Broken Deer is the avant-folk project of Lindsay Dobbin, formerly of Halifax where she played drums with Play Guitar and drone-weirdos Oh, Beautiful! Majestic! Eagle! Lindsay recently relocated to the glorious nature of the Yukon, wherein Broken Deer has become more ethereal, strange, and gnostic. She kindly took the time to answer some questions.

———— Zachary: Not only are you a musician but you are a visual artist as well. Is there a common thread that ties your different approaches of art all together? Even within your music you explore styles that are sonically very different from one another. How do all these different aesthetics, fit you, as one artist? Lindsay: I'm a very young artist. I don't mean "I'm only 26, and that's younger than the majority of the population." No. I mean that I'm still discovering what subjects and mediums interest me. It's all still fresh. Art, and I include music in that, has always been a process of discovery for me. When I moved to the Yukon over a year ago, I didn't bring any instruments with me, only a hand-held tape recorder. I remained open to whatever came into my life. Surprisingly, the first thing that transpired was working with the land. I spent five months on a Yukon homestead, digging potatoes, raising animals, horseback riding, eating. Afterward, I took care of a friend's house and they owned an upright piano. I had rarely played the piano, but that's what was there. I began playing, figuring sounds. New Broken Deer songs like "White Woman" came from that experience. I strongly feel that playing that instrument was a similar process to interacting with the land. It was a means of grounding -- connecting to the unspoken stories in that particular place. So, in short, I think the aesthetic tie in my art is the process, less than a subject matter or medium. And the process is me interacting with a particular place, and all the materials it offers - whether they be a kazoo, crayons, wool or soil - with the intention of finding some truth. I really hope I have that fresh approach my whole life, and not get stuck in a routine. I think an artist can always discover different worlds, transform as a person but create work that is consistent with who they are, even if it be superficially different Your music has a sense of timelessness. You have the ability to create a sound outside genres and trends while remaining very idiosyncratic. Your voice, instrumentation, and aesthetic point to a day gone by, while your recordings and compositional techniques sometimes point ahead. Do you think of Broken Deer as ancient or modern? I don't think of Broken Deer being exclusively ancient or modern. Like you say, the music or sound is not really associated with any particular movement. And I feel that Broken Deer is not entirely music. There are songs, of course, but I place more emphasis on the process of recording. Recording is this private way for me to not only document what I'm doing, but to find sounds that speak from my dreams, different parts of my body, the landscape. Consequently, I don't think these sounds do well blasting through laptop speakers, on the go or during the day. I think the sounds are best represented as close as you can get them, in a dark space - but these things seem to be lacking in our mass modern culture. That is, the spiritual practice of listening and spending time in dark spaces. I really think sensory overload through sounds, visuals and artificial light is directly connected to our loss of wonderment. You seemed to be very influenced by nature. You came from a small town, before moving to a small city, and then further embarked into the isolation of the Yukon where you worked with sled dogs and homesteaded. How does nature emanate itself inside your art?. The emanation of nature is obvious, sure, because I often incorporate field recordings into my compositions. But the influence runs deeper than mimicking or representing. I've always felt strongly impacted by the natural world in a very visceral way. Yes, there are beautiful splendors to witness, but for me it's more about a sense of always being able to take my place in the landscape. Now I could be talking about the surrounding environment, or my own inner territory. The two don't seem separate to me. Like sound, nature is felt in its movements. Things grow. Decay. Die. But, as the Black Eyed-Peas say, "The energy never dies" (although I'm sure they got that from somewhere). I feel very connected to these things, and my sound work is a means for me to play and engage in the slow, sustained process of pulling storied threads from the land and weaving something beautiful. Tell us a little about the music/art scene in Whitehorse. There's a strong music and arts scene here in Whitehorse. It's small, and teetering more on the traditional side, but there is space for more "alternative" ventures. I've found that people are really supportive of others as individuals, and are really open to whatever you have to contribute. I think that's really important. The amount of territorial arts funding helps, too, and makes it possible for artists to focus on their practice full-time. How do you get the sounds that you do? Some of the music sounds as if it’s recorded through a cell phone, with blips and glitches of a lo-grade digital mic. But instead of sounding cold and thin it comes across as warm and deep. The lo-fi grain of your music is very characteristic, why do you prefer the lo-fi sound? I play! Around! Also, I mostly record analogue, using a little hand-held tape recorder. Instead of interacting with the recorder solely as an input device, I employ its shape and physicality. For example, I recorded the drum beat for a new song, "Ivory Tower", by hitting the recorder. The same goes for the tape itself. I've often recorded on tapes with material already present, which leads to unexpected blips, drones. I feel like I'm sculpting rather than recording, and sound is the material. I prefer the lo-fi recording process because of the interaction and element of surprise it provides. I prefer the sound itself because it's the sound of my analogue and earthbound childhood. It is the year 2010, how do you see things and how do you hear the future of Broken Deer? To celebrate this month's new moon, three friends and I went out into the middle of a huge, snow-covered horse pasture. It was dark-dark. We decided that we'd play a game where we'd walk away from each other in the four directions. After many, many paces, we'd close our eyes, turn around, and walk our way back to the center, with no visual aids. We found each other. Then we lit a sparkler. This is how I see 2010.
Broken Deer est le projet avant-trad de Lindsay Dobbin, ancienne habitante de Halifax, où elle a joué de la batterie avec Play Guitar et les drone-tordus Oh, Beautiful! Majestic! Eagle! Lindsey a récemment déménagé à la nature splendide du Yukon, où Broken Deer est devenu plus aérien, bizarre, et gnostique. Elle a gentillement pris le temps de répondre aux quelques questions. ———— Zachary: T’es pas seulement musicienne mais t’est artiste visuel en plus. Est-ce qu’il y a un lien entre tes approches divers d’art? Même dans ta musique tu explores des styles qui sont sonorement énormément différents. Comment sont ces esthétiques différentes d’art en accord avec toi, en tant qu’une seule artiste? Lindsay: Je suis une très jeune artiste. Çela veut pas dire “J’ai seulement 26 ans, et ça c’est plus jeune que la plupart de la population.” Non. Je veux dire que je suis encore en train de découvrir quels sujets et quelles techniques m’intéressent. C’est encore tout frais. L’art, et je classe la musique avec, est toujours un procéssus de découvrir pour moi. Quand j’ai déménagé au Yukon il y a plus d’un an, j’ai amené avec moi aucun instrument, seulement un magnétophone portable. Je restais ouverte à n’importe quoi est entré dans ma vie. Il est surprenant, mais le première chose qui s’est passée, c’était le travail de la terre. J’ai passé cinq mois sur une ferme au Yukon, en déterrant les pommes de terre, élevant des animaux, en chevauchée, en mangeant. Après, j’ai pris soin de la maison d’un ami et il avait un piano droit. J’ai pas vraiment joué beaucoup du piano, mais c’est ce qui était là. J’ai commencé de jouer, de comprendre les sons. Les nouvelles chansons de Broken Deer comme “White Woman” sont venues de cette experience. Je crois vraiment que jouer cet instrument était un procéssus similaire à interagir avec la terre. C’était une façon de m’atterrir -- de s’entendre avec les histoires inexprimées dans ce lieu précis. Alors, bref, je pense que le lien ésthetique dans mon art est le processus, moins qu’un sujet ou une technique. Et le processus, c’est mon interaction avec un lieu, et toutes les techniques qu’il me fournit -- soit qu’il est un mirliton, ou des crayons, de la laine ou du sol-- avec l’intention de trouver quelque vérité. J’espère vraiment que j’ai cette approche fraîche pendant toute ma vie, et que je tombe pas dans une routine. Je crois qu’une artiste peut toujour découvrir des nouveaux mondes, se transformer en tant qu’une personne mais créer les oeuvres qui sont concordantes avec ce qu’il est, même si elles sont différentes superficiellement. Ta musique a l’air d’être intemporel. T’as la possibilité de créer un son hors de genres et de tendances, en restant très idiosyncratique. Ta voix, ton instrumentation, et ton ésthetique suggérent autrefois, alors que tes enregistrements et tes techniques compositionales parfois suggérent l’avenir. Tu penses que Broken Deer est ancien ou moderne? Je pense pas que Broken Deer est exclusivement ancien ou moderne. Comme tu dis, la musique ou le son n’associe pas vraiment avec un mouvement précis. Et je crois que Broken Deer n’est pas complètement de la musique. Il y a des chansons, ben oui, mais je choisis de souligner le processus d’enregistrer. Enregistrer, c’est ma façon private de documenter pas seulement ce que je fais, mais de trouver les sons qui parler de mes rêves, des parties différentes de mon corps, du paysage. Alors, je ne pense pas que ces sons vont bien en marchant à fond des haut-parleurs d’un ordi, sur le pouce, ou pendant le journée. Je pense que les sons vont mieux aussi proches que tu peux les faire, dans un espace noir-- mais notre culture a l’air de manquer ce genre des choses. Ça veut dire, la pratique spirituelle d’écouter et de passer du temps dans les espaces noirs. Je crois vraiment que la surcharge sensorielle grâce aux sons, aux visuels et à la lumière artificielle est liée directement à notre perde d’émerveillement. Tu as l’air d’être très inspiré par la nature. Tu es venue d’une petite ville, avant que t’as déménagé à une grande ville, et puis tu es allée à l’isolation du Yukon où tu as travaillé avec les chiens de traîneau, et t’as travaillé dans une ferme. La nature s’implique comment dans ton art? L’émanation de la nature est claire, oui, parce que j’incorpore souvent les enregistrements en plein air dans mes compositions. Mais l’inspiration est plus profonde que l’imitation ou la répresentation. Je me sens toujours profondement affecté par le monde naturel dans une façon tellement viscérale. Oui, il y a des belles splendeurs auxquelles on peut assister, mais pour moi c’est plutôt le sens d’avoir toujours la capacité de prendre ma place dans le paysage. Alors peut-être que je parle à propos de l’environnement qui m’entoure, ou de mon propre territoire personnel. Pour moi, les deux ne sont pas distincts. Comme le son, la nature montre ses mouvements. Les choses grandissent. Elles se décomposent. Elles meurent. Mais, comme le disent les Black-Eyed Peas, “L’énergie ne meurt jamais.” (mais je suis sûre que quelqu’un d’autre l’a dit en avance.) Je me sens très reliée à ce genre des chses, et mon travail avec les sons est ma façon de jouer et interagir avec le processus lent et soutenu de sortir les fils des histoires de la terre et créer quelque chose de beau. Parle-nous un peu à propos de la scène de l’art et de la musique à Whitehorse. Il y a une grande scène de la musique et de l’art ici à Whitehorse. Elle est assez petite, et elle est plutôt traditionnelle, mais il y a de l’espace pour les entreprises plus “altérnatives”. J’ai trouvé que les gens sont super prêts à soutenir les autres individus, et qu’ils sont très ouverts à ce que tu as à contribuer. Je crois que ça, c’est vraiment important. La quantité des fonds territoriels pour les arts aident, en plus, grâce à laquelle les artistes peuvent se concentrer sur ses pratiques plein temps. Tu les fais comment, les sons que tu crées? Parfois les sons ont l’air d’être enregistrés avec une cellulaire, avec les bips et les pépins d’un micro numérique de mauvaise qualité. Mais au lieu d’ayant l’air froid et fluet, il y a l’air chaleureux et profond. La texture lo-fi de ta musique est tellement caractéristique, tu préféres pourquoi le son lo-fi? Je joue! et je m’amuse! En plus, pour la plupart j’enregistre en analog, avec une petite magnétophone de poche. Au lieu d’interagir avec la magnétophone seulement en tant qu’un appareil d’enregistrement, j’utilise sa forme et sa réalité physique. Par exemple, j’ai enregistré le battement de tambour pour une nouvelle chanson, “Ivory Tower”, en frappant la magnétophone. On dirait la même chose pour la cassette elle-même. J’ai souvent enregistré avec les cassettes qui avaient déjà les enregistrements, qui créent des bips et des bourdonnement pas prévus. C’est comme si je sculpte quelque chose au lieu de l’enregistrer, et le son c’est ma substance. Je préfère le processus d’enregistrement lo-fi parce que il me fournit de l’interaction et un élément de surprise. Je préfère ce genre des sons parce que c’est la bande-son de ma jeunesse analogue et liée à la terre. L’année est 2010, tu vois les choses comment et tu vois comment l’avenir de Broken Deer? Pour célébrer la nouvelle lune de ce mois, je suis allée avec trois amis au milieur d’une pâture des chevaux énorme et enneigée. C’était super-noir. On a décidé de jouer un jeu où on marcherait dans quatre différentes directions. Après qu’on a marché longtemps, on a fermé les yeux, tourné autour, et on a remarché au milieu, sans ouvrir les yeux. On s’est retrouvé. Puis on a allumé un cierge magique. C’est comme ça que j’imagine 2010.