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Far Shores // Inferred Views :: An Interview with Justin Gordon


Justin Gordon at the “Hot Mess” comic launch at INCLINE/DECLINE fest in Guelph.

Cartoonists Justin Gordon and Megan Arnold met up at Incline/Decline Fest last summer, where Justin launched their most recent comic project, “Hot Mess.” Together they found a nice tree on a hill during some downtime to talk about Justin’s work—new and old—their tattoos, and their hometown of Guelph, Ontario.


You had something up for Kazoo! Fest 2015, and I noticed there’s still a little bit left of it in Dis-A-Ray.

Yeah, the owner of Dis-A-Ray, Ray Mitchell, lends his window space to Kazoo! each year. I had a series of freestanding four-foot wood panels, and I cut the shapes out around them and painted the background so it was three-dimensional but still very flat and illustrative. It’s called “The Sun Comes Through the Glass” and it was sort of a play on still lives, like recreating still lives and the idea of stillness coming into windows. I was kinda feeling like Kazoo! and festivals like Incline/Decline are so fast-moving that it’s nice to have those breathing points.

In comparison to other places that you’ve lived, how do you feel about the Guelph art scene?

There are some great illustrators here. It’s very small and very friendly. I feel very connected to other people who draw things and make animations. Marc Bell and Amy Lockhart were also living here for the last six or seven, maybe eight years. Having them living down the street from me really shaped the way that I think about art.

I can definitely see their influence in your style.

Yeah, there was a lot from Marc and Amy. But there’s also younger illustrators, and a few people who do silkscreening. I’ve had some good collaborations with people and everyone is very receptive. Because it is a smaller city, things can have a big impact, and it keeps people working. I find it very laid-back here, in a way, where I think that maybe I’m craving an inner-city, confrontational thing, or like making art in response to other people. Whereas here it’s sort of like “everything is cool and nothing sucks,” and I wouldn’t want to be the person that makes a response piece to someone. But I think that really helps generate an idea flow and some kind of lineage between people. But maybe I’m just romanticizing being a painter in an era that I couldn’t fathom.

1. Sun Comes Through The Glass (window installation, Kazoo! Festival, Guelph 2015)

2. Sketch for upcoming project. 3. En Masse painting for NXNE (toronto, 2015) collaborators include: Jason Botkin, Waxhead, Bonar, Snail, Jerry Rugg.

What was your process like while working on “Hot Mess,” which was launched at Incline/Decline?

It was very much in this way of re-enacting a 9-to-5 job but over a comic book. I was diligent with it. I was also considering a lot of feminist theory and queer theory and identity politics – like the way people express feeling about their bodies in change and transition. I felt like I was listening to a lot of people talk about how they fit into social spaces and how they fit into their bodies, so I was just trying to re-enact that through a lighthearted, accessible comic book, and trying to relate that with softer shapes and identifiable figures. It took me a month to make. I kind of wanted to make it as a classic comic book, where it’s 6”x8” and 24 pages, and has nice opening credits.

Are themes of bodies and queer/feminist theory something that you work with a lot, or was it just a focus for “Hot Mess”?

I think they are. I’m trying to abstract a lot of things. It was a really big instigation for “Hot Mess.” I feel like it’s important for me to solidify my identity within that before I even start making things. There’s really few reminders to breathe and drink enough water and rest and take time for yourself before you jump the gun and start to produce something.


Hot Mess and Paperback Museum.

Do you have any more books planned?

My next book is gonna come out with Swimmers Group in Toronto and I’m gonna build things out of clay and paint more panels and take photos of them. I’d really like to have it be more like a gut instinct, or more about feeling than trying to maintain a certain format for it. ‘Cause I think it’s fun to play and good for your health to just experiment.

Is this one gonna have a narrative to it?

I think it’s gonna be a lot of short pieces, allowing the narratives to come up with different mediums, like having painting be contained in its own colour schematic and placement, and then switching it for pencil drawings. Just allowing things to collect themselves. I’m going to school in Montreal next year to study art theory. It’s sort of fun watching things change, and everything that you do recreates, reconstructs and informs what you would do after. And I think that’s why it’s funny to do an interview because I don’t have any answers.

That’s okay! Do you know when your next book will be done?

No. I might take some time with it. I might really feel it out. I feel like it’s easy for me to get into production mode and lose the content a bit. Living in a cabin in the woods over the summer has given me enough space to look at what I’ve been doing and what things are about. So I’m gonna try to keep this small part of me that’s like, “You’re still in your cabin in the woods. Don’t rush it.”


Justin’s tattoo of a Patrick Kyle drawing.

Are there any of your contemporaries that you think people should know about?

Yeah! What Alicia Nauta is doing with the Klassic Kool Shoppe is the best. Folks should all know about Colour Code Printing – they do the best work. I like what Boogerbrie is doing. They seem really rad, and are really working with femininity in panel comics. Jesi the Elder is forever the best. I’m always a really big fan of what Patrick Kyle does. There’s a lot of amazing and totally inspiring people. There is a subcultural community that has such amazing characters in it. It’s really why I wanna make things ever, is just to be able to engage with those people.

*Justin Gordon au festival Incline/Decline à Guelph pour le lancement de la bande dessinée « Hot Mess » *

Les caricaturistes Justin Gordon et Megan Arnold se sont retrouvés au festival Incline/Decline l’été dernier, où Justin a lancé son plus récent projet de bandes dessinées s’intitulant « Hot Mess ». Ils se sont installés sous un arbre sur une colline lors d’une pause afin d’échanger sur les projets récents et précédents de Justin, ses tatouages, et sa ville natale de Guelph en Ontario.


Vous avez fait quelque chose pour le festival « Kazoo » en 2015, et j’ai remarqué qu’il en reste encore un peu chez « Dis-A-Ray ». 

Oui, chaque année, le propriétaire de « Dis-A-Ray », Ray Mitchell, prête la vitrine de son commerce comme espace publicitaire à Kazoo!. J’avais une série de panneaux en bois mesurant quatre pieds de hauteur et j’ai coupé des formes autour et peint l’arrière-plan afin de donner une certaine illusion tridimensionnelle en gardant le tout plat et explicatif. Il est appelé « The Sun Comes Through the Glass » pour donner une apparence en quelque sorte d’inactivité et de bien recréer l’idée de l’immobilité qui entre par les fenêtres. Je me sentais un peu comme « Kazoo » et ce genre de festival comme Incline/Decline est en constant mouvement, il est agréable d’avoir ces moments de pause.

Quelle est votre opinion de la scène artistique à Guelph comparé aux endroits où vous avez déjà habité?

Il y a d’excellents illustrateurs ici. C’est très intime et très sympathique. Je me sens très lié avec d’autres dessinateurs et ceux qui font de l’animation. Marc Bell et Amy Lockhart ont également demeurés ici depuis six ou sept ans, peut-être même huit ans, et j’ai eu le plaisir de les côtoyer pendant plusieurs années. Ils ont influencé la façon dont je vois les arts par leur proximité.

Leur influence se démontre définitivement dans votre style.

Effectivement Marc et Amy ont donné beaucoup. Il y a aussi de jeunes illustrateurs et quelques personnes qui font de la sérigraphie. Il y a un bel esprit de collaboration et les gens sont très ouverts. Puisqu’il s’agit d’une petite ville, beaucoup de choses peuvent avoir un gros impact, ce qui peut encourage les gens à continuer leur travail. Je trouve ça très décontracté ici, au point d’avoir le gout d’un affrontement dans la ville en quelque sorte ou bien de réaliser des créations en réaction aux autres. Ici par contre, tout semble être cool, il n’y a rien de déplaisant et je ne voudrais pas semer de la controverse en réagissant à quelqu’un, mais je crois que ceci sert à générer des idées et un certain historique entre nous. Peut-être que j’idéalise être peintre dans une époque mystérieuse.


1. Sun Comes Through The Glass (installation de vitrine, Festival Kazoo, Guelph 2015)

2. Dessin pour un projet futur 3. La peinture « En Masse » pour le NXNE (Toronto 2015) les collaborateurs inclus : Jason Botkin, Waxhead, Bonar, Snail, Jerry Rugg

Expliquez-nous le cheminement du projet « Hot Mess » lancé au festival Incline/Decline?

C’était pas mal un travail de recréer une journée de travail de 9h à 17h, mais dans la création d’une bande dessinée avec des idées de théories féministes et queer et aussi de politique identitaire. Un peu comme la façon dont les gens s’y prennent pour s’exprimer sur l’évolution de leur physique lors de transition et de changement. J’avais le sentiment d’écouter tout le monde parler de la façon dont ils se situent dans les espaces sociaux et comment ils s’adaptent à leur image corporelle. C’est d’essayer de tout reconstituer par le biais d’une bande dessinée accessible et plaisante tout en tentant de relier l’ensemble avec des formes plus souples et des silhouettes reconnaissables. Ça m’a pris un mois pour la réaliser. J’ai voulu créer une bande dessinée classique de 6’’x 8” de 24 pages, avec un générique d’ouverture agréable.

Travaillez-vous beaucoup avec les idées de théories féministes et queer et avec les corps ou bien était-ce un projet unique pour « Hot Mess » ?

Je crois que oui et j’essaie de rendre abstraites beaucoup de choses. Ce fut un facteur motivateur pour « Hot Mess ». J’ai l’impression que c’est important pour moi de solidifier mon identité même avant que je me mette à créer quelque chose. Il faut prendre le temps de respirer, s’hydrater et se reposer avant de faire le saut vers une création.


Hot Mess et Paperback Museum.

Avez-vous d’autres livres de planifiés ?

Mon prochain livre verra le jour avec la collaboration de Swimmers group à Toronto dont le but est de fabriquer des objets avec de l’argile et de peinturer plus de panneaux et de les prendre en photo. J’aimerais être plus spontané et faire confiance à mon intuition au lieu de garder la même tendance. Je crois que l’expérimentation est très plaisante et bonne pour la santé.

Est-ce qu’il y aura une narration?

Je pense que ce sera de courts extraits avec des récits qui diffèrent selon la plateforme. C’est comme une peinture ayant ses propres couleurs et son propre lieu pour ensuite faire le virage vers des dessins au crayon et voir comment ça se passe. L’année prochaine, je serai à Montréal pour suivre des cours sur la théorie des arts. Je m’amuse à voir les choses changer, car tout ce que l’on fait aujourd’hui nous amène aux créations de demain et à nos aspirations futures. Pour moi, c’est drôle de faire des entrevues, car je n’ai pas les réponses.

C’est correct ! Savez-vous quand votre prochain livre sera terminé ?

Non. Je prendrai le temps qu’il faut. Je vais y aller intuitivement. C’est trop facile pour moi de me mettre en « mode production » et de perdre du contenu. Avoir passé du temps dans un chalet dans le bois pendant l’été m’a donné la chance de me retrouver et de découvrir la vérité. Alors sans trop me ruer, je vais tenter de rester fidèle à moi-même.


Le tatouage de Justin basé sur un dessin de Patrick Kyle.

Voulez-vous reconnaitre certains de vos camarades ?

Oui! J’aime beaucoup ce que Alicia Nauta fait avec Klassic Kool Shoppe. Tout le monde devrait connaitre le travail d’impression par code de couleur. C’est un travail impeccable. J’aime aussi les créations de Boogerbrie. Ils se démarquent par leurs vignettes avec un point de vue féministe. Jesi the Elder est l’une des meilleurs. J’ai une grande admiration pour le travail de Patrick Kyle. Il y a plein d’artistes qui sont une source d’inspiration incroyable. Il y a une communauté subculture qui a des superbes personnages. C’est pourquoi je fais des créations, afin de pouvoir côtoyer ce genre de personnes.

Far Shores :: Christina Bosowec – Dodge Spirit


Weird Canada: If you were stranded on an iceberg, would you rather have snacks or a beverage?

Christina Bosowec: Snacks. Doritos and nibs.

A recent addition to Montréal (via Winnipeg and Halifax), Christina Bosowec responds to the unrecognized allure of inanimate objects: revealing something both serene and vibrant. Her first solo show, “Dodge Spirit”, materialized in the Anna Leonowens this spring like a memory you didn’t know you had (including a heap of donuts for the opening night gallery-goers). An expressly personal but unsentimental examination of her first car, Bosowec describes the show as “a memorial that celebrates the existence of the Dodge Spirit.” It embodies not only the spirit of an object, but the spirit of her work. A spirit whose inexplicable beauty will have you transfixed and asking: Why is this fuchsia Barbie car so elegant? How have these cans of grapefruit soda given you the opportunity to pause and contemplate?

co-credit: Brandon Brookbank

Bosowec tunes into the mysterious power within her chosen objects: “The practice of collecting, selecting and arranging [..] ultimately reflects my orderly nature.” This consideration is a constant thread throughout her entire body of work, and the soft materiality of the Scrunchie Body Tube and Sponge Me Up is particularly compelling. There is an urge to experience these works in the real, although the documentation—much of which is through collaboration with friends and fellow artists Brandon Brookbank and Kyle Alden Martens —is nearly as tactile and seductive as a sponge in the hand.

co-credit: Kyle Alden Martens

For Bosowec, the sponge has been much more useful as subject than cleaning tool: “My investigation of objects began with my obsession with the sponge. I began exploring usual and recognizable stacked configurations of sponges and worked towards conceptualizing this obsession by recreating the sponge stacks in alternative materials that resembled the same color palette as the sponges.”


credit: Jordan Blackburn

Bosowec quietly asks you to reconsider everyday objects—to consider the meaning we place upon them—calling attention to how this gives objects power: “I feel that the power of an object is defined by the meaning that is placed on the object; this could be determined in the object’s physicalness/characteristics, use or sentiment. Dodge Spirit is less about sentiment and more about the physicality of the Dodge and how external objects can come together to commemorate the Dodge and acknowledge its existence. The physicalness of the car attributes to the power that exists in the spirit of the car.”


credit: Jordan Blackburn

Weird Canada: Si vous étiez coincés sur un iceberg, aimeriez-vous mieux avoir des collations ou un breuvage?

Christina Bosowec: Des collations. Des Doritos et des nibs.

Une arrivée récente à Montréal (via Winnipeg et Halifax), Christina Bosowec réagit à l’allure méconnue d’objets inanimés : révélant quelque chose à la fois serein et vivant. Sa première exposition en solo, « Dodge Spirit », s’est matérialisée dans la galerie Anna Leonowens ce printemps comme un souvenir que nous ignorions avoir (y compris un tas de beignes pour les présents à l’ouverture). Une enquête expressément personnelle, mais dépourvue de sentiment sur sa première voiture, Bosowec décrit l’exposition comme « un mémorial qui célèbre l’existence de l’Esprit Dodge. » Elle incarne non seulement l’esprit d’un objet, mais l’esprit de son ouvrage. Un esprit dont la beauté inexplicable vous fascinera et vous vous demanderez : Pourquoi cette voiture Barbie fuchsia est-elle si élégante? Comment ces canettes de soda au pamplemousse vous ont-elles donné la chance de vous arrêter et de contempler?


référence secondaire : Brandon Brookbank

Bosowec se rapproche des pouvoirs mystérieux de ses objets choisis: « La pratique de rassembler, de sélectionner et d’arranger [..] en fin de compte reflète ma nature ordonnée. » Cette considération s’agit d’un fil conducteur dans l’ensemble de son œuvre, et la matérialité souple du Scrunchie Body Tube et Sponge Me Up est particulièrement captivante. Il y a un désir ardent de vivre l’expérience de ces œuvres en personne, bien que la documentation—dont la plupart est en collaboration avec des amis et des collègues artistes Brandon Brookbank et Kyle Alden Martens — est presqu’aussi tactile et séduisante qu’une éponge dans la main.

référence secondaire : Kyle Alden Martens

Pour Bosowec, l’éponge a été bien plus utile en tant que sujet qu’en outil de nettoyage : « Mon enquête sur les objets a commencé par mon obsession avec l’éponge. J’ai commencé à explorer des configurations empilées d’éponges usuelles et identifiables et j’ai travaillé vers la conceptualisation de cette obsession en recréant les piles d’éponges dans des matériaux alternatifs qui ressemblaient à la même palette de couleurs que les éponges. »


référence : Jordan Blackburn

Bosowec nous invite discrètement à réexaminer les objets de tous les jours—à considérer la signification que nous leurs assignons—attirant l’attention sur la façon dont cela donne du pouvoir aux objets: « Je crois que le pouvoir d’un objet est défini par la signification qui y est attribuée; ceci pourrait être déterminée par la réalité physique et les caractéristiques d’un objet, par son utilité ou sentiment. Dodge Spirit a moins à voir avec le sentiment, mais plutôt avec la physicalité du Dodge et la façon dont les objets externes peuvent êtres rassemblés pour commémorer le Dodge et reconnaître son existence. La réalité physique de la voiture attribue le pouvoir qui existe dans l’esprit de la voiture. »


référence : Jordan Blackburn

Far Shores // Sanctum :: Also As Well Too


“It’s something in between a fun thing to do with other artists and a throwing-up-of-hands in the face of the ridiculously precarious position that artist-run culture is in today.” – Letch

Taking advantage of the potential in a living room of one’s own, Also As Well Too is bridging the vast physical distance between Canadian artists. Brainchild of Letch Kinloch, the library/gallery is generously based in his Winnipeg home, and there seems to be no more appropriate location. Bright windows illuminate bookshelves brimming with donated and loaned books, zines, cassettes, and records – an impressive response to a humble call for submissions. It comes as no surprise that the community response has been as supportive as it has been collaborative. Workshops and residencies began earlier this summer, and The Wandering Albatross tour, accompanied by Ray Fenwick’s Le Moat Juice, paid a visit to artist-run centers such as TRUCK, SAAG, and Yellow Dog, with more manifestations coming soon. A library never looked so good or felt so fresh.


How did this project come into being?

I’d wanted to make an arts space for a long time – something that gave every artist the potential for equal billing and opened up options for responsive opportunities and collaboration. But every time I looked for spaces to rent or buy, the cost seemed totally impossible. One day it struck me – the Morbid Anatomy Museum in Brooklyn started in Joanna Ebenstein’s living room. She housed it there for 10 years as it grew into an amazing community and eventually a museum in its own building. I was already using my living room as a studio, so I just cleared it out, put up some shelves, and started asking people about artist books. The response was fast and incredible.

Individuals who love and/or make books will find this totally exciting, but what would you tell someone who might not consider a library a relevant contemporary project?

I would say that, like so many other media, artist books are marginalized because people simply haven’t recognized their importance yet. Bookworks still operate on the fringes and, maybe because of that, they are often used to explore ideas that are not accepted in the mainstream. As they have not yet been co-opted or canonized, the medium gives people a certain freedom from the historical oppressiveness of other media, in the same way that video did. It can be anything. So maybe their lack of recognition is a good thing.

But really, it doesn’t matter. The great response I’ve had to the project – people sending in their books and the books of other artists they’ve collected, people showing up to read and explore the collection, the really amazing response to the workshops and events – there is already a large community that has been working with and thinking of artist books as relevant to contemporary art long before I ever showed up on the scene. I don’t really care if anyone else thinks it’s important.


There is totally something about the physical book that is inexplicably important – will Also As Well Too strive to be a physical-only library, or are you thinking of going digital?

It is both! There are some really neat artist books that exist in a digital format that mimics the classic page-turning of traditional books, and it is the perfect medium through which to create that bridge. But there are also digital works that really push the parameters of what a “book” can be. But I don’t think this is totally new to the digital age. There are cassette tapes and records in the Library’s collection that I see as precursors to the digital books.

Another digital aspect to the library is an upcoming project I’m working on, which will be launched with the Wandering Albatross Tour – a geographical database of the locations of artist books around the country (a lot of them are hiding out in regular libraries because people don’t know how to categorize them). The idea is to get people to review the artist books that they find, which will help people be able to engage with them from afar, and maybe get some exciting conversations started. All of this will be hosted on the Also As Well Too website.


“Also As Well Too” strikes me as all the words we use as filler when we’re really excited about something and can’t stop talking – how did you source this title?

These were words my friends and I used to string together in high school, emphasizing and extending the awkwardness of communication, the arbitrariness of the beginning and end of thoughts, the questionableness of language choices. It became a joke, almost like a tic – something we eventually filled in for each other.

Anything you would like to take this opportunity to say to the world?

Send me your artist books!

If you’re not in the neighbourhood or on the tour route, you can cruise the current catalogue, submit and get excited for the library’s future endeavours. Also As Well Too is worth checking out (and renewing).

C’est quelque chose qui se situe entre un truc amusant à faire avec d’autres artistes et simplement baisser les bras face à la position ridiculement précaire de la culture gérée par les artistes d’aujourd’hui. » [traduction] — Letch

Tirant avantage du grand potentiel d’un salon propre à soi, Also As Well Too vient combler la distance physique considérable entre les artistes canadiens. La bibliothèque/galerie est la progéniture intellectuelle de Letch Kinloch, et il a généreusement décidé de l’installer dans son domicile à Winnipeg — un emplacement on ne peut plus approprié. La lumière éclatante des fenêtres illumine les étagères qui débordent de livres, de zines, de cassettes et de vinyles donnés et prêtés : l’impressionnante réponse de la communauté à un humble appel aux soumissions. La réaction communautaire a été aussi encourageante que collaborative, et ce n’est pas surprenant. Des ateliers et des résidences ont débuté plus tôt cet été, et la tournée Wandering Albatross, accompagnée par Le Moat Juice de Ray Fenwick, a notamment rendu visite aux centres d’artistes tels que TRUCK, SAAG, et Yellow Dog, suit par d’autres manifestations bientôt. Jamais une bibliothèque n’a parût si belle et originale.


Comment ce projet est-il né?

Je voulais créer un espace artistique depuis longtemps, un endroit qui donnerait à chaque artiste la chance d’avoir une facturation égale et qui ouvrirait la porte aux possibilités et à la collaboration. Mais chaque fois que je trouvais des espaces à louer ou à vendre, le prix était complètement hallucinant. Puis un jour, ça m’a frappé — le Morbid Anatomy Museum à Brooklyn a commencé dans le salon de Joanna Ebenstein. Elle l’a accueilli pendant 10 ans, développant une communauté extraordinaire avant de devenir un véritable musée. Je me servais déjà de mon salon comme studio, alors je l’ai simplement vidé, puis j’ai installé des étagères et j’ai commencé à poser des questions au sujet de livres d’artistes dans mon entourage. La réaction a été rapide et incroyable.

Les gens qui adorent et/ou font des livres trouveront ça hyper passionnant, mais que diriez-vous à ceux qui ne considèrent pas une bibliothèque comme un projet contemporain pertinent?

Je dirais que, comme de nombreux autres médias, les livres d’artistes sont marginalisés parce que les gens n’ont simplement pas encore reconnu leur importance. Ces livres existent en marge de la société, et, peut-être grâce à cela, ils sont souvent utilisés pour explorer des idées qui ne sont pas acceptées par l’idéologie dominante. Comme ils n’ont pas encore été récupérés ni canonisés, le médium accorde encore aux gens une certaine liberté (contrairement au caractère oppressif d’autres médias), comme la vidéo l’avait fait. Ça peut être n’importe quoi. Alors peut-être que leur manque de reconnaissance est une bonne chose.

Mais ça n’a vraiment aucune importance. La quantité immense de réponses que j’ai eues pour le projet – les gens qui envoient leurs livres ou ceux qu’ils ont collectionnés faits par d’autres artistes, les gens qui se présentent pour lire et explorer la collection, leur présence aux ateliers et aux évènements – me montre qu’il y avait déjà une grande communauté qui travaillait sur les livres et qui les considérait comme étant pertinents dans le cadre de l’art contemporain longtemps avant que je n’arrive sur la scène. Ça m’est vraiment égal que les autres pensent que c’est important ou non.


Il y a quelque chose au sujet des livres matériels qui est inexplicablement important. Est-ce qu’Also As Well Too s’efforcera d’être une bibliothèque purement physique, ou est-ce que vous pensez vous convertir au format numérique?

Les deux! Il y a des livres d’artistes vraiment intéressants en format numérique qui imitent l’action de tourner les pages des livres traditionnels, et il s’agit du médium parfait pour créer un pont entre les deux. Il y a également des ouvrages numériques qui repoussent les paramètres de ce qui constitue un « livre ». Mais je ne crois pas que ce soit une nouveauté propre à l’ère numérique. Il y a des cassettes et des vinyles dans la collection de la bibliothèque que je vois comme des précurseurs. Un autre aspect numérique de la bibliothèque est un projet sur lequel je travaille actuellement, qui sera lancé avec la tournée Wandering Albatross Tour – une base de données géographiques situant les livres d’artistes à travers le pays (beaucoup se cachent dans les bibliothèques régulières car les gens ne savent pas comment les catégoriser). L’idée est d’inviter les gens à faire la critique des livres qu’ils trouvent, ce qui aidera le monde à s’engager avec eux à distance et permettra peut-être d’entamer des conversations excitantes. Le tout sera publié sur le site web d’Also As Well Too.


« Also As Well Too » me fait penser à tous les mots vides que l’on emploie lorsqu’on tripe sur quelque chose et qu’on ne peut pas arrêter d’en parler – comment avez-vous obtenu ce titre?

LK : Ce sont les mots que mes amis et moi avions l’habitude d’enchaîner au secondaire, en rallongeant sur le malaise de la communication et en mettant l’accent sur l’arbitraire du début et de la fin des pensées, sur le doute dans les choix langagiers. C’était devenu une blague, presque comme un tic – un vide que nous remplissions mutuellement.

Voulez-vous saisir cette occasion pour dire quelque chose au monde?

Envoyez-moi vos livres d’artistes!

Si vous n’êtes pas dans le quartier ou sur la route qui sera suivie en tournée, vous pouvez feuilleter le catalogue actuel, faire une soumission et vous réjouir des futures entreprises de la bibli. Also As Well Too vaut la peine d’être découverte (et alimentée).

Far Shores :: Forest City Gallery – Extra Ordinary


Extra Ordinary was contained within the walls of Forest City Gallery – Canada’s first established artist-run-centre – in April 2014, and it’s still fresh gum under the desk. Curated by tiny cyclist Jenna Faye Powell, the exhibition showcased three Toronto-based artists: Bree Zorel, Matt King (of Absolutely Free), and Sam Mogelonsky.


Mogelonsky’s pin-stuck cylinders and Shiny Spinning Thing (pictured) demanded to be touched and twirly-whirlied. This was no stay-a-metre-back and don’t-you-dare-touch-the-art kind of exhibition, but a temporary playground. The work was devoid of function, but invited viewers to play as well as look.

The title of Extra Ordinary was a clever summation of the show. Everyday objects (books, a ladder) and simple materials (sequins, paper, pins) presented a more playful version of reality, transforming the ordinary into the extra-ordinary. It zapped away at daily life and transformed the viewers into curious children, once again excited about little things. Look at this – life is cool! Life is fun!


Zorel’s I Like You Lots But I’m A Weirdo (pictured) was available for free in postcard form. Fall in love with its Harlequin-esque smoochie cover and send it to your honey.

Extra Ordinaire a été présentée à l’intérieur des murs de la galerie Forest City – le premier centre dirigé par des artistes au Canada – en avril 2014, et c’est encore tout chaud comme un pain fraîchement sorti du four. Réalisée par la toute petite cycliste, Jenna Faye Powell, l’exposition nous fait découvrir trois artistes travaillant à Toronto : [Bree Zorel], Matt King (membre du groupe[Absolutely Free]), et [Sam Mogelonsky].


Les créations de Mogelonsky, que ce soit le cylindre enchâssé dans sa base et la chose brillante qui tourne (illustrée), exigeaient qu’on les touche et les fasse tourbillonner. Ce n’était pas une exposition froide où il est interdit de toucher aux oeuvres, mais plutôt un terrain de jeux temporaire. Les oeuvres n’avaient aucune fonctionnalité particulière, mais elles conviaient plutôt les visiteurs à s’amuser autant qu’à regarder.

L’appellation Extra Ordinaire était un résumé intelligent de l’exposition. Des objets utilisés quotidiennement (livres, échelle) et des matériaux simples (paillettes, papiers, épinglettes) ont servi à présenter une version plus ludique de la réalité, transformant l’ordinaire en extraordinaire. La vie quotidienne a été occultée par cette présentation qui a métamorphosé les visiteurs en enfants curieux, émerveillés par les petites choses simples : La vie est cool! La vie est amusante!


L’oeuvre de Zorel I Like You Lots But I’m A Weirdo (photographiée) était disponible gratuitement sous forme de carte postale. Laissez-vous tomber en amour avec son look « Harlequin-lover » et envoyez-en une à votre chéri(e).

Far Shores :: Bob Scott


From the spooky shores of Vancouver emerges Bob Scott’s Halloween masterpieces.

One of his latest is Baby Bogie #2, a bratty and condescending pumpkin child reminescent of the 1930s that is delicately crafted from recycled cork. It’s one of the many ghoulish carvings that appear as homemade decorations, but leave the impression of sinister intentions. Among the wall-eyed pumpkin and kooky black cat magnets, you’ll find more arduous and intricate demons, deities, and other legends attempting to run amok and stir up trouble.


Folklore and nightmares also come alive in Scott’s hell-ish drawings. A sea of shark’s spew and skeleton punks are translated into record covers.





Occasionally, cork-carved tiki figures surface as threatening onlookers or corrupt souls guised as Halloween characters. The menacing creatures seem to have evolved from earlier years when Scott had handpainted instruments, sometimes creating horrific tiki visions that were not for the faint of heart. Several guitars and even an upright bass have been marked straight from the pen of beezlebub himself.


Des côtes effrayantes de Vancouver nous viennent les chefs-d’œuvre halloweenesques de Bob Scott.

Confectionné minutieusement à partir de liège recyclé, Baby Bogie #2, l’une de ses dernières créations, représente un enfant-citrouille malpoli et arrogant, tout droit sorti dirait-on des années 1930. Simples décorations artisanales à première vue, ses sculptures macabres laissent toutefois entrevoir leurs sinistres intentions. Parmi les aimants de citrouilles qui louchent et les chats noirs bizarres, vous trouverez aussi de complexes démons, déités et autres créatures de légende, tous prêts à se déchaîner et à semer la zizanie.


Le folklore et les cauchemars prennent également vie dans les dessins infernaux de Scott. Un requin pris du mal de mer et des squelettes punk ornent ses affiches, tandis que des démons et des lutins malfaisants se transforment en pochettes d’album.





À l’occasion, des figures tiki, sculptées dans le liège, surgissent tels des badauds inquiétants ou des spectres corrompus déguisés pour l’Halloween. Ces créatures menaçantes datent de l’époque où Scott peignait des instruments(http://bobscottartwork.tumblr.com/tagged/custom-handpainted) ornés parfois de terribles visions tiki. Cœurs sensibles s’abstenir. Plusieurs guitares et même une contrebasse portent la marque du stylo de Belzébob lui-même.


Festivities // Far Shores :: 6th Annual White Rabbit Celebration


White Rabbit is wild ocean waves crashing opposite deep woods. You’re listening to 92 Nothing FM. First, there is the residency. Ten or so artists selected to come to Red Clay, Parasborough way. Site specific and found material projects are encouraged. Seven feverish days pass: discussion, labour and summer rites. Last comes the festival. Intimate gives way to audience, an explosion of song, feast and triumph. Long nights on the Bay of Fundy, world’s highest tides.Weird_Canada-Festivities_Far_Shores-White_Rabbit_Residency-2

Lindsday Dobbin walks the beat.

Lindsay Dobbin drums forward as the water rises. Backwoods Nova Scotia all lit up. Kate Walchuk knows. She’s your KJ rocking Jefferson Airplane’s song of the same name on repeat. Feed your head.


Alana Yorke, you got this.

There’s a little stage illuminated by candles. Alana Yorke belting piano cheese. Tears roll down cheeks. Falling for it. The meadow is for dancing. Big stage, undulating boys—EFG —fake ESG. Groove backwards. DJ Goldilocks. Holy shit. Body movement. Great feelings.


Gurotszta and the Great Garlic Gazing.

Next morning, pancake breakfast. We praise the sun, soil and water and ceremoniously plant garlic. Truly incredible experience. I’m a believer.

White Rabbit est un océan sauvage dont les vagues s’échouent contre une forêt profonde. Vous écoutez 92 Néant FM. D’abord la résidence. Une dizaine d’artistes sont sélectionnés pour se rendre à Red Clay, Parasborough way. Interactions locales et projets d’objets trouvés sont encouragés. Sept jours fiévreux passent : discussions, labeur et rites d’été. Enfin, vient le festival. L’intimité est remplacée par un public, une explosion de chants; festins et triomphe. De longues nuits au cœur des marées imposantes de la Baie de Fundy.


Lindsay Dobbin promène le rythme.

Lindsay Dobbin marche son tambour pendant que la marée monte. Un trou de nouvelle écosse tout allumé. Kate Walchuk sait. Elle est votre KJ, jouant à l’infini la chanson homonyme du festival par Jefferson Aiplaine. Nourrissez vos pensées.


Alana Yorke sait quoi faire.

Il y a une petite scène illuminée par des bougies. Alana Yorke epoustouflante au piano. Les larmes coulent le long des joues. J’y crois. La plaine pousse pour qu’on y danse. Grande scène, garçons ondulants —EFG— ersatz d’ESG. Danse renversée. DJ Goldilocks. Holy shit. Mouvements du corps. Émotions du cœur.


Gurotszta et la grande observation de l’ail.

Le matin suivant, déjeuner aux pancakes. Nous prions soleil, terre et eau et plantons cérémonieusement des bulbes d’ail. Une expérience simplement incroyable. J’ai la foi.

Far Shores // Inferred Views :: Alexandra Mackenzie

Alexandra Mackenzie - sOILed selfie

Alexandra Mackenzie is an artist centered loosely in this cosmic realm. She creates through multiple mediums, including drawing, screenprinting, and installation. She also emits sounds from a frequency known as Petra Glynt. To help launch our latest section, Far Shores, focusing on the intersections between music and visual art, we sent her a series of questions through the ether.

V. Rachel Weldon : How do you feel about autonomous art, or art for art’s sake? Do you think art should address a cause or imbalance in our world?

Alexandra Mackenzie: It’s not my place to say how others should focus their art — to each their own — but seeing as we already live in such a society of self and of spectacle I have a hard time putting my support in art purely for art’s sake. I understand why art-making can often be a release for some, [a kind of art] that is therapeutic or healing. I also understand and encourage art-making for the sake of finding one’s voice, but I feel that if a person choses art as their “life-calling” there are some social responsibilities that come with that. Existential post-modern angst never helped anybody. I suppose that’s where the artist’s role comes in.

In your opinion, what is the role of an artist: to change, to interpret, or to transcend reality?

For myself I feel the need to respond to problems within our society, the things that make me angry, the things I feel are unjust. It’s that rage that writes songs and generates the momentum to make visual work.

Maybe the artist’s role is to represent their stance or perspective of the world, and share it from a neutral platform. Images reign in our society. The artist have the ability to offer a compelling representation of their thoughts and feelings and I think that’s a powerful voice. If the artist can combat apathy or provide insight and/or draw attention to the issues that plague our society (and world) than I feel that is a voice that should be used and explored.

What is the value of psychedelic experience (generally, and specifically to you)?

I’m sure there are unlimited answers to this question… :)

Psychedelic experience (mine has been with Psilocybin, a.k.a. magic mushrooms) puts things into perspective… makes me aware of my part in an interdependent, infinite network that connects all life… For real! Plus for me, it is humbling. I appreciate being reminded that I am part of something much bigger than what our brains can perceive, though that tiny role is still important for the health and balance of the whole.

I feel the greatest benefit of psychedelic experience is the ego loss. When humans act with entitlement we are not moving forward as a species… we can’t install old tar sands pipelines for the sake of maintaining jobs and profits, it’s careless and doesn’t consider the benefit of the whole: the water supply, the air we breathe, the indigenous communities, and the state of present and future life on this planet that are/going to be affected. In this case humans are taking more than what is sustainable within unsavoury practices, and I feel this is a matter of entitlement, thinking that it is ours to take… There is a balance that must be maintained in all aspects of life and I think the psychedelic experience is one of many valuable lessons and windows into understanding that balance.


Your intricate drawings are a feast for the eyes, so heavily saturated with symbols and meaning. I’m interested to know how you conceptualize that? Sometimes I interpret it as transcendence and interconnectedness with everything, as in one of my favourites, FTW. Other times, I see it as dirty and suffocating, like pollution or overpopulation, or as symptom of our age of technology and commodification, distracting and uncanny. What are some of the issues you are drawn to address or reflect most in your work?

I really love how you interpret my art! You’re totally on the right roll… :) !!!

I am sympathetic to all the human struggles… the ongoing racism, the ongoing oppression of women, the world of identity and gender politics, the ongoing genocide of First Nations… I easily become engrossed with rage which dissolves into apathy when I remind myself that I am a privileged hetero white female. I worry that any action I take may not appear sincere. As a result, and by no means as a “default” choice, I tend to lean toward defending the Earth and direct my focus on environmental issues because they affect us all.

I struggle with what I want to say versus what I am able to represent… My work tries to suggest an urgency for resistance against our current capitalist system — because of what it’s doing to the planet and its people. This is so massive and daunting… so my work reflects those feelings too.

I am overwhelmed with the amount of work that has to be done in rethinking how we function as a global whole and I am no expert in devising plans for new localized systems of doing things. But more than ever, I want to see an end to capitalism’s “endless growth” and the scars it leaves behind on the planet, and the people who experience the inequity of the capitalist economy everyday.

I also can’t help but want to show the beauty and the phenomenological nature of the planet: it is the epitome of meta/psychedelic/supernatural. So it’s a balance of these things that I’m working with.

Do you have anything coming up in the near future?

I have been invited to put together a solo multi-media art exhibition at Ed Video in Guelph for the month of April that will coincide with Kazoo! Fest. I’m putting together my first comic for Michael Comeau’s comic anthology for April around the theme Human Drama. I’m currently writing a full-length album for my solo music project Petra Glynt, to be released in the summer, and I’m planning a couple tours to follow it, hopefully reaching the EU, the US, and as much of Canada as possible. I am also putting together a new series of drawings for a solo show at Magic Pony/Narwhal sometime within the last quarter of the year… life is beautiful!

Petra Glynt performs at Toronto’s Wavelength Music Festival at the Polish Combatants Hall (206 Beverly St.) on Saturday, February 15. This event, co-presented by Weird Canada, also features Colin Stetson, US Girls, Biblical and Gambletron. More info can be found here.

Alexandra Mackenzie est une artiste qui gravite en toute liberté dans notre royaume cosmique. Elle exprime sa créativité dans de multiples domaines, notamment le dessin, la sérigraphie et les installations. Elle émet aussi des sons à une fréquence connue sous le nom de Petra Glynt. Dans le cadre du lancement de notre nouvelle rubrique axée sur les intersections entre la musique et les arts visuels, nous lui avons envoyé une série de questions par ondes électromagnétiques.

V. Rachel Weldon : Que penses-tu de l’art autonome, ou de ceux qui font de l’art pour faire de l’art? Crois-tu que l’art doit toujours traiter d’une cause ou d’un déséquilibre dans notre monde?

Alexandra Mackenzie : Ce n’est pas à moi de dire aux autres sur quoi ils doivent centrer leur art – à chacun le sien – mais la société dans laquelle nous vivons est déjà tellement axée sur le soi et le spectacle que j’ai du mal à soutenir l’art pour le seul plaisir de faire de l’art. Je comprends en quoi la création artistique peut être une forme de libération pour certaines personnes, j’ai conscience que [certains types d’art] ont des vertus thérapeutiques ou apaisantes. Je comprends aussi et j’encourage la création artistique comme moyen de trouver sa voie, mais j’estime que si une personne choisit l’art comme « voie », c’est un choix qui s’accompagne de certaines responsabilités sociales. La colère existentielle post-moderne n’a jamais aidé personne. J’imagine que c’est en cela que l’artiste a un rôle à jouer.

À ton avis, quel est le rôle d’un artiste : changer, interpréter ou transcender la réalité?

En ce qui me concerne, je ressens le besoin de traiter des problèmes qui se posent dans notre société, des choses qui me mettent en colère, des choses qui me semblent injustes. C’est cette rage qui permet d’écrire des chansons et qui génère l’impulsion nécessaire à l’art visuel.

Peut-être que le rôle de l’artiste est d’exprimer son point de vue ou sa perspective sur le monde et de partager cela au moyen d’une plateforme neutre. Les images sont reines dans notre société. Les artistes ont la possibilité d’offrir une représentation convaincante de leurs pensées et de leurs sentiments; je trouve que c’est un pouvoir fort. Si l’artiste est capable de combattre l’apathie, de mieux faire comprendre certains des enjeux qui gangrènent notre société (et notre monde) ou simplement d’attirer l’attention sur ces problèmes, alors c’est une voie à utiliser et à explorer.

Quelle est l’utilité des expériences psychédéliques (en général et pour toi en particulier)?

Je suis sûre qu’il y a un nombre infini de réponses possibles à cette question… :)

Les expériences psychédéliques (en ce qui me concerne, j’ai testé la psilocybine, c’est-à-dire les champignons hallucinogènes) mettent les choses en perspective… elles me permettent de prendre conscience de mon rôle au sein d’un réseau interdépendant et infini qui relie toutes les formes de vie… Sans rire! En plus pour moi, c’est un exercice d’humilité. J’aime qu’on me rappelle que je fais partie de quelque chose de bien plus vaste que ce que nos cerveaux peuvent percevoir, même si ce rôle infime est malgré tout important pour la santé et l’équilibre du système tout entier.

Je pense que le principal intérêt des expériences psychédéliques, c’est qu’elles permettent de mettre l’ego de côté. Lorsque les êtres humains agissent avec arrogance, cela ne nous fait pas avancer en tant qu’espèce… On ne peut pas construire des pipelines pour transporter le pétrole issu des sables bitumeux simplement pour préserver les emplois et les profits; c’est un acte inconsidéré qui fait fi de l’intérêt général : l’approvisionnement en eau, la qualité de l’air que nous respirons, les collectivités autochtones, et les conditions de vie actuelles et futures sur cette planète, toutes ces choses qui sont affectées ou qui le seront un jour. Dans ce domaine, l’être humain prend bien plus que ce qui est viable en utilisant des méthodes peu recommandables; j’ai l’impression que l’être humain pense être dans son bon droit, qu’il peut se servir librement… Dans tous les aspects de la vie, il y a un équilibre à atteindre et je pense que les expériences psychédéliques sont très utiles pour appréhender cet équilibre.


Tes dessins complexes, saturés de symboles et de significations, sont un régal pour les yeux. Comment est-ce que tu conceptualises cela? Parfois, je les interprète comme une transcendance et une interconnectivité avec tout ce qui nous entoure, comme dans un de mes dessins préférés, FTW. À d’autres moments, j’y vois un monde sale et étouffant, du fait de la pollution et de la surpopulation, ou un symptôme de notre ère technologique où la marchandisation à outrance est reine. Quels sont les enjeux que tu as envie de traiter ou d’aborder dans ton travail?

J’adore la façon dont tu interprètes mon art! C’est exactement ça… :) !!!

Je suis sensible à tous les combats menés… le racisme et l’oppression des femmes, des fléaux toujours très présents, les considérations liées à l’identité ou au sexe, le génocide des Premières Nations qui se poursuit… Je me mets facilement en colère puis ma colère se transforme en apathie lorsque je me rappelle que je suis une femme blanche hétéro privilégiée. J’ai peur que mes actes dans ce domaine n’aient pas l’air sincères. Alors je me tourne plutôt – mais pas du tout par défaut – vers la défense de la planète et j’axe mon travail sur les questions environnementales parce qu’elles nous concernent tous et toutes.

Je me débats avec ce que je veux dire par rapport à ce que je suis capable de représenter… J’essaie de suggérer grâce à mon travail l’impérieuse nécessité de faire acte de résistance face à notre système capitaliste actuel, en raison de ses effets sur la planète et sur les peuples. C’est tellement énorme et déconcertant… alors mon travail reflète ces sentiments aussi.

Je suis accablée par la quantité de travail à accomplir pour repenser la façon dont nous fonctionnons comme entité globale et je ne m’y connais pas suffisamment pour concevoir de nouveaux systèmes localisés de faire les choses. Mais plus que jamais, il faudrait qu’on en finisse avec la « croissance sans fin » engendrée par le capitalisme, les séquelles pour la planète et les personnes qui vivent l’injustice de l’économie capitaliste au quotidien.

Je ne peux pas m’empêcher de vous montrer la beauté et la nature phénoménologique de la planète : c’est la quintessence du méta/psychédélique/surnaturel. C’est sur l’équilibre de toutes ces choses que je travaille.

Quels sont tes projets pour les prochains mois?

J’ai été invitée à mettre sur pied une exposition multimédia en solo à Ed Video à Guelph au mois d’avril; l’expo coïncidera avec Kazoo! Fest. Je travaille sur ma première bande dessinée pour l’anthologie de Michael Comeau qui sortira en avril sur le thème du drame humain. J’écris actuellement un album pour mon projet musical solo Petra Glynt, qui sortira cet été, et je prévois de donner quelques concerts après ça, en Europe, aux États-Unis et partout où je pourrai au Canada. Je prépare aussi une nouvelle série de dessins pour une représentation solo à Magic Pony/Narwhal à la fin de l’année… la vie est belle!

Petra Glynt performs at Toronto’s Wavelength Music Festival at the Polish Combatants Hall (206 Beverly St.) on Saturday, February 15. This event, co-presented by Weird Canada, also features Colin Stetson, US Girls, Biblical and Gambletron. More info can be found here.