Tag: electroacoustic

New Canadiana :: Sarah Davachi – Barons Court

Sarah-Davachi

A long time ago, the island was born. It crept into the ocean with a tiny splash and paddled out into the blue depths. Salt crusted its craggy lips, forming razor sharp stalactites atop the shiny green eyelids of palm fronds.

The earth shifted its shoulders. Thick, bullying waves crashed into the shoreline, nipping granular bites and regurgitating a frothy mass. Ominous clouds muted the sun with discordant, deliberate bowstrokes. The wind wrote twin poems and tucked them between a stand of crooked trees.

Quietly and without complaint, the island pivoted with the earth, but it did not change partners.

Il y a de cela très longtemps, l’île vint au monde. Elle se glissa dans l’océan en laissant entendre un faible clapotis et nagea dans le bleu des profondeurs. Le sel se cristallisa sur ses lèvres burinées et des stalactites acérées se formèrent sur ses paupières vertes et luisantes en frondes de palmier.

La terre tourna les épaules. De grosses vagues coriaces s’écrasèrent sur les berges, les égrainèrent à petites bouchées et régurgitèrent une masse écumeuse. Les nuages menaçants étouffèrent le soleil avec des coups délibérés d’archet dissonant. Le vent écrivit des poèmes jumeaux et les blottit au creux d’une forêt d’arbres tortueux.

En silence sans se plaindre, l’île tourna avec la terre, mais ne changea pas de partenaire.

Sarah Davachi – Heliotrope

Sarah Davachi – Wood Green

New Canadiana :: Nick Storring – Gardens

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Gardens is a matrix of acoustic sound, constantly fluxing and slowly transmuting to alternate forms. Cacophony to symphony. There’s an incredible sense of flow here, some sections surge forward, others float blissfully on. Storring employs dissonance expertly throughout the pieces. Elements of the music come from all over the place: post-rock melodic structure, classical influences, gamelan, drone, what sounds like tibetan singing bowls, and a host of instruments spanning India, Thailand, China, Indonesia, Turkey, Africa, and more. As one listens they find themselves sinking backwards into a trance. The experience is dark, enchanting, repellent, and resplendent.

Gardens est une matrice de sons acoustiques, toujours en mouvement, mutant lentement en formes alternatives. De la cacophonie à la symphonie. Il se dégage une sensation de flux surprenante. Certaines portions déferlent comme une vague, d’autres nous donnent envie de s’y abandonner. Dans tous les morceaux, Storring utilise la dissonance de façon experte. Des éléments musicaux jaillissent de toute part : structure mélodique post-rock, influences classiques, gamelan, drone, un son qui ressemble à celui des bols chantants tibétains et une panoplie d’instruments provenant de Thaïlande, Chine, Indonésie, Turquie, Afrique et d’ailleurs. Pendant l’écoute, on entre en transe. L’expérience est sombre, enchantée, repoussante et resplendissante.

Nick Storring – Nothing Seems to Rhyme

Nick Storring – Inside Every Man Lives The Side of a Flower

Ex Libris // New Canadiana :: The H and Madison Dinelle – On Organization

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These bleeps from the deep mark a transition for Francesco De Gallo and Jesse Osborne Lanthier, shifting from harsh realms to kosmische, electroacoustic to outsider techno. On Organization, an A/V collaboration with photographer Madison Dinelle, dissects their process of creation and deconstruction in sleek monochrome. Of course, the duo has since moved on to new sounds and aliases, continuing to scrape away at the vast unknown.

Ces bips des profondeurs marquent une transition pour Francesco De Gallo et Jesse Osborne Lanthier, qui passent du criard au kosmische, de l’électroacoustique au techno étranger. On Organization, qui est une collaboration audio-vidéo avec la photographe Madison Dinelle, dissèque leur processus créatif/déconstructif en monochrome épuré. Depuis, le duo a bien évidemment poursuivi sa route vers de nouveaux sons et de nouveaux noms, grattant inlassablement devant l’immensité de l’inconnu.


The H and Madison Dinelle – Chaos


The H and Madison Dinelle – Balance

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New Canadiana :: Max Greening – Stereoscope

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A stone submarine sinking to the depths of the ocean. A pitch black dome with all the sky’s constellations laid out upon it. A still pool of water with a single shining coin at the centre. At times it seems like Stereoscope is a film in auditory form. It’s a collection of moments, captured in thick rippling sound. Speaking voices arise from the surface of the music, wreathed in crackles and pops. It is at once richly organic & precisely synthetic, with Heckish clouds of static noise revolving stereoscopically around the observer.

Un paquebot de pierre coulant vers les profondeurs de l’océan. Un dôme noir de jais où s’étend chaque constellation. Une pièce d’or scintillante au coeur d’une flaque d’eau immobile. Stereoscope a des allures de film se prenant pour une chanson. Comme une collection de moments encastrés dans un son épais et houleux. Des dialogues en émergent, couronnés de crépitements et cliquetis. Le tout est à la fois d’un vivant palpable et d’une précision mécanique, avec des nuages de bruit statique à la Hecker en révolution stéréoscopique autour de l’observateur.

Max Greening – Induction Sun

Max Greening – Koi

New Canadiana :: Émilie Payeur – Table des matières

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Sound is a visual element. To hear something is to see it in the mind’s eye. Table des matières plays like the soundtrack for an abstract film creating the images it’s accompanying. Divided between the raw nature of the sounds and their disembodied resonance, it is altered and amplified in the course of their wavelength. The music is a reciprocal action between the source and the trace of the objects heard, between a dot and a line: cosmos is morse code. The wires of the receiver are crossed, and the listening devices vibrate. From the melody of singing birds to the razorblades of peaking feedback, there is a natural transition. This is the music made by a tree falling in the forest without a witness.

Le son est un élément visuel. Entendre quelque chose, c’est le voir dans son esprit. Table des matières s’écoute comme la trame sonore d’un film abstrait qui crée elle-même les images qu’elle accompagne, partagée entre la pure réalité des sons et leur résonance désincarnée, altérée et amplifiée durant le cours de leur trajet. La musique est une action réciproque entre la source et la trace des objets entendus, entre un point et une ligne : le cosmos est un code morse. Et les fils du récepteur s’entremêlent, les appareils qui écoutent vibrent aussi. De la mélodie des oiseaux aux pics tranchants du retour de son, la transition est naturelle. Un arbre qui tombe dans la forêt sans témoin produit cette musique.

Émilie Payeur – Points et lignes

Émilie Payeur – Triptyque

New Canadiana :: Le Poisson d’Argent – Youth EP

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Le Poisson d’Argent orchestrate a carnival of sounds that fall together to create a beautifully disjointed melody. A ferris wheel rocks back and forth but does not spin; the paint of the merry-go-round has gone grey and cracked from the elements. The amusement has seeped out of the park. But there is magic in these memories. Sneaking in to forgotten places early in the morning, dreaming of what once was. Closing your eyes, you can hear the rumblings of a roller coaster, vendors calling, and the looped cackles from the horror house. Youth is a memory of sounds, bringing back a simpler time while walking boldly in the future.

Le Poisson d’Argent orchestre un carnaval de sons qui s’emboitent pour former une mélodie joliment déglinguée. Une grande roue qui se balance d’avant en arrière, mais qui ne tourne pas, la peinture du carrousel qui a été déteinte et craquelée par les éléments : le parc a perdu tout amusement, mais les souvenirs restent magiques. Se faufiler dans cet endroit oublié tôt le matin pour rêver de ce qui a déjà été; fermer les yeux, puis entendre le grondement des montagnes russes, le cri des vendeurs, le ricanement en boucle des maisons hantées. La jeunesse, c’est se souvenir des sons pour réanimer un passé plus simple tout en marchant résolument vers l’avant.


Le Poisson d’Argent – Boredom


Le Poisson d’Argent – Tree

Ideas :: Electroacoustics is the New Punk Energy

Electroacoustics is the New Punk EnergyElectroacoustics is the New Punk Energy

Canadian punk, noise and electroacoustics exist in closer proximity than we might expect. Is it time for them to come together in a union of aesthetics and sensibilities?

I took the title of this article from an online message board hosted by Concordia University. A user going by the name Tandora wrote the following:

The hiss and the snarl of a stranger sound
That gets in your willies and makes you growl
A snog for your pot to bandy your wares
These lips are crazy and ready to sneer;
Acousmatic and totally wild
A vulture to peck at their innards and to make you smile
Trippy and ekstatic a drug for you
To rip through the wisdoms that are no longer true.

How many here are old punks then?

Let me focus on the last line. It seems to encapsulate the beauty of the Canadian punk scene: desolate, yet endlessly far-reaching across the plains and rivers. This is how punk scenes developed in Canada, with a day’s worth of driving between venues and fellow performers (for more on the isolation between music scenes in Canada, see Perfect Youth: The Birth of Canadian Punk by Sam Sutherland). And here on this message board a self-proclaimed ‘old punk’ searches for others, asking for recommendations of electroacoustic music that captures the ferocity of punk bands. This strikes me as a surprisingly progressive questions for an old punk, but maybe I don’t know much about how old punks operate. So I’ll ask my own version of the question: how many here are in search of a new Canadian punk?

As Canadian composer R. Murray Schafer referred to urban noise, ‘sonic vulgarities’ are pervasive throughout our big cities. Why do we as musicians continue to separate practices of music and environment (a musical-ecological movement that by and large manipulates nature sounds using electroacoustic techniques), and punk movements?

Are punk and punk scenes the urban incarnate? Why is punk that comes from rural environments so appealing? It is an element of shock value, surprise, a confluence of listener’s delight?

How can Canadian punk shift towards some sort of techno-mindedness? Is punk too abrasive, or too fast for electroacousticians, or does electroacoustic music not afford the immediacy punks love?

I ask many questions because I am not keen on being prescriptive, just genuinely curious. Considering Canada’s monumental connections to punk, noise and electroacoustics, it only makes sense for the three to meet somewhere amongst the provinces.

Two Scha(ef)fers: Electroacoustic Music and The Soundscape

What follows is a very brief and rough history of electroacoustic music.

Acousmatic, the term used in Tandora’s poem, refers to sounds that have no perceptible source. Accordingly, acousmatic sound is found in electroacoustic music, pioneered by French composer Pierre Schaeffer’s musique concrète. Using techniques such as tape manipulation, punch card computer programming, Schaeffer’s legacy is in the use of any and all sounds as music. This infuriated other composers, and delighted artists at the vanguard of sound design. Musique concrète would heavily influence Canadian composers, and lead to an entirely new form of music-making of which recording was at its heart.

  • Pierre Schaeffer – “Études de bruits” (1948)

Canada is the proud home of some serious advancements in understanding the relationship between music, recording and environment. Simon Fraser University’s emeritus and one of Canada’s most eclectic educators, the aforementioned R. Murray Schafer, brought together composers in the communications department to raise awareness of noise pollution and our sonic environment. His team, known formally as members of the World Soundscape Project, developed compositional techniques and recorded environmental sounds all over the country. These led to the CBC broadcast of the aptly titled Canadian Soundscapes. Former WSP member Barry Truax continues this legacy as an active composer, and with his book Acoustic Communication (1994), his own manifesto on sound in the electronic age. Truax’s students make their own soundscapes and contribute to the massive electronic archive of Canadian electroacoustic work. They even walk the same.

World Soundscape Project 1973

  • World Soundscape Project members R. Murray Schafer, Bruce Davis, Peter Huse, Barry Truax and Howard Broomfield strut across SFU campus, 1973

World Soundscape Project 2011

  • Students of the SFU Communications Department mimic their mentors, 2011

No Record: Canadian Noise

Canada is also home to noise music (or noise art, depending on your aesthetic/philosophical allegiances). London, Ontario’s Nihilist Spasm Band is said to have sparked the development of a global Japanese noise scene, the godfathers of noise – though they do not consider their own work to be music. Founded as the official band of the Nihilist Party of Canada, they built their own instruments, wrote the soundtrack to a film titled “No Movie”, and followed it up with their own album No Record.

  • Nihilist Spasm Band – “Dog Face Man”

For 25 years they were a bar band, a group of noisemakers, performers and entertainers for their friends and family. Each year they hosted No Picnic, a festival of the absurd. When they were informed that their bootlegged recording had made it around the world by Hiroshige Jojo (founder of the Osaka based Noise label Alchemy Records), they started touring. These performances influenced Japanoise, which has now become a genre of international interest (for more, read David Novak’s Japanoise, 2012).

Nihilist Spasm Band 1966

  • The Nihilist Spasm Band (then, 1966)

Nihilist Spasm Band 2011

  • NSB members John Boyle, Murray Favro, Bill Exley, John Clement and Art Pratten, with Aya Onishi (now-ish, 2011)
  • Photos copyright 1966 Estate of Don Vincent. Reproduced by permission.

This past year I attended Queen’s University Belfast Sonorities Festival. Throughout the three-day event, I heard some of the best electroacoustic composers perform at what is possibly the most technologically advanced music venue, the Sonic Lab (8.1 surround on the ceiling, the walls, the ground and in the basement). From their website: The ground level is a metal grid that allows sound to come from the basement level. It is therefore advised not to wear heels).

I also took part in a conference, the theme of which was Beyond Soundscape. I wondered then if moving beyond the soundscape wasn’t leaving it behind, but reinterpreting it: making sonic vulgarities even more abrasive, and the quiet moments more palpable and tactile for all to experience. It seems serendipitous that punk and noise music would return to the acousmatic, and even embrace the soundscape be it through lo-fi recordings, howling distorted instruments, or manipulated environmental recordings. Digital distribution makes it easier to spread the word, about gigs, recordings and new ideas for music making (take this site as a prime example). I would love to hear what music could be synthesized from collaborations across genres and art forms in Canada, a land of quiet innovation.

Ely Rosenblum is a Canadian researcher of art, music and performance, as well as a filmmaker and sound recordist with experience combining anthropology and critical media practice. Ely trained in ethnographic filmmaking at the Centre for Visual Anthropology at Goldsmiths, University of London, where he co-founded ART/E/FACT, a publication and event series of art and anthropology. He is currently a Ph.D candidate in Music at the University of Cambridge under the supervision of Nicholas Cook, a doctoral fellow of Cape Breton University, and a 2014 visiting researcher at Smithsonian Folkways Recordings. Ely has directed documentary films and produced recordings for the Smithsonian Institution, the MIT Media Lab, the University of Cambridge, and CBC Radio 1.

Le punk, le bruit et l’électroacoustique canadiens ont plus de points communs qu’on ne pourrait le penser. Est-il temps qu’ils se rejoignent en une union d’esthétique et de susceptibilité?

Le titre du présent article est tiré d’un forum mis en ligne par l’Université Concordia. Un utilisateur nommé Tandora y a publié le passage suivant :

Le sifflement et le grondement d’un son étranger
Qui vous donne la chair de poule et vous fait grogner
Un baiser monnaie d’échange pour vos marchandises
Ces lèvres folles et prêtes à ricaner
Acousmatiques et complètement sauvages
Un vautour qui picore leurs entrailles et vous fait sourire
Psychédélique et en délire, une drogue pour toi
Afin de déchirer la sagesse qui n’existe plus

Alors, combien y a-t-il de vieux punks parmi nous?

Permettez-moi de me concentrer sur cette dernière phrase. Elle me semble incarner l’essence même de la beauté de la scène punk canadienne : une scène isolée, qui s’étend pourtant à l’infini au-delà des plaines et des rivières. C’est ainsi que les scènes punk du pays se sont développées, avec l’équivalent d’une journée de route entre les salles de spectacle et les artistes (pour plus de renseignements sur l’isolement des scènes musicales au Canada, consultez l’article de Sam Sutherland « Perfect Youth: The Birth of Canadian Punk ». Et voilà que, sur un forum, un homme s’autoproclame « vieux punk », et cherche des semblables et des suggestions en matière de musique électroacoustique qui arrive à capturer toute la férocité des groupes punks. Cette requête me surprend et me semble bien progressive de la part d’un vieux punk, mais peut-être que je ne connais pas grand-chose à leur façon de procéder. Laissez-moi reformuler ma propre version de la question : combien d’entre nous sommes à la recherche d’une nouvelle scène punk canadienne?

Les « vulgarités sonores », appellation donnée au bruit urbain par le Canadien R. Murray Schafer, envahissent nos grandes villes. En tant que musiciens, pourquoi séparons-nous toujours les pratiques musicales et environnementales (un mouvement musico-écologique qui, en gros, manipule les sons de la nature à l’aide de techniques électroacoustiques) des mouvements punks?

Les punks et leurs scènes éponymes sont-ils l’incarnation de la ville? Pourquoi le punk issu d’environnements ruraux nous attire-t-il autant? Est-ce un élément de choc ou de surprise, au confluent de nos plaisirs auditifs?

Comment le punk canadien peut-il s’orienter vers un genre de pensée techno? Le punk est-il trop abrasif ou trop rapide pour les amateurs d’électroacoustique, ou au contraire, celle-ci ne rejoint-elle pas l’immédiateté que les punks affectionnent tant?

Si je pose autant de questions, c’est par réelle curiosité : loin de moi l’envie d’être normatif. Vu les liens titanesques que le Canada entretient avec le punk, le bruit et l’électroacoustique, une rencontre de ces trois éléments, quelque part au hasard des provinces, me paraît toute naturelle.

Les deux Scha(ef)fer : la musique électroacoustique et le paysage sonore

Le passage suivant présente un historique bref et rudimentaire de la musique électroacoustique :

L’acousmatique, terme utilisé dans le poème de Tandora, fait allusion aux sons dénués de sources perceptibles. Ainsi, on retrouve le son acousmatique dans la musique électroacoustique, qui tire ses origines de la musique concrète du compositeur français Pierre Schaeffer. Fort de techniques telles que la manipulation de bandes magnétiques et la programmation par ordinateur de cartes perforées, l’héritage de Schaeffer réside dans l’utilisation de tous les sons en tant que musique. À l’époque, ce genre artistique rendait furieux les autres compositeurs, mais enchantait les artistes à l’avant-garde du design sonore. La musique concrète a exercé une grande influence sur les compositeurs canadiens, en plus de mener à une toute nouvelle forme de création musicale, dont la pierre angulaire était l’enregistrement.

  • Pierre Schaeffer, « Études de bruits » (1948)

Le Canada a été le fier témoin de certaines grandes avancées en matière de compréhension de la relation entre la musique, l’enregistrement et l’environnement. R. Murray Schafer, professeur émérite de l’Université Simon-Fraser et l’un des formateurs les plus éclectiques au pays, a rassemblé divers compositeurs du Département de communication afin de sensibiliser les gens à la pollution auditive et à l’environnement sonore. Les membres de l’équipe, officiellement connue sous le nom de Projet mondial d’environnement sonore (World Soundscape Project), ont élaboré des techniques de composition et enregistré des sons environnementaux partout au pays. Ces réalisations les ont menés à la diffusion d’une émission judicieusement intitulée Canadian Soundscapes (« Paysages Sonores Canadiens ») sur les ondes de CBC. Barry Truax, un ancien membre de WSP, propage toujours l’héritage grâce à ses activités de compositeur et à son livre « Acoustic Communication » (1994), manifeste sur le son à l’ère électronique. Les étudiants de Truax produisent leur propre paysage sonore et contribuent aux volumineuses archives électroniques des œuvres électroacoustiques canadiennes. Même leur façon de marcher est semblable à celle du prof.

World Soundscape Project 1973

  • Les membres du World Soundscape Project R. Murray Schafer, Bruce Davis, Peter Huse, Barry Truax et Howard Broomfield se pavanent sur le campus de l’Université Simon-Fraser en 1973

World Soundscape Project 2011

  • Des étudiants du Département de communication de l’Université Simon-Fraser imitent leur mentor en 2011

No Record : bruit canadien

La musique bruitiste (ou art bruitiste, selon vos allégeances esthétiques et philosophiques) est également présente au Canada. Le groupe Nihilist Spam Band de London, en Ontario, serait à l’origine du développement d’une scène globale de bruit japonais, les parrains du bruit, même s’ils ne considèrent pas leurs œuvres comme de la musique. Les membres du groupe, fondé en tant que groupe officiel du partie nihiliste du Canada, ont fabriqué eux-mêmes leurs instruments, composé la trame sonore du film « No Movie » puis lancé leur propre album intitulé No Record.

  • Nihilist Spam Band, « Dog Face Man »

Pendant 25 ans, ils ont fait la tournée des bars : un groupe de faiseurs de bruits et d’artistes qui se produisaient devant leurs amis et familles. Chaque année, ils organisaient l’événement No Picnic, un festival de l’absurde. Lorsque Hiroshige Jojo (fondateur de l’étiquette bruitiste Alchemy Records) leur a appris que leur enregistrement pirate avait fait le tour du monde, ils sont partis en tournée. Leur performance a alors influencé Japanoise, qui a depuis muté en un genre d’intérêt mondial (pour en savoir plus, consultez l’article « Japanoise » de David Novak paru en 2012).

Nihilist Spasm Band 1966

  • Le Nihilist Spasm Band (jadis, 1966)

Nihilist Spasm Band 2011

  • Les membres du NSB John Boyle, Murray Favro, Bill Exley, John Clement et Art Pratten, avec Aya Onishi (plus récemment, 2011)
  • Tous droits réservés, 1966 Estate of Don Vincent. Photos reproduites avec autorisation.

Au cours de la dernière année, j’ai assisté au Sonorities Festival de l’Université Queen’s de Belfast. Pendant les trois jours qu’ont duré l’événement, j’ai pu entendre certains des meilleurs compositeurs électroacoustiques au Sonic Lab, peut-être bien la salle de concert la plus avancée en matière de technologie (une ambiophonie de 8.1 au plafond, sur les murs, le plancher et au sous-sol). Extrait tiré de leur site web : « Au niveau du sol se trouve une grille de métal qui laisse filtrer le son en provenance du sous-sol. Le port de chaussures à talons hauts n’est donc pas recommandé. »

J’ai également participé à une conférence qui avait pour thème « Au-delà du paysage sonore ». Je me suis alors demandé si le fait d’aller au-delà du paysage sonore consistait non pas à renoncer à celui-ci, mais plutôt à le réinterpréter d’une autre façon : émettre des vulgarités sonores encore plus abrasives et produire des moments tranquilles plus palpables et tactiles que tous pourraient ressentir. Je suis bien content que le punk et la musique bruitiste effectuent un retour à l’acousmatique, et qu’ils s’étendent aussi au paysage sonore par l’entremise d’enregistrements lo-fi, de hurlements d’instruments désaccordés ou d’enregistrements manipulés de sons environnementaux. Grâce à la distribution numérique, il est plus facile de tenir les gens au courant des prestations, des enregistrements et des idées nouvelles sur la production de musique (Weird Canada en est l’exemple parfait). Je serais curieux d’entendre la synthèse musicale engendrée par diverses collaborations entre les genres et les formes artistiques au Canada, terre d’innovation tranquille.

Chercheur canadien dans le domaine des arts, de la musique et de la scène, Ely Rosenblum est également cinéaste et preneur de son. Ses domaines d’expertise vont de l’anthropologie à la critique des pratiques médiatiques. Il possède une formation en cinéma ethnographique du Centre d’anthropologie visuel de Goldsmiths, à l’Université de London, où il a cofondé ART/E/FACT, une publication et une série d’événements sur les arts et l’anthropologie. Il est présentement candidat au doctorat en musique à l’Université de Cambridge sous la supervision de Nicholas Cook, un doctorant de l’Université du Cap Breton et chercheur invité en 2014 chez l’étiquette de disques Smithsonian Folkways Recordings. Ely a réalisé des documentaires et produit des enregistrements pour la Smithsonian Institution, le MIT Media Lab, l’Université de Cambridge et la chaîne de radio CBC 1.

New Canadiana :: Nick Storring – Rife

As a compilation of Storring’s electroacoustic variété, Rife hints at the hidden majesty lurking within his many mental membranes. The searing vision lies between the strung wisdom of his violin and the electroacoustic prowess harnessed by modern digitalia; dense ethnographic footprints imprinted within our curious minds. The heavy THX moves coalesce within beds of a private world processed for our unguided meditation. A valiant expression of creative experimentalism worth all the honours stowed upon him. Freeze-dried for a gripper’s safe keeping.

En tant que compilation de la variété électroacoustique de Storrings, Rife donne un indice à la majesté cachée qui rôde dans ses nombreuses membranes cérébrales. La vision torride reste entre la sagesse cordée de son violon et la prouesse électroacoustique exploitée par la technologie moderne; les empreintes ethnographiques intenses sont imprimées dans nos têtes curieuses. Les mouves lourdes THX se fondent dans les lits d’un monde privé fait pour notre méditation non guidée. Une expression vaillante d’experimentalisme créatif qui mérite toute la louange qu’il reçoit. Lyophilisé pour la bonne garde d’un acheteur.

Nick Storring – artifact 2

Nick Storring – artifact 3