Inferred Views:: DOOMSQUAD

On a hazy late summer afternoon, I met with Jaclyn, Allie, and Trevor Blumas of DOOMSQUAD in Toronto’s Trinity Bellwoods Park. In the end, I walked away with feelings of admiration as well as edification, having experienced the Blumas’ natural ability to conversationally flow into each other. This quality surely informs their approach to composing music. Here’s how it went:

What are some themes you take to influence your music?

Jaclyn: There’s definitely a particular landscape, like … where we go to write the music … and the Canadian landscape in general are big influences for us. So we like to play around with that, and our perspective of it, other people’s perspective of it, and then when it’s seen in books, or what it is today and what it was some other time.

Allie: We also generally bring up lots of books that we’re reading, like four different books at the same time, and draw inspiration from those things that fall as relevant. For example [Trevor’s] reading The Golden Spruce right now, and that kind of became a big influence for some of the songs we were making.

So falling back a lot on literary references?

All: Yeah, huge. Our first album was big on French deconstructionists…

Jaclyn: Now we’re all reading different stuff, but it all relates.

Trevor: But like what Jac was saying about landscape and place [Allie seconds him], that was the biggest, original thing. That’s why we can’t make music here in the city. I mean we might jam it here and stuff, but it’s very place oriented …

Allie: It feels really incomplete when it’s in the city.

So, in a way, you guys need to go to fresher soil? To dig up the dirt, but not gossip dirt. Fertile dirt.

All: Yeah, totally!

Allie: We like the grimy, the rawness.

Trevor: In some sense, our music is an attempt to cut through the bullshit – it is meant to be trancey, it’s meant to be meditative, and we kind of build on deeper themes and we want to take people to that spot. To get there, we need to remove ourselves from all this [gestures at the cityscape] to get on a creative level. If we’re trying to make meditative music, invoke like, what’s that word we were talking about recently? Intense listening?

Deep listening?

Trevor: Deep listening and stuff like that. You need to get to a place where you can actually deeply listen to yourself and your environment. When someone told me that, I thought, well that’s what we’re trying to do. I remember the very thing that sparked [the band] was a conversation about identity and being in a transience of identity, and seeking out new ways of identifying.

Jaclyn: We need a place to move physically, because we always dance to our music, so we need space to do that.

Trevor: … Sorry, but to this going on with this subject. Do you remember that conversation we were having [addressing Allie and Jaclyn] about identity and being in a transience of identity, especially being Canadian suburban white middle class kids, and trying to attach to something with a history, and trying to find a new type of Canadiana, and new world music? … We wanted to open our minds to more of a national dialogue … so it was an attempt to make new music that was uniquely Canadian, but loosely based on the myth of the Canadian wilderness, and it’s entangled with aboriginal stuff (which isn’t ours to claim or comment on). But somehow as a country, we create our own myth and symbols, and then we borrow stuff from aboriginal culture. We looked into a lot of different stuff, especially because it’s such a huge part of the Canadian North, but not to appropriate anything, but just to bring it all together. It’s a very fragile ground.

There’s something about electronic music that inherently allows people to go right past dead and no-longer-needed limitations. You guys were saying you’re from the suburbs … that is the borderland. All kinds of people are born and raised in the borderlands. So it’s extremely important that you commune to the North and with the land, not only to find creative fertility, but also to choose an independent realm not on the borderland, and to transcend ambivalence. I really think electronic music helps with that process.

Trevor: We came into electronic music by playing in rock bands, and it was the perfect format and genre to explore trance and repetition and deep listening, because it can be minimal, but in that, there’s this really potent vessel that can carry you, more than I think it can with a lot of music, like music without words. Michael Gira from Swans was talking to us about this - as soon as there’s a word spoken, it immediately puts the song into a place, into a context, so it can immediately alienate people, whether that’s a conscious effort or not. Just a simple drum and bass, like a deep house song, can be incredibly universal. Just sit someone down, close your eyes … just let your body go to it. Like you were saying, too, you can attach symbols or ideals to sounds, and the electric guitar is a potent thing for American rock music … it frames music. But in electronic music, you can create brand new sounds … like mimicking nature.

But that’s where the paradox is, because you’re using electronic and digital gear, non-organic sounds to mimic the natural ones, and it’s so fascinating to me. I think it’s important to take a meta-step away from that and start to ask what therapy that and repetition can offer the spirit.

Jaclyn: This is another thing we talk about a lot though. The last couple of shows we’ve done have been outside and without much of a sound system … we’re trying to explore ways to mimic our own sound acoustically, and basically build this orchestra of tone. We tried it again differently on (Center) island, and it’s something we’re going to keep trying to do. We’re totally lost in our electronics and we don’t want to be. They’ve been giving us the platform to express ourselves, but we’re held back by them. It’s like, “hey, play your music,” and then [we say]: “ok, great, give me four DI’s, a sub, and eight extension cords, and then you can hear what I do!”

Like your solstice show with Petra Glynt?

All: Yeah….

Can you guys shed some light on your song titles? They remind me of colloquialisms from the future of English. Like “Kalaboogie?”

All: It’s actually named after the place up north, called Calabogie, but in our family we started calling it “Kalaboogie,” ‘cause we boogie down at our cottage.

Jaclyn: We’ve literally taken everything from this land, so this is us giving something back.

So renaming and reinterpretation of the land that influences you?

Trevor: It’s our interpretation of it and [alteration of] it to fit us better. A lot of the lyrics are plays on literary references. “Spirit Head” is a reference to Dada art called “Mechanical Head, The Spirit Of Our Time”.

Jaclyn and Allie: “Ovoo” is actually oboo which is a Mongolian cairn, that you walk around. They’re on the top of the mountain, and they give direction, and you have to walk around them three times for your journey. They’re probably the most beautiful structure I’ve seen in my entire life. They’re made of rocks, and bright colors. They’re trail markers.

So you’ve been to Mongolia?

All: No, I wish!

Jaclyn: We just think they’re so beautiful, so we started imagining what it would be like to see these things up close. Then we were writing this song at the same time, and there was this really circular idea, like we were just going back and forth, and the whole album had that feel, and the album sort of begins and ends sort of in the same place, like when we awaken and close it down. All of the lyrics and stuff came from us thinking about oboo, and people on a journey, because it actually became a massive inspiration for the song.

Allie: And the things that you can encounter on a journey like that. The lyrics in that song are written with that in mind, like for the voice of the river.

This whole Now Age movement and style is all about “hey, we love technology and the internet, but we also love and revere nature.”

Trevor: We did this thing early on in Montreal where, well, the name we don’t really like, but it’s called “Experiments In Modern Primitivism,” and we tried to find a symbiotic relationship between nature and technology. We’d play with these vocal patterns and throw them into a loop, and have a computer algorithm set up … we’d basically generate organic sounds from our bodies and put them into these loops, but once they’re in the loops, the computer algorithm would do whatever it wanted with it, and play it back, and we’d have this …

Call-and-response with the computer?

Trevor: Exactly!

Allie: And we had someone at the computer changing these sounds and loop patterns so it was out of our control. With electronic music you have so many amazing, infinite possibilities but at the same time you’re limited because you’re always plugged in.

Trevor: We love the technology, but also try to find cyborg duality.

Jaclyn: It’s an experiment. We’re trying to figure it out …

Can you tell me anything about your next release or future projects?

Trevor: Well we’re going on tour in the fall with Tanya Tagaq.

Jaclyn: She’s next level, so inspiring … just leading us. She’s like, “people need to know what’s up in the North because there’s some really important shit going on,” but she’s saying this in beat and tone, through her voice. It’s wildly important. So opening for her on her tour is super exciting.

* * *
I’m convinced that, above all else, DOOMSQUAD is about transcendence. They mutually transcend themselves, their upbringing, national identity, and music genres, all in the pursuit of experiencing community. In case you’re curious: Trevor is a Libra, Jaclyn is a Cancer, and Allie is a Virgo.

J’ai rencontré Jaclyn, Allie et Trevor Blumas de DOOMSQUAD parmi les brumes d’une fin d’après-midi estival dans le parc Trinity Bellwoods, à Toronto. Après la rencontre, je suis partie avec une impression d’édification admirative – j’avais pu être témoin de cette capacité qu’ont les Blumas de se fondre l’un dans l’autre par la conversation. Celle-ci influence certainement leur façon de composer de la musique. Voici comment ça s’est déroulé :

Quels sont les thèmes qui influencent votre musique?

Jaclyn : C’est certain qu’il y a des paysages spécifiques, comme… où on va pour écrire la musique… et les paysages canadiens en général sont très importants pour nous. On aime jouer avec ça : notre perspective d’eux, celle d’autres personnes, comment c’est décrit dans les livres ou comment c’est aujourd’hui comparé à ce qu’elles étaient dans le passé.

Allie : Souvent, on apporte beaucoup de livres qu’on est en train de lire – comme quatre livres différents à la fois – pour s’inspirer de ce qui est significatif. Par exemple, [Trevor] est en train de lire The Golden Spruce, alors ça a influencé beaucoup certaines des chansons qu’on faisait.

Donc, vous avez beaucoup de références littéraires?

Tous : C’est sûr. Notre premier album était vraiment axé sur le déconstructivisme français…

Jaclyn : Aujourd’hui on lit tous des trucs différents, mais ça se rejoint.

Trevor : Mais comme ce que Jac disait à propos des endroits et des paysages [Allie approuve], ça c’est vraiment l’influence principale. C’est pour ça qu’on ne peut pas faire de musique ici, en ville. Je veux dire, on pourrait jammer et tout, mais tout est trop pensé en fonction de où on se trouve.

Allie : C’est comme s’il manquait quelque chose quand on joue en ville.

Donc, en quelque sorte, vous avez besoin d’une terre nouvelle? De creuser vous-mêmes, directement dans la terre.

Tous : Ouais, exact!

Allie : On aime ce qui est brut, cru.

Trevor : Dans un sens, notre musique est une tentative d’arrêter toute la bullshit – c’est une musique méditative, de transe, on l’a faite sur des thèmes profonds et c’est là qu’on veut amener les gens. Pour y arriver, on doit se retirer de tout ça [gestes vers l’environnement urbain] pour être créatifs. Si on essaye de faire de la musique méditative, d’évoquer, comme… – c’est quoi le truc dont on parlait récemment? L’écoute intense?

L’écoute profonde?

Trevor : Oui, ce genre de truc. Il faut se rendre à un endroit où c’est vraiment possible de s’écouter, profondément, soi-même et son environnement. Quand j’ai appris ça, je me suis dit, eh bien c’est ça qu’on essaie de trouver. Je me rappelle que ce qui avait fait partir [le groupe] était une conversation sur les identités et leur caractère éphémère, et sur la recherche de nouvelles façons de se définir.

Jaclyn : On a besoin d’avoir de l’espace pour bouger, parce qu’on danse toujours sur notre musique, donc on a besoin d’espace pour faire ça.

Trevor :… désolé, mais pour en revenir au sujet… [à Jaclyn et Allie] Est-ce que vous vous rappelez la conversation qu’on avait eu sur l’identité éphémère, surtout en tant qu’enfant blanc de la classe moyenne vivant dans une banlieue canadienne, et sur le fait d’essayer de se rattacher à quelque chose avec une histoire, de trouver un nouveau type de canadienneté, et une nouvelle musique du monde? … On voulait ouvrir nos esprits à un dialogue plus national… on essayait de faire une musique unique, typiquement canadienne, avec une influence du Canada sauvage mythique et de tous ses trucs amérindiens (qu’on ne veut ni revendiquer ni critiquer). Mais à quelque part, en tant que pays, on crée nos propres mythes et symboles, et pour ça on emprunte des choses à la culture amérindienne. On s’est renseigné sur plein de choses parce que c’est vraiment une grande partie du Nord canadien – toujours dans l’idée de tout rapprocher ensemble, mais pas de se l’approprier. C’est un terrain glissant.

Il y a quelque chose dans la musique électronique qui permet aux gens de dépasser toutes les limites. Vous disiez être de la banlieue… c’est dans la marge. Il y a différents types de personnes qui naissent ou qui sont élevées près des limites. Alors c’est très important que vous communiez avec le Nord et avec la terre, pas juste pour trouver une fertilité créative, mais aussi pour choisir un endroit indépendant qui ne soit pas dans la marge, pour transcender l’ambivalence. Je pense vraiment que la musique électronique aide à le faire.

Trevor : On en est venu à la musique électronique après avoir joué dans des groupes rock. C’était le format et le genre parfaits pour explorer la transe, la répétition et l’écoute profonde puisque c’est minimaliste, et ça permet vraiment de te transporter, plus que bien d’autres types de musiques… comme celle qui n’a pas de paroles. Michael Gira de Swans nous a parlé de ça : dès qu’un mot est prononcé, ça situe tout de suite la chanson dans un contexte précis et ça peut aliéner des gens, que ce soit un effort conscient ou non. Un simple rythme de basse et de batterie de style deep house peut être incroyablement universel. Il suffit de s’asseoir, de fermer les yeux… et de laisser son corps faire le reste. Aussi, comme tu le disais, on peut attacher des idées ou des symboles à des sons, et la guitare électrique est une chose puissante dans le rock américain… ça contextualise la musique. Mais pour la musique électronique, on peut créer des nouveaux sons, imiter la nature…

Et c’est là qu’il y a un paradoxe, parce que vous imitez la nature en utilisant des instruments électroniques et numériques, donc des sons inorganiques. Ça me fascine vraiment. Je pense que c’est important de prendre un méta-recul pour se demander le type d’effet thérapeutique que ça peut avoir quand on ajoute ça à la répétition.

Jaclyn : C’est une autre chose dont on parle beaucoup. Les derniers spectacles qu’on a faits ont été dehors, sans vraiment avoir de système de son. On essaye d’explorer des façons acoustiques de reproduire notre son; en gros, monter tout un orchestre de sons. On a réessayé différemment sur l’île [Center Island], et c’est quelque chose qu’on va continuer de faire souvent. On s’est totalement perdus dans nos électroniques, et on veut que ça change. Ils nous ont donné les moyens de nous exprimer, mais ils nous retiennent. C’est comme, « Hey, jouez votre musique », et là [on dit] : « ouais, OK, il me faut quatre DI, un haut-parleur, huit rallonges et après, tu vas pouvoir entendre ce que je fais! »

Comme pour le spectacle du solstice avec Petra Glynt?

Tous : Ouais…

Est-ce que vous pouvez m’éclairer sur vos titres de chanson? Ils me font penser à un anglais du futur. Comme, « Kalaboogie »?

Tous : En fait, c’est le nom d’une ville où on a un chalet, au nord. Elle s’appelle Calabogie, mais on dit « Kalaboogie » dans notre famille parce qu’on y danse le boogie.

Jaclyn : On a pris littéralement tout ce qu’on a de cette terre, c’est notre façon de redonner quelque chose.

Donc, renommer et réinterpréter la terre qui vous influence?

Trevor : C’est notre façon de l’interpréter [/l’altérer] pour qu’elle nous convienne mieux. Une grande partie de nos paroles jouent avec des références littéraires. « Spirit Head » est une référence à une œuvre dada appelée L’Esprit de notre temps — Tête mécanique.

Jaclyn et Allie : « Ovoo », c’est en fait oboo, c’est un cairn mongol. Ils indiquent les directions au sommet des montagnes, et il faut en faire le tour trois fois avant de poursuivre le voyage. C’est probablement la plus belle structure que j’ai vue de ma vie. C’est comme une balise, faite de pierre et de couleurs vives.

Alors, vous êtes allés en Mongolie?

Tous : Si seulement!

Jaclyn : On les trouve juste tellement beaux, on s’est mis à imaginer de quoi ça aurait l’air de les voir de près. Pendant qu’on écrivait cette chanson, il y avait cette idée de circularité, comme si on tournait en rond, et cette impression émanait de tout l’album. L’album commence et finit en quelque sorte de la même façon, comme quand on se réveille et qu’on le ferme. Les paroles et tout ça nous sont venus en pensant à un oboo, à des gens en voyage, parce que c’était vraiment devenu la source d’inspiration de la chanson.

Allie :… et des choses que l’on croise en voyageant comme ça. Les paroles ont été écrites avec ça en tête, comme pour la voix de la rivière.

Donc, en fait, tout ce mouvement Now Age est à propos de « oui, on aime la technologie et l’internet, mais on aime aussi révérer la nature ».

Trevor : On avait fait un truc il y a longtemps à Montréal. On n’aime pas vraiment le nom, mais c’était des Expérimentations de primitivisme moderne, et on essayait de trouver une relation symbiotique entre la nature et la technologie. On jouait avec des rythmes vocaux en les faisant tourner en boucles, et on avait utilisé un algorithme sur un ordinateur… En gros, on générait des bruits organiques avec notre corps, on les faisait tourner en boucle et rendu là, l’algorithme de l’ordinateur faisait ce qu’il voulait avec et nous le rejouait ensuite. Ça donnait un…

Un appel-réponse avec l’ordinateur?

Trevor : Exactement!

Allie : Et on avait quelqu’un à l’ordinateur qui changeait les sons et la fréquence, pour que ça reste hors de notre contrôle. La musique électronique donne vraiment une infinité de possibilités géniales, mais en même temps, elle est limitante vu qu’il faut toujours rester branché.

Trevor : On adore la technologie, mais on essaye aussi de trouver la dualité du cyborg.

Jaclyn : C’est une expérience, on essaie des trucs…

Est-ce que vous pouvez me parler de vos projets ou de votre prochain album?

Trevor : Eh bien, on part en tournée cet automne avec Tanya Tagaq.

Jaclyn : Elle est vraiment quelque chose d’autre, c’est tellement inspirant. Elle est comme « il faut dire aux gens ce qui se passe dans le Nord, parce qu’il y a vraiment des affaires importantes qui se passent », mais elle le dit avec le son et le rythme, avec sa voix. C’est vachement important. Alors, faire sa première partie en tournée, c’est vraiment excitant.

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Je suis convaincue que DOOMSQUAD est avant tout une question de transcendance. Ils se transcendent mutuellement – leur éducation, leur identité nationale, leur genre de musique – dans la recherche d’expérimentation et de nouvelles communautés. Et si vous êtes curieux : Trevor est balance, Jaclyn est cancer et Allie, vierge.