Tag: art

Celebrations :: Electric Eclectics

Weird_Canada-Electric_Eclectics

We are at the peak of Scotch Mountain. Beings of the weirdo variety, charming locals of Meaford and the artists within us all are called to the funny farm to gather. As the sun sets, beautiful beings adore the fuscia lit sky while our auditory senses are tickled with wonder. Electric Eclectics is a fantasy world to many who seek to escape their concrete surroundings and experience artistry in nature.

Weird_Canada-Scotch_Mountain

Camping on top of Scotch Mountain.

Weird_Canada-Sour_Pussy

Sourpussy brings humor and cacophony to any willing ear.

Weird_Canada-Darknesses

Darknesses performs a noisy-sludge of dark-pop on the EE mainstage.

Weird_Canada-HSY

HSY coaxed the relaxed crowd into a captivated fervor.

Weird_Canada-Tree

A single tree amidst the fields of wheat and grass.

Weird_Canada-Umbrella_Man

Taking a much needed retreat from the unrelenting heat rays.

Weird_Canada-Apetechnology

Apetechnology’s ghostly being welcomes the crowd at EE mainstage.

Weird_Canada-Xuen_Ye

“This isn’t working” Xuan Ye said right before leaving the knobs behind and asking the crowd if she should sing instead.

Weird_Canada-Jennifer_Castle

Audience members listen intently to the warm voice of Jennifer Castle.

EE’s curation by Chris Worden (Co-director/Natural Thirst) is eccentrically diverse and distinctive. Thanks to the incomparable artists, Gordon Monahan (Co-director/Sound Artist/Owner) and Laura Kikauka (Performance Artist/Owner) for welcoming us all to their funny farm.

On est au sommet de Scotch Mountain. Les drôles d’êtres, les résidents charmants de Meaford et les artistes que nous conservons à l’intérieur se ressemblent à la maison de fous. Au coucher du soleil, les belles âmes adorent le ciel illuminé en fuchsia, pendant que nos sens auditifs sont chatouillés par l’émerveillement. Electric Eclectics est un monde fantastique pour ceux qui cherchent à échapper leurs environs en béton pour vivre l’art dans la nature.

Weird_Canada-Scotch_Mountain

Le camping au sommet de Scotch Mountain

Weird_Canada-Sour_Pussy

Sourpussy apporte l’humour et la cacophonie à n’importe quelle oreille enthousiaste.

Weird_Canada-Darknesses

Darknesses joue une boue bruyante de dark-pop sur la scène principale d’EE.

Weird_Canada-HSY

HSY provoque une ferveur captivée dans la foule détendue.

Weird_Canada-Tree

Un seul arbre parmi les champs de blé et d’herbe.

Weird_Canada-Umbrella_Man

En faisant une pause bien nécessaire de la chaleur continuelle.

Weird_Canada-Apetechnology

L’être fantomatique d’Aptechnology accueille la foule sur la scène principale d’EE.

Weird_Canada-Xuen_Ye

Xuan Ye a dit « Cela ne marche pas » avant qu’elle ait quitté les boutons et demandé à la foule si elle pouvait chanter à la place.

Weird_Canada-Jennifer_Castle

Les membres de l’auditoire écoutent attentivement la voix chaleureuse de Jennifer Castle.

Conclusion— La gamme de musique à EE organisée par Chris Worden (co-réalisateur/ Natural Thirtst) est excentriquement diverse et distincte. Merci aux artistes incomparables, à Gordon Monahan (co-réalisateur/ artiste sonore/ propriétaire) de nous avoir accueilli à leur maison de fous.

New Canadiana :: Alex Curtis – Sheer Curtain

Weird_Canada-Alex_Curtis-Sheer_Curtain.jpg

Icy wind and the whir of a stop-start motor on a frozen driveway. Broken is the one whose overtures are those of semi-northernly frigidity; intoned voices commixed to the point of spililng through the frosted windows of a basement too cold to keep itself warm. The yearning is obvious; spoken even. Pale blue eyes and the reckoning of humanity, fragile while loosening itself from the drapery of iconoclastic figures of the past. To breathe while sleeping is a gift, given that nihilism is the sad voyeur whose eyes frost the warm heart in the early dark of a prairie morning.

Le vent glacial et le ronronnement intermittent d’un moteur sur une allée gelée. Brisé est celui dont les ouvertures sont d’une frigidité quelque peu nordique, les voix qui s’élèvent se métissent jusqu’à ce qu’elles se renversent par les fenêtres givrées d’un sous-sol trop froid pour se garder au chaud. Le souhait est clair; même prononcé à voix haute. Les yeux bleus pâles et le jugement de l’humanité, fragile tout en se dénouant de la draperie des personnages iconoclastes du passé. Respirer en dormant, c’est un don, étant donné que le nihilisme est le voyeur triste, duquel les yeux gèlent le cœur chaud dans le noir de la prairie tôt le matin.

Alex Curtis – I Was A Bad Person Blues

Alex Curtis – On Beheading

Far Shores :: Christina Bosowec – Dodge Spirit

Weird_Canada-Christina_Bosowec-Cans_car.jpg

Weird Canada: If you were stranded on an iceberg, would you rather have snacks or a beverage?

Christina Bosowec: Snacks. Doritos and nibs.

A recent addition to Montréal (via Winnipeg and Halifax), Christina Bosowec responds to the unrecognized allure of inanimate objects: revealing something both serene and vibrant. Her first solo show, “Dodge Spirit”, materialized in the Anna Leonowens this spring like a memory you didn’t know you had (including a heap of donuts for the opening night gallery-goers). An expressly personal but unsentimental examination of her first car, Bosowec describes the show as “a memorial that celebrates the existence of the Dodge Spirit.” It embodies not only the spirit of an object, but the spirit of her work. A spirit whose inexplicable beauty will have you transfixed and asking: Why is this fuchsia Barbie car so elegant? How have these cans of grapefruit soda given you the opportunity to pause and contemplate?
Weird_Canada-Christina_Bosowec-Cans_car.jpg

co-credit: Brandon Brookbank

Bosowec tunes into the mysterious power within her chosen objects: “The practice of collecting, selecting and arranging [..] ultimately reflects my orderly nature.” This consideration is a constant thread throughout her entire body of work, and the soft materiality of the Scrunchie Body Tube and Sponge Me Up is particularly compelling. There is an urge to experience these works in the real, although the documentation—much of which is through collaboration with friends and fellow artists Brandon Brookbank and Kyle Alden Martens —is nearly as tactile and seductive as a sponge in the hand.


co-credit: Kyle Alden Martens

For Bosowec, the sponge has been much more useful as subject than cleaning tool: “My investigation of objects began with my obsession with the sponge. I began exploring usual and recognizable stacked configurations of sponges and worked towards conceptualizing this obsession by recreating the sponge stacks in alternative materials that resembled the same color palette as the sponges.”

Weird_Canada-Christina_Bosowec-spongemeoff.jpg

credit: Jordan Blackburn

Bosowec quietly asks you to reconsider everyday objects—to consider the meaning we place upon them—calling attention to how this gives objects power: “I feel that the power of an object is defined by the meaning that is placed on the object; this could be determined in the object’s physicalness/characteristics, use or sentiment. Dodge Spirit is less about sentiment and more about the physicality of the Dodge and how external objects can come together to commemorate the Dodge and acknowledge its existence. The physicalness of the car attributes to the power that exists in the spirit of the car.”

Weird_Canada-Christina_Bosowec-Dodge_installation.jpg

credit: Jordan Blackburn

Weird Canada: Si vous étiez coincés sur un iceberg, aimeriez-vous mieux avoir des collations ou un breuvage?

Christina Bosowec: Des collations. Des Doritos et des nibs.

Une arrivée récente à Montréal (via Winnipeg et Halifax), Christina Bosowec réagit à l’allure méconnue d’objets inanimés : révélant quelque chose à la fois serein et vivant. Sa première exposition en solo, « Dodge Spirit », s’est matérialisée dans la galerie Anna Leonowens ce printemps comme un souvenir que nous ignorions avoir (y compris un tas de beignes pour les présents à l’ouverture). Une enquête expressément personnelle, mais dépourvue de sentiment sur sa première voiture, Bosowec décrit l’exposition comme « un mémorial qui célèbre l’existence de l’Esprit Dodge. » Elle incarne non seulement l’esprit d’un objet, mais l’esprit de son ouvrage. Un esprit dont la beauté inexplicable vous fascinera et vous vous demanderez : Pourquoi cette voiture Barbie fuchsia est-elle si élégante? Comment ces canettes de soda au pamplemousse vous ont-elles donné la chance de vous arrêter et de contempler?

Weird_Canada-Christina_Bosowec-Cans_car.jpg

référence secondaire : Brandon Brookbank

Bosowec se rapproche des pouvoirs mystérieux de ses objets choisis: « La pratique de rassembler, de sélectionner et d’arranger [..] en fin de compte reflète ma nature ordonnée. » Cette considération s’agit d’un fil conducteur dans l’ensemble de son œuvre, et la matérialité souple du Scrunchie Body Tube et Sponge Me Up est particulièrement captivante. Il y a un désir ardent de vivre l’expérience de ces œuvres en personne, bien que la documentation—dont la plupart est en collaboration avec des amis et des collègues artistes Brandon Brookbank et Kyle Alden Martens — est presqu’aussi tactile et séduisante qu’une éponge dans la main.

référence secondaire : Kyle Alden Martens

Pour Bosowec, l’éponge a été bien plus utile en tant que sujet qu’en outil de nettoyage : « Mon enquête sur les objets a commencé par mon obsession avec l’éponge. J’ai commencé à explorer des configurations empilées d’éponges usuelles et identifiables et j’ai travaillé vers la conceptualisation de cette obsession en recréant les piles d’éponges dans des matériaux alternatifs qui ressemblaient à la même palette de couleurs que les éponges. »

Weird_Canada-Christina_Bosowec-spongemeoff.jpg

référence : Jordan Blackburn

Bosowec nous invite discrètement à réexaminer les objets de tous les jours—à considérer la signification que nous leurs assignons—attirant l’attention sur la façon dont cela donne du pouvoir aux objets: « Je crois que le pouvoir d’un objet est défini par la signification qui y est attribuée; ceci pourrait être déterminée par la réalité physique et les caractéristiques d’un objet, par son utilité ou sentiment. Dodge Spirit a moins à voir avec le sentiment, mais plutôt avec la physicalité du Dodge et la façon dont les objets externes peuvent êtres rassemblés pour commémorer le Dodge et reconnaître son existence. La réalité physique de la voiture attribue le pouvoir qui existe dans l’esprit de la voiture. »

Weird_Canada-Christina_Bosowec-Dodge_installation.jpg

référence : Jordan Blackburn

Far Shores // Sanctum :: Also As Well Too

IMAGE1-1

“It’s something in between a fun thing to do with other artists and a throwing-up-of-hands in the face of the ridiculously precarious position that artist-run culture is in today.” – Letch

Taking advantage of the potential in a living room of one’s own, Also As Well Too is bridging the vast physical distance between Canadian artists. Brainchild of Letch Kinloch, the library/gallery is generously based in his Winnipeg home, and there seems to be no more appropriate location. Bright windows illuminate bookshelves brimming with donated and loaned books, zines, cassettes, and records – an impressive response to a humble call for submissions. It comes as no surprise that the community response has been as supportive as it has been collaborative. Workshops and residencies began earlier this summer, and The Wandering Albatross tour, accompanied by Ray Fenwick’s Le Moat Juice, paid a visit to artist-run centers such as TRUCK, SAAG, and Yellow Dog, with more manifestations coming soon. A library never looked so good or felt so fresh.

IMAGE2-2

How did this project come into being?

I’d wanted to make an arts space for a long time – something that gave every artist the potential for equal billing and opened up options for responsive opportunities and collaboration. But every time I looked for spaces to rent or buy, the cost seemed totally impossible. One day it struck me – the Morbid Anatomy Museum in Brooklyn started in Joanna Ebenstein’s living room. She housed it there for 10 years as it grew into an amazing community and eventually a museum in its own building. I was already using my living room as a studio, so I just cleared it out, put up some shelves, and started asking people about artist books. The response was fast and incredible.

Individuals who love and/or make books will find this totally exciting, but what would you tell someone who might not consider a library a relevant contemporary project?

I would say that, like so many other media, artist books are marginalized because people simply haven’t recognized their importance yet. Bookworks still operate on the fringes and, maybe because of that, they are often used to explore ideas that are not accepted in the mainstream. As they have not yet been co-opted or canonized, the medium gives people a certain freedom from the historical oppressiveness of other media, in the same way that video did. It can be anything. So maybe their lack of recognition is a good thing.

But really, it doesn’t matter. The great response I’ve had to the project – people sending in their books and the books of other artists they’ve collected, people showing up to read and explore the collection, the really amazing response to the workshops and events – there is already a large community that has been working with and thinking of artist books as relevant to contemporary art long before I ever showed up on the scene. I don’t really care if anyone else thinks it’s important.

IMAGE3-3

There is totally something about the physical book that is inexplicably important – will Also As Well Too strive to be a physical-only library, or are you thinking of going digital?

It is both! There are some really neat artist books that exist in a digital format that mimics the classic page-turning of traditional books, and it is the perfect medium through which to create that bridge. But there are also digital works that really push the parameters of what a “book” can be. But I don’t think this is totally new to the digital age. There are cassette tapes and records in the Library’s collection that I see as precursors to the digital books.

Another digital aspect to the library is an upcoming project I’m working on, which will be launched with the Wandering Albatross Tour – a geographical database of the locations of artist books around the country (a lot of them are hiding out in regular libraries because people don’t know how to categorize them). The idea is to get people to review the artist books that they find, which will help people be able to engage with them from afar, and maybe get some exciting conversations started. All of this will be hosted on the Also As Well Too website.

IMAGE4-4

“Also As Well Too” strikes me as all the words we use as filler when we’re really excited about something and can’t stop talking – how did you source this title?

These were words my friends and I used to string together in high school, emphasizing and extending the awkwardness of communication, the arbitrariness of the beginning and end of thoughts, the questionableness of language choices. It became a joke, almost like a tic – something we eventually filled in for each other.

Anything you would like to take this opportunity to say to the world?

Send me your artist books!

If you’re not in the neighbourhood or on the tour route, you can cruise the current catalogue, submit and get excited for the library’s future endeavours. Also As Well Too is worth checking out (and renewing).

C’est quelque chose qui se situe entre un truc amusant à faire avec d’autres artistes et simplement baisser les bras face à la position ridiculement précaire de la culture gérée par les artistes d’aujourd’hui. » [traduction] — Letch

Tirant avantage du grand potentiel d’un salon propre à soi, Also As Well Too vient combler la distance physique considérable entre les artistes canadiens. La bibliothèque/galerie est la progéniture intellectuelle de Letch Kinloch, et il a généreusement décidé de l’installer dans son domicile à Winnipeg — un emplacement on ne peut plus approprié. La lumière éclatante des fenêtres illumine les étagères qui débordent de livres, de zines, de cassettes et de vinyles donnés et prêtés : l’impressionnante réponse de la communauté à un humble appel aux soumissions. La réaction communautaire a été aussi encourageante que collaborative, et ce n’est pas surprenant. Des ateliers et des résidences ont débuté plus tôt cet été, et la tournée Wandering Albatross, accompagnée par Le Moat Juice de Ray Fenwick, a notamment rendu visite aux centres d’artistes tels que TRUCK, SAAG, et Yellow Dog, suit par d’autres manifestations bientôt. Jamais une bibliothèque n’a parût si belle et originale.

IMAGE2-2

Comment ce projet est-il né?

Je voulais créer un espace artistique depuis longtemps, un endroit qui donnerait à chaque artiste la chance d’avoir une facturation égale et qui ouvrirait la porte aux possibilités et à la collaboration. Mais chaque fois que je trouvais des espaces à louer ou à vendre, le prix était complètement hallucinant. Puis un jour, ça m’a frappé — le Morbid Anatomy Museum à Brooklyn a commencé dans le salon de Joanna Ebenstein. Elle l’a accueilli pendant 10 ans, développant une communauté extraordinaire avant de devenir un véritable musée. Je me servais déjà de mon salon comme studio, alors je l’ai simplement vidé, puis j’ai installé des étagères et j’ai commencé à poser des questions au sujet de livres d’artistes dans mon entourage. La réaction a été rapide et incroyable.

Les gens qui adorent et/ou font des livres trouveront ça hyper passionnant, mais que diriez-vous à ceux qui ne considèrent pas une bibliothèque comme un projet contemporain pertinent?

Je dirais que, comme de nombreux autres médias, les livres d’artistes sont marginalisés parce que les gens n’ont simplement pas encore reconnu leur importance. Ces livres existent en marge de la société, et, peut-être grâce à cela, ils sont souvent utilisés pour explorer des idées qui ne sont pas acceptées par l’idéologie dominante. Comme ils n’ont pas encore été récupérés ni canonisés, le médium accorde encore aux gens une certaine liberté (contrairement au caractère oppressif d’autres médias), comme la vidéo l’avait fait. Ça peut être n’importe quoi. Alors peut-être que leur manque de reconnaissance est une bonne chose.

Mais ça n’a vraiment aucune importance. La quantité immense de réponses que j’ai eues pour le projet – les gens qui envoient leurs livres ou ceux qu’ils ont collectionnés faits par d’autres artistes, les gens qui se présentent pour lire et explorer la collection, leur présence aux ateliers et aux évènements – me montre qu’il y avait déjà une grande communauté qui travaillait sur les livres et qui les considérait comme étant pertinents dans le cadre de l’art contemporain longtemps avant que je n’arrive sur la scène. Ça m’est vraiment égal que les autres pensent que c’est important ou non.

IMAGE3-3

Il y a quelque chose au sujet des livres matériels qui est inexplicablement important. Est-ce qu’Also As Well Too s’efforcera d’être une bibliothèque purement physique, ou est-ce que vous pensez vous convertir au format numérique?

Les deux! Il y a des livres d’artistes vraiment intéressants en format numérique qui imitent l’action de tourner les pages des livres traditionnels, et il s’agit du médium parfait pour créer un pont entre les deux. Il y a également des ouvrages numériques qui repoussent les paramètres de ce qui constitue un « livre ». Mais je ne crois pas que ce soit une nouveauté propre à l’ère numérique. Il y a des cassettes et des vinyles dans la collection de la bibliothèque que je vois comme des précurseurs. Un autre aspect numérique de la bibliothèque est un projet sur lequel je travaille actuellement, qui sera lancé avec la tournée Wandering Albatross Tour – une base de données géographiques situant les livres d’artistes à travers le pays (beaucoup se cachent dans les bibliothèques régulières car les gens ne savent pas comment les catégoriser). L’idée est d’inviter les gens à faire la critique des livres qu’ils trouvent, ce qui aidera le monde à s’engager avec eux à distance et permettra peut-être d’entamer des conversations excitantes. Le tout sera publié sur le site web d’Also As Well Too.

IMAGE4-4

« Also As Well Too » me fait penser à tous les mots vides que l’on emploie lorsqu’on tripe sur quelque chose et qu’on ne peut pas arrêter d’en parler – comment avez-vous obtenu ce titre?

LK : Ce sont les mots que mes amis et moi avions l’habitude d’enchaîner au secondaire, en rallongeant sur le malaise de la communication et en mettant l’accent sur l’arbitraire du début et de la fin des pensées, sur le doute dans les choix langagiers. C’était devenu une blague, presque comme un tic – un vide que nous remplissions mutuellement.

Voulez-vous saisir cette occasion pour dire quelque chose au monde?

Envoyez-moi vos livres d’artistes!

Si vous n’êtes pas dans le quartier ou sur la route qui sera suivie en tournée, vous pouvez feuilleter le catalogue actuel, faire une soumission et vous réjouir des futures entreprises de la bibli. Also As Well Too vaut la peine d’être découverte (et alimentée).

Far Shores :: Forest City Gallery – Extra Ordinary

Weird_Canada-Far_Shores-Forest_City_Gallery-Extra_Ordinary-01

Extra Ordinary was contained within the walls of Forest City Gallery – Canada’s first established artist-run-centre – in April 2014, and it’s still fresh gum under the desk. Curated by tiny cyclist Jenna Faye Powell, the exhibition showcased three Toronto-based artists: Bree Zorel, Matt King (of Absolutely Free), and Sam Mogelonsky.

Weird_Canada-Far_Shores-Forest_City_Gallery-Extra_Ordinary-02

Mogelonsky’s pin-stuck cylinders and Shiny Spinning Thing (pictured) demanded to be touched and twirly-whirlied. This was no stay-a-metre-back and don’t-you-dare-touch-the-art kind of exhibition, but a temporary playground. The work was devoid of function, but invited viewers to play as well as look.

The title of Extra Ordinary was a clever summation of the show. Everyday objects (books, a ladder) and simple materials (sequins, paper, pins) presented a more playful version of reality, transforming the ordinary into the extra-ordinary. It zapped away at daily life and transformed the viewers into curious children, once again excited about little things. Look at this – life is cool! Life is fun!

Weird_Canada-Far_Shores-Forest_City_Gallery-Extra_Ordinary-03

Zorel’s I Like You Lots But I’m A Weirdo (pictured) was available for free in postcard form. Fall in love with its Harlequin-esque smoochie cover and send it to your honey.

Extra Ordinaire a été présentée à l’intérieur des murs de la galerie Forest City – le premier centre dirigé par des artistes au Canada – en avril 2014, et c’est encore tout chaud comme un pain fraîchement sorti du four. Réalisée par la toute petite cycliste, Jenna Faye Powell, l’exposition nous fait découvrir trois artistes travaillant à Toronto : [Bree Zorel], Matt King (membre du groupe[Absolutely Free]), et [Sam Mogelonsky].

Weird_Canada-Far_Shores-Forest_City_Gallery-Extra_Ordinary-02

Les créations de Mogelonsky, que ce soit le cylindre enchâssé dans sa base et la chose brillante qui tourne (illustrée), exigeaient qu’on les touche et les fasse tourbillonner. Ce n’était pas une exposition froide où il est interdit de toucher aux oeuvres, mais plutôt un terrain de jeux temporaire. Les oeuvres n’avaient aucune fonctionnalité particulière, mais elles conviaient plutôt les visiteurs à s’amuser autant qu’à regarder.

L’appellation Extra Ordinaire était un résumé intelligent de l’exposition. Des objets utilisés quotidiennement (livres, échelle) et des matériaux simples (paillettes, papiers, épinglettes) ont servi à présenter une version plus ludique de la réalité, transformant l’ordinaire en extraordinaire. La vie quotidienne a été occultée par cette présentation qui a métamorphosé les visiteurs en enfants curieux, émerveillés par les petites choses simples : La vie est cool! La vie est amusante!

Weird_Canada-Far_Shores-Forest_City_Gallery-Extra_Ordinary-03

L’oeuvre de Zorel I Like You Lots But I’m A Weirdo (photographiée) était disponible gratuitement sous forme de carte postale. Laissez-vous tomber en amour avec son look « Harlequin-lover » et envoyez-en une à votre chéri(e).

New Canadiana :: Yàocavé – Fanta-C Plus

yaocave-fanta-c-plus-small

Please standby as we upload a more youthful consciousness. Spectral-audio analysis completed: time to dance. Fanta-C Plus foams with the playful intensity of a pop rocks and cola super sugar high. These songs transition like a channel surf across the spectrum of psychedelic sweet dreams. A sonic journey for your eyes, a visual voyage for your ears; each track possesses its own gravitational grip that flexes your eardrums further from the sun and closer to blissful madness.

Veuillez patienter pendant que nous téléchargeons une plus grande conscience juvénile. Analyse sonore spectrale terminée : dansons. Fanta-C Plus pétille avec l’intensité ludique d’un pop rocks et d’un cola super sucré. Ces chansons s’enchaînent telle une séance de zapping à travers une multitude de beaux rêves psychédéliques. Une incursion acoustique oculaire, un voyage visuel auditif; chaque piste musicale possède sa propre emprise gravitationnelle qui éloigne votre tympan du soleil et le rapproche d’une bienheureuse démence.

Yàocavé – MIDNITE CLUB 2 (FT. TALIA BOGUSKI)

Yàocavé – RIVERDALE HIGH SCHOOL (FT. MICHAEL STOKES)

midniteclub

riverdalehighschool

Far Shores :: Bob Scott

Weird_Canada-Bob_Scott-Far_Shores-7

From the spooky shores of Vancouver emerges Bob Scott’s Halloween masterpieces.

One of his latest is Baby Bogie #2, a bratty and condescending pumpkin child reminescent of the 1930s that is delicately crafted from recycled cork. It’s one of the many ghoulish carvings that appear as homemade decorations, but leave the impression of sinister intentions. Among the wall-eyed pumpkin and kooky black cat magnets, you’ll find more arduous and intricate demons, deities, and other legends attempting to run amok and stir up trouble.

Weird_Canada-Bob_Scott-Far_Shores-6

Folklore and nightmares also come alive in Scott’s hell-ish drawings. A sea of shark’s spew and skeleton punks are translated into record covers.

Weird_Canada-Bob_Scott-Far_Shores-4

Weird_Canada-Bob_Scott-Far_Shores-3

Weird_Canada-Bob_Scott-Far_Shores-2

Weird_Canada-Bob_Scott-Far_Shores-1

Occasionally, cork-carved tiki figures surface as threatening onlookers or corrupt souls guised as Halloween characters. The menacing creatures seem to have evolved from earlier years when Scott had handpainted instruments, sometimes creating horrific tiki visions that were not for the faint of heart. Several guitars and even an upright bass have been marked straight from the pen of beezlebub himself.

Weird_Canada-Bob_Scott-Far_Shores-8

Des côtes effrayantes de Vancouver nous viennent les chefs-d’œuvre halloweenesques de Bob Scott.

Confectionné minutieusement à partir de liège recyclé, Baby Bogie #2, l’une de ses dernières créations, représente un enfant-citrouille malpoli et arrogant, tout droit sorti dirait-on des années 1930. Simples décorations artisanales à première vue, ses sculptures macabres laissent toutefois entrevoir leurs sinistres intentions. Parmi les aimants de citrouilles qui louchent et les chats noirs bizarres, vous trouverez aussi de complexes démons, déités et autres créatures de légende, tous prêts à se déchaîner et à semer la zizanie.

Weird_Canada-Bob_Scott-Far_Shores-6

Le folklore et les cauchemars prennent également vie dans les dessins infernaux de Scott. Un requin pris du mal de mer et des squelettes punk ornent ses affiches, tandis que des démons et des lutins malfaisants se transforment en pochettes d’album.

Weird_Canada-Bob_Scott-Far_Shores-4

Weird_Canada-Bob_Scott-Far_Shores-3

Weird_Canada-Bob_Scott-Far_Shores-2

Weird_Canada-Bob_Scott-Far_Shores-1

À l’occasion, des figures tiki, sculptées dans le liège, surgissent tels des badauds inquiétants ou des spectres corrompus déguisés pour l’Halloween. Ces créatures menaçantes datent de l’époque où Scott peignait des instruments(http://bobscottartwork.tumblr.com/tagged/custom-handpainted) ornés parfois de terribles visions tiki. Cœurs sensibles s’abstenir. Plusieurs guitares et même une contrebasse portent la marque du stylo de Belzébob lui-même.

Weird_Canada-Bob_Scott-Far_Shores-8

Festivities // Far Shores :: 6th Annual White Rabbit Celebration

Weird_Canada-Festivities_Far_Shores-White_Rabbit_Residency-1

White Rabbit is wild ocean waves crashing opposite deep woods. You’re listening to 92 Nothing FM. First, there is the residency. Ten or so artists selected to come to Red Clay, Parasborough way. Site specific and found material projects are encouraged. Seven feverish days pass: discussion, labour and summer rites. Last comes the festival. Intimate gives way to audience, an explosion of song, feast and triumph. Long nights on the Bay of Fundy, world’s highest tides.Weird_Canada-Festivities_Far_Shores-White_Rabbit_Residency-2

Lindsday Dobbin walks the beat.

Lindsay Dobbin drums forward as the water rises. Backwoods Nova Scotia all lit up. Kate Walchuk knows. She’s your KJ rocking Jefferson Airplane’s song of the same name on repeat. Feed your head.

Weird_Canada-Festivities_Far_Shores-White_Rabbit_Residency-3

Alana Yorke, you got this.

There’s a little stage illuminated by candles. Alana Yorke belting piano cheese. Tears roll down cheeks. Falling for it. The meadow is for dancing. Big stage, undulating boys—EFG —fake ESG. Groove backwards. DJ Goldilocks. Holy shit. Body movement. Great feelings.

Weird_Canada-Festivities_Far_Shores-White_Rabbit_Residency-4

Gurotszta and the Great Garlic Gazing.

Next morning, pancake breakfast. We praise the sun, soil and water and ceremoniously plant garlic. Truly incredible experience. I’m a believer.

White Rabbit est un océan sauvage dont les vagues s’échouent contre une forêt profonde. Vous écoutez 92 Néant FM. D’abord la résidence. Une dizaine d’artistes sont sélectionnés pour se rendre à Red Clay, Parasborough way. Interactions locales et projets d’objets trouvés sont encouragés. Sept jours fiévreux passent : discussions, labeur et rites d’été. Enfin, vient le festival. L’intimité est remplacée par un public, une explosion de chants; festins et triomphe. De longues nuits au cœur des marées imposantes de la Baie de Fundy.

Weird_Canada-Festivities_Far_Shores-White_Rabbit_Residency-2

Lindsay Dobbin promène le rythme.

Lindsay Dobbin marche son tambour pendant que la marée monte. Un trou de nouvelle écosse tout allumé. Kate Walchuk sait. Elle est votre KJ, jouant à l’infini la chanson homonyme du festival par Jefferson Aiplaine. Nourrissez vos pensées.

Weird_Canada-Festivities_Far_Shores-White_Rabbit_Residency-3

Alana Yorke sait quoi faire.

Il y a une petite scène illuminée par des bougies. Alana Yorke epoustouflante au piano. Les larmes coulent le long des joues. J’y crois. La plaine pousse pour qu’on y danse. Grande scène, garçons ondulants —EFG— ersatz d’ESG. Danse renversée. DJ Goldilocks. Holy shit. Mouvements du corps. Émotions du cœur.

Weird_Canada-Festivities_Far_Shores-White_Rabbit_Residency-4

Gurotszta et la grande observation de l’ail.

Le matin suivant, déjeuner aux pancakes. Nous prions soleil, terre et eau et plantons cérémonieusement des bulbes d’ail. Une expérience simplement incroyable. J’ai la foi.

Far Shores // Inferred Views :: Wednesday Lupypciw

Weird_Canada-Wednesday_Lupypciw-1
a preview of the upcoming performance work ALLIES HONOUR YOU at Queen City Pride Festival in Regina next week (!!)

Weird_Canada-Wednesday_Lupypciw-2

a still of the video Bed Of Intimacy, 2014.

Calgary’s Wednesday Lupypciw is known for her candid, humorous, and absurd video work that investigates the strange and murky intersections of art, craft, identity, feminism, sexuality and relationships. Wednesday’s personal grapplings with these issues become a means through which we can poke fun at our own attempts to rectify personal, political, and creative desires for satisfaction within a realm littered with obstacles. Here we discuss her home in Calgary, the Canadian art scene, sincerity & vulnerability, cunt-art, collaboration, art, and activism.

Your video work approaches, with a wry humour, matters of personal failure, intimacy, and the common awkwardness of relationships. It seems very sincere even when it is being sarcastic, and I think this is because of a lack of pretense and artifice. Have you always been so candid in your work? If not, was there a moment or breakthrough that allowed you to access this subject matter?

I think there was a show at Stride back in the day called Sincerity Overdrive. I agree with you that there’s a lot of awkwardness and wholeheartedness in my work. It’s because I use the first and only takes of myself rolling around these elaborate sets in my bathtub… My intentions are always the best! And I think there is a place for this in contemporary art and scholarship! I studied in the ACAD Textiles department, where there was this really heavy emphasis on 2nd Wave Feminist performance art from the 1970s, because it’s what the instructors at the time knew and came of age with. Again and again, we were drilled with the idea that The Personal Is Political, and eventually it rubbed off in this way that totally endeared me to Cunt Art. I WANT TO BE CUNT ART SO MY VIDEOS BRING THE PUSSY, but in a way that acknowledges that it’s the 21st Century and we know better than all of those essentialist ideas that were floating around 40 years ago. Cunt Art v2.0.

Also, I realized, I think just finishing and getting out of art college, that work I made earnestly and impulsively stood on its own a lot better in the world than work that was made to be Art and fare well in crits. That probably isn’t totally clear–of course I make things as art, I show these things in galleries, I apply for grants and file my taxes as an artist etc. etc. I’m in the cult or whatever. I just know, if I see something that’s really beautiful and slick and well-made, I only get so much out of it and then move on. So I want to make work that is a little restless and uncomfortable and incomplete and unsettled, work I keep on trying to figure out. The whole messy story is trying on the nerves, but more valuable than the demo reel.

Weird_Canada-Wednesday_Lupypciw-3

a still of the video Bed Of Intimacy, 2014.

Embracing the soft, vulnerable, messy aspects of self and of relationship/community is an important tool for casting doubt on the values of dominator culture. Presenting those in a professional/academic art space wherein the values of individual success/“bootstrapping” (and the inherent diminishing of systematic oppression) and the institutionalized privileges still very much linger is an important aspect of feminist art traditions. What sorts of responses have you encountered from people who are made uncomfortable by your work, and in what ways do you see problematic dynamics being maintained?

Well, from the get-go my work only ends up in a very specific kind of institution and context. I’m often programmed because the piece is supposed to make people mildly uncomfortable, to fulfill a promise and moral duty to be “thought provoking” because it’s colourful and silly and certainly not going to be the “masterfully crafted” one! Some shows I get into–grab-bag survey shows based on geography (ex. any Biennial), or vag-only shows (conflating Feminism with female-ness, sisterhood based on assumption)–have their own way of normalizing very different practices, simply by being so extensive. Or, the show is marketed to a certain group from the beginning. Work is curated to fill that demographic need. These preconceptions and marketing are sometimes problematic because they can cheat work out of its full meaning.

I like doing solo exhibitions or working with independent curators, because then it feels like there is intelligence in how the host place relates to the work; their advocacy of it is holistic. Doing performance art in public places, even if it’s in a museum or something, is more confrontational and direct and the audience squirm factor is high. I think people are conditioned to believe that anyone doing performance art is gonna barf or bleed all over something! The only thing I’ve noticed is that people immediately withdraw or walk away if they’re uncomfortable with what’s happening. Or they tune out if it takes them longer than 3 seconds to assess what’s going on. People–audiences, curators, prep crews–aren’t in the habit of sitting with things they don’t like, or trying to express why they don’t like it. And that’s fine. I don’t like everything either.

What has been your experience been doing community based performance work, ie. your queer solidarity drum circle with FAG?

Oh man, I totally love that you picked up on the QUEER NOISE SOLIDARITY performance because it’s one of my favourites. QUEER NOISE SOLIDARITY was co-presented by the Feminist Art Gallery (FAG) and FADO Performance Art in Toronto. More so than community-based, I’d classify it as a conscious collaboration work. Community-based sounds like it would be more open than what I did. Maybe I’m not as breezy as I’d like to be about some details! I sifted through contact lists and Bandcamp pages for months before approaching specific people to join the group of 12 drummers. Everyone who was involved in that work was paid a proper artist fee, and was paid to rehearse. That is always important to me. Rita McKeough, my mentor, collaborator, and performance art hero, has worked like this too. You maintain authorship of the work, but you provide meaningful–hopefully meaningful–opportunities to many people who help you realize the vision. The vision that was a 20-foot equilateral triangle lined with female drummers thrashing and screaming with me from sunset to sundown on a grassy plain.

Weird_Canada-Wednesday_Lupypciw-6

Weird_Canada-Wednesday_Lupypciw-5

performance stills from QUEER NOISE SOLIDARITY, 2013. Photo credit Henry Chan for these.

I felt very networked, very legit, and very purposeful doing that performance in that context (and then I came back to Calgary where people often doubt Feminism haha!). I’m currently working towards similarly epic, but different drum-based performances in Regina and Calgary.

I’d like to one day do something community-based, but that seems like it would have to have a broader focus than a one-night only gig. I think the key to community-based projects is that they go out of the organizer’s hands to accommodate a fuller part of the collaborators’ opinions, ideas, aesthetics, etc.

Though your work addresses and employs traditional craft labour practices, I get the sense it is more about the human experience of working to survive, of striving to connect with others, and of struggling against systematic oppression. Was there a process by which your work came to be more about the latter than about, say, fibre art pure and simple, or were you always more concerned with the dialogue?

I do have concerns about craft and craft theory, but they are mostly about how people perceive crafts, the social settings in which crafts were made historically, and how crafts are being made today. I use craft media because I’ve been using craft media as long as I can remember, because I appreciate my formal training in textiles, because crafting is political in some ways, and because on some deep level I must enjoy yarn and soft things.

It’s always funny for me to see people walking up to my work, because they’ll do things like squint and pore over minute details in a textile, trying to glean some meaning from it, whereas I totally didn’t even think about that detail and I made the thing!

My work has always been a repository of emotional and psychic content for me. That is the richness, and a solid entry point. The textile is something I may have spent hundreds of hours making, but I was preoccupied about many things, like feeling it sit on my thighs instead about worrying about how it looked as it grew. I’ll put crafts into a show so that they can work in concert with everything else–the videos, the sound, the performers, the room. Basically, take a craft out of my whole setup and it’s just a pale anaemic object. Deirdre Logue from the Feminist Art Gallery said something really nice to me once about wanting “something with DNA on it” as a memento of a performance. I get it.

Weird_Canada-Wednesday_Lupypciw-4

a still of the installation MY SEX WEBSITE, 2014. Photo credit Stacey Watson for this one.

Wednesday Lupypciw de Calgary est connue pour ses vidéos candides, comiques, et absurdes qui examinent les intersections étranges et obscures de l’art, de l’identité, du féminisme, de la sexualité et des relations. La lutte personnelle de Wednesday avec ces problèmes se transforme en moyens qui nous permettent de se moquer de nos tentatives de rectifier les désirs personnels, politiques, et créatifs afin d’être satisfait dans un royaume parsemé d’obstacles. Ici, nous discutons de son chez-soi, à Calgary, de la scène artistique canadienne, de la sincérité & de la vulnérabilité, du cunt-art, de la collaboration, de l’art et de l’activisme.

Votre vidéo frôle, avec un humour ironique, des sujets d’échecs personnels, d’intimité, et de malaises naturelles dans les relations. C’est très sincère même quand c’est sarcastique, et je pense que c’est parce qu’il n’y a pas de faux-semblant, ou d’artifice. Avez-vous toujours été si candide dans votre travail? Sinon, y a t’il eu un moment, ou une percée qui vous a permis d’aborder ce sujet?

Je pense qu’il existait une présentation à Stride dans le passé qui s’appelait « Sincerity Overdrive ». Je suis d’accord avec vous qu’il y a beaucoup de malaise et de sincérité dans mon travail. C’est parce que j’utilise la première et la seule prise de moi-même lorsque je tourne dans ma baignoire, entourée de cette mise en scène élaborée…Mes intentions sont toujours les meilleures! Et je pense qu’il y a une place pour ça dans l’art contemporain et l’érudition! J’ai étudié au département du Textile d’ACAD, où ils mettent vraiment un gros accent sur la performance artistique des années 1970 pendant la seconde vague du féminisme. C’était ce que les professeurs connaissaient et ce avec quoi ils avaient grandi. Maintes et maintes fois, on nous a martelé avec l’idée que « l’aspect Personnel est Politique », et éventuellement, j’en étais imprégnée et c’est ce qui m’a fait adorer le cunt-art. JE VEUX DEVENIR LE CUNT-ART, MES VIDÉOS AMÈNENT DONC LE PUSSY, mais dans un sens qui reconnait le fait que nous sommes dans le 21e siècle et que nous comprenons mieux ces idées d’essentialisme qui circulaient il y a quarante ans. Le cunt-art version.2.0.

En plus, je m’en rendais compte, juste après avoir fini et être sortie d’une école d’art, que les œuvres que je faisais honnêtement et impulsivement se tenaient mieux dans le monde que les œuvres qui étaient faites pour être de l’Art et s’en tiraient bien lorsque critiquées par d’autres étudiants en arts… Cela n’est probablement pas très clair—bien sûr, je transforme des choses en art, je montre ces choses dans des galeries, je fais les demandes pour des bourses et je déclare mes impôts d’artiste, etc. Je suis dans un culte, ou whatever. Je sais juste que si je vois quelque chose qui est vraiment beau et super et bien fait, j’en retire ce que je peux et je passe à autre chose. Donc, je veux créer des œuvres qui sont un peu agitées et gênantes et incomplètes et perturbées, des œuvres que je continue d’essayer de comprendre. Le but ultime, même si maladroit, et de mettre les nerfs à l’épreuve, mais que ça ait une plus grande valeur que le démo.

En adhérant à la faiblesse, à la vulnérabilité, aux complications de soi-même et aux relations et à la communauté est un outil important pour semer le doute dans les valeurs de la culture dominante. Présenter ces idées dans un espace d’art professionnel/académique, où les valeurs de réussite individuelle/bootstrapping (et la diminution inhérente de l’oppression systématique) et les privilèges institutionnalisés qui persistent encore fortement est un important aspect des traditions en art féministe. Quelles sortes de réponses avez-vous trouvées de gens qui sont perturbés par votre travail, et de quelles façons voyez-vous l’entretien des dynamiques de problématiques?

Eh bien, de prime abord, mon travail se retrouve seulement dans un genre d’institution et de contexte très spécifiques. Je suis souvent programmée parce que la pièce est supposée de perturber modérément les gens, de remplir une promesse et un devoir moral de susciter la réflexion parce qu’elle est colorée et débile et elle ne sera certainement pas celle qui sera « façonnée de mains de maître »! Les expositions auxquelles je suis admise—les expositions fourre-tout fondées sur la géographie (ex. Une biennale), où les expositions vag-only (regrouper le féminisme avec le fait d’être femme, la solidarité féminine fondée sur les suppositions) – ont leurs propres façons de normaliser des pratiques très différentes, simplement en étant si approfondies. Ou bien, l’exposition est lancée à un groupe particulier dès le début. Le travail est organisé afin de répondre aux besoins démographiques. Ces idées préconçues et le marketing sont souvent problématiques, car ils peuvent sacrifier la pleine signification de l’oeuvre.

J’aime faire des expositions en solo, ou travailler avec des conservateurs indépendants, puisqu’il me semble qu’il y a plus d’intelligence dans la relation entre la salle et la façon dont l’œuvre en est imprégnée; cette promotion est holistique. En faisant de l’art performance dans des lieux publics, même dans un musée ou quelque chose comme ça, il y a plus de confrontation et c’est plus direct et le degré de tortillement du public est élevé. Je pense que les gens sont conditionnés à croire que tout le monde qui fait de l’art performance va dégobiller ou saigner partout ! La seule chose que j’ai remarquée est que si les gens sont perturbés, ils se retirent calmement ou s’en vont immédiatement. Ou bien ils décrochent complètement si ça leur prend plus de 3 secondes pour évaluer ce qui se passe. Les gens—le public, les conservateurs, l’équipe technique—ne sont pas habitués de travailler avec des choses qu’ils n’aiment pas, ou d’essayer d’exprimer la raison pour leur aversion. Et c’est correct. Je n’aime pas toutes les choses non plus.

Quelles sont vos expériences de travail pour les oeuvres de performances en milieu communautaire, c.-à-d. votre solidarité gai et votre relation avec FAG ?

Super ! Je suis absolument ravie que tu aies reconnu la performance de QUEER NOISE SOLIDARITY parce que j’ai adoré. QUEER NOISE SOLIDARITY était présenté conjointement par le [Feminist Art Gallery (FAG)] (https://www.facebook.com/FeministArtGallery et FADO Performance art à Toronto. Plus qu’une performance en milieu communautaire, je le classifierais comme un travail de collaboration délibéré et réfléchi. Ce genre de performance me semble amener plus d’ouverture que ce que je faisais. Peut-être que je ne suis pas aussi jovial que j’aimerais être pour certains détails ! Pendant des mois, j’ai filtré une liste de contacts et des pages de Bandcamp avant d’aller vers des gens en particulier pour qu’ils se joignent au groupe de 12 percussionnistes. Tous ceux qui étaient impliqués dans ce travail étaient rémunérés une somme appropriée pour des artistes et ils étaient payés pour répéter. C’est toujours important pour moi. Rita McKoough, ma conseillère, ma collaboratrice, et mon héroïne de l’art performance, elle, travaillait aussi comme ça. Vous gardez la paternité de l’œuvre, mais vous fournissez des occasions significatives –enfin, vous espérez qu’elles soient ainsi- aux gens qui vous aident à réaliser votre vision. La vision qui était un triangle équilatéral de 20 pieds garni des tambours féminins qui se débattent et hurlent avec moi de l’aurore jusqu’au coucher de soleil sur une plaine couverte d’herbe.

Je me suis sentie très connectée avec les gens, très réglo, et très déterminée en faisant cette performance dans ce contexte (et puis je suis retournée à Calgary où les gens doute souvent de l’existence du féminisme haha!) En ce moment, je travaille vers une performance à Régina et à Calgary basée sur des tambours aussi enlevants, mais différents en même temps.

Un jour, j’aimerais faire quelque en milieu communautaire, mais il me semble que ça devrait avoir un focus plus large que si c’était pour un seul gig. Je pense que la clé des projets communautaires est qu’elle sorte des mains de l’organisateur afin de satisfaire une plus grande partie des opinions des collaborateurs, de leurs idées, et de leur esthétique, etc.

Bien que votre travail traite des pratiques d’art traditionnel et à recours à ces dernières, j’ai l’impression qu’il s’agit plus de l’expérience humaine de travailler pour survivre, de vouloir absolument connecter avec les autres, et de lutter contre l’oppression systématique. Yavait-il un processus par lequel votre travail venait plus de ce dernier au lieu de, par exemple, le textile pur et simple, ou étiez-vous toujours plus préoccupé par le dialogue ?

En fait, j’ai des intérêts pour l’art et la théorie de l’artisanat, mais c’est surtout par rapport à la façon dont les gens comprennent les arts, les milieux sociaux dans lesquels les arts sont créés historiquement, et la façon les arts sont faits aujourd’hui. J’utilise les métiers d’arts médiatiques, parce que c’est ce que je fais depuis toujours, parce que j’apprécie ma formation institutionnelle dans le domaine des textiles, parce que l’artisanat est politique à certains égards, et parce qu’au fond, j’aime bien les fils et les choses douces.

Ça m’amuse toujours de voir les gens s’approcher de mes œuvres, parce qu’ils font des choses comme de plisser les yeux et examiner les détails minuscules dans un textile, essayer de trouver un sens dans tout ça, tandis que je n’ai absolument pas pensé à ce détail et c’est moi qui ai créé la chose !

Mes œuvres ont toujours été un entrepôt de contenu émouvant et psychique pour moi. C’est ce qui fait sa richesse, et un point d’entrée solide. Le textile est quelque chose que j’ai peut-être passé des centaines d’heures à fabriquer, mais j’étais préoccupée par beaucoup de choses, telles que de sentir le textile sur mes cuisses au lieu de m’inquiéter de son apparence au fur et à mesure de sa croissance. Je mets de l’art artisanat dans des expositions afin qu’il puisse travailler de concert avec toutes les autres choses—les vidéos, le son, les acteurs, l’espace. En gros, éliminez l’artisanat de l’ensemble de mes oeuvres et ça devient juste un pâle objet anémique. Une fois, Diedre Logue de Feminist Art Gallery a dit quelque chose de très beau par rapport à « vouloir quelque chose avec de l’ADN dessus » comme un souvenir de la performance. Je comprends.

Sanctum :: Silence

SilencebyHugh_MaterSilence-thumb

The conceptual great-great-grandbrainchild of John Cage, Silence is a scrappy space that has become a second home for Guelph’s many improvisers, thinkers, printmakers, creators, discussers, hand-makers, noise lovers, musicians, bookbinders, and experimenters. Though it cut its baby teeth as an ongoing experimental music series housed in the Macdonald Stewart Art Centre, Silence has made its home at 46 Essex (a former auto body shop and chinchilla breedery) and has become a thrumming hub for alternative culture. The building was recently purchased by musicians and enthusiasts Gary Diggins, Daniel Fischlin, Catherine Kormendy, and Martha Nandorfy, and we caught up with Silence’s founder, radical hurdy gurdy player/inventor/composer/coffee roaster Ben Grossman.

Nihilist Spasm Band at Silence, Kazoo! Fest 2014, video by Colin Medley

DE: Silence is a portal for challenging new sounds. What’s important in stretching our ears and sticking with the weird?

BG: What’s important for me as a listener is that I’m constantly surprised by what I hear. I lose interest quickly when I can understand something, I want there to be some mystery and challenge in art and music. I’m also intrigued by this idea that challenging art and music and stuff has some value in stretching humans cognitively and emotionally and politically and socially. That it can serve as a rehearsal for dealing with otherness in the world and coming to appreciate things we don’t understand. So there’s maybe a bigger social or cosmic picture too.

Silence-2

First Show at 46 Essex St., photo by Ben Grossman

DE: You started out by programming sounds, but Silence now encompasses art, politics, and DIY maker culture among other things. Can you tell us a little more about the rhizomatic branching out of this ethic?

BG: I think that had so much to do with becoming a space, instead of just a series—one person can only do so much. But if there’s any ideology behind it, you could connect it to John Cage’s idea that everything is theatre, that the arts interpenetrate whether we intend them to or not. He talks about how no one closes their eyes at a concert anymore, because everything that’s around, whether it’s intended or not, is part of the experience. So it’s only natural that visual, and time-based, and architectural considerations come into play. It’s not just about sound in isolation. Plus, of course, just that’s how shit happened.

Michael Mucci at Silence

DE: The space at 46 Essex is somewhat of a tiny strip-mall (or shall we choose something less troublingly suburban?) of alternative culture in Guelph. It’s been home and host to PS Guelph, Kazoo!, Pinball Sessions, Raft and Map, Department of Lost Records, art shows, theatre, improvisation groups, and many others. How do the organizations involved the communities around them feed each other?

BG: Do they feed each other, or do they simply coexist? They feed each other in a very practical way in that audiences get shared. But there’s also the kind of collaboration which you can’t really plan on that much. I’m really reluctant to even talk about it for fear of calcifying it into something formal. There’re the ad-hoc kinds of things where people come in and see the space, they think that they could do an installation of some prints over here, make some music over there. Those kinds of things that if you tried to organize them would probably fail miserably. But when you just create an empty space for it, it can allow those things to happen if there’s enough of a spirit of anything goes. Those are important things to me: cheap, accessible, dirty (a little bit). They do feed each other, but I’m not sure it’s in ways that could easily be articulated too well. You’re not force-feeding anything to the audience, you’re not even presenting it to them on a platter. You’re just saying, here’s a bunch of stuff: some publishing, some music, some sound, and some video, and you can make something out of it, because you have a brain and you can do it.


Thresholds like these are usually difficult to cross, tied up in commerce, privilege, and expectations. But we walk through this one like it’s a door in our houses, our living rooms, finding comrades and fellow makers on the other side. Mix tape bricks smoke stack high on the roof, exhaling doilies and inexhaustible devotion. Inside wires and weirdos tangle, sparking. Like the space between the rafters, Silence is the charged potential between two notes. A breath-held aperture that invites unruly, abundant co-creation.

Silence – qui pourrait être considéré comme l’héritier conceptuel de John Cage – est un espace morcelé devenu maison d’accueil pour les marginaux de Guelph, tant les improvisateurs, les penseurs, les graveurs, les discuteurs, les artisans, les amateurs de bruit, les musiciens et les relieurs que les expérimentateurs. Après s’être fait les dents en tant que série musicale expérimentale en continu au Macdonald Stewart Art Centre, Silence s’est établi au 46 rue Essex (anciennement un atelier de débosselage et un élevage de chinchilla) et est devenu un centre bourdonnant de culture alternative. La bâtisse a récemment été achetée par Gary Diggins, Daniel Fischlin, Catherine Kormendy et Martha Nandorfy, des musiciens et des passionnés, et nous avons rencontré le fondateur de Silence, l’inventeur/compositeur/torréfacteur de café/joueur d’orgue de Barbarie extrême : Ben Grossman.

Nihilist Spasm Band à Silence, Kazoo! Fest 2014, vidéo de Colin Medley

DE: Silence est un portail pour les sons nouveaux et provocateurs. Pourquoi est-il important de tendre l’oreille et de s’intéresser à ce qui est étrange?

BG: Ce qui m’importe en tant qu’auditeur, c’est d’être constamment surpris par ce que j’entends. Je perds rapidement intérêt quand je peux comprendre quelque chose. Je veux qu’il y ait du mystère et du défi dans l’art et la musique. Aussi, l’idée que l’art provocateur – et la musique et tout ça – ait un rôle à jouer dans le fait d’étendre les capacités sociales, émotives, politiques et cognitives de l’humain m’intrigue. Qu’il serve de pratique pour faire face à l’altérité dans le monde, pour en venir à être sensibles aux choses qu’on ne comprend pas. Alors, il y a peut-être aussi une vision d’ensemble sociale ou cosmique.

Silence-2

Premier spectacle au 46 rue Essex, photo de Ben Grossman

DE: Tu as commencé par la programmation de son, mais Silence touche maintenant entre autres l’art, la politique et la culture artisanale. Peux-tu nous parler un peu des ramifications rhizomateuses de cette éthique?

BG: Je pense que c’est beaucoup dû au fait d’être devenu un espace plutôt qu’une simple série – une seule personne ne peut pas faire tout ce travail. Mais s’il y a une idéologie derrière, elle pourrait être liée à l’idée de John Cage que tout n’est que théâtre, que les arts s’interpénètrent qu’on le veuille ou non. Il parle des gens qui ne ferment plus les yeux durant les concerts aujourd’hui, parce que tout ce qui les entoure fait partie de l’expérience, que ce soit voulu ou non. Alors, il est naturel que des considérations comme l’aspect visuel, temporel et architectural entrent en ligne de compte. Ce n’est pas juste une question d’isolation acoustique. Et puis, évidemment, c’est comme ça que les choses se passent.

Michael Mucci à Silence

DE: Le 46 rue Essex ressemble vaguement à petit centre commercial (ou devrait-on trouver quelque chose évoquant moins une banlieue déconcertante?) pour la culture alternative à Guelph. En plus des expositions, du théâtre et des groupes d’improvisation, l’édifice a notamment accueilli PS Guelph, Kazoo!, Pinball Sessions, Raft and Map et Department of Lost Records. Comment les organisations et les communautés qui les entourent se soutiennent-elles mutuellement?

BG: Est-ce qu’elles se soutiennent ou est-ce qu’elles font simplement coexister? Dans les faits, elles se soutiennent mutuellement puisque le public est partagé, mais il y a aussi un genre de collaboration qu’on ne peut pas vraiment planifier. En fait, j’hésite même à en parler de peur que ça le calcifie en quelque chose de formel. Il y a des fois plus ad hoc où les gens entrent pour voir l’endroit, puis se mettent à imaginer comment ils pourraient faire une installation avec des gravures par ici, jouer de la musique par-là… Ce genre de choses échoueraient sûrement lamentablement si on essayait de les organiser. Mais le fait de créer un endroit libre juste pour ça peut permettre à ces choses de se produire – si on se dit que tout est permis. Ce qui est important pour moi, c’est que ce soit accessible, abordable et sale (un peu). C’est vrai qu’elles se soutiennent, mais je ne suis pas certain que ce soit d’une façon qui pourrait être articulée clairement. On n’essaie pas de gaver le public, on ne lui présente même pas quelque chose sur un plateau. C’est plus de dire : voici un paquet de trucs, des publications, de la musique, du son, quelques vidéos, et tu peux en faire quelque chose, parce que tu as un cerveau et que tu en es capable.


Ce genre de seuils est généralement difficile à franchir parce qu’ils sont trop enchevêtrés dans le commerce, les privilèges et les attentes. Mais ici, on entre comme si c’était la porte de notre maison ou de notre salon pour aller rejoindre des camarades et des collègues-artisans. Une grande cheminée de cassettes s’élève sur le toit, crachant une fumée tissée de dévouement intarissable. Le filage interne et les bizarroïdes se mêlent, créant des étincelles. Comme l’espace entre les chevrons, Silence est le potentiel chargé entre deux notes. Une ouverture créée par un souffle retenu, invitant une cocréation abondante et chaotique.

Silence