours dispose le groupe? Les règles par défaut stipulent que si le concert du projet parallèle est joué, le membre doit rapporter les profits au groupe principal, ce qui peut mener à une dispute. Une entente peut stipuler que les concerts du groupe ont la priorité. Elle peut également inclure des termes qui obligent la présence de tous les membres ou qui interdit les membres d’entrer en compétition. À moins d’être une machine à succès, les charges financières pour avoir une ordonnance du tribunal ne valent pas la peine lorsque le groupe peut simplement remplacer un membre ou si le membre peut partir.

Un groupe enregistre un album. Tous sont d’accord pour dire que l’album est terminé. Sans le dire à personne, le guitariste réenregistre toutes ses pistes et accumule des heures supplémentaires en studio. Qui paiera? Les règles par défaut stipulent que les partenaires sont tous dans le même bateau, alors qu’une entente peut permettre aux partenaires de récupérer le montant dépensé par le guitariste sans avoir recours aux autorités. Procéder au recouvrement de dettes peut être fait dans des cours de petites créances sans avocat et sans chichi.

Un membre du groupe tombe malade avant un concert. Un musicien remplaçant est embauché. Qui paie ce dernier et est-ce que le membre qui est en arrêt maladie peut recevoir sa part des profits même s’il n’a pas joué? Les règles par défaut stipulent que le groupe dans son ensemble paie le remplaçant et le membre absent reçoit quand même sa part. Une entente pourrait dire le contraire, dépendamment de la gestion du groupe.

Les artistes en solo et les sociétés :

Que fais-tu si tu es un individu? Tu es un propriétaire unique : une personne opérant avec le but de faire un profit. Tu gardes tout. Les pertes de ton entreprise peuvent être utilisées pour contrebalancer le revenu de ton travail quotidien et réduire tes impôts sur le revenu avec quelques exceptions. Cependant, toutes dettes ou responsabilités qui s’en suivent peuvent être utilisées contre tes actifs personnels : tu n’as pas d’autres membres pour t’aider à t’en sortir. Si tu as besoin des autres, tu peux choisir d’engager d’autres musiciens comme employés pour aller en tournée ou enregistrer avec toi; tu devrais t’assurer de monter un accord avec eux qui va éviter un partenariat.

Des groupes ou des individus peuvent choisir d’agir en tant que société. C’est une personne juridique distincte appartenant à des actionnaires et dirigée par ses directeurs. Tous les profits et les pertes sont ceux de la société, laquelle peut organiser des paiements à ses directeurs et ses actionnaires comme elle le veut. Ses actionnaires et directeurs ont une responsabilité limitée, avec des exceptions. À cause des coûts ponctuels et financiers provenant de l’administration d’une société et de la brève durée de vie de la plupart des groupes de musique (cinq à sept ans), il n’y pas vraiment d’avantages à constituer en personne morale un groupe de musique. Si tu commences à générer un profit substantif, un comptable ou un spécialiste du droit devrait être consulté concernant l’incorporation et le traitement fiscal, mais pour la plupart des groupes canadiens, ce n’est pas nécessaire.

Des exemples d’ententes et conclusions:

Plusieurs exemples d’ententes de groupe sont disponibles en ligne gratuitement ou pour des frais minimes. Faites attention aux définitions des termes et assurez-vous que le langage de l’entente préétablie est clair avant que tous les membres l’approuvent. Si vous êtes inquiet à propos de comment l’entente fonctionne, faites-le réviser par un avocat. Le but d’une entente de groupe est d’éviter des conflits et de permettre à tous les membres du groupe de savoir comment le groupe fonctionne. Que ce soit pour partager les coûts des réparations de l’autobus de tournée ou pour payer un peu plus le membre le plus travaillant du groupe pour ses efforts, une entente de groupe peut aborder beaucoup de choses et empêcher plusieurs disputes entre les membres. De cette façon, le groupe peut se concentrer sur ce qu’il fait de mieux : jouer ses concerts, divertir les foules et contribuer à la scène musicale de Wyrd.

How To Be a Writer



Writing is really hard. Everyone writes differently. Everyone needs different atmospheric conditions present to make this profoundly weird activity possible. Figuring out what those are and making them a part of your day is as much a part of being a writer as actually writing is. Once you know what your space requires, guard this jealously. Tell your loved ones why you have to do the things you do. And then do them, unrepentantly. Don’t let Writing become an ominous thunderhead lurking on the horizon of your brain-screen. If you do, it will never rain and you will walk around with a continual, tremendous barometric-pressure headache.

The page staring at you is terrifying because it is where you are going to put what you think so it has to be perfect, right? It’s like going on a first date every time. You want to be exquisitely prepared, elegant, charming, loquacious but not insufferable, captivating but approachable, both a hunter and desirable, diamond-perfect but gloriously human.

Oh, fuck it. I’m going to go make a sandwich.

Really, being a writer is about inhabiting all of your anxiety and somehow shaping this into a house that other people would want to have a sit in. This aspiration is never totally attained. So, instead, you have to chip away at that lump in your throat to make passage for what feels, at first, like pitiable little cloudy squeaks. These little squeaks, accumulated, are like lumber. You can move them around and place them in consonances with one another until a structure emerges. Then you will have a writing-fort that you have made and that you can invite people over to.

Fort building requires advance planning. Here are some things I can tell you to help you:

1. Writing is weird because you actually generate your own raw material and then give that form

There is a nature documentary about caves narrated by David Attenborough, who describes a glow worm that is pretty much made out of mucous that also makes itself a hammock out of mucous to live in out if its own mucous. This is analogous to a first draft. You are making something out of yourself, into the external world, to give you a place where you can suspend something of yourself. This is important to remember because then you will know that when you are starting this beautiful, disgusting process, that while it possesses a certain peculiar temporal sprawl, it is not in the slightest a matter of “spontaneous emotion recollected in tranquility” or any other such bullshit.

2. Writing is work

Here is what one of the best writers, ever, Edgar Allan Poe, wrote when describing how he wrote “The Raven”:

“It is my design to render it manifest that no one point in its composition is referable either to accident or intuition – that the work proceeded, step by step, to its completion with the precision and rigid consequence of a mathematical problem.”

In other words, writing does not come from somewhere else. When you are writing you are not a radio. You are doing work, in the deepest dialectical sense: You are engaging with your material in a way that imprints it with a subjective mark, changing it, and in doing so, creating a manifestation in the objective world of what is inside you. You are working out a particular problem that only you could set yourself.

What this means is that if you have an idea about writing something, you are already inspired. You do not have to wait for inspiration to realize your idea. It is merely a matter of choosing to either relieve yourself or get off the can.

3. Writing is method

This is not just as regards your process, which is a matter as arcane and personally singular as what for each of us constitutes “the morning.”

Writing is a whole way of being towards the world. It is generous. It is characterized by the economy of the gift. It is not purely altruistic, but it is not capitalist either. For this reason writing is antithetical to the drive to translate all forms of social interaction into surplus value which has become the dominant activity in our world.

In pragmatic terms, this means that unless you are of independent means, a large part of your process will consist of figuring out ways to have that once-in-a-while day when your overdue bills are settled, and when you are not too busy commodifying your own time through the sale of your alienated labour, to compose yourself into the form of a text.

It’s important to state this explicitly so that you remember to never give up on being a writer. If you are writing, you are a writer. It does not matter if you pay your rent bartending or digging ditches or working the swing-shift as a diagnostic imaging technician. Finding the means to sustain yourself is part of the method of writing. Once you’ve reconciled yourself to this and given up worrying about how you will play all of your hard work into a renumerative career as a writer, you will write what you want to. You will write yourself into the world, and no one can take this from you, and it is how you will do writing as it must be done.

4. You always write to someone

There is always an Other on the other side of the text you are writing who is staring into you with their spooky non-corporeal eyes while you implore, “What do you want from me?!?” This correlates to the burdening, inexplicable desire that disrupts any certainty of yourself while you are writing except the knowledge that the Other is waiting for you.

This makes the whole thing a bit odd, and means that your draft may require a second opinion. Reading it out loud to yourself is good. Letting a trusted friend read and edit it while you sit calmly and do not attempt to debate their proposed alterations in the moment is even better.

5. Perfection is death

If you ever perfectly articulated everything exactly as you wished, a drain-hole would open up in the interstices between the world of signification and that world it refers to, and all that is would implode into this drain-hole in an impeccable inversion of the Big Bang. Thankfully, this has not yet happened.

This means that your piece is done not when it is perfect, but when it is done. Does it make sense? Does it say something? Are you deeply sick of the sight of it? Done. Everyone regards that which she excretes with an undeniable interest, but if you’re trying to shove it back into yourself in the hope of a more transcendent outcome, it’s just going to end up a mess. Just. Let. go.

6. Bring it home

Writing the conclusion is like the last stretch of a long-distance run. You’ve already made your point, the action has already occurred. Why write more? Probably because this is a chance to knit together all of the things that your process has brought to you, and by proxy, to that Other you’re writing to. Along these lines, I can write the following:

You can be a writer by being a writer, by tigerishly demanding the space to write, by honouring that space by filling it up with writing, and by remembering that there are also readers, whose primary luxury is the beauty of words, who know full well that this luxury is one whose bounds are endless, and who may be writing for you right now. This is very good, because the plenitude of forts that words can build will always, no matter where we are, give us somewhere to go.


Écrire est quelque chose de très difficile. Chacun le fait différemment; et les conditions environnantes nécessaires pour rendre possible cette activité profondément étrange sont aussi différentes selon chacun. Déterminer ce qu’elles sont et s’assurer de les intégrer à son quotidien fait autant partie du travail d’écrivain que le fait d’être assis à écrire. Une fois que tu sais ce dont tu as besoin dans ton environnement, garde-le jalousement. Explique à tes proches pourquoi il faut que tu fasses ce que tu fais, puis fais-le, sans aucun remords. Ne laisse pas l’écriture devenir un nuage noir se profilant à l’horizon de ton radar cérébral. Sinon, la pluie ne tombera jamais, et tu te promèneras avec un mal de crâne continuel causé par la pression atmosphérique phénoménale.

La page qui te rend ton regard est terrifiante parce que tu y consigneras tes pensées, alors tout doit être parfait, pas vrai? C’est comme un premier rendez-vous, à chaque fois. Tu veux te présenter sous un jour élégant, charmant; loquace sans être insupportable, charismatique tout en étant facile d’approche; un chasseur désirable avec la perfection d’un diamant, mais glorieusement humain.

Ah, fuck it. Je vais me faire un sandwich…

Plus sérieusement, être un écrivain, c’est connaitre ses anxiétés et réussir à les modeler en une maison dans laquelle d’autres personnes pourraient vouloir venir s’asseoir. Cette aspiration n’est jamais réellement atteinte. À la place, il faut essayer de défaire le nœud dans ta gorge pour faire un passage à ce qui, au tout début, peut sembler n’être que de petits cris pitoyables et vagues. Une fois accumulés, ces couinements sont comme des poutres de bois : tu peux les déplacer, les faire résonner les uns avec les autres, jusqu’à ce qu’une charpente en émerge. Et là, tu auras érigé un fort d’écriture où tu pourras inviter des gens.

La construction d’un fort nécessite de la planification. Voici quelques trucs que je peux donner pour t’aider :

1. Écrire, c’est bizarre parce que ça implique de créer d’abord une matière brute pour ensuite lui donner une forme.

Dans un documentaire sur les grottes narré par David Attenborough, on décrit un type de ver luisant presque entièrement composé de mucus qui utilise son propre mucus pour se faire un hamac dans lequel vivre. C’est comparable à un premier jet. Tu crées quelque chose à partir de toi-même, mais dans le monde extérieur, dans le but de te donner un espace où suspendre une partie de toi. Il est important de se le rappeler quand tu vas entamer ce processus dégoûtant/sublime, parce que même s’il possède un certain étalement temporel qui lui est propre, ce n’est absolument pas une question «d’émotion remémorée dans la quiétude » ou d’une autre connerie du genre.

2. Écrire, c’est du travail.

En décrivant son processus d’écriture pour Le corbeau, Edgar Allan Poe, un des meilleurs écrivains au monde, a dit qu’il avait voulu rendre manifeste qu’aucun détail de la composition de son œuvre n’était le résultat d’un accident ou d’une intuition, mais plutôt celui d’un travail d’élaboration progressive aussi précis et rigide que la résolution d’un problème mathématique. Autrement dit, écrire ne vient pas d’ailleurs. Quand on écrit, on n’est pas une radio. On fait du travail, dans le sens le plus dialectique du terme : tu abordes ton matériel d’une façon qui laisse une empreinte, une marque subjective qui le change et, ce faisant, qui crée une manifestation visible, dans le monde objectif, de ce qui est en toi. Tu cherches à résoudre un problème qui ne pouvait t’être posé que par toi-même. Ce que ça veut dire, c’est que dès que tu as une petite idée sur laquelle écrire, tu es déjà dans l’inspiration. Tu n’as pas à attendre que l’inspiration te vienne pour mettre en oeuvre ton idée. C’est simplement une question de choisir, de faire ce qu’il y a à faire ou non.

3. Écrire, c’est une méthode.

Et je ne parle pas simplement du processus, qui est aussi obscur et propre à chacun que ce que nous appelons « le matin », chacun pour soi.

Écrire, c’est une façon d’être, de se positionner face au monde. C’est généreux. C’est caractérisé par l’économie du don. Ce n’est pas totalement altruiste, mais ce n’est pas capitaliste non plus. Pour cette raison, l’écriture est l’antithèse de l’impulsion devenue l’activité dominante dans notre monde, soit celle de transposer toutes les formes d’interaction sociales en plus-value.

En termes pragmatiques, ça veut dire qu’à moins d’être indépendant de fortune, une grande partie de ton processus va se résumer à trouver des façons d’avoir une journée de temps en temps où toutes les factures sont réglées et où ton temps n’est pas trop occupé à être marchandisé par la vente d’un travail aliéné pour te composer sous la forme d’un texte.

C’est important de le spécifier pour se souvenir de ne jamais renoncer à être écrivain. Si tu écris, tu es un écrivain. Ça n’a pas d’importance si tu payes ton loyer en creusant des fossés ou en travaillant de soir dans un bar ou comme technologue en radiodiagnostic. Trouver les moyens de subvenir à ses besoins fait partie de la méthode d’écriture. Une fois qu’on a accepté cette idée et qu’on arrête de s’en faire avec la façon d’articuler tout ce dur labeur en une carrière d’écrivain rémunéré, on peut écrire ce qu’on veut. Tu vas t’écrire une place dans le monde, et personne ne peut t’en empêcher; c’est comme ça qu’on écrit comme il se doit.

4. On écrit toujours pour quelqu’un.

Il y a toujours quelqu’un de l’autre côté du texte qu’on est en train d’écrire; quelqu’un qui te fixe avec des yeux éthérés alors que tu supplies : « Qu’est-ce que tu attends de moi?!? ». C’est lié au désir pesant et inexplicable qui t’empêche d’avoir une quelconque certitude envers toi-même lorsque tu écris, sauf celle que cet Autre t’attend. Cette certitude rend l’ensemble un tantinet étrange, et veut dire que ton premier jet peut avoir besoin d’un deuxième avis. Se le lire à haute voix est une option. Laisser un ami en qui on a confiance le lire et le commenter pendant qu’on reste assis calmement en n’essayant pas d’argumenter toutes les modifications qu’il propose, c’est encore mieux.

5. La perfection, c’est la mort.

S’il arrivait qu’un jour tu parviennes à articuler exactement tout ce que tu voulais dire, un gouffre s’ouvrirait dans les interstices entre le monde de la signification et celui auquel elle se réfère, et tout ce qui existe imploserait en une inversion parfaite du Big Bang. Heureusement, ce n’est encore jamais arrivé.

Ce qui veut dire que ton texte est terminé quand il est terminé, non pas quand il est parfait. Est-ce que ça a du sens? Est-ce que ça dit l’essentiel? Est-ce que simplement poser les yeux dessus te rend malade? Oui? Il est terminé. Chacun regarde ce qui sort de son propre corps avec un intérêt indéniable, mais si tu essayes de le renvoyer d’où il provient en espérant un résultat plus transcendant, ça va juste tout gâcher. Il faut lâcher prise.

6. L’importance d’une conclusion.

Écrire une conclusion, c’est comme les derniers mètres d’un marathon. Le message est passé, l’action s’est produite; pourquoi continuer à écrire? Probablement parce que c’est l’occasion de rassembler toutes les choses qui ont été amenées par le processus, pour toi et (par procuration) pour cet Autre à qui tu t’adresses. Suivant cette idée, je peux affirmer que :

Tu peux devenir un écrivain en étant un écrivain, en exigeant férocement un espace où écrire, en honorant cet espace en le remplissant d’écrits, et en te rappelant qu’il existe aussi des lecteurs dont la plus grande luxure est la beauté des mots, et qu’ils savent pertinemment que cette opulence est sans limites, et qu’ils peuvent même être en train d’écrire pour toi, en ce moment même. Tout ça est excellent, parce que l’ensemble des forts érigés par les mots nous offrira toujours quelque part où aller, peu importe où nous sommes.

How To Get Support From Campus and Community Radio


So you’ve got some music and you want people other than your friends and family to listen to it. Sure you can throw it on the web and add your voice to the cacophony, but there is another way… campus and community radio.

Start local

Campus and community radio is a strange and fickle creature. Every station is independent and operates under its own set of rules and procedures. For that reason it’s best to begin close to home at your nearest campus and community station. Most Canadian universities have a station and many rural communities have stations as well. A good resource for finding stations is the National Campus and Community Radio Association member directory, although there are many more stations in the country.

Do your homework

Just like you, a station is excited to know they’ve got an engaged community of listeners, so it helps a lot to actually be familiar with your local station. Do they play ambient electronic music? Do they have a metal show?

Read the station’s website to get an idea of their program schedule and also make sure you check out their music submission guidelines. In order to deal with the large volume of music stations receive every day they have some basic needs that make their lives easier. Generally stations require:

  • A physical CD copy (more on this later)
  • Full track listings
  • Brief background information

Visit the station

If you’re able to drop off your record in person it can help a lot. Don’t be surprised though if the station’s Music Director or other staff don’t have a lot of time to chat. They’re busy people working way too hard. Being polite and courteous goes a long way in an industry built on good will. Tell them a bit about your music and don’t forget to mention you love their station, and if you’ve got a favourite show on their schedule, tell them about it.

Volunteer at the Station

Like all things, it helps to have an inside edge. But unlike most institutions, campus and community radio is pretty much an open door. Volunteering at your local station can be super rewarding, you’ll meet great people, learn about awesome music and get to be a part of a huge, supportive community. This is a great way to meet like-minded people and become a part of a strong community. And if you happen to be a musician, it doesn’t hurt to have some pals with open ears that might want to lend you some support.

Going nationwide

So, you’ve submitted your music and now you’re charting in the top ten at your local station. Of all the records recently received at the station, yours has received more spins than most and it’s landed you a spot on their charts. Maybe by now you’ve also played some fundraiser concerts for the station, done an interview or live performance on air, and you’re ready for the big time. Before you go packing a hundred envelopes with your CD or mass emailing every Music Director across the country without a blind cc (please don’t do this) it’s time for more… research!

Start by chatting with the Music Director at your local station to find out if they know any other stations where you should send your record. Campus and community radio is a tight community and having the backing of your local station will go a long way. Many stations communicate with each other and review the charts at other stations to get an idea of what they should be looking out for.

When you’re selecting which station to send your music to, visit !earshot magazine online and check out what albums are charting at the different stations across the country. If the station’s charts are fairly up-to-date with what’s new, this means they’re processing new submissions quickly. If not, they’re probably backed up and your album might sit in a bin for awhile. Are there albums of a similar style to yours appearing on their charts? If so, then you’ve got a target.

Come up with a list of all the stations you want to send your album– thirty is a good number to start with. Check out their websites and make sure you read over their submission guidelines (this is also where you’ll find their mailing addresses). Don’t forget that every station is different. Each has its own needs and requirements.

Assembling your radio mailer

Now you’ve got a stack of envelopes all lovingly addressed to Music Directors (or another appropriate staff person as discovered from the station’s website) from across the country. Let’s put something inside!

Most stations require a release to have a minimum of 4 songs (no singles or remixes), and they need complete tracklistings with composer information. Track times are helpful too. Album art will make your CD-R stand out. If you have time to make each mailer somewhat personalized to the station you’re sending it to (without going nuts) that can make an impact as well.

Most stations DO NOT require a fancy info kit with a glossy photo of your band. Most of the time your music will do the talking and press kit won’t change a Music Director’s mind. In fact, some folks think they’re a huge waste of materials and will think less of your submission.

When you’re ready to mail your packages, talk to your local post office worker about the best (aka cheapest) way to ship your CDs. Depending on the thickness, weight and size of your envelopes the costs can vary widely. The flatter and lighter the better. Try and convince the postal worker that it should be sent by regular mail instead of parcel.

Kiss ‘em for good luck if you’re feeling nervous and then it’s time to wait.

Following up

It’ll take about a week for your package to reach all the stations. Then it’ll take anywhere from a couple days to a couple weeks for the stations to check out your CDs. In the meantime you can tag stations on social media or email them to let them know a package is on the way. The most important thing with this is to not be too persistent. If you’re emailing everyday asking about your submission, you’ll likely be written off pretty quickly. It sucks, but most Music Directors are fielding hundreds of emails just like yours and they want to have pleasant interactions. Getting nagged isn’t fun for anyone. A concise and friendly email is best. You can offer to do an interview but don’t push it. If they really want that they’ll ask you.

Keep an eye on the charts from each station you sent your record to by visiting their homepage, !earshot or ask to be added to their mailing list. If you see yourself on someone’s charts, send them a message thanking them. Campus and community radio stations love when they get promoted by musicians so if you share their charts they’ll be even more excited about your band.

Sometime you’ll find out that your album wasn’t added to the station’s library. It’s a bummer but try not to take it out on the stations or get too frustrated. Stations receive a ton of music and listen to everything. They may not have a lot to tell you about why it didn’t get added, usually they’ll say something like “It’s not the right fit for our station.” This isn’t necessarily a reflection on the quality of your music, it just means it didn’t resonate with them. If they’re into having a dialogue with you about this, use it as an opportunity to learn. If not, check-in with the other stations.

What now?

So now you’ve got some fans in far and distant cities across the country. Maybe you saw your band’s name in Exclaim! magazine or a relative heard your song in their town. So cool. Is that the end of your relationship with these stations until you release another record? Hopefully not!

Remember that a lot of stations will do interviews and even studio sessions with bands. When you’re plotting your cross country domination tour, try and coordinate stops at all those stations that showed you some love. This is a great way to hype your show in the evening and it’ll connect you with even more people who will love and support your music.

There are lots of ways you can get support from campus and community radio. Like all relationships there’s a give and take, with lots of compromise. Not every station is the same and not every experience will be the same, but that’s part of what’s so great. One station might not dig your record, but the next might love it. Each is independent of the other and they will all give your tunes a fair shake. These are the people in the trenches of the underground music scene working hard to support artists like you. Take a few steps to make their lives easier and they’ll be even more excited to champion your cause.

Johnnie Regalado is the Program Director at CFUV 101.9 FM in Victoria, BC. He’s also the Vice President of the National Campus & Community Radio Association, runs a DIY radio distribution service called Hot Hand Cold Hand, and is a Music Editor for Weird Canada.

Alors, tu as de la musique, et tu aimerais que d’autres personnes (à part tes amis et ta famille) l’écoutent. C’est sûr que tu peux la mettre sur internet, ajoutant ainsi ta voix à la cacophonie générale, mais il y a une autre possibilité : les radios étudiantes et communautaires.

Regarde autour de toi

Les radios étudiantes et communautaires sont des créatures étranges et capricieuses. Chaque station est indépendante et fonctionne selon ses propres règles et procédures; c’est pourquoi il est préférable de commencer par la plus près de chez toi. La plupart des universités canadiennes en ont une, tout comme de nombreuses communautés rurales. L’annuaire des membres de l’Association nationale des radios étudiantes et communautaires est une bonne source pour trouver des stations, mais il y en a beaucoup d’autres à travers le pays.

Fais tes devoirs

Un peu comme toi, une station est toujours contente de constater qu’elle a des auditeurs engagés; et connaitre réellement ce qu’elle fait aide beaucoup. Est-ce qu’elle joue de la musique électro d’ambiance? Est-ce qu’elle a une émission consacrée au métal?

Consulte le site web de la station pour avoir une idée de sa programmation et pour connaitre ses critères de soumission pour un projet musical. Pour arriver à gérer la quantité phénoménale de musique qu’elles reçoivent tous les jours, les stations établissent des exigences de base qui leur simplifient la vie. Généralement, elles demandent :

  • Un exemplaire physique du CD (nous y reviendrons)
  • La liste complète des pistes
  • Une brève présentation du groupe

Visite la station

Aller déposer l’album en personne peut aider beaucoup. Il ne faut pas s’étonner si le directeur musical ou le personnel n’a pas beaucoup de temps pour discuter avec toi : ce sont des personnes occupées qui travaillent énormément. C’est toujours payant d’être poli et courtois, surtout dans une industrie basée sur la bonne volonté. Parle-leur un peu de ta musique, n’oublie pas de mentionner que tu écoutes leur station, et si tu aimes particulièrement une de leurs émissions, dis-leur.

Deviens bénévole

Comme dans toute chose dans la vie, on a souvent avantage à aller chercher la perspective intérieure. Par contre, contrairement à celle de bien des organismes, la porte des radios étudiantes et communautaires est généralement ouverte. Devenir bénévole pour ta station locale peut être super gratifiant, en plus de te faire rencontrer des personnes géniales, découvrir de la musique vraiment bonne et devenir membre d’une gigantesque communauté solidaire. C’est une excellente manière de rencontrer des gens partageant des points de vue similaires et de faire partie d’une communauté solide. Et si tu es musicien, ça ne peut pas nuire d’avoir des amis attentifs qui sont prêts à donner un coup de main.

Vois plus grand

Donc, tu as soumis ta musique, et elle est maintenant dans le top 10 du palmarès de la radio locale. Parmi tous les albums reçus par la station dernièrement, c’est le tien qui a joué le plus souvent, et il se tient toujours vers le sommet de leur palmarès. Tu as peut-être même déjà joué lors d’un concert-bénéfice pour la station, fait une entrevue ou une performance en direct à la radio – tu es prêt à voir plus grand. Avant d’aller lécher une centaine d’enveloppes contenant ton CD ou d’envoyer un courriel de groupe à tous les directeurs musicaux du pays sans les mettre en copie conforme invisible (par pitié, ne fait pas ça), c’est le moment de faire… plus de recherche!

Commence par discuter avec le directeur musical de ta station pour lui demander s’il connait d’autres stations où tu pourrais envoyer ton album. La collectivité des radios étudiantes et communautaires est solidaire, et avoir l’appui de ta station locale aidera certainement. Beaucoup communiquent entre elles et consultent le palmarès des autres stations pour se faire une idée de ce qu’elles devraient garder à l’œil.

Pour déterminer à quelles stations envoyer ta musique, lis le magazine !earshot en ligne pour regarder quels albums sont sur les palmarès des différentes stations à travers le pays. S’ils sont à jour, ça voudra dire que les nouvelles soumissions sont traitées rapidement; autrement, les stations sont probablement surchargées, alors ton album pourrait passer un certain temps sur le coin d’un bureau… Est-ce qu’il y a des albums avec un style similaire au tien? Si oui, tu as une idée d’où l’envoyer.

Dresse une liste de toutes les stations où tu veux envoyer ton album – 30 est un bon nombre pour commencer. Va voir leur site web pour trouver leur adresse postale et assure-toi de lire leurs directives de soumission. N’oublie pas que chaque station est différente : elles ont toutes leurs propres besoins et exigences.

Prépare ton envoi

Tu as maintenant en main un paquet d’enveloppes adressées avec amour à divers directeurs musicaux (ou autre personne appropriée selon ce qui était noté sur le site de la station) un peu partout au Canada. Alors… glissons quelque chose à l’intérieur!

La majorité des stations demandent que les enregistrements aient au moins quatre chansons (donc pas de single ni de remix), et soient accompagnés d’une liste complète des pistes (la durée peut aussi être utile) et de renseignements sur le compositeur. Une illustration sur la pochette aidera ton CD-R à se démarquer. Si tu as le temps, personnaliser quelque peu chaque envoi (sans virer fou pour autant) peut également avoir un impact.

La plupart des stations ne demandent PAS un dossier de presse tape-à-l’œil ni des photos de groupe avec un fini glacé. La majorité du temps, c’est la musique qui fait le travail; un directeur musical ne changera pas d’idée à cause d’un dossier de presse. En fait, il y en a même qui trouvent que c’est du gaspillage, ce qui nuit à la soumission.

Quand tes enveloppes sont prêtes à être envoyées, va voir l’employé du bureau de poste de ton quartier pour savoir la meilleure façon (c’est-à-dire la moins chère) de poster tes CD. Le prix peut varier beaucoup selon l’épaisseur, le poids et la grosseur des enveloppes : plus elles sont minces et légères, mieux c’est. Essaye de convaincre l’employé que tout devrait être envoyé par courrier régulier plutôt que par colis postal.

Croise les doigts si tu as un élan de nervosité; il ne reste plus qu’à attendre.

Fais un suivi

Il faut compter environ une semaine avant que chaque station ait reçu son enveloppe. Ensuite, ça peut prendre de quelques jours à quelques semaines avant que les stations aient le temps d’écouter tes CD. En attendant, tu peux tagger les stations sur les médias sociaux, ou leur envoyer un courriel pour les aviser que quelque chose leur a été envoyé. Le plus important à retenir est de ne pas trop insister. Si tu leur écris tous les jours pour savoir si ta soumission a enfin été reçue, ton album risque d’être mis de côté assez rapidement. C’est poche, mais la plupart des directeurs musicaux traitent chaque jour des centaines de courriels exactement comme le tien, et ils veulent des interactions agréables. Personne n’aime se faire harceler. La meilleure option reste un message concis et amical. Tu peux offrir de faire une entrevue, mais sans trop insister : si la station en veut une, elle va le demander.

Surveille les palmarès de chacune des stations auxquelles tu as envoyé ton enregistrement en visitant leur page d’accueil, !earshot, ou en demandant à être ajouté à leur liste d’abonnés. Si tu découvres que tu es sur un palmarès quelque part, écris un message de remerciement. Aussi, les radios étudiantes et communautaires adorent recevoir de la promotion de la part de musiciens; si tu fais connaître leurs palmarès, elles vont être encore plus emballées par ton groupe.

Tu peux aussi découvrir que ton album n’a pas été ajouté au répertoire d’une station. C’est dommage, mais il faut éviter de se frustrer ou de lui en vouloir. Les stations radio reçoivent énormément de musique, et elles écoutent tout. Il n’y a peut-être pas toujours un long commentaire explicatif justifiant pourquoi l’album n’a pas été ajouté (souvent, c’est quelque chose comme « Ne convient pas aux besoins de la station. »); mais ce n’est pas nécessairement parce que ta musique est de mauvaise qualité, c’est souvent juste qu’elle ne correspondait pas à leurs goûts. Si les gens sont ouverts à en discuter avec toi, ça peut devenir une occasion pour apprendre. Si ce n’est pas le cas, entre en contact avec d’autres stations.

Quoi faire maintenant?

Alors, maintenant, tu as des fans dispersés un peu partout au pays. Le nom de ton groupe est peut-être apparu sur un exemplaire du magazine Exclaim!, et un membre de ta famille vivant dans une autre ville a peut-être même entendu une de tes chansons à la radio. C’est super cool. Est-ce que ça veut dire que, en attendant de sortir ton prochain album, c’est la fin de ta relation avec toutes ces stations de radio? J’espère que non!

Il faut garder en tête que beaucoup de stations font des entrevues avec les groupes et même des séances de studio. Quand tu planifieras de partir en tournée pour conquérir le pays, essaye de prévoir des arrêts dans chacune des stations qui t’a envoyé de l’amour. C’est une excellente façon de promouvoir les spectacles, en plus de te mettre en contact avec encore plus de gens qui aiment ta musique et l’encouragent.

Il y a plein de manières différentes pour obtenir le soutien des radios étudiantes et communautaires. Comme dans toute relation, il faut être prêt à faire des compromis, à donner pour recevoir. Chaque station est différente et aucune expérience ne sera pareille, mais c’est ce qui rend tout ça génial. Une station peut ne pas triper sur ton album, alors qu’une autre peut l’adorer; chacune est indépendante et toutes te donneront une chance. Ce sont ces personnes qui se battent sans relâche dans les tranchées de la scène musicale underground pour aider les artistes comme toi. Pose ces quelques gestes pour leur simplifier la vie, et elles seront encore plus heureuses de défendre ta cause.

Johnnie Regalado est directeur de la programmation chez CFUV 101.9 FM, à Victoria (C.-B.). Il est également vice-président de l’Association nationale des radios étudiantes et communautaires, en plus de gérer un service DIY de radiodistribution appelé Hot Hand Cold Hand.

How To Write a Review – Weird Canada Style!

How to Write a Wyrd Review

You have an artist picked out, or have been assigned a review. You’ve got 100 words or less to describe the music, evoke a response, and put a feeling into words. Go!

  • Grip the physical copy of your chosen release. Hold it in your hands. Take a close look at the packaging, artwork, and tangible signs of love that have been left on it. This is one of the things unique to a Weird Canada review. We love it that artists take the time, effort and finances to manifest their artwork in physical form, and in a world where the bulk of commercial art is disseminated widely and idly on the internet, we want to salute those who are still living in the material world. We’re just kind of rootsy like that.
  • Listen to the music. Now listen to it again. Listen to it on repeat. The objective is not to scrutinize every lyric, key change and drum fill, or to identify what you dislike about it. Rather, it is to get a more thorough understanding of the tone of the music. Immerse yourself in the aural landscape, and the sound will take on physicality. It helps to not only hear it, but to see it, smell it and taste it. Reviewing tangible, physical copies helps with this process as well.
  • Brainstorm some key ideas or points you would like to hit on in your review. Remember: brevity is important. It’s useful to create a messy pile of signifiers, descriptors, technical terms, and fun phrases to draw from. Proper sentence structure can come later (or not at all). Examples: morning music; surfside crab rock; teenage daydream; tin can rattling across pavement; mud.
  • Refine your little lump of coal. Before sweating over it, read a handful of Weird Canada reviews, and take notice of the casual, slang-ridden tones, symbolic language, and general lack of grammatical rigidity. We would rather you communicate the feelings you’re experiencing, in the consciousness-streaming kind of way that you experience them, than give us a semantically pristine piece of writing. Producing a linguistically perfect review of an experimental post-punk record makes about as much sense as painting a portrait in classical form of an abstract postmodern concept.
  • Link whatever it is that you feel should be linked. This is the handy attribute of an online publication, even one that emphasizes physicality. No need to waste valuable words explaining to us why this song reminds you of another artist, or why the lyrics bring this philosophical concept to light, just show us!

Rachel Weldon has contributed words to the weird cause for 1.5 years in varying capacities (mostly low). She holds a BA in English Literature, and is going back for more this Fall. The special quality of Weird Canada’s literary style has always inspired her, so she unpacked her own process for us, to show how it’s meaningful to her.

Une fois que tu as choisi un artiste ou qu’on t’a confié la critique d’un album, tu disposes d’un maximum de 100 mots pour décrire la musique, susciter une réaction et traduire l’émotion sur papier. À toi de jouer!

  • Procure-toi la version matérielle de l’album en question. Prends-la dans tes mains. Observe bien l’emballage, les illustrations et les signes tangibles de l’amour qui a été mis dans sa création. Il s’agit d’une des caractéristiques propres aux critiques de Weird Canada. Nous apprécions le fait que les artistes investissent temps, efforts et argent dans l’aspect physique de leur œuvre artistique. Dans un monde où la majeure partie de l’art commercial est largement et facilement diffusée dans Internet, nous tenons à saluer ceux qui évoluent encore dans l’univers matériel. Nous sommes toujours ancrés dans les traditions.
  • Écoute bien la musique. Écoute-la encore et encore. Écoute-la en boucle. Il ne s’agit pas de scruter à la loupe chaque parole, changement de gamme ou roulement de batterie et de décortiquer tout ce qui ne te plaît pas. Il s’agit plutôt de mieux comprendre la tonalité de la musique. Plonge au cœur du paysage sonore, et les sons deviendront plus vrais que nature. En plus de mieux entendre la musique, tu arriveras aussi à la voir, à la sentir et à y goûter. Le fait d’utiliser des versions matérielles et tangibles contribue également au processus.
  • Fais-toi un ramassis d’idées et de points importants que tu aimerais aborder dans ta critique. N’oublie pas l’importance de la concision. Il peut s’avérer utile de dresser une liste pêle-mêle de signifiants, de termes techniques et de phrases amusantes desquels tu t’inspireras. La construction de phrases plus formelles viendra plus tard (ou non). En voici quelques exemples : musique matinale, « crab rock » du littoral, rêvasserie adolescente, bruit d’une boîte de conserve sur la chaussée, boue.
  • Peaufine ta plume. Avant de te casser la tête à propos des questions grammaticales, prends le temps de lire d’autres critiques publiées sur le site de Weird Canada et note bien le style familier teinté de joual, l’usage d’une langue symbolique et l’absence générale d’une structure grammaticale rigide. Nous préférons que tu nous rendes l’émotion engendrée par la musique telle que tu l’as vécue, plutôt que tu nous pondes un superbe texte d’un point de vue sémantique et linguistique. La rédaction d’une telle critique d’un album de post-punk expérimental est à peu près aussi pertinente que l’utilisation du vocabulaire classique pour la description d’un concept abstrait post-moderne.
  • Crée des liens hypertextes là où tu sens qu’il convient d’en mettre. C’est là qu’une publication en ligne devient intéressante, même lorsque celle-ci prône les versions physiques. Ne gaspille pas tous ces beaux mots à nous expliquer en quoi la chanson te rappelle tel artiste, ou la raison pour laquelle les paroles nous éclairent sur tel concept philosophique : montre-nous, tout simplement.!

Depuis un an et demi, la plume de Rachel Weldon apporte une contribution variable (surtout faible) à la cause WC. Elle détient un baccalauréat en littérature anglaise et a repris les études à l’automne. Elle s’est toujours sentie inspirée par le caractère particulier du style littéraire de Weird Canada. Elle nous dévoile ici son processus pour montrer à quel point celui-ci a de l’importance pour elle.

How To Make a Zine

How To Make a Zine

Like independent music itself, zines are hard to define but easy to identify. Zines (pronounced “zeens”) are tiny, homemade magazines reproduced with the aid of a photocopier. There are two basic categories: fanzines (short for “fan magazine”) and perzines (short for “personal zine”). However, these categories certainly do not cover everything, as the magical world of self-publishing also includes mini comics, newsletters, chapbooks and much, much more.

So why would someone make a zine if they are essentially photocopied versions of a tumblr dashboard? Common reasons for zine-love include that they are personal, uncensored and portable. I like making zines because I find them therapeutic to write and read, as well as a great excuse to send and receive snail mail. Intimacy and effort (“Someone went through the trouble to actually MAKE this?!”) are also often stated as reasons as to why someone would go through the trouble of zine-ing.

Sometimes it is a hassle to actually create a zine, but as with anything, the effort is always worth the reward. Nothing is more fun to do than hold a stack of freshly-photocopied zines in your hands while dancing in your bedroom to The Courtneys screaming, “I MADE THIS! I DID IT!”

So stop putting it off! It’s time to finish that years-in-the-making zine once and for all. Only four steps stand between you and your creation: content creation, aesthetic considerations, assembly and distribution.


The biggest question that comes with making a zine is the first one that you are going to have to answer: What is this zine going to be about? As a medium, zines work the best when they are about something close to the author and that the author cares about. Even if you think that what you are writing about is mundane or average, chances are that other people have similar experiences and would love to read about your thoughts and experiences.

This bring us to an important note: Sometimes it is hard to write about yourself without feeling like a narcissistic asshole. “Why would anyone even START to CARE about a personal anecdote from my childhood?!” I hear you screaming. “Isn’t that self-indulgent?”

No! Well, maybe. Still, it is key to abandon that idea before you start creating. As William Zinnser writes in On Writing Well, “Writing is an act of ego, and you might as well admit it. Use its energy to keep yourself going.”

Whether it’s a split issue with a friend or a large compilation work with some vague scene acquaintances, there are some extra precautions to take regarding content if you are working with other people. When there’s more than one person on the zine team, the number one tip is to not make any assumptions.

First off, do not assume that they are okay with their real name being published with their piece, especially if they are writing about a personal or sensitive topic. Moreover, make sure to always ASK before changing or even rearranging what someone else has written.

Another important thing to consider is that with a lot of people on one project, it is incredibly likely that some will not follow through on their commitment. Set deadlines frivolously early. It might feel dumb to tell people you need material two weeks or even a month before you actually do, but this allows a good margin for any (inevitably) late submissions. You will thank yourself for doing this later on!

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Now that the content is done, it’s time to make something that looks good. First of all, you need to decide what size your zine is going to be. Is it going to be quarter-size, half-size or just made with one page? Half-size, a standard piece of paper folded in two, is the easiest to start. However, you can get more bang for your buck by folding it once more and going for quarter-size, a format that is also easier to mail out later on. Next, it is good to think about how the content is going to be formatted. Will the text be written out on a typewriter, handwritten or typed on a computer? Are you using any images? If so, will they be drawings, photographs or cut-outs? The great part about zines is that this is all your call.

Still, it’s important to realize that you are going to be reproducing whatever you make on a photocopier, which holds some limitations. For example, it is likely that your zine, especially your first one, is going to be in black and white (colour copies are an expensive, and present their own kind of hassle best left to your later issues, as you become more experienced).

With black and white copies, some colours (like yellow) don’t copy into grey tones, and pencil marks (especially light shading) don’t photocopy well. Given this, it’s a good idea to do a test run at the photocopier early on. Check in advance that whatever supplies you will be using are going to translate like you want them to when copied.

And whatever size, shape or shade of your zine, ALWAYS (ALWAYS!) leave margins of at least half a centimetre, if not more. You have spent all this time formatting words and images – it is a horrible feeling to arrive at the photocopier only to realize that the end of every sentence gets cut off during printing.


Now that you have written, drawn and formatted your zine, it is time to reproduce them for the masses. Photocopiers are pretty temperamental beasts, but they can easily be tamed with a little bit of know-how. There are two ways to go about copying: paying and not paying.

If you are paying for copies, go to a copy shop and ask someone to show you how to use the photocopier before wasting all of your allowance trying to make double-sided copies on your own. The staff is there to show you how to do this. Do not be afraid that they are looking at what you made and judging you about it. They are not! The staff help people make copies all day. It’s their job.

On the other hand, maybe you work in an office. Perhaps you’re a student with access to a photocopier on-campus. You may have parents, friends, relatives, and they may have photocopiers, and you may just be in luck. Whatever the case, you have an IN to make your zine for free. Feel no guilt when copying without coin and continue in the footsteps of many a punk as fuck zinester before you.

N.B.: If you get fired because you stole your boss’ keys and hosted a wild 3 AM photocopying break-in, don’t blame me. You’re going to have to decide how you want to make your copies on your own, so I wish you best of luck on that one.

Once you make your copies you will need to assemble them. Most people staple all of the pages together in the middle, but I’ve seen zines held together by sewn thread, paper clips and even bobby pins. If you go for the stapling route, your pages will probably be too wide for the average stapler to reach the middle. Hence, you will need one of my favourite pieces of office supplies… the long-armed stapler! These can be purchased for about $40, or you can use the one at the copy shop.


You did it! You made a zine! Now that you’ve held a bunch in your sweaty palms while simultaneously shimmying to “Lost Boys”, it’s time to get your work out there.

Like all art, one way to distribute your creation is to force people to pay for it. A good rule of thumb when it comes to pricing zines is to charge whatever it cost you to photocopy one issue, then doubled and rounded to the nearest 50 cents or dollar. For example, the first issue of my perzine, Finale 95, cost $0.72 to photocopy, so I charged $2 for it.

But where do you sell your zines now that you have priced them? The answer is to look around in your city. Is there an independent publishing fair? A punk flea market? A craft and zine sale? Table at them if you feel comfortable!

Another way is to approach a zine distro and ask if they’ll consider your zine. In Ottawa, there are two zine racks run by Lily Pepper. She buys my zine for half of what she sells it for. I don’t make a lot of money this way, but I don’t lose any money either.

Besides, the point of zines has never been to make money in the first place. In Ottawa, there is another way I get my creations out to the world: at the zine-off!

The Ottawa Zine-Off is a small event that occurs every six months for local writers and illustrators get together. Everyone makes something for the event, then trades with each other. This has been essential to the growth of the city’s zine scene and is an awesome way to meet new people who don’t go to shows.

However, you don’t need to organize a zine-off to give away your work (but wouldn’t it be cool if you did?!) You can leave your zine free for the taking at record stores, vintage stores, movie theatres, at the dentist’s office, on the bus… who knows who will pick it up?


Don’t forget that it’s okay if your first zine doesn’t live up to all of your expectations or if something goes wrong while you’re making it. In fact, given the medium, that’s actually normal. Zines exist as a process of growing as an artist, writer and creative, a tool you can use to develop your skills, as well as yourself as a living, breathing human person! Zines are a weapon the size of your heart, so keep writing and keep copying.

Alanna Yaraskavitch is a second year journalism student at Carleton University who has been making zines under the name Alanna Why for the past four years. She has written many titles including Backwaves, a fanzine about Richard Simmons, and Scoopin’ Times, a comic zine about working in an ice-cream parlour. Currently, she writes a perzine called Finale 95, wherein which she explores post-secondary misadventures, friendship and existential crises prompted by power-pop.

Tout comme la musique indépendante, les zines sont difficiles à définir, mais faciles à identifier. Les zines (prononcé « tzine ») sont de tout petits magazines faits maison reproduits à l’aide d’un photocopieur. Il y a deux catégories de base : les fanzines (abréviation de « fan magazine ») et les perzines (abréviation de personal zine). Toutefois, ces deux catégories ne couvrent certainement pas tout, puisque le monde magique de l’autoédition comprend aussi les mini bandes dessinées, les bulletins d’information, les chapbooks (de petits livres qui contiennent des contes, des poèmes, des ballades, etc.) et beaucoup plus encore.

Alors, pourquoi faire un zine si ce ne sont essentiellement que des versions photocopiées d’un tableau de bord tumblr ? Le fait qu’ils soient personnels, non censurés et faciles à transporter comptent parmi les raisons les plus courantes pour lesquelles on aime les zines. J’aime faire des zines, car je les trouve leur rédaction et leur lecture thérapeutiques, en plus, ils constituent une superbe excuse pour entretenir des correspondances papier. L’intimité et l’effort qu’ils ont demandés (« Quelqu’un s’est vraiment donné la peine de FABRIQUER ça ?! ») sont aussi souvent évoqués comme raisons pour lesquelles quelqu’un irait s’embêter de faire et de lire des zines.

Parfois, c’est une corvée de passer du temps à créer un zine, mais comme avec toute chose, l’effort est toujours récompensé. Rien n’est plus amusant que de tenir une pile de zines fraîchement photocopiés entre ses mains en dansant dans sa chambre au rythme des Courtneys en criant : « JE L’AI FAIT! J’AI FAIT ÇA! »

Alors arrêtez de remettre à plus tard! Il est temps de finir de créer ces zines commencés il y a des années une bonne fois pour toutes. Il n’y a que quatre étapes entre vous et votre œuvre : la création du contenu, les considérations esthétiques, l’assemblage et la distribution.


La plus grande question, et la première, à laquelle vous devez répondre lorsque vous décidez de créer un zine : de quoi parlera le zine? Comme média, les zines fonctionnent mieux quand ils traitent d’un sujet qui touche l’auteur et qui l’intéresse. Même si vous pensez que ce dont vous parlez est banal ou ordinaire, il existe probablement d’autres gens ayant des expériences similaires qui adoreraient lire à propos vos idées et vos expériences.

Ce qui nous amène à une remarque importante : parfois, il est difficile d’écrire à propos de soi sans se sentir comme un connard ou une connasse narcissique. « Pourquoi est-ce que quelqu’un aurait ne serait-ce qu’un DÉBUT d’INTÉRÊT pour une anecdote personnelle tirée de mon enfance ?! » Je vous entends crier: « N’est-ce pas de la complaisance envers soi-même ? ».

Non! Enfin, peut-être. Il n’en reste pas moins qu’il est primordial d’abandonner cette idée avant de commencer à créer. Comme William Zinsser l’a écrit dans On Writing Well, « Écrire est un acte d’ego, et vous êtes aussi bien de le reconnaître. Utilisez son énergie pour continuer à vous porter. »

Que ce soit un numéro partagé avec un ami ou un vaste travail de compilation regroupant de vagues connaissances d’une même scène, il y a quelques précautions supplémentaires à prendre quant au contenu lorsque vous travaillez avec d’autres gens. Quand plusieurs personnes participent à un zine, le premier conseil est de ne présumer de rien.

Tout d’abord, ne tenez pas pour acquis qu’ils sont d’accord pour que leur vrai nom soit publié avec leur oeuvre, surtout s’ils écrivent sur un sujet sensible ou personnel. Plus encore, soyez sûr de toujours DEMANDER avant de changer ou de réarranger ce que quelqu’un a écrit.

Une autre chose importante à considérer est que lorsque beaucoup de gens contribuent à un projet, il est plus que probable que certains ne termineront pas ce qu’ils avaient annoncé. Fixez des dates butoirs frivolement tôt. Cela peut paraître idiot de dire aux gens que vous avez besoin des documents deux semaines ou un mois avant que vous en ayez réellement besoin, mais cela laisse une bonne marge pour toute oeuvre remise (inévitablement) en retard. Vous serez heureux de l’avoir fait plus tard !

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Maintenant que le contenu est réalisé, c’est le moment de faire quelque chose de joli. Tout d’abord, vous devrez décider quelle taille aura votre zine. Un quart de page, une demi-page ou une page entière ? Le plus facile pour débuter est de choisir une demi-page soit une page standard pliée en deux. Toutefois, vous pourrez en avoir plus pour votre argent en le pliant une fois de plus et en travaillant sur un format quart de page qui sera aussi plus facile à envoyer par la poste plus tard. Ensuite, il est bon de savoir de quelle façon le contenu sera formaté. Le texte sera-t-il écrit à la machine à écrire, à la main ou à l’ordinateur? Utiliserez-vous des images? Si tel est le cas, est-ce que ce seront des dessins, des photographies ou des images découpées? Ce qui est génial avec les zines : c’est votre décision.

Quoi qu’il en soit, il est important de garder à l’esprit que vous reproduirez ce que vous faites à l’aide d’un photocopieur, ce qui n’est pas sans contraintes. Par exemple, il est probable que votre zine, à plus forte raison votre premier, soit en noir et blanc (les copies couleurs coûtent cher et comportent leurs propres lots d’ennuis qu’il vaudrait mieux garder pour vos prochaines parutions, quand vous aurez acquis de l’expérience). Avec les copies en noir et blanc, certaines couleurs (comme le jaune) ne sont pas copiées dans les teintes de gris, et les traits de crayon de bois (surtout s’ils sont pâles) ne se photocopient pas bien. En prenant ça en compte, c’est une bonne idée de faire très tôt un essai au photocopieur. Vérifiez en avance que les fournitures que vous utiliserez répondront à vos attentes une fois copiées.

Et quelle que soit la taille, la forme ou la nuance de votre zine, laissez TOUJOURS (TOUJOURS!) des marges d’au moins ½ cm, sinon plus. Vous avez passé tout ce temps à formater les mots et les images – c’est un sentiment horrible que d’arriver au photocopieur et réaliser que chaque fin de ligne est coupée à l’impression.


Maintenant que vous avez écrit, dessiné et formaté votre zine, il est temps de les dupliquer pour les distribuer au peuple. Les photocopieurs sont des bêtes très caractérielles, mais elles peuvent facilement être domptées avec un peu de savoir-faire. Il existe deux façons d’aborder l’impression : payer et ne pas payer.

Si vous payez pour photocopier, allez dans un centre de copies et demander à quelqu’un de vous montrer comment fonctionnent les photocopieurs avant d’aller gâcher tout votre argent de poche à essayer de faire des copies recto-verso seul(e). Ne craignez pas qu’ils regardent ce que vous avez fait et qu’ils vous jugent. Ce n’est pas ce qui les intéresse! Ils sont là pour aider les gens à faire des photocopies toute la journée. C’est leur boulot!

D’un autre côté, peut-être travaillez-vous dans un bureau. Ou êtes-vous un étudiant avec un accès aux photocopieurs du campus. Vous avez peut-être des parents, des amis, une famille élargie, et ils ont peut-être un photocopieur, et ce pourrait bien être votre chance. Peu importe, vous avez un moyen de photocopier vos zines gratuitement. Ne ressentez aucune culpabilité quand vous photocopiez sans payer, et suivez les traces de nombreux zineux et de nombreuses zineuses putainement punk avant vous.

N.B. Si vous êtes viré parce que vous avez volé la clé de votre patron et organisé une folle entrée par effraction à 3 h du matin, ne vous en prenez pas à moi. Vous devez décider seul(e) comment vous voulez faire vos copies, je vous souhaite bien du courage.

Une fois que vous aurez vos photocopies, vous devrez les assembler. La plupart des gens agrafent toutes les pages au milieu, mais j’ai vu des zines retenus par un fil cousu, des trombones ou même des épingles à cheveux. Si vous choisissez l’agrafage, vos pages seront certainement trop larges pour pouvoir atteindre le milieu avec une agrafeuse de base. Vous aurez donc besoin de mon outil de bureau préféré … la grande agrafeuse. Elles se vendent environ 40 $, ou vous pouvez aussi utiliser celle du centre de copies.


C’est fait! Vous avez fait un zine! Maintenant que vous en tenez quelques-uns dans vos mains moites tout en vous trémoussant au son de « Lost Boys », il est temps de distribuer votre oeuvre.

Comme tout art, vous pouvez distribuer vos créations en forçant les gens à payer pour l’avoir. Un bon point de repère pour donner un prix au zine est d’en demander le prix que cela vous a coûté pour photocopier un numéro, de le doubler puis de l’arrondir aux 50 sous ou dollar le plus près. Par exemple, le premier numéro de mon perzine, Finale 95, m’a coûté 0,72 $ à photocopier, donc je demandais 2 $.

Maintenant que vous avez déterminé le prix, où pouvez-vous vendre vos zines? Il suffit de regarder autour de vous. Votre ville tient-elle une foire de la publication indépendante? Un marché aux puces punk? Un salon d’artisanat et de zines? Si vous êtes à l’aise, participez-y!

Vous pouvez aussi approcher un distributeur de zines et lui demander s’il souhaite distribuer le vôtre. À Ottawa, Lily Pepper possède deux présentoirs à zines. Elle achète mes zines pour la moitié du prix de revente. Je ne fais pas beaucoup d’argent de cette façon, mais je n’en perds pas non plus.

De toute façon, le but premier des zines n’a jamais été de faire de l’argent. À Ottawa, il existe une autre façon de mettre mes créations à la disposition de tous : le zine-off!

Le zine-off d’Ottawa est un petit évènement qui se déroule tous les six mois lors duquel les écrivains et les illustrateurs locaux se rencontrent. Tout le monde fait quelque chose pour l’occasion, puis l’échange avec les autres. Cet événement a été essentiel à la croissance de la scène zine de la ville, et c’est un moyen génial de rencontrer de nouvelle personne qui ne vont pas aux concerts.

Toutefois, il n’est pas nécessaire d’organiser un zine-off pour distribuer gratuitement votre travail (mais ne serait-ce pas trop cool si vous le faisiez?!) Vous offrir gratuitement votre zine chez les disquaires, dans les friperies, aux cinémas, chez le dentiste, dans le bus… Qui sait qui le prendra?


N’oubliez pas qu’il est normal que votre premier zine ne remplisse pas toutes vos attentes ou que quelque chose tourne mal pendant que vous le faites. En fait, étant donné le médium, c’est parfaitement normal. Les zines servent de processus de maturation en tant qu’artiste, qu’écrivain et que créateur. C’est un outil que vous pouvez utiliser pour développer vos compétences, aussi bien que pour vous épanouir en tant que personne vivante. Les zines sont une arme de la taille de votre cœur, alors continuez d’écrire et continuez de copier.

Alanna Yaraskavitch est une étudiante en journalisme de deuxième année à l’Université Carleton. Depuis quatre ans, elle crée des zines sous le pseudo Alanna Why. Elle a écrit pour plusieurs parutions, dont Backwaves, un fanzine sur Richard Simmons, et Scoopin’ Times, un zine BD à propos du travail dans un bar laitier. En ce moment, elle écrit un perzine intitulé Finale 95, dans lequel elle explore ses aventures à l’université, ses amitiés et ses crises existentielles suscitées par la power-pop.

How To Host Your Own Not Enough Fest in Your City

Not Enough Fest - Poster

“Hey, we should do this.”

Maybe it was being ignored in music stores, or jamming with patronizing dudes, or even the ex-boyfriend who told me that girls’ voices are just not fit for punk rock. Even with over a decade of music lessons under my belt, I spent a long time feeling too inadequate to play power chords. It wasn’t until my early 20s that I finally met a group of people who respected this apprehension, and helped me break down some of the barriers I faced.

Recently, Winnipeg had its first Not Enough Fest (NEF). Over the last winter I had joined the Negative Space collective (a collectively run safe(r)-space venue), and stumbled across www.notenoughpdx.com while lost in the endless scroll of tumblr. In Portland, NEF was a queer/LGBTQIXYZ art, music, and performance festival. The festival was an incentive to inspire experimentation, collaboration, and to create all brand new work for the final festival date. A group called No More Fiction, based in New Orleans, did their own version with more of an emphasis on music. I got inspired to plan one in Winnipeg, and I want to share how this happened to people who are interested in doing something similar.

Here are a few things to consider if you are hoping to plan your own Not Enough Fest.

1. Actually do it.

There are a million reasons to not do something and, I won’t lie, there was stress that came with doing this project. But, if I hadn’t brought the idea up with Negative Space then NEF would not have happened in Winnipeg. That first step where you say, “Hey, we should do this,” is really important. Don’t wait for someone else to come along; you’ll end up disappointed.

2. Recruit people to help you.

That being said, don’t do it alone! I lucked out and had a team ready to jump to it, but maybe you don’t. Approach like-minded people, tell them what you’re doing, host meetings with wine and snacks.

3. Assess your resources.

Our NEF meetings involved a lot of list making. Who can we contact for press? Who can host a workshop? Who can donate equipment? The more people working on your team, the more contacts you have.

4. Write a statement.

A well-articulated statement gives a project purpose. Sure, a festival of brand new DIY bands would still be a really awesome night, but the statement we wrote for our festival really helped push forward our end goal. Having a pre-planned statement made coordinating our tone on Facebook, posters, and even in radio interviews so much easier. Also, having a meeting with organizers and hashing out everyone’s feelings on the project will help get everyone’s needs met and will let you work as a stronger team.


  • Skidge

5. Be inclusive.

Negative Space had a policy that at each music show in our venue, there must be at least one female-identifying participant. But, we found that this policy only concentrated on women and decided to use NEF as a way to help break down barriers for queer, non-binary, and trans people as well. Putting the festival together helped Negative Space grow our organization’s scope and potential.

Go to shows, see who is not be represented, and help create a community that they will feel welcome and safe in. This takes more than a statement and good intentions, this takes action.

6. Be supportive.

Not all participants will share the same experience. Some will need the safe(r) space to have their first show in, some will need to be shown that they are capable, some will have never have touched a guitar before, some won’t be able to afford one, some might not have a place to practice it in.

7. Provide assistance.

Host a panel discussion with local musicians to create a dialogue about the issues we face and how to break them down. Host workshops to teach newcomers their instruments. Gear share and provide jam space.

8. Be approachable.

Emphasize that it is okay to ask for help, and ask people if they need help before they ask you. Keep in touch with participants and encourage them. Don’t neglect their attempts to contact you.

The NEF was appealing to me because it is a project that inspires action against the issue of sexism in music. Our end result included an awesome kick-off party, a panel discussion with local female musicians, gear share, online community, and a final festival show that involved nine whole new bands! Negative Space was able to adapt the festival to meet the needs of our community, and hopefully other cities will continue this trend.

Kara Passey is a community activist and front person for the Winnipeg-based pop-punk band Ghost Hole. They enjoy long walks, pizza, and the company of dogs.

Comment organiser ton propre Not Enough Fest

“Hé, on devrait le faire!”

C’est peut-être les fois où je me suis fait ignorer dans les magasins de musique, ou celles où j’ai joué de la musique avec des mecs condescendants, ou même quand mon ex me disait que les voix de filles n’étaient pas fait pour le punk. Peu importait que j’aie eu plus qu’une décennie de leçons de musique derrière moi, j’ai passé beaucoup de temps à me sentir trop inadéquat pour jouer des accords de puissance. Ce n’est que pendant ma jeune vingtaine que j’ai finalement rencontré un groupe qui respectait cette inquiètude: ils m’ont aidé à franchir certains obstacles auxquels j’avait dû faire face.

Winnipeg a récemment accueilli son premier Not Enough Fest. Au cours de l’hiver précédent j’ai rejoint le collectif Negative Space (une salle safe(r)-space et accueillante qui est opéré collectivement), et je suis tombé sur www.notenoughpdx.com durant un autre déroulage interminable sur le site Tumblr. NEF était un festival queer/LGBTQIXYZ d’art, de musique et de performance. Le festival encourgeait l’inspiration à l’expérimentation, à la collaboration et à créer un travail tout nouveau pour le dernier jour du festival. Un groupe s’appelant No More Fiction, basé à la Nouvelle-Orléans, on fait leur propre version avec une emphase plus forte sur la musique. J’ai été inspiré d’en organiser un à Winnipeg, et je voulais partager mon expérience pour les gens qui serait intéréssé de réaliser quelque chose de similaire.

Voici quelques choses à considérer si tu veux organiser ton propre Not Enough Fest.

1. N’y réfléchis pas trop, fais-le!

Il y a un million de raisons pour ne pas faire quelque chose et, sans mentir, un certain stress est apparu en travaillant sur ce project. Mais, si je n’avais pas parlé de l’idée avec les gens de Negative Space, le NEF n’aurais pas eu lieu à Winnipeg. Ce premier pas, quand tu dis “Hé, nous devrions faire cela” est très important. N’attends pas jusqu’à quelqu’un d’autre t’accompagne; tu sera déçu.

2. Rallie des gens pour t’aider.

Ceci dit, ne le fait pas tout seul! J’avais la chance d’avoir une équipe toute prête à se montrer à la hauteur de l’occasion, mais peut-être tu n’as pas cette chance. Approche des personnes aux vues similaires, parle-leur de ce que tu fais, accueille les rendez-vous avec du vin et des snacks.

3. Déterminez vos resources.

Pendant nos rencontres, nous créeions souvent des listes. Qui pouvons-nous contacter pour la presse? Qui pourrait accueillir un atelier? Qui pourrait faire don d’équipement? Le plus de gens tu as dans ton équipe, le plus de contacts vous avez.

4. Écrivez un déclaration.

Une déclaration bien énoncée donne à un projet de la résolution. Bien sur, un festival ne comprenant que des groupes DIY flambant neuf serait comme même une soirée géniale, mais la déclaration que nous avons écrit pour notre festival a vraiment aidé à avancer plus vite sur notre but final. Avoir une déclaration préalable nous a aidé à coordonner notre ton sur Facebook, les affiches et même les interviews à la radio. De plus, avoir un rencontre avec les organisateurs et organisatrices pendant lequel tout le monde peut négocier leurs sentiments aide à s’assurer que les besoins de toutes et tous sont satisfaits et vous permet de travailler dans une équipe unie.


  • Skidge

5. Soyez inclusif.

Negative Space avait un principe qu’à chaque concert, il devait y avoir au moins une participante qui s’identifie comme une femme. Cependant, nous avons trouvé que ce principe se concentrait seulement sur les femmes,et nous avons décidé d’utiliser le NEF comme une opportunité d’enfoncer les barrières pour les gens homosexuelles, non-binaire et transsexuelle aussi. Créer un festival a aidé Negative Space à déveloper le cadre et les possibilités de notre organisation.

Allez aux concerts, observez ceux et celles qui n’y sont pas representés, et aidez à créer une communauté dans laquelle ils et elles se sentiront les bienvenus. Il faut plus qu’une déclaration et de bonnes intention; il faut de l’action.

6. Apportez du soutien.

Tous les participants n’auront pas les mêmes experiences. Quelques-uns auront besoin du safe(r) space pour pouvoir faire leur première spectacle; d’autres auront besoin de mots d’encouragement pour croire qu’ils en sont capables; d’autres n’auront jamais touché une guitare; certains n’auront pas les moyens d’en acheter une ; d’autres n’auront pas d’espace pour pratiquer.

7. Fournissez de l’aide.

Tenez une discussion avec les musicien(nes) locaux pour créer un dialogue sur les questions auxquelles on doit faire face, et comment s’y adresser. Accueillez des ateliers pour enseigner aux nouveaux arrivants comment jouer de leurs instruments. Partage l’équipement et fournit un espace de répétition.

8. Soyez approchable.

Soulignez que c’est normal de demander de l’aide et demande si les gens ont besoin d’aide avant qu’ils ne vous le demandent. Restez en contact avec les participants et encouragez-les. Ne negligez pas leurs tentatives pour vous contacter.

Le NEF m’attirait parce que c’est un projet qui inspire l’action contre le problème du sexisme dans la musique. Notre resultat final a compté un coup-d’envoi génial, une discussion avec des musiciennes locales, du partage d’équipement, une communauté en ligne, et un festival qui a inclu neuf nouveaux groupes! Negative Space a été capable d’adapter le festival pour satisfaire les besoins de notre communauté et il faut espérer que d’autres villes vont poursuivre cette tendance.

Kara Passey is a community activist and front person for the Winnipeg-based pop-punk band Ghost Hole. They enjoy long walks, pizza, and the company of dogs.

How To Put On a Show

How To Put on a Show

If you often find yourself saying, “Hey, I love this music, and I am in/know a tonne of bands. I’d like to see some of the bands that I only see in basements get out and play for more people because it will be a really nice night filled with friends and musicking and dance-partying and everything else,” then it may be time for you to get in the canoe and go for it.

Think of this as one of those diagrams about how to do a J-stroke that are posted at the place where you pick up the canoe. Like those, these five points will help you cooperate like a champion. This is important, because you will be working with a lot of different people, and coordinating a lot of different variables, and you’ll be required to delegate and communicate clearly and efficiently. If these processes are refined to a near-telepathic precision, they can grant your show booking process the graceful elegance of a smooth journey over calm waters.

All right. Let us begin our serene voyage.

1. Put some logicking into how you build the bill.

It’s important to have a sense of aesthetic continuity as you contemplate who you want to invite. This doesn’t necessarily mean booking only bands of one genre. It means composing according to a line of sensibility that only you, in your invaluable singularity, can make up. Frankensteining together a bill solely based on people you know are available can result in bad feelings, because people who came to see one act might not be excited enough to stick around for the the other bands’ sets. When you’re in a band that’s worked really hard and rehearsed and maybe isn’t as well known as other bands but is super excited to play to new people it can be really disappointing and unmotivating to watch everyone walk out ten minutes before you start playing. You, as booker, can prevent this with your awesome curatorial skills. Build a bill with a bunch of bands you know will sound really good together so that people that would already come out to see one band are going to be into the others.

2. Choose the right venue, and get everything concretely sorted out and on paper.

You should look to book about two months in advance. That’ll give you lots of time to focus on the coordination and promotion you will need to do to make this show really good without it totally taking over all aspects of your life. It also should mean that you will be able to get a decent night. Keep that in mind when you’re booking: Not so many people will come to a show on Monday the 10th of December, and you want to ensure a great audience for your hard-working performers.

So, if you’ve got a few places in mind, find out who you talk to at these particular venues and what dates they are willing to give you. If one of these sounds promising, and you get a good feel, it’s time to move into the Preliminary Scheming Phase, where you settle how the bands are getting paid and what the sound system is like (or, especially for community center-type venues, if you need to provide a sound system), whether you bring your own sound person or not, legal matters, set times, and how things are going to be managed the night of the show.

First you establish the nature of your relationship with the house. Every place has a different approach to setting up their shows:

  • Some have in-house bookers that are helpful and will tell you straight up what you need to do to make this happen. This is the best case scenario.
  • Some have in-house bookers that are not very helpful and might not be fun to work with. In these cases, your best course of action is to accept that you’re not going to get a lot of help and just start doing until they stop you. They don’t know what sort of sound equipment they have? Check it out when you’re there. They don’t have a house policy about bar percentages or promotion or security? Tell them how you plan to do things instead of waiting for them to get back to you (they might not if you don’t). You can’t find power cords? Ask first, and if you don’t get help, start looking around. Eventually you’ll either get the things you need or cross a boundary to the point where they have to help you.
  • Some places will not have an in-house booker and therefore will expect you to figure it out yourself. See above.
  • Some places, like awesome community centers, might not have put on events of this nature before. This means you will have to be very thorough in the planning stages (not the least because you may have discovered a new all-ages capable venue which can help build a ridiculously exuberant scene in your town, and you might want to keep that going). Be sure to discuss every detail, especially those of a legally relevant nature: Will you need to hire security? Is it going to be all ages? Will the event be licensed (if so, what sort of license can you obtain)? In this scenario, it’s always a good idea to seek advice. We’re here for you.

Once you’re booked in, there are a few logistical considerations to be settled:

  • Where is the door person stationed?
  • Where is the merch stationed?
  • Who is doing door? Do they have a person in-house? Do you provide a door person?
  • Who is doing sound? Is there someone in-house? Do you provide a sound person? Do you have to do sound?

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If you have to do sound, there are a bunch of things that need to be sorted out:

  • What kind of PA do they have, if any? (It there isn’t a PA, you may want to rethink your choice of venue. Renting a PA for a night costs around $100, low end. If you don’t think you can cover this, peace out).
  • What is the power/outlet/standard gear situation? Is it adequate to power all of the gear of the bands that are performing? For example, a super heavy drone band with three guitar amps and one bass amp will need access to at least two electrical outlets on stage, exclusive of the PA protocol, for best case scenario. Several MCs with one turntablist will require less electrical engineering, but will need extra vocal mics. A band with numerous instrumentalists might require more and different mics than are in house. Point being, specificity is a virtue when you’re coordinating tech requirements.
  • Does the venue have adequate power bars and extension cords to allow the people playing to put their amps/mics on the stage where they want them to be? This is really important. The people on stage need to be able to stand in relation to their bandmates the way they want to to feel good performing.
  • What time is load in? (Ideally, before snack time).

Try your damndest to get the bands playing to share their backline.

  • Backline is the big, heavy equipment: kick drum, floor toms, hardware for drum kits, bass amp, and possibly guitar amps.
  • This will make life so much easier for everyone involved, including the sound person. Miking a drum kit takes a lot of time, and it’s extremely ideal for the sound person to only have to do that once. Minimizing the amount of gear that needs to be set up/torn down also makes life a lot easier for the bands playing.
  • It also helps keep the time between sets down, which encourages the crowd to stick around to hear other bands. This is a point that can be brought up to the bands playing as an incentive for them to share if they are otherwise reluctant.
  • Plus, sharing gear is a way for bands to get to know one another and build up good associations, which helps build a strong and resilient community.

But, that being said, gear sharing does introduce the possibility of one band’s gear getting broken by another band. This is awkward and creates bad feelings. To avoid this:

  • Make sure the drummers know that they need to bring their own breakables: cymbals, the kick pedal, and the snare. Most drummers assume this, anyways. Drummers are essentially totally magical that way. But it’s good to check.
  • Leading up to the show, introduce everyone who’s sharing gear through email and make sure that everyone knows who’s sharing what. This will make sure that no one feels like they’re put on the spot the night of, and that everyone who will be sharing gear has an understanding about the idiosyncrasies of what they’ll be working with. This is especially important for amps. When people know exactly how those amps work and are aware of any eccentricities related to those amps, it’ll make it very much less likely that they will get blown. Building on this base, getting the bands to discuss this in person is a good idea since it allows for visual demonstration the night of, and, then, hey, having the email trail there helps make sure that everyone has each other’s contact information. Just in case.

Get these things written down in an email. Send it to everyone involved in advance of the show and bring a physical print to the event. It ought to detail:

  • The event date
  • The load-in time
  • The backline and gear sharing plans
  • The sound set-up
  • The guestlist protocol, and a confirmation of who’s on/how many folks each band can list
  • The food and drink provisions for performers
  • The location, or lack thereof, of private space for people performing

And answer:

  • How will the door income be shared? Sometimes, for instance, people work out who incurs the most in travel costs and divides things accordingly. Sometimes the sound person needs to be paid. Sometimes there is a guarantee afoot (which is when the venue demands a certain income from the night, after which the bands are paid). Sometimes you may need to recuperate printing costs for postering.
  • Is there an expectation that merch-table manning will be a collective effort? If so, how will funds be tracked?

Once everything’s settled, send that email around to everyone so that people know what kind of gear they’re going to be plugging into and how the cover charge is going to be split up. If you need to pay a rental fee or guarantee, or recoup other expenses, explicitly state how much that is so that the people are playing understand why they might not get a full share of whatever comes in at the door. Also make sure that if anything changes up to the day of the show that you keep everyone concerned in the loop. Bring a copy of the most up-to-date info email with you so that you don’t end up in unpleasant conversations about how someone did or didn’t hear about something that you thought was settled.

If you’re setting this up, it’s your job to make the bands that you’re bringing in get done right by.

Communicating beforehand and during the night of the show, and getting things written down, helps prevent misunderstandings. If you’re dealing with a bar-type venue, it’s also the most guaranteed way of making sure that things don’t go sideways at the end of the night when it’s time to get paid.

3. Promotion


It is extremely important to make cool posters. This can cost money, although it doesn’t have to. If you know anyone who has access to a photocopier, hit them up. If not, try to keep costs down (say, $40 maximum) and, if you need to, reclaim that. If you get creative then you can come up with some really nice, unique visuals for not very much money. For instance, once, as part of putting on a show that my band played at, I spent two afternoons putting together these rad posters that had lino-cut prints layered over a spray-paint stencil. I put them up, real high, on lampposts all over Queen Street and Kensington. They looked completely different from other posters and they were up for a long time. That was the best turn-out for a show we ever had. In other words, putting the work in to make your visual promotion distinctive will really get results. Plus it is fun and an art-form in its own right and it is incredibly validating to see the thing that you designed all over your neighborhood.


Making handbills is also excellent and should not be overlooked. Make sure you give handbills to all of the bands to help them self-promote, and also, a four-by master copy so that they can photocopy more if they need to. Give handbills to all of your friends who go out to shows and might bring yours up. Keep some to carry around yourself so that you can give them to people who are interested. However, I have found through personal social awkwardness times that it’s not very effective to just give handbills to people without there being some context for you doing so. If you are talking to people about music, it might come up that you are putting on a show. If they seem interested, offer them a handbill. Sometimes you can even offer them a few, because they might want to let their friends know.

Word of Mouth

This is also an area where building a solid bill is super important. Complementary bands = complementary friends. If someone hears about a show from more than one source, they will probably show up.

The Telephone Machine

Two weeks before the show, call your friends. Tell them about it. Phone calls work really well. Go sparingly with mass texts– they won’t bring anyone who wasn’t already going to come. If you really want to use one, save it for the day before the show as a reminder and include the names of the bands, the venue address, the time, and the cover (this makes it easy for people to forward the text to friends of theirs that they may have invited).

The Internet

Don’t rely very much on Facebook. Facebook event invitations are about as compelling as a reminder call from your phone company that your bill is overdue. Making an event will put your show on peoples’ radar, and you’ll even get several assurances of an intent to show up, but these aren’t the sort of commitments you would build a house on. By all means, create a Facebook event, but only to reinforce the other promotion work that you’ve done.

The Media

If there is a radio station or podcast that seems correspondent with the bands that you are promoting a show for, get in touch with them. Sometimes they’ll do a bit where they play songs from the bands that are going to be there, and then do a plug for the show afterwards. This is a great way to reach out to people who are new to town and are into the music you’re promoting but don’t know anyone yet. They will come to this show because they want to meet people to get down with. And you are helping them, which is an awesome thing for those of us who get rambly and move around a lot.

If there is a publication or review site that matches up well with what you’re up to, see if you can’t invite someone to come down and write about the show, or, even better, do an interview or album review beforehand about how worthwhile it would be to go.

4. The Night Of

Avoid Indulgence

Resist the temptation to partake in substance-type revelry until after the show. You will need your wits about you to deal with things like equipment breakdown, keeping everything on schedule, being clear about the distribution of the funds that come in, and that sort of thing.


Make sure that you introduce yourself to and acknowledge the importance of and are explicitly respectful to the staff at the venue, especially the people you will be interacting with throughout the night (bartenders, sound-persons, door people). They are the people you are relying on the most during the event. For all intents and purposes, they are in charge of things in that space and can help you make everything be the most smooth, smooth as a yacht-canoe. Plus, besides the fact this is just the way things should be done, being nice will earn you an excellent reputation and that will make it easier to put on more shows in the future.

Be Kind to the Door-Person

Make sure the door person knows that they are in control and that you are available to answer any questions they might have. Make sure they have a clear and descriptive guest list. They will have to deal with people who claim they can get in because they work at the venue, as well as people who are just trying to scam their way in. They need to know precisely who goes in for free so that they don’t have stressful conversations with people at the door who should be getting in for free but haven’t been identified.

If it’s fallen to you to recruit a door person, remember that this person is giving up their night because they are into this music and into supporting their community. If at all possible, pay them a reasonable amount of money for helping out ($10/hour is standard) and remember to send them a thank-you note the next day. This is a recognition of the value of their time and of the fact that it can be a bit trying and occasionally very difficult to get folks to pay cover/show ID when they are drunk and hyper and Saturday-nighting.

Be sure that any reviewers or press people are specifically identified so you know if they showed up or not when you follow up on the event.

Mind the Gear (and the Sound)

Chances are there will be some weirdness around gear. There almost always is. Don’t sweat it. It’s showtime. But, night-of, it’s an extremely good idea to monitor communication between everyone that’s playing to make sure that everyone’s on the same page. This may work out to be quite a bit of affective labour, so it’s good to be prepared for it by having a good pal there to high five you if someone lets the pressure get to them too much and says something unpleasant to you.

Make it a point to work well with the sound person. They have probably been working pretty hard for years to get good at doing this, and they don’t make a whole heck of a lot of money in the process. A little sincere respect for these factors will go a long way. Anyways, it is customary to introduce yourself to him or her during soundcheck and to offer a beer and to say thank you to them after the show.

5. Following Through

Check In With The Makers

Did they have a nice time? Did they have everything they needed? This is not just to smooth over any blips during the night of the show, but also so that you can learn about things that you might not have predicted to be problems so that you can prevent these in the future. Even if something did go wrong, getting in touch in the next day or so helps build trust between you and the people you’ve worked with.

Check In With the Post-Press

If there were people who came down to review the show, shoot them an email two days afterwards to thank them for showing up, whether or not they did. It’s good etiquette, and it’s also a gentle reminder/impetus to write something about the night.

Check In With the Venue

Thank them for helping put the event together, unless they were a total jerk. This does happen sometimes, I’m afraid, but it’s still useful to follow up with them in such circumstances, because whatever they have to say will be useful in terms of helping you understand how any problems that showed up happened, even if you have to put on your thickest lizard skin when talking to them because they’re not very tactful.

Thank Yourself

You did this because you are awesome and you are helping keep our DIY world vibrant and exciting. Sometimes people will shit on you about things that were totally beyond your control. Sometimes people will forget to thank you. Sometimes you will feel like you worked your ass off and no one even acknowledged that. If that happens, email me at extralogical@gmail.com and I will send you a thank you message to remind you that what we have wouldn’t be possible without you being totally awesome and dedicated and that you rule.


Eileen Wennekers schemes, makes, writes, and Marxist-analyzes the crap out of everything all the time in Toronto, Ontario. When not placing her dissertation carefully in a corner in order to watch it warily, she amuses herself by writing strange pataphysical fables and helping to edit Weird Canada’s Ex Libris section. She’s put on shows in big halls and garages and bars and basements from time to time since 2001, which is when she first started playing them herself. A lot of what she knows about how to do this has also come from talking with friends who do sound, book, play, and run venues.

This How-To was greatly enriched by the contributions of other Weird Canadians, without which it would have been much, much less sensible.

S’il vous arrive de vous dire que vous aimez tel ou tel genre de musique et que votre souhait le plus cher serait de voir les artistes émerger des sous-sols, car ils seraient la trame sonore parfaite pour une excellente soirée entre amis, rien ne vous empêche de sauter, à pieds joints, dans cette aventure et de voguer, juché sur un canot virtuel, entre les vagues de l’incertitude.

Ce document joue le même rôle que les diagrammes, vous montrant comment ramer, qui se trouvent à l’endroit où vous avez loué le canot. Les cinq règles qui suivent vous aideront à coopérer comme un champion. Vous allez devoir travailler avec une pléthore de gens, en plus de gérer différentes variables, et votre communication se doit d’être claire et efficace. Si tous ces ingrédients sont réunis dans une approche d’une précision quasi-chirurgicale, votre processus sera alors une promenade gracieuse et élégante en eaux calmes.

Voilà. Nous allons maintenant débuter notre voyage.

1. Assemblez votre soirée de manière logique

La continuité esthétique doit guider vos choix lorsque vient le temps de dresser la liste des artistes que vous voulez inviter. Cela ne veut toutefois pas dire qu’il faut impérativement inviter des groupes jouant le même genre de musique. Au contraire, c’est à ce moment que votre sensibilité particulière est votre meilleur allié. Assembler un spectacle à la Frankenstein en fonction de la disponibilité des groupes pourrait ne pas avoir le résultat escompté : les spectateurs venus voir un groupe en particulier ne voudront peut-être pas rester pour assister aux autres prestations. Après des heures et des heures de travail et de pratique, tous les artistes rêvent de jouer devant de nouveaux spectateurs et le choc de voir le public se disperser dix minutes avant une prestation peut être dévastateur. En tant que promoteur, vous devez user de vos talents d’assemblage pour pallier à ce genre de situation. Une solution serait de créer un événement autour de groupes aux sonorités compatibles. De cette façon, tout le monde sera content.

2. Choisissez l’endroit idéal et définissez tout, concrètement, sur papier.

En premier lieu, il faut établir la nature de votre relation avec la salle. Chaque salle a un processus différent quant à la préparation d’un spectacle.

  • Dans le meilleur des cas, certaines salles possèdent des promoteurs attitrés qui pourront vous guider et vous dicter tout ce dont vous allez avoir besoin pour votre soirée.
  • Dans d’autres salles, les promoteurs seront moins enclins à vous aider, ce qui est moins agréable. Dans ces cas-là, il vaut mieux accepter de ne pas recevoir d’aide et enclencher votre projet, jusqu’au moment où ils vous demandent d’arrêter. S’ils vous disent ne pas savoir, voyez par vous-même quel genre de système de son ils disposent. Faites-leur part de votre plan quant à la sécurité, aux pourcentages liés à la vente d’alcool ou encore à la promotion. N’attendez pas qu’ils vous répondent à ce propos. Si vous ne trouvez pas de câbles électriques, demandez-en. Si vous frappez un mur et qu’ils ne vous répondent pas, fouillez. Soit vous trouverez tout ce dont vous allez avoir besoin, ou vous dépasserez le point à partir duquel ils seront dans l’obligation de vous aider.
  • Certaines salles ne disposent pas de promoteur attitré et, du même coup, vous serez obligés de tout faire vous-même. Voir plus haut.
  • Certaines salles peuvent ne jamais avoir été utilisées pour un spectacle. C’est pourquoi vous devez faire preuve de précision lors de votre planification. Ce n’est pas une mince affaire, même si vous avez découvert un centre nouvel-âge ayant la capacité de soutenir votre spectacle et que ce centre pourrait devenir le lieu par excellence vous aidant à développer la scène alternative dans votre ville. N’oubliez aucun détail. La sécurité sera-t-elle nécessaire? Y aura-t-il une limite d’âge? Cet événement nécéssite-t-il un permis? Si c’est le cas, quel permis faudra-t-il obtenir? Dans cette situation, demandez de l’aide. Nous sommes là pour vous.

Une fois que la salle est réservée, quelquess considérations logiques doivent être prises en compte.

  • À quel endroit la table d’accueil sera-t-elle située?
  • À quel endroit la marchandise se trouvera-t-elle?
  • Qui sera responsable de l’accueil? Y a-t-il un employé de l’endroit responsable? Devrez-vous fournir votre propre responsable?
  • Qui sera le technicien sonore? Y a-t-il un employé de l’endroit qui s’en charge? Devrez-vous fournir un technicien ou vous en occuper vous-même?

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Si vous vous occupez de la sonorisation, il faudra tenir compte de ces facteurs.

  • Quel est le type de console dont l’endroit dispose? C’est un facteur important lorsque vient le temps de choisir un endroit. La location d’équipement coûte au bas mot 300 $ pour une nuit. Si vous ne pouvez pas assumer ces coûts, retirez-vous.
  • Quelle est la configuration électrique de l’endroit? Serait-il adéquat de brancher tous les instruments des groupes participants? Un groupe heavy utilisant 3 amplificateurs de guitares et un amplificateur pour la basse aura besoin d’au moins deux prises électrique indépendantes de celle où se trouvera votre console. Si vous prévoyez inviter plusieurs rappeurs et une seule personne aux tables tournantes, vous aurez besoin de moins de prises électriques, mais de plus de microphones. Un groupe dans lequel une panoplie d’instruments sont joués nécessitera sans doute plus de microphones de nature différente. En somme, il faut être précis lorsque vient le temps de planifier les besoins techniques.
  • Est-ce que l’endroit dispose d’un nombre adéquat de barres d’alimentation et de rallonges permettant aux groupes d’y brancher leur matériel où ils le veulent? Cette question est très importante. Les musiciens doivent être en mesure de se placer confortablement sur la scène.
  • À quelle heure doit débuter l’installation? Préférablement avant le dîner.

Essayez autant que possible de faire en sorte que tous les groupes jouant lors de votre soirée partagent le même équipement de base.

  • L’équipement de base comprend la grosse caisse, les toms et la structure de la batterie, en plus de l’amplificateur de la basse et possiblement ceux des guitares.
  • Ceci facilitera la vie à tout le monde, y compris les techniciens du son. Brancher des microphones autour d’une batterie prend du temps et le technicien ne devrait le faire qu’une seule fois au cours de la soirée. Le fait de minimiser le nombre d’appareils à monter ou démonter facilite aussi la vie aux groupes participants.
  • Ceci aura également pour effet de minimiser le temps entre les prestations, ce qui encourage l’auditoire à rester dans la salle. Cet argument vous aidera à convaincre les groupes qui se montreront réticents à partager l’équipement.
  • Et puis, le fait de partager les équipements crée un sentiment communautaire entre les groupes.

Ceci dit, le fait de partager l’équipement peut aussi entraîner des dommages. Cela crée de mauvaises situations. Voici quelques trucs pour éviter que cela se produise.

  • Les batteurs participants doivent chacun amener les parties les plus fragiles (cymbales, pédales, caisses claires) de la batterie. La plupart des batteurs comprennent cette logique, mais même si les batteurs sont des êtres magiques, il ne coûte rien de vérifier.
  • Dans les jours précédant le spectacle, jouez les entremetteurs entre tous ceux partageant les équipements, afin de vous assurer de savoir qui fournit quelle pièce d’équipement. Cela évitera que quelqu’un n’arrive les mains vides, et ainsi chaque participant sera en mesure de connaître les moindres particularités des appareils avec lesquels ils vont travailler. Ce dernier point est primordial pour tous ceux qui vont travailler avec les amplificateurs. Lorsque les groupes maîtrisent le fonctionnement des amplificateurs et qu’ils sont conscients des caprices de ces appareils, ils ont beaucoup moins de chance de péter. Le fait de permettre une discussion entre les groupes leur permettra à leur tour d’en discuter en personne le soir du spectacle. En plus, après le spectacle, le contact entre les groupes sera maintenu, juste au cas où.

Toutes ces choses doivent se retrouver dans un courriel que vous enverrez à tous ceux qui sont concernés par le spectacle et dont vous devrez vous assurer d’en avoir une copie sur place, le jour même. Ce courriel doit inclure :

  • la date de l’événement
  • l’heure de montage
  • le plan de partage des équipements
  • l’installation sonore
  • le protocole pour la liste d’invités et une confirmation du nombre d’invités par groupe
  • les provisions (nourriture et boissons) pour les artistes
  • le cas échéant, l’endroit réservé aux artistes dans la salle

Ce courriel doit aussi fournir des réponses aux questions suivantes :

  • Comment les revenus de la vente d’entrées seront-ils partagés? Parfois, cela est calculé par rapport aux frais de voyage. Parfois, les techniciens du son doivent être payés. Parfois, l’endroit qui vous prête la salle vous demande une garantie qu’il vous faudra payer avant de diviser le reste entre les musiciens. Parfois, vous devrez aussi récupérer les frais liés à l’impression des affiches.
  • La gestion de la marchandise demande-t-elle un effort collectif? Si tel est le cas, quel sera le suivi des fonds?

Une fois que tout cela sera défini, envoyez ce courriel. De cette façon, tout le monde sera au courant de tout ce qui concerne l’équipement et les recettes. Si vous devez payer des frais ou des garanties de location, ou qu’il vous faut regagner d’autres dépenses, faites-le savoir explicitement. Cela aura pour effet de faire comprendre aux participants qu’il se peut qu’ils ne repartent pas avec la totalité des gains. Aussi, il faut que tous les participants soient au courant du moindre changement que vous apportez. Ayez en main une copie du courriel le plus récent de manière à ne pas vous retrouver dans une conversation déplaisante si quelqu’un dit ne pas être au courant de quoi que ce soit.

Quand vous montez un spectacle, c’est votre devoir de vous assurer que les groupes que vous engagez sont bien traités.

La communication au préalable et durant la soirée, et le fait d’avoir une trace écrite de toutes les décisions, aident à prévenir les situations fâcheuses. Si votre soirée se déroule dans une salle de type bar, vous éviterez des revirements de situation lorsque viendra le temps de payer tout le monde.

3. La promotion


Il est très important de faire de super belles affiches. Le travail de graphisme peut être payant, mais il n’est pas nécessaire que ce soit le cas. Si vous connaissez quelqu’un ayant un accès à une photocopieuse, rien ne vous empêche de leur parler. Sinon, essayez de réduire les coûts (par exemple, 40 $ maximum) et réclamez votre argent à la fin du spectacle au besoin.

Avec un peu de créativité, on peut créer de superbes affiches avec peu de budget. Une fois, j’ai passé deux après-midis à construire ces affiches qui déchirent, avec une linogravure étalée sur un stencil en aérosol, pour un spectacle de mon groupe. J’ai placé ces affiches assez haut, sur les lampadaires autour de Queen Street et de Kensington. Elles étaient complètement différentes des autres et elles y sont restées longtemps. Ce fut notre spectacle le plus populaire à vie. Bref, faire l’effort d’une promotion visuelle différente vous permettra d’obtenir des résultats. En plus, c’est à la fois un plaisir et une forme d’art en soi. Et qui n’a jamais rêvé de voir sa propre création autour de son voisinage?


Les dépliants sont une autre excellente idée qu’il ne faudrait pas passer sous silence. Essayez de donner des dépliants aux groupes afin qu’ils fassent leur propre promotion. Faites-leur parvenir une copie maîtresse pour qu’ils puissent faire autant de copies qu’ils le désirent. Donnez également une poignée de dépliants à vos amis qui assistent à des spectacles afin qu’ils soient les porte-parole du vôtre. Gardez-en aussi que vous pourrez distribuer vous-même aux intéressés.

Par contre, il n’est pas très utile de donner des dépliants à n’importe qui sans contexte. Si vous parlez de musique à des gens, l’occasion est parfaite pour leur annoncer que vous montez vous-même un spectacle. S’ils sont intéressés, offrez-leur un dépliant. Vous pouvez également leur en offrir plus d’un afin qu’ils puissent eux-mêmes les distribuer à leurs amis.

Le bouche à oreille

C’est une raison de plus d’avoir une liste d’artistes complète. Des groupes complémentaires cachent des amis complémentaires. Si quelqu’un entend parler d’un spectacle par l’entremise de plusieurs sources, il sera alors plus enclin à assister à ce spectacle.

Le téléphone

Appelez tous vos amis, deux semaines avant le spectacle. Parlez-leur de l’événement. Les appels font toujours le travail. Les messages texte ne vont généralement pas interpeller des gens qui ne comptaient pas déjà se rendre au spectacle. Vous pouvez toutefois les envoyer la veille du spectacle, comme rappel. Inscrivez-y le nom des groupes, l’adresse de la salle de spectacle, l’heure et le prix d’entrée. De cette façon, ils peuvent transférer le message à leurs amis.


Ne vous fiez pas sur Facebook. Les invitations aux événements qui s’y trouvent ont autant d’impact que cet appel de votre compagnie de téléphonie qui vous signale que votre facture est en souffrance. Votre spectacle sera mis sur le radar de plusieurs personnes et vous allez obtenir plusieurs déclarations de présence, mais ces déclarations sont peu fiables et il ne serait pas conseillé de bâtir une maison sur de telles fondations. Créez un événement Facebook mais utilisez cet outil comme support pour tout le travail de promotion que vous aurez fait.

Les médias

S’il y a une station de radio ou un podcast qui vous semble correspondre aux groupes pour qui vous organisez ce spectacle, contactez-les. Parfois, ils feront jouer quelques chansons des groupes invités, avant d’annoncer le spectacle lui-même. C’est là une excellente façon d’inclure les nouveaux arrivants dans votre ville qui aiment ce genre de musique. En entendant cela, ils viendront au spectacle, car ils voudront faire connaissance avec d’autres gens ayant les mêmes goûts musicaux. De cette façon, vous offrez une aide grandement appréciée aux mélomanes D’un autre côté, s’il y a une publication ou un site faisant de la critique musicale, qui concorde bien avec votre projet, voyez s’il est possible d’inviter quelqu’un, afin qu’il y ait un reportage sur le spectacle.

4. Le soir venu

Évitez de consommer

Résistez à l’appel de toute substance avant la fin du spectacle. Vous aurez besoin de tous vos sens, afin de régler différents dossiers, tels que les bris d’équipements, la gestion du temps, la collecte d’argent pour payer les groupes, etc.


Assurez-vous que les employés de la salle vous connaissent et reconnaissent le respect que vous leur accordez, particulièrement ceux avec qui vous devrez interagir toute la nuit (serveurs de bar, techniciens au son, responsables de la porte). C’est d’eux que vous dépendrez lors de l’événement : ils sont responsables de son déroulement et avec leur aide, la soirée ira comme sur des roulettes. Votre gentillesse vous permettra en plus d’avoir une bonne réputation et de monter plus de spectacles à l’avenir.

Soyez gentil avec le responsable de la porte.

Assurez-vous que cette personne sache qu’elle est en contrôle et que vous êtes disponible pour répondre à ses questions. Assurez-vous également qu’elle ait accès à une liste d’invités claire et descriptive. Le responsable devra s’occuper des gens qui disent pouvoir entrer sans payer parce qu’ils travaillent dans la salle, en plus de ceux qui essaient d’entrer sous de faux prétextes. Il devra savoir précisément qui est autorisé à entrer gratuitement, de manière à éviter les conversations désagréables avec des personnes non identifiées.

Si vous devez fournir votre propre sécurité, rappelez-vous que cette personne sacrifie sa soirée pour votre concert et sa communauté. Si possible, donnez-leur un montant raisonnable pour leur aide (normalement environ 10 $/heure) et envoyez-leur un remerciement écrit le lendemain. C’est une marque de reconnaissance et une façon de dire que vous tenez leur temps en haute estime. Et puis, ce n’est pas facile de travailler lorsqu’on a une foule soûle, énervée et faisant la fête devant soi.

De plus, il faut vous assurer que toute personne de la presse soit clairement identifiée. Comme ça, vous allez savoir quelle personne est passée à votre spectacle et votre suivi sera ainsi facilité.

Attention à l’équipement (et au son)

Il est fort possible qu’il y ait des malentendus au sujet de l’équipement : en fait, ça arrive presque toujours. C’est pas si grave. Mais le soir venu, il est important de s’assurer de la bonne communication entre les groupes. C’est un travail affectif qui peut être éprouvant, alors assurez-vous d’avoir un ami à proximité pour vous remonter le moral si quelqu’un se laisse emporter par le stress au point d’émettre des commentaires désagréables à votre sujet.

Soyez gentil avec les techniciens de son. Ils ont sans doute travaillé fort (et ce, pendant des années) pour arriver à être bons dans leur métier. Ils ne deviennent par ailleurs pas millionnaires avec ce travail. Un peu de respect sincère pour cela pourrait vous mener loin. De toute façon, c’est la coutume que de se présenter aux techniciens pendant les tests de son et de leur offrir une bière, en guise de remerciement, après le spectacle.

5. Le secret est dans le suivi.

Faire le suivi avec les musiciens

Ont-ils eu du plaisir? Ont-ils eu tout ce qu’ils désiraient? Vous faites cela non seulement pour apaiser les mauvais moments qui auraient pu se dérouler durant la soirée, mais aussi pour apprendre au sujet de choses que vous n’auriez sans doute pas pu considérer comme étant des problèmes, afin de les régler à l’avenir. S’il y a eu de mauvaises surprises, il est bon de contacter les musiciens le lendemain pour rétablir la confiance entre vous.

Faites le suivi avec la presse

Si des gens sont venus pour faire la critique de votre spectacle, écrivez-leur un courriel, dans les deux jours, pour les remercier de leur présence. Faites ce geste même s’ils ne se sont pas présentés. C’est la base de l’étiquette et ça peut les encourager doucement à faire la couverture de la soirée.

Faites le suivi avec la salle

Remerciez-les de vous avoir aidé à mettre cet événement sur pied, sauf s’ils ont été des salauds de la pire espèce. Même s’ils n’étaient pas tout à fait des enfants de chœur, renseignez-vous tout de même. Toutes les choses qu’ils vous diront seront utiles afin de comprendre comment les problèmes se sont présentés, et ce même si vous devez revêtir votre épaisse peau de lézard pour affronter leur manque de tact.

Remerciez vous vous-même

Vous avez fait ça pour deux raisons : parce que vous êtes extra et parce que vous avez aidé à maintenir notre monde DIY vivant et excitant. Parfois, les gens vont vous critiquer pour des choses qui étaient pourtant hors de votre contrôle. Parfois, ils vont oublier de vous remercier. Parfois, vous allez sentir que vous vous êtes cassé le derrière pour un projet et que personne n’osera le reconnaître. Si ça arrive, envoyez-moi un courriel à l’adresse suivante: extralogical@gmail.com et je vais vous envoyer un message de remerciements, vous disant que ce que nous possédons n’aurait pas pu être possible sans vous et que vous êtes le meilleur.


Vivant à Toronto, Eileen Wennekers crée, fabrique, écrit et analyse tout avec une profondeur marxiste. Lorsqu’elle ne met pas sa dissertation dans un coin de la pièce pour la regarder avec méfiance, elle s’amuse à écrire des fables étranges et pataphysiques, en plus d’agir comme éditrice de la section Ex Libris de Weird Canada. Elle a produit des spectacles dans divers endroits, allant de grandes salles aux garages, en passant par des bars et des sous-sols, depuis 2001, parfois également en tant qu’artiste. La majeure partie de ses connaissances du milieu vient de discussions avec des amis y jouant des rôles divers (son, production, gestion et création).

Cet ouvrage est le fruit d’une étroite collaboration avec d’autres êtres virevoltant dans l’univers de Weird Canada, sans qui ce document serait beaucoup moins clair.

How To Start A Music Blog When You’re 15

How To Start A Music Blog When You're 15

You are young. You live in a depressed post-boom retirement town. You have discovered CBC Radio, and find your late nights filled with soft static and international programming. Along with this discovery blooms a whole new world of music – Canadian music – that you’ve never heard before. You want to talk about it. You want everyone to know about it. You want to be a part of it. In an interweb world of infinite opinions, visions and sounds, you decide you have a voice. You start a blog:

1. Research

Research different blogging platforms before you choose one. Try to get an idea of what you want to get out of it, look at what blogs you read/use, and decide that Weebly is not a good blogging platform. In fact, it is not a blogging platform at all. Maybe I’m biased, but WordPress is the best place to start, as it’s both very customizable while remaining user-friendly, working wonderfully for textbased blogs.

For image and video based blogs, Tumblr does the trick. It is quick and easy, but runs the risk of being social network-y, which can appear juvenile and mediocre. Blogger (Blogspot) is outdated in appearance, and customization options are few, but some blogs make it work.

2. Get a good name

Get a good name for your blog, and stick with it. You’re not Apple, but branding is important no matter how big or small the project. Try to stay away from these: Sarah’s Super Duper Music Blog, i lyke muzik, Shovel, etc. Memorable names are distinct, brief, and appropriate. (Do not in any circumstance name your Canadian music blog Candmu… been there, done that. It was a dark time.)

3. Avoid gushing

When you start writing (especially when it comes to album reviews), avoid gushing. It’s easy to get carried away with complimentary words. Great reviews will capture the sound of a record with just their words, like this one, leaving you with the impression that you’ve already listened to the album. Looking at the review a few hours later can be helpful in seeing if you’re over-praising.

4. Proofread!

This rule applies to anyone who writes anything ever. Seriously. It doesn’t take all that long and will save you a few face-palms that usually arrive sometime after you prematurely press the publish button.

5. Make friends

Do not be afraid to reach out. Lucky you, you can hide behind a computer screen and use your big vocabulary to make people believe you can’t still eat off the kid’s menu. Reach out – send emails to your favourite record labels and blogs, tell them you’re interested in what they’re doing. Having connections is key to running a music blog.

6. Decide how to present yourself

This means you have to decide whether you’re going to let people know how old you are. It’s never good to lie about it, but people may not take you as seriously if they know your age. Some good adjectives to use instead of your age are: inexperienced, new, humble, spring chicken, wet behind the ears, etc.

7. Don’t tell anyone

Don’t tell anyone about your blog. Your parents will tell their friends and you’ll never be allowed to cuss while ranting and raving about how disappointing the Polaris Prize Shortlist is. Your friends will probably be relatively unimpressed and will not even know what the Polaris Prize is.


Tell EVERYONE about your blog. Having more readers and people who want to know about what you’re doing will feel great. Get the word out on social media, Twitter being especially handy. It allows you not only to connect with people in the industry, but also to share things when your time is limited.

9. Have patience

Yes, we are aware that you can’t attend 19+ shows. When you get media invites to cool gigs in cities far away from your small Northern Ontario town, hang your acne-ridden head in sadness and wait it out.

10. Write. Write a lot.

Consistency is imperative. Getting discouraged is almost a guarantee, because gratification is not always instant. Nothing remedies it like getting a thank you email from that band whose debut record you decided to review or getting a promo download to that album you were going to buy.

11. Find your niche.

This advice may be overused, but establishing a unique voice is very important and creates a deeper connection with your readers. It is what makes people come back – it’s what brought you here.

12. Do not make your hits more important than your content.

Do not, in any circumstance, make your hits more important than your content. Integrity, child! If you find yourself turning into modern day Rolling Stone, you may want to re-evaluate and remember why you’re doing this in the first place.

Mistakes will be made. Tears may or may not be shed in hours that may or may not be late. But the rewards are well worth it and with these tips and some old fashioned elbow-grease, you are on your way to becoming a valuable part of a welcoming community that shares your values.


Shawna Naklicki is a young grasshopper who learned (almost) everything she knows about blogging through mistakes. She’s been writing with zeal at Sound Vat since age 15. Her proudest moment was finally getting business cards.

Vous êtes jeune. Vous vivez dans une ville de retraités déprimante à la gloire passée. Vous avez découvert CBC radio et vos nuits se ponctuent de programmes statiques doux et internationaux. En même temps que cette découverte éclot un tout nouveau monde de musique – de musique canadienne – dont vous n’aviez jamais entendu parlé auparavant. Vous voulez en parler. Vous voulez que tout le monde soit au courant. Vous voulez en faire partie. Dans un monde interconnecté infini d’opinions, de visions et de sons, vous décidez que vous avez votre mot à dire.

Vous commencez un blog :

1. Renseignez vous sur

Renseignez vous sur les différentes plateformes de blogue avant d’en choisir une. Essayez d’avoir une idée de ce que vous voulez en faire, regardez ce que les blogues que vous lisez utilisent et décidez que Weebly n’est pas une bonne plateforme de blogue. En fait ce n’est même pas une plateforme de blogue. Peut-être que je suis biaisé, mais WordPress est le meilleur endroit pour commencer, c’est à la fois très personnalisable tout en restant facile à manier et fonctionne très bien pour les blogues à base de texte.

Pour les blogues d’images et de vidéos, Tumblr fait l’affaire. C’est rapide et facile, mais ça prend le risque d’être réseau socialisant, ce qui peut apparaître juvénile et médiocre. Blogger (Blogspot) est dépassé niveau apparence, et les options de personalisations sont peu nombreuses, mais certains blogues s’en sortent bien.

2. Trouvez un bon nom pour votre blogue

Trouvez un bon nom pour votre blogue, et tenez-y vous. Vous n’êtes pas Apple, mais l’effet de marque est important quelque soit la taille du projet. Essayez de vous tenir à l’écart de ceux-ci : Le Blogue de Musique Super Génial de Sarah, i lyke muzik, Shovel, etc. Les noms mémorables sont distincts, bref et appropriés. (N’appelez en aucun cas votre blogue sur la musique canadienne Candmu …. je suis passé par là. C’était une sombre époque.)

3. Quand vous commencez à écrire évitez les gros épanchements.

Quand vous commencez à écrire, (surtout quand vous en venez aux critiques d’albums), évitez les gros épanchements. Il est facile de se laisser emporter en compliments. Les meilleurs critiques capturent le son d’un enregistrement avec leurs simples mots, comme celle-ci, et vous laisse avec l’impression d’avoir déjà écouté cet album. Relire la critique quelques heures plus tard peut aider à voir si vous en faîtes trop.

4. Relisez-vous!

Relisez-vous! Cette règle s’applique à toute personne qui écrit quoique ce soit, mais sérieusement. Ça ne prend pas tant de temps et ça vous évitera quelques mains au front qui se produisent habituellement après avoir poussé le bouton de publication prématurément.

5. Faîtes-vous des amis

Faîtes-vous des amis. N’ayez pas peur d’entrer en contact. Vous avez de la chance, vous pouvez vous cacher derrière l’écran de votre ordinateur et utiliser votre grand vocabulaire pour faire croire aux gens que vous ne pouvez pas encore manger plus qu’un menu enfant. Entrez en contact – envoyez des mails à vos étiquettes et blogues préférés, dîtes leur que ce qu’ils font vous intéresse. Avoir des connections est la clé dans la tenue d’un blogue.

6. Décidez comment vous vous présentez

Décidez comment vous vous présentez. Cela veut dire que vous devez décider si vous allez laisser les gens savoir quel âge vous avez. Ce n’est jamais bon de mentir sur son âge, mais certains ne vous prendront jamais sérieusement si ils le connaissent. Quelques bons adjectifs que vous pouvez utiliser pour éviter de donner votre âge : inexpérimenté, nouveau, poussin, jeunot-e, etc.

7. N’en parlez à personne

N’en parlez à personne. Vos parents en parleront à leurs amis et vous ne pourrez plus dire de gros mots lorsque vous pesterez et râlerez sur la décevante liste de nominés du Polaris Prize. Vos amis seront probablement relativement peu impressionnés et ne sauront peut-être même pas ce qu’est le Polaris Prize.

8. Dîtes le à TOUT LE MONDE

Dîtes le à TOUT LE MONDE. Avoir plus de lecteurs et de gens qui veulent en savoir plus sur ce que vous faîtes fera plaisir. Répandez la nouvelle sur les média sociaux, Twitter est très pratique pour cela. Cela vous permet de connecter avec des gens de l’industrie, mais aussi de partager des choses quand votre temps est compté.

9. Ayez de la patience

Ayez de la patience. Oui, soyez conscient que vous ne pouvez pas aller aux concerts + de 19 ans. Quand vous recevez une invitation pour des gigs sympas dans des villes loin de votre petite ville de l’Ontario du Nord, contenez en tristesse votre tête couverte d’acné et attendez que ça passe.

10. Ecrivez. Ecrivez beaucoup

Ecrivez. Ecrivez beaucoup. Être constant-e est impératif. Être découragé-e est quasiment une garantie, car la gratification n’est pas toujours immédiate. Rien n’y remède aussi bien que de recevoir un mail de remerciement de ce groupe dont vous aviez décidé de chroniquer le premier album ou de recevoir un téléchargement promotionnel pour cet album que vous alliez acheter.

11. Trouver votre niche

Trouver votre niche. Ce conseil est peut-être trop rabaché, mais établir une voix unique est très important et crée une connexion plus forte avec vos lecteurs. C’est ce qui fait que les gens vont vouloir revenir – c’est ce qui vous y a amené.

12. Ne rendez, sous aucunes circonstances, votre nombre de vues plus important que votre contenu

Ne rendez, sous aucunes circonstances, votre nombre de vues plus important que votre contenu. De l’intégrité mon enfant ! Si vous vous retrouvez à devenir un Rolling Stone des temps modernes, vous allez peut-être vouloir ré-évaluer ce que vous faîtes et vous souvenir du pourquoi vous le faisiez au début.

Des erreurs seront commises. Des larmes seront ou ne seront pas versées à des heures qui seront ou ne seront pas tardives. Mais les récompenses le valent bien et avec ces indications et de la bonne vieille huile de coude, vous êtes sur le chemin pour devenir une partie intégrante de la communauté accueillante qui partage vos valeurs.


Shawna Naklicki est une jeune scarabée qui a appris (à peu près) tout ce qu’elle sait sur la tenue de blogue à travers des erreurs. Elle écrit avec zèle sur Sound Vat depuis ses 15 ans. Son plus grand moment de gloire a été de finalement recevoir des cartes de visites.