Category: Inferred Views

Inferred Views :: Rae Spoon

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Released in early 2016, Armour by Rae Spoon is a magnificent album composed of ten highly anticipated tracks, following up their six previous albums. Considered one of Canada’s best singer-songwriters, Rae Spoon’s Armour is an astoundingly intimate and beautiful compilation of works. Sitting down with Rae, we discussed queerness in music, influences, and more. As a fellow queer musician, talking to Rae and experiencing firsthand the upfront way in which they discuss themself and their music was a true pleasure.

What is your creation process?
Mostly I just hang out around my house doing other stuff until I suddenly start writing songs. I’m not really sure how it happens, but I try not to mess with it.

When creating music, do you strive for a particular theme, or do you aim for a more go-with-the-flow, organic type of feeling?
It depends on where I am in the process of making an album. Sometimes early songs come out of certain situations, but then later on I do end up going for a unified feeling so that the album is cohesive.

How did you begin making music?
I started playing guitar when I was 12, and pretty soon I was writing my own songs. It just happened pretty naturally, I guess.

Are there pieces of the Montreal arts and culture scene that penetrate and/or influence your music?
When I lived in Montreal, I think that being in a city that had such a strong arts scene definitely influenced my music and gave me a lot of space to create.

What emotions would you say you try to evoke?
I’m not sure that I do try to evoke any emotions, to be honest. My music is how I emote, so if people end up connecting to those feelings then I’m doing my job.

How do you feel being queer influences your art and your connection to it?
I’m not sure that it informs my music more than anyone’s sexuality informs their music.

How would you say your music has changed over the years?
I definitely use a lot more electronic beats and programming than I did ten years ago, and in the last few years I’ve been moving to using more organic sounds as electronic beats, so I’m always kind of changing it up.
Are there any works you are particularly proud of?
Whatever I’ve done most recently tends to be what I’m most invested in, so I guess right now it’s Armour. That being said, I do move on to my next project pretty quickly, so maybe it’s the stuff I’m working on now. I also don’t usually feel proud about what I make, I just have to make it and then if people like it and listen to it I’m happy.

Who is your favourite local artist?
I spend a lot of time all over Canada, so it’s hard to say what’s local and what’s not for me. I think LAL is an amazing band.

What is the most recent thing you’ve been listening to? Is there something you’re planning on bumping all summer long?
The most recent band I listened to is a British group called Jesus and His Judgmental Father.

What is your dream show bill?
Dolly Parton and Beyoncé.
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Sorti au début de l’année 2016 et suite d’une série de six albums, *Armour* de Ray Spoon est formé de dix magnifiques chansons très attendues. Comptant parmi les meilleurs auteurs-compositeurs-interprètes du Canada, Rae Spoon a créé une belle compilation d’œuvres étonnamment intime. En entrevue avec Rae, nous avons discuté de la représentation allosexuelle dans la musique, de ses influences et bien plus. Étant moi-même un artiste allosexuel, j’ai eu un réel plaisir à converser avec Rae et d’avoir été témoin de son franc-parler sur sa personne et sa musique.

**Quel est ton processus de création?**

La plupart du temps, je flâne à la maison, à faire autre chose, jusqu’à ce que je mette soudain à écrire des chansons. Je ne sais pas trop comment ça arrive/se produit/se fait, mais je ne cherche pas à comprendre. [à le provoquer/bousculer/précipiter/hâter]

**Quand tu crées de la musique, cherches-tu à aborder un thème de prédilection ou à te laisser porter par le courant?**

Ça dépend où j’en suis dans la conception de l’album. Il arrive parfois que les chansons hâtives proviennent de certaines situations données. Puis, par après/ensuite, je choisis finalement d’unifier les sentiments que suscitent celles-ci pour que l’album soit cohérent.

**Comment as-tu commencé à faire de la musique?**

J’ai commencé à jouer de la guitare quand j’avais 12 ans. Et bien assez tôt, je composais mes propres chansons. Ça m’est venu tout naturellement, j’imagine.

**Y a-t-il des aspects appartenant à la scène artistique et culturelle de Montréal qui marquent ou influencent ta musique?**

Je pense que le fait d’avoir vécu dans une ville comme Montréal, ayant une scène artistique si forte a influencé sans l’ombre d’un doute ma musique et m’a donné beaucoup de liberté de création.

**Quelles émotions tentes-tu d’évoquer dans ta musique?**

Je doute que j’essaie/je ne cherche pas à d’évoquer quelque émotion que ce soit, honnêtement. Ma musique est la façon dont j’exprime mes émotions. Donc, si le public finit par s’identifier/se reconnaître/connecter à ces sentiments, alors mission accomplie.

**Comment/De quelle façon l’allosexualité influence-elle ton art et ta relation à l’égard de ce dernier?**

Je ne crois pas que l’orientation sexuelle façonne plus ma musique que celle d’une autre personne.

**Comment ta musique a-t-elle changé/évolué au fil des ans?**

J’utilise beaucoup plus de rythmes électroniques et de programmation comparativement à ce que je faisais il y a dix ans. Au cours des dernières années, j’ai commencé à utiliser plus de sons organiques comme les rythmes électroniques, de sorte que je change constamment.

**Éprouves-tu de la fierté pour des œuvres en particulier?**

Tout ce que j’ai fait récemment à tendance à être ce dans quoi je m’investis le plus. Donc, je suppose que, présentement, c’est *Armour*. Cela dit, je change de projet pas mal vite, donc peut-être est-ce ce sur quoi là-dessus que je travaille maintenant. Aussi, je ne tire pas particulièrement de fierté de ce que je fais, il me suffit de le faire/je n’ai qu’à le faire et si les gens aiment ce qu’ils écoutent/entendent, ça fait mon bonheur.

**Qui est ton artiste local préféré?**

Je passe beaucoup de temps d’un bout à l’autre du Canada. Par conséquent, il m’est difficile de déterminer ce qui est local de ce qui ne l’est pas. Je trouve que LAL est un groupe exceptionnel.

**Quelle est la toute dernière chose que tu as écoutée? Y a-t-il une chose sur laquelle tu comptes te déhancher tout l’été?**

Le dernier groupe que j’ai écouté est un quatuor britannique du nom de Jesus and His Judgmental Father.

**Quel serait ton spectacle de rêve?**

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Inferred Views :: Mothlight

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Mothlight has been a fixture in the Montreal independent DIY music scene for years. Booking house shows, festivals, tours and sold out concerts in Montreal and across Canada, Mothlight has adhered to the vision of hosting community-oriented, not for profit events that showcase talent in relaxed, inclusive and safe(r)spaces. Not being able to distinguish whether you’re in a friend’s kitchen or at a concert has its advantages. We caught up with Daniela Madrid – the shadowy mastermind behind Mothlight – to shed some light on her creation.

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How did Mothlight begin?

Mothlight started out in November 2014, mostly as a house show concert series. We wanted to make an inclusive and serene space for people to play. The more shows we booked, the more a sense of community it started to build. From then on we branched out in Montreal with different DIYs and established organizations, communities, venues and galleries to book events. Some of these spaces were Le Plante, Poisson Noir, Articule and our own personal home that had a jam space in the basement (mothlight ☷ ʇɥƃılɥʇoɯ), . We also put on shows with local promoters Blue Skies Turn Black and Suoni per Popolo this past summer. We booked tours during that time and still continue to help bands touring Canada who reach out to us. Our latest event was in Vancouver at the Red Gate Arts Society on January 5th with Hallow Moon, Kim Gray & Zuzu’s Petals.
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What are the motivating factors behind what you do?

I’m a freelance graphic designer, so it’s a foundation for that. To be happy – Laughs – Our goal has always been to create an inclusive, comfortable performance space so that people who are anxious about displaying their music feel comfortable. We tend to focus on new and emerging musicians – Women/men, POC, non-binary people. We try to make a platform for artists, allowing them to be themselves. Having a safer space really helps the growth and evolution of music/arts. The music really blooms as a result.

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The intimate house show concept seems to really help with that.

We try to create a serene, vital setting. The atmosphere is important which is why each event brings in some aspects of herbal and aromatic medicine to set that ideal state. Very dim lighting with candles and herbal incense. It makes for a good feeling in the space for people to come into and makes them feel very much at ease. When people come in they talk about how relaxed they feel and sometimes even ask what is being used. We are bringing our lifestyle to the community in a sense — the shows draw from a lot of different crowds, every show is different. It’s not just focused on one scene, there is a lot of variety.

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Is the house show aesthetic something you’re still focused on?

Yes, a bit. Right now we’re focused on booking events both in Montreal & Vancouver. Helping with bands who need assistance with their tours as well as new artists that would like to branch out. It’s nice to help and makes it easier for emerging bands to make it across the country. The more we are expanding, the harder it can be to strictly adhere to the house show aesthetic – but whenever possible we bring the laid-back-calm atmosphere back, especially in Montreal which already has such a beautiful art community.

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You decided to donate all of the proceedings from a recent show to the protestors at Standing Rock. Not a lot of bookers would do such a thing. Kudos!

Yes, fundraising is definitely something we are doing more and more of. The last show at Casa del Popolo with Kristian North was great! One of the members is about to head to the protest. I wanted to show support for their journey, the movement as a whole and in solidarity. In that same week we had also collaborated with the artist-run center known as Articule for a Feminist Cocktail Party fundraiser. One of the curators had mentioned that it was a first for the gallery to host music there and now we’re looking forward to working with them again in the new year. At the end of the day, we pay all the artists as well as we can, trying to keep in mind the professional aspect and the artist’s values. Having it DIY also makes it a lot easier.

If one were interested in booking a show with you, how could they get in touch?

If you’re interested in booking a show or tour you can reach out to Daniela Madrid and her business partner SK (wishes to be anonymous but responds as well) at [email protected]
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Mothlight représente un pilier de la scène musicale indépendante DIY de Montréal depuis des années. En organisant des « house shows », des festivals, des tournées et des concerts bondés à Montréal et à travers le Canada, Mothlight a maintenu sa vision d’origine, c’est-à-dire de promouvoir des talents émergents au sein d’évènements communautaires et sans but lucratif, toujours dans des environnements inclusifs, sécuritaires et détendus. Il y a des avantages à ne pas pouvoir distinguer si on est dans la cuisine d’un ami ou dans un véritable concert. On a rencontré Daniela Madrid – le génie énigmatique derrière l’opération Mothlight – afin d’y jeter un peu de lumière.

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Comment Mothlight est né?

Mothlight a débuté en Novembre 2014, tout d’abord comme une série de « house shows. » On voulait créer un espace plus inclusif et serein pour que les gens puissent jouer. Plus on organisait des shows, plus on ressentait qu’on était en train de bâtir une communauté. De fil en aiguille, on a créé des liens avec d’autres organismes DIY, ainsi qu’avec des salles et des galeries plus établies. On a mis sur pied des shows à La Plante, au Poisson Noir, à Articule, et dans notre propre sous-sol, où il y avait un espace pour jammer (mothlight ☷ ʇɥƃılɥʇoɯ), On a aussi collaboré avec des promoteurs locaux comme Blue Skies Turn Black et Suoni per Popolo l’été passé. On a organisé des tournées, et on continue à aider des bands qui nous contactent lors de leur passage au Canada. Notre évènement le plus récent a eu lieu au Red Gate Arts Society, le 5 janvier avec Hallow Moon, Kim Gray & Zuzu’s Petals.

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Quels sont les facteurs qui vous motivent à poursuivre Mothlight?

À la base, je suis conceptrice graphique indépendante. Afin d’être heureux – (rit) – notre but a toujours été de créer des espaces de concert inclusifs et confortables, pour que ceux qui sont anxieux d’afficher leur musique se sentent plus à l’aise. On se concentre sur les musiciens nouveaux et émergents – femmes/hommes, personnes racisées, personnes non-binaires. On essaie de créer une plateforme qui permet aux artistes d’être eux-mêmes. Plus les espaces sont sécuritaires, plus ils favorisent la croissance et l’évolution de la musique et des arts. Ça permet à la musique d’éclore.

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Le concept de « house show » intime semble aider avec ça…

On essaie de créer un contexte serein et vital. L’ambiance est primordiale – c’est pour cette raison qu’on agrémente chaque événement de plantes médicinales et aromatiques. On veut fournir les conditions idéales : lumière tamisée, chandelles, encens. Ça amène un bon feeling dans l’espace et ça met les gens à l’aise. Les gens nous parlent du fait qu’ils se sentent détendus et nous demandent le nom des herbes que nous utilisons. De cette façon, on intègre notre style de vie dans la communauté. Les shows rassemblent des gens de contextes divers, et chaque évènement est différent. On essaie de ne pas trop se restreindre à une seule scène, mais plutôt d’encourager la variété.

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Êtes-vous toujours attachés à l’esthétique du « house show »?

Oui, un peu. Pour l’instant, on concentre nos efforts sur la planification d’évènements à Montréal et à Vancouver. Aider les bands qui ont besoin d’un coup de main avec leurs tournées, ainsi que les nouveaux artistes qui veulent se lancer. Ça fait du bien d’aider, et ça permet aux bands émergents de traverser le pays. Plus on grandit, plus c’est difficile d’adhérer strictement au model du « house show » – mais autant que possible, on ramène l’atmosphère décontractée et calme. C’est particulièrement simple à Montréal où il y a déjà une si belle communauté artistique.

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Vous avez décidé d’offrir tous les revenus d’un show récent aux manifestants de Standing Rock. Rares sont les bookers qui poseraient ce genre de geste. Kudos!

Oui, on entreprend de plus en plus de levées de fonds. Le dernier show à Casa del Popolo avec Kristian North était incroyable! Un des membres du band allait se joindre à la manif de Standing Rock. Je voulais soutenir son voyage et démontrer ma solidarité avec le mouvement en entier. Cette même semaine, on a collaboré avec le centre d’artistes autogéré connu comme Articule pour un cocktail party féministe – une autre levée de fonds. Une des curatrices a mentionné que c’était la première fois que la galerie accueillait un show. On a hâte de poursuivre notre collaboration avec eux dans la nouvelle année. Au bout du compte, on paie les artistes autant qu’on peut, en restant professionnels et en gardant les valeurs de l’artiste en tête. La vibe DIY facilite les choses.

Si quelqu’un veut booker un show avec vous, comment il/elle vous contacterait?

Si vous voulez organiser un show ou une tournée, vous n’avez qu’à contacter Daniela Madrid et son partenaire d’affaires SK (désire rester anonyme mais répondra aux courriels) à [email protected]
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Inferred Views :: Cuchabata Records

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Cuchabata records began approximately 25km away from the island of Montréal in a small francophone town called Salaberry-de-Valleyfield, Quebec. In the early 2000s, Valleyfield incubated a particular bout of weirdness resulting in some of the cool and unusual work featured on Cuchabata. This weirdness nurtured the strange sounds of Valleyfield native and Cuchabata founder David Dion.

Now residing in Montréal, Dion is the renaissance man organizing and operating most of this DIY dance voluntarily (and often single-handedly). He began the label, unbound by any expectations of gross success, as a means to put out his own work. Dion quickly partnered up with many like minded musicians to create a community based on spontaneity, experimentation, and DIY ethics.

We met to converse on getting started, building a community beyond the confines of monetary exchanges, and bridging the perceived void between Montréal’s francophone and anglophone art scenes.

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(Illustration by: David Dugas Dion)

Why did you start Cuchabata Records in 2003, and why do you keep going? Have the reasons changed?

In the beginning I wanted to produce my own stuff. I never had an expectation of making money or signing a huge number of bands; it was mostly just for my own bands and friends who play music.

Then I moved to Montréal and became friendly with many more musicians. I was interested in producing their work because the label had turned into a community, not a business. It’s mostly about friendship. I still produce a lot of my own stuff, but I’ve also met a lot of new people and bands through the label. I want to put out bands that I think are great. Through this process, friendships grow. It’s not much more complicated than that. It’s really about passion.

What does curation mean to you when it comes to your label?

There isn’t a typical style of music on the label. There’s folk, noise, free improv, punk, etc. It’s all about my own perception, because I like all of these genres. I mostly encourage music that is not conventionally considered “easy listening,” because there are plenty of labels that produce music that’s easy to listen to. However, I’m still open to conventional rock, folk, or whatever, if it’s good and the people in the band are like-minded.

I don’t really search for new bands, simply because I’m really busy with the label. I don’t have to do a lot of searching – there is always new stuff to produce, even without bringing new people onto the label. Many people on the label have several bands. Sometimes it doesn’t work, but most of the time it does, because people know what to expect.

Once you’ve determined that a band is a good fit, how do you decide how involved you will be in their process?

When I meet a band, I tell them that I will do what I can with the time and energy that I have. They tell me their plan for the next year, and I work with them to accomplish that. I can help them with booking, touring, recording, or mixing.

Outside of the label, I work 40 hours per week in an office, plus I have the bands that I play in. I also have a life.

The bands know it’s a community, and they’re expected to participate too. I try to put the same energy into every band, but it’s easier if the band does a lot for the community by sharing on social media, mentioning the label frequently, supporting other bands on the label, and so on. There are some bands that don’t do this as readily as others.

What advice do you have for a band who has never worked with a label before? What behaviours make a band easy or desirable to work with?

Everyone can give something. If a band is searching for a certain service, an artist might connect people. If a band is coming from out of town, someone on the label might offer a place to stay. For another example, if someone in a band also writes for a publication, I can give them a tape and they will definitely write about it. Just simple things that create relationships of sharing between people.

The only thing I ask of the bands is that I am the only person who manages outreach, like newsletters and emails. We don’t want to flood people with information, so I know that if I’m the only one handling communications with media we won’t overwhelm people with our outreach. I’m the sole communicator between media and the bands, and I’m the only one who manages the label’s Facebook, Bandcamp, and newsletter.

After twelve years, it’s getting to the point where people are beginning to know who our label is, and I’m really proud of that.

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Photo by: Mertin Hoëk

Tell me about Cuch Fest.

In 2006 the first Cuch Fest took place. At that time, the label was still operating out of Valleyfield. I didn’t plan to do it every year, but we have been doing it every year since. It’s usually at the end of the year, and it’s sort of a party to celebrate everything that we have done.

We host it in a different place every time. The first one was at a buffet restaurant in Valleyfield. Bars wouldn’t host it because patrons at the bars would think that most of our music was garbage. They wanted ACDC cover bands – the kind of thing that’s hot in Valleyfield.

Up until two years ago, it was always a one night thing.Two years ago it was two nights, and last year it was four nights. So it continues to grow.
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(Poster by: Tommy Johnson)

What is it like working with both French and English bands in Montréal?

I think it’s a reality that sometimes there are two solitary communities. However, there are some people who are making an effort to book these nights with French and English bands together at venues like Brasserie Beaubien. At these shows, people just have to be in the same room together and they have to meet each other. At one point they find out that it’s only a language barrier and the cultural difference is not so big.

(For a cinematic exploration of the bilingual scene, you can check out the documentary Montreal Underground on Dion’s recommendation.)

What other local, DIY-style labels are you excited about?

Misery Loves Company and Talking Skull.

So, where is Cuchabata Records at now?

When I started in 2003, I had a little 4-track at home. I wanted to record my music and produce it on a CD-R to send music to labels and things. But I realized that if I’m going to produce myself, it’s cooler to have a label. I learned all of these things as I went. The first couple of years I sucked at everything. The recordings are awful and the artwork isn’t great. I think that it took a good five to seven years to make something good. I took that time to learn about doing press, booking tours, and all of that kind of stuff, and I’m still learning. It’s an ongoing process. The label is le petit train va loin: the small train doesn’t go very fast, but it goes. In regards to Cuchabata Records: right now it’s better than ever in every way.

Cuchabata Records a démarré à 25 km de l’île de Montréal approximativement, dans une petite ville francophone appelée Salaberry-de-Valleyfield, Québec. Au début des années 2000, Valleyfield a couvé une poussée de bizarrerie particulière, qui a mené à certaines des oeuvres cools et insolites parues chez Cuchabata. Cette bizarrerie a façonné les sons étranges du fondateur de Cuchabata, David Dion, un natif de Valleyfield.

Résidant maintenant à Montréal, Dion est l’homme à tout faire qui organise et opère volontairement (et le plus souvent seul) le plus gros de ce ballet DIY. Libre de toute attente de succès brut, le label a été lancé initialement comme une façon de faire paraître son propre travail. Rapidement, Dion s’est allié à d’autres musiciens partageant des affinités d’esprit, pour créer une communauté fondée sur la spontanéité, l’expérimentation et l’éthique DIY.

On s’est rencontrés pour parler de se lancer et de bâtir une communauté par-delà les limites des échanges monétaires, ainsi que de combler le fossé qui est perçu entre les scènes artistiques francophone et anglophone de Montréal.

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(Photo par: David Dugas Dion)

Pourquoi as-tu lancé Cuchabata Records en 2003, et pourquoi continuer? Les raisons ont-elles changé au fil du temps?

Au début, je voulais produire mes propres affaires. Je ne me suis jamais attendu à faire de l’argent ou à signer un grand nombre de groupes; c’était surtout juste pour mes propres groupes et des amis qui jouaient de la musique.

Puis j’ai déménagé à Montréal et je me suis lié d’amitié avec encore plus de musiciens. Produire leurs oeuvres m’intéressait parce que le label était devenu une communauté, pas une entreprise. C’est surtout une question d’amitié. Je produis encore beaucoup de mes propres trucs, mais j’ai rencontré aussi un grand nombre de gens et de groupes via l’étiquette. Je veux mettre de l’avant les groupes que je trouve très bons. À travers ce processus, des amitiés se développent. C’est pas bien plus compliqué que ça. C’est une question de passion.

Qu’est-ce que la direction artistique signifie pour toi, quand il s’agit de ton label?

Il n’y a pas un style de musique typique sur le label. Il y a du folk, du noise, de l’improvisation libre, du punk, etc. Ça repose sur ma propre perception, parce que j’aime tous ces genres. J’encourage surtout la musique qui n’est pas conventionnellement considérée comme « facile d’écoute », parce qu’il y a beaucoup d’étiquettes qui produisent de la musique facile à écouter. Néanmoins, je demeure ouvert au rock et au folk conventionnels – ou autres, peu importe – pourvu que ça soit bon et qu’il y ait des affinités avec les membres du groupe.

Je ne cherche pas vraiment de nouveaux groupes, simplement parce que je suis très occupé avec le label. Je n’ai pas à faire beaucoup de recherche : il y a toujours de nouveaux trucs à produire, même sans ramener de nouveaux individus au sein du label. Plusieurs personnes sur l’étiquette ont plusieurs groupes. Parfois, ça ne fonctionne pas, mais la plupart du temps ça marche, parce que les gens savent à quoi s’attendre.

Après avoir déterminé qu’un groupe a le bon profil, comment définis-tu ton niveau d’implication dans leur travail?

Quand je rencontre un groupe, je leur dis que je ferai ce que je peux avec le temps et l’énergie que j’ai. Ils me font part de leur plan pour l’année à venir et je travaille avec eux pour qu’il s’accomplisse. Je peux les aider avec le booking, les tournées, l’enregistrement ou le mixage.

En dehors du label, je travaille 40 heures par semaine dans un bureau, en plus des groupes dans lesquels je joue. Et j’ai une vie, aussi.

Les groupes savent que c’est une communauté et qu’il est attendu qu’ils participent également. J’essaie de fournir autant d’énergie à chaque groupe, mais c’est plus facile si le groupe en fait lui-même une bonne part pour la communauté en partageant sur les réseaux sociaux, mentionnant l’étiquette fréquemment, soutenant les autres groupes du label, etc. Il y a des groupes qui ne le font pas aussi volontairement que d’autres.

Quel conseil donnerais-tu à un groupe qui n’a jamais travaillé au sein d’un label auparavant? Quels comportements rend faciles ou désirables le fait de travailler avec un groupe?

Tout le monde peut apporter quelque chose. Si un groupe est à la recherche d’un service en particulier, un des autres artistes peut s’occuper de connecter les bonnes personnes. Si un groupe n’est pas de la ville, quelqu’un sur l’étiquette peut offrir le gîte. Pour donner un autre exemple, si quelqu’un dans un des groupes écrit aussi pour une publication, je peux lui donner une cassette et il va assurément écrire là-dessus. Des choses toutes simples qui créent des relations de partage entre les individus.

L’unique chose que je demande aux groupes, c’est d’être la seule personne qui gère les communications externes, comme les bulletins d’information et les courriels. On ne veut pas inonder les gens d’information, donc si je suis le seul à manier les relations médiatiques, je sais qu’on ne surchargera personne avec nos communications. Je suis le seul intermédiaire entre les médias et les groupes et le seul qui gère la page Facebook, la page Bandcamp et le bulletin d’information du label.

Après douze ans, on en arrive au point où les gens commencent à savoir qui nous sommes en tant que label et j’en suis très fier.

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(Photo par: Mertin Hoëk)

Parle-moi du Cuch Fest.

Le premier Cuch Fest a eu lieu en 2006. À cette époque, l’étiquette opérait encore à partir de Valleyfield. Je ne planifiais pas de le faire chaque année, mais depuis on le fait tous les ans. C’est en général vers la fin de l’année; c’est une sorte de fête qui célèbre tout ce qu’on a réalisé.

On l’organise dans un lieu différent chaque fois. Le premier était dans un buffet, à Valleyfield. Les bars ne voulaient pas l’accueillir parce que leurs propriétaires trouvaient que notre musique méritait d’être jetée aux poubelles. Ils voulaient des groupes qui font des hommages à ACDC – le genre de chose qui avait la cote à Valleyfield.

Jusqu’à il y a deux ans, c’était toujours l’affaire d’une seule soirée. Il y a deux ans, ça a été deux soirs, et l’an dernier, quatre. Donc, ça continue de croître.
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(Affiche par: Tommy Johnson)

C’est comment de travailler avec des groupes autant francophones qu’anglophones à Montréal?

Je pense que c’est bien une réalité, qu’il y a parfois deux communautés solitaires. Il y a toutefois certaines personnes qui s’efforcent d’organiser des soirées avec des groupes francophones et anglophones ensemble, dans des salles comme la Brasserie Beaubien. Dans ces concerts, les gens doivent partager la salle et se rencontrer. À un certain point, ils se rendent compte que ce n’est qu’une barrière linguistique et que la différence culturelle n’est pas si grande.

(Pour une exploration cinématographique de la scène bilingue, Dion vous recommande de jeter un coup d’oeil au documentaire Montreal Underground.)

Quels autres labels locaux de style « DIY » t’enthousiasment?

Misery Loves Company et Talking Skull.

Avec tout ça, où en est Cuchabata Records en ce moment?

Quand j’ai commencé en 2003, j’avais un petit « 4-track » à la maison. Je voulais enregistrer ma musique et la produire sur CD-R, pour envoyer de la musique à des labels, ce genre de choses. Mais j’ai réalisé que si j’allais m’autoproduire, c’était plus cool d’avoir mon label. Les premières années, j’étais nul dans tout. Les enregistrements sont terribles et le graphisme, pas génial. Je pense que ça a pris un bon cinq à sept ans avant de faire quelque chose de bien. J’ai pris ce temps pour apprendre à gérer les relations de presse, organiser des tournées, tout ce genre de trucs, et j’apprends encore. C’est un processus continu. Notre label est un petit train qui va loin : le petit train ne roule pas très vite, mais il roule. En ce qui concerne Cuchabata : c’est mieux que jamais, en ce moment, sur tous les plans.

Far Shores // Inferred Views :: An Interview with Justin Gordon

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Justin Gordon at the “Hot Mess” comic launch at INCLINE/DECLINE fest in Guelph.

Cartoonists Justin Gordon and Megan Arnold met up at Incline/Decline Fest last summer, where Justin launched their most recent comic project, “Hot Mess.” Together they found a nice tree on a hill during some downtime to talk about Justin’s work—new and old—their tattoos, and their hometown of Guelph, Ontario.

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You had something up for Kazoo! Fest 2015, and I noticed there’s still a little bit left of it in Dis-A-Ray.

Yeah, the owner of Dis-A-Ray, Ray Mitchell, lends his window space to Kazoo! each year. I had a series of freestanding four-foot wood panels, and I cut the shapes out around them and painted the background so it was three-dimensional but still very flat and illustrative. It’s called “The Sun Comes Through the Glass” and it was sort of a play on still lives, like recreating still lives and the idea of stillness coming into windows. I was kinda feeling like Kazoo! and festivals like Incline/Decline are so fast-moving that it’s nice to have those breathing points.

In comparison to other places that you’ve lived, how do you feel about the Guelph art scene?

There are some great illustrators here. It’s very small and very friendly. I feel very connected to other people who draw things and make animations. Marc Bell and Amy Lockhart were also living here for the last six or seven, maybe eight years. Having them living down the street from me really shaped the way that I think about art.

I can definitely see their influence in your style.

Yeah, there was a lot from Marc and Amy. But there’s also younger illustrators, and a few people who do silkscreening. I’ve had some good collaborations with people and everyone is very receptive. Because it is a smaller city, things can have a big impact, and it keeps people working. I find it very laid-back here, in a way, where I think that maybe I’m craving an inner-city, confrontational thing, or like making art in response to other people. Whereas here it’s sort of like “everything is cool and nothing sucks,” and I wouldn’t want to be the person that makes a response piece to someone. But I think that really helps generate an idea flow and some kind of lineage between people. But maybe I’m just romanticizing being a painter in an era that I couldn’t fathom.
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1. Sun Comes Through The Glass (window installation, Kazoo! Festival, Guelph 2015)

2. Sketch for upcoming project. 3. En Masse painting for NXNE (toronto, 2015) collaborators include: Jason Botkin, Waxhead, Bonar, Snail, Jerry Rugg.

What was your process like while working on “Hot Mess,” which was launched at Incline/Decline?

It was very much in this way of re-enacting a 9-to-5 job but over a comic book. I was diligent with it. I was also considering a lot of feminist theory and queer theory and identity politics – like the way people express feeling about their bodies in change and transition. I felt like I was listening to a lot of people talk about how they fit into social spaces and how they fit into their bodies, so I was just trying to re-enact that through a lighthearted, accessible comic book, and trying to relate that with softer shapes and identifiable figures. It took me a month to make. I kind of wanted to make it as a classic comic book, where it’s 6”x8” and 24 pages, and has nice opening credits.

Are themes of bodies and queer/feminist theory something that you work with a lot, or was it just a focus for “Hot Mess”?

I think they are. I’m trying to abstract a lot of things. It was a really big instigation for “Hot Mess.” I feel like it’s important for me to solidify my identity within that before I even start making things. There’s really few reminders to breathe and drink enough water and rest and take time for yourself before you jump the gun and start to produce something.

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Hot Mess and Paperback Museum.

Do you have any more books planned?

My next book is gonna come out with Swimmers Group in Toronto and I’m gonna build things out of clay and paint more panels and take photos of them. I’d really like to have it be more like a gut instinct, or more about feeling than trying to maintain a certain format for it. ‘Cause I think it’s fun to play and good for your health to just experiment.

Is this one gonna have a narrative to it?

I think it’s gonna be a lot of short pieces, allowing the narratives to come up with different mediums, like having painting be contained in its own colour schematic and placement, and then switching it for pencil drawings. Just allowing things to collect themselves. I’m going to school in Montreal next year to study art theory. It’s sort of fun watching things change, and everything that you do recreates, reconstructs and informs what you would do after. And I think that’s why it’s funny to do an interview because I don’t have any answers.

That’s okay! Do you know when your next book will be done?

No. I might take some time with it. I might really feel it out. I feel like it’s easy for me to get into production mode and lose the content a bit. Living in a cabin in the woods over the summer has given me enough space to look at what I’ve been doing and what things are about. So I’m gonna try to keep this small part of me that’s like, “You’re still in your cabin in the woods. Don’t rush it.”

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Justin’s tattoo of a Patrick Kyle drawing.

Are there any of your contemporaries that you think people should know about?

Yeah! What Alicia Nauta is doing with the Klassic Kool Shoppe is the best. Folks should all know about Colour Code Printing – they do the best work. I like what Boogerbrie is doing. They seem really rad, and are really working with femininity in panel comics. Jesi the Elder is forever the best. I’m always a really big fan of what Patrick Kyle does. There’s a lot of amazing and totally inspiring people. There is a subcultural community that has such amazing characters in it. It’s really why I wanna make things ever, is just to be able to engage with those people.

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*Justin Gordon au festival Incline/Decline à Guelph pour le lancement de la bande dessinée « Hot Mess » *

Les caricaturistes Justin Gordon et Megan Arnold se sont retrouvés au festival Incline/Decline l’été dernier, où Justin a lancé son plus récent projet de bandes dessinées s’intitulant « Hot Mess ». Ils se sont installés sous un arbre sur une colline lors d’une pause afin d’échanger sur les projets récents et précédents de Justin, ses tatouages, et sa ville natale de Guelph en Ontario.

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Vous avez fait quelque chose pour le festival « Kazoo » en 2015, et j’ai remarqué qu’il en reste encore un peu chez « Dis-A-Ray ». 

Oui, chaque année, le propriétaire de « Dis-A-Ray », Ray Mitchell, prête la vitrine de son commerce comme espace publicitaire à Kazoo!. J’avais une série de panneaux en bois mesurant quatre pieds de hauteur et j’ai coupé des formes autour et peint l’arrière-plan afin de donner une certaine illusion tridimensionnelle en gardant le tout plat et explicatif. Il est appelé « The Sun Comes Through the Glass » pour donner une apparence en quelque sorte d’inactivité et de bien recréer l’idée de l’immobilité qui entre par les fenêtres. Je me sentais un peu comme « Kazoo » et ce genre de festival comme Incline/Decline est en constant mouvement, il est agréable d’avoir ces moments de pause.

Quelle est votre opinion de la scène artistique à Guelph comparé aux endroits où vous avez déjà habité?

Il y a d’excellents illustrateurs ici. C’est très intime et très sympathique. Je me sens très lié avec d’autres dessinateurs et ceux qui font de l’animation. Marc Bell et Amy Lockhart ont également demeurés ici depuis six ou sept ans, peut-être même huit ans, et j’ai eu le plaisir de les côtoyer pendant plusieurs années. Ils ont influencé la façon dont je vois les arts par leur proximité.

Leur influence se démontre définitivement dans votre style.

Effectivement Marc et Amy ont donné beaucoup. Il y a aussi de jeunes illustrateurs et quelques personnes qui font de la sérigraphie. Il y a un bel esprit de collaboration et les gens sont très ouverts. Puisqu’il s’agit d’une petite ville, beaucoup de choses peuvent avoir un gros impact, ce qui peut encourage les gens à continuer leur travail. Je trouve ça très décontracté ici, au point d’avoir le gout d’un affrontement dans la ville en quelque sorte ou bien de réaliser des créations en réaction aux autres. Ici par contre, tout semble être cool, il n’y a rien de déplaisant et je ne voudrais pas semer de la controverse en réagissant à quelqu’un, mais je crois que ceci sert à générer des idées et un certain historique entre nous. Peut-être que j’idéalise être peintre dans une époque mystérieuse.

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1. Sun Comes Through The Glass (installation de vitrine, Festival Kazoo, Guelph 2015)

2. Dessin pour un projet futur 3. La peinture « En Masse » pour le NXNE (Toronto 2015) les collaborateurs inclus : Jason Botkin, Waxhead, Bonar, Snail, Jerry Rugg

Expliquez-nous le cheminement du projet « Hot Mess » lancé au festival Incline/Decline?

C’était pas mal un travail de recréer une journée de travail de 9h à 17h, mais dans la création d’une bande dessinée avec des idées de théories féministes et queer et aussi de politique identitaire. Un peu comme la façon dont les gens s’y prennent pour s’exprimer sur l’évolution de leur physique lors de transition et de changement. J’avais le sentiment d’écouter tout le monde parler de la façon dont ils se situent dans les espaces sociaux et comment ils s’adaptent à leur image corporelle. C’est d’essayer de tout reconstituer par le biais d’une bande dessinée accessible et plaisante tout en tentant de relier l’ensemble avec des formes plus souples et des silhouettes reconnaissables. Ça m’a pris un mois pour la réaliser. J’ai voulu créer une bande dessinée classique de 6’’x 8” de 24 pages, avec un générique d’ouverture agréable.

Travaillez-vous beaucoup avec les idées de théories féministes et queer et avec les corps ou bien était-ce un projet unique pour « Hot Mess » ?

Je crois que oui et j’essaie de rendre abstraites beaucoup de choses. Ce fut un facteur motivateur pour « Hot Mess ». J’ai l’impression que c’est important pour moi de solidifier mon identité même avant que je me mette à créer quelque chose. Il faut prendre le temps de respirer, s’hydrater et se reposer avant de faire le saut vers une création.

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Hot Mess et Paperback Museum.

Avez-vous d’autres livres de planifiés ?

Mon prochain livre verra le jour avec la collaboration de Swimmers group à Toronto dont le but est de fabriquer des objets avec de l’argile et de peinturer plus de panneaux et de les prendre en photo. J’aimerais être plus spontané et faire confiance à mon intuition au lieu de garder la même tendance. Je crois que l’expérimentation est très plaisante et bonne pour la santé.

Est-ce qu’il y aura une narration?

Je pense que ce sera de courts extraits avec des récits qui diffèrent selon la plateforme. C’est comme une peinture ayant ses propres couleurs et son propre lieu pour ensuite faire le virage vers des dessins au crayon et voir comment ça se passe. L’année prochaine, je serai à Montréal pour suivre des cours sur la théorie des arts. Je m’amuse à voir les choses changer, car tout ce que l’on fait aujourd’hui nous amène aux créations de demain et à nos aspirations futures. Pour moi, c’est drôle de faire des entrevues, car je n’ai pas les réponses.

C’est correct ! Savez-vous quand votre prochain livre sera terminé ?

Non. Je prendrai le temps qu’il faut. Je vais y aller intuitivement. C’est trop facile pour moi de me mettre en « mode production » et de perdre du contenu. Avoir passé du temps dans un chalet dans le bois pendant l’été m’a donné la chance de me retrouver et de découvrir la vérité. Alors sans trop me ruer, je vais tenter de rester fidèle à moi-même.

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Le tatouage de Justin basé sur un dessin de Patrick Kyle.

Voulez-vous reconnaitre certains de vos camarades ?

Oui! J’aime beaucoup ce que Alicia Nauta fait avec Klassic Kool Shoppe. Tout le monde devrait connaitre le travail d’impression par code de couleur. C’est un travail impeccable. J’aime aussi les créations de Boogerbrie. Ils se démarquent par leurs vignettes avec un point de vue féministe. Jesi the Elder est l’une des meilleurs. J’ai une grande admiration pour le travail de Patrick Kyle. Il y a plein d’artistes qui sont une source d’inspiration incroyable. Il y a une communauté subculture qui a des superbes personnages. C’est pourquoi je fais des créations, afin de pouvoir côtoyer ce genre de personnes.

Inferred Views :: The Nihilist Spasm Band

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The Nihilist Spasm Band have been playing every Monday night in London, Ontario for 50 years, but you won’t find them receiving any star spangled celebrations on television for their lifetime achievements. This is because the NSB were the first band in Canada (and, as it’s generally accepted, the world) to consistently and intentionally play the hated music, the despised music, the music of torture, and the music of alienation: noise music. To this day, they continue to play that lovely noise the same way they always have – spasmodically, nihilistically, together as a band.

It couldn’t be more appropriate that The NSB joined forces with their longtime collaborator, free jazz legend Joe McPhee, who joined them in a trio of shows in Toronto, London and Guelph: noise has always been the evil cousin of free jazz. You couldn’t find two more hated spawns of modern sound in a room of musical movements and genres than free jazz and noise rock. Not even uncle avant-garde could inspire so much reactionary despising. It could be said that the NSB has always thrived on negativity as much as realism and humility, but they’re not angry. “We were not angry in the ’60s and we are not angry now,” says Art Pratten, the NSB’s de facto spokesman and one of its founders. “We were all having a good time. The Nihilist Party we were members of took the party aspect very seriously.”

Music historians are hard pressed to pin down other groups tapping similar musical veins as far back as 1965, and even early Canadian innovators such as multi-disciplinary artist Michael Snow and Toronto avant-garde group Intersystems were still a few years away from making their marks in sound at this early crest of the ’60s subcultural tidal wave. “We were all greatly influenced by kindergarten rhythm bands and Guy Lombardo,” admits Pratten, when I ask him what they were listening to at the time.

The bleak, hopelessly disparate sounds of The NSB are not for the faint of heart. During their time, they’ve offended a lot of unsuspecting audiences with their heady cacophony and staunch nihilism. Pratten recalls one show in particular where concertgoers were driven into an angry uproar that got brought up onto the stage once the show had commenced. “Guelph, back in the late ’60s,” remembers Pratten. “We were booked as the final and professional act at Guelph University. Amateur Night.”

On the other hand, there have been countless good times along the way. “Playing Europe for the first time in 1969. Playing Japan. Any of the No Music Festivals,” which the NSB organized in London. “Jamming with R.E.M.,” lists Pratten.

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Michael Stipe endorsements notwithstanding, the NSB have never let themselves become preoccupied with petty ideas of capitalist success. “If we have played this Monday and are going to play next Monday night, all is well,” says Pratten. “The NSB has a short attention span, so all we ever plan to do is play next Monday night and that has carried us for 50 years.”

Le Nihilist Spasm Band joue chaque lundi soir à London (Ontario) depuis 50 ans; mais on ne les verra jamais participer à une cérémonie télévisée pour recevoir un prix – remis par une célébrité – en l’honneur de l’ensemble de leur carrière. Pourquoi? Parce que le NSB a été le premier groupe au Canada (et, d’après l’opinion générale, dans le monde) à jouer invariablement et intentionnellement cette musique de torture et d’aliénation haïe et méprisée qu’est la musique noise. À ce jour, ses membres continuent de jouer de ce doux bruit comme ils l’ont toujours fait : spasmodiquement, nihilistement et ensemble, en tant que groupe.

Rien de plus approprié pour le NSB, donc, que d’allier ses forces à celles de son collaborateur de longue date, la légende du free jazz Joe McPhee, qui l’a rejoint pour un trio de concerts à Toronto, à London et à Guelph – le noise a toujours été le cousin démoniaque du free jazz. Vous ne pourriez trouver deux rejetons de la modernité sonore plus détestés dans le spectre des courants et des genres musicaux. Même tonton avant-garde ne pourrait inspirer autant d’aversion réactionnaire. Or, on pourrait dire que le NSB s’est toujours épanoui dans la négativité, au moins autant que dans l’humilité et le pragmatisme, toutefois ses membres ne sont pas en colère. « Nous n’étions pas fâchés dans les années 60 et nous ne le sommes toujours pas maintenant », déclare Art Pratten, un des fondateurs du NSB et son porte-parole de facto. « On se payait du bon temps. Le Parti nihiliste dont nous étions membres prenait le volet party très au sérieux. »

En étudiant des groupes puisant dans une veine musicale similaire, les historiens de la musique peuvent difficilement remonter plus loin que 1965 – et à ce stade précoce du raz-de-marée sous-culturel des années 60, même les premiers innovateurs canadiens tels que l’artiste multidisciplinaire Michael Snow et le groupe d’avant-garde torontois Intersystems ne feraient leur marque sonore que quelques années plus tard. « Nous étions grandement influencés par les groupes rythmiques d’écoles maternelles et par Guy Lombardo », admet Pratten, lorsque je lui demande ce qu’ils écoutaient à l’époque.

Les sons mornes et désespérément disparates du NSB ne sont pas pour les cœurs sensibles. À travers son histoire, il a offensé un grand nombre d’auditoires mal préparés avec son nihilisme fervent et cette cacophonie entêtante. Pratten se souvient d’un concert en particulier où, une fois le spectacle commencé, le public s’est transformé en un tollé furieux qui s’est rendu jusque sur la scène. Pratten se rappelle que c’était à « Guelph, à la fin des années 60. Nous étions engagés en tant que numéro final et professionnel pour clore la soirée amateur de l’Université Guelph. »

D’un autre côté, il y a eu d’innombrables bons moments tout au long du chemin : « Jouer en Europe pour la première fois en 1969. Jouer au Japon. N’importe quel festival No Music, que le NSB organisait à London. Jammer avec R.E.M. », énumère Pratten.

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Malgré le soutien de Michael Stipe, le NSB n’a jamais été intéressé par l’insignifiante idée d’une réussite capitaliste. « Si on a joué ce lundi soir et qu’on jouera lundi prochain, tout va bien, affirme Pratten. Le NSB a une capacité d’attention courte, donc tout ce qu’on planifie, c’est de jouer le prochain lundi soir, et ça nous a porté pendant 50 ans. »

Inferred Views :: Paterson Hodgson

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Paterson Hodgson fronts London, ON rock band So Young, but she has much more on her plate than that. An outspoken feminist and an organizer of London Girl’s Rock Camp, she’s a real inspiration. She’s an artist, is responsible for the Rag Bag Bazaar craft fair, and her work has always aimed to engage and include the community. “Come as you are” never sounded more true.

You were part of the Open House Arts Collective. Is the project still running? How does it work?

Everyone was kinda moving on and it stopped, but we did exist for 3 years. It was pretty fun! We had a record label where we put out local bands. We printed the CDs and covers ourselves, and then we had a music festival called OH! Fest which happened for 3 years. I was the artistic director of the festival. I booked most of the bands for that and for the shows that we put on.

What happened to OH! Fest? Why did it end?

We had OH! Fest twice in the spring. Open House Arts Collective actually disbanded right before the third one, but it still happened because there was a partnership with some other people. That one was bigger; it was outside and it was in the Fall. I really like putting on shows, but I sort of stopped doing that. I didn’t have my band at the time I was doing Open House, so I would focus more on my visual art, where I do illustration and posters and stuff.

What is the importance for you of this connection with community?

I like being involved in community, especially Canada-wide. It’s awesome and exciting bringing bands to London that are from other places, that are interesting. I love touring to other scenes and seeing what’s happening there. I was more involved in the music scene as a promoter, and now I’m more involved as a band and it’s super different. As an artist I feel like I’m in the backseat, sort of, but I’m still part of a lot of different things. I run a craft fair here in London called the Rag Bag Bazaar. I started thinking about different kinds of people in London who are interesting and cool, but maybe don’t wanna go to a concert, so I started researching a thing called day culture. It’s a pretty simple idea, but it felt kinda radical to me. I thought, “Oh! Events during the day? That’s really cool!” so I started the Bazaar three years ago. I realized that I could reach a lot more people. The music scene really caters toward people who like drinking and staying up late, who maybe don’t have family, or who are able-bodied. There aren’t many venues in London that are wheelchair accessible, and so all of the Rag Bag Bazaars have been in wheelchair accessible places. As a result, I get tons of different people out to those events, people that are all differently abled and all different ages, and that’s really cool.

Your lyrics have very strong messages. Do you see writing music as a way to make a statement?

I don’t think songs work as a medium to get a message out. I don’t think a song about something is as important as an activist or somebody working to change laws. But I do try to write about things that are not necessarily written about a lot. Things that are important to me. I do like the idea of inspiring. It sounds kind of arrogant, but I like the idea of inspiring other women. I think it’s cool that I’m a girl in a rock band, but when I write songs that are also about my lived experience I think I have more of a connection to other women. My songwriting changed a lot in the last few years. I guess it went from more cute or fun songs to now, where I’m trying to be sort of sarcastic.

How do you see London’s art and music scene?

London is always kind of up and down; it’s always in a wave. Everywhere is, but maybe it’s a little more extreme in London. Sometimes I feel like I’m not gonna get any time to do anything in a month except go to shows, but then there will be months where nothing happens. Right now it feels exciting to be in London. There are a lot of cool bands and there are a lot of people putting on shows, which I feel is one of the things that really makes a scene. The bands are great and can put on their own shows, but as soon as you start getting regular people booking gigs (instead of promoters that are into money), you end up with a way better music scene.

How do you see the situation of women in Canadian music and arts at the moment?

There are more girls in bands all the time, and I always feel like the more girls there are in bands, the more girls who start bands. Once a cool new band starts with a girl in it, three more crop up. It happens all the time, and it kind of comes in waves. I think girls are doing awesome in Canada right now; there’s so much solidarity. There are ingrained attitudes in every aspect of societies, so it’s not just in music. It’s everywhere. If the education, business, and arts worlds are still sexist, then so is the music world. There are these small pockets where it’s a lot better: some really amazing punk scenes that are super inclusive and really good at dealing with all different kinds of oppressive behavior. I think as it becomes easier to be a woman in music there’s going to be more women in music. It’s hard to call out sexism when you’re by yourself. Maybe no one else will recognize it. But when there’s a bunch of you, it’s way easier to say “this happened,” and someone will back you up. I can’t imagine what it would be like to be a person of color when something happens and there’s just a bunch of white people around. So as scenes get more diverse, it does get better: everyone becomes more accountable because there’s less of an imbalance.

What are your projects for the future?

They mostly involve my band, So Young. Our founding guitar player moved to New Brunswick, and so the lineup changed a bit. I’d like to record as soon as possible now that we have the new line up nailed down. I’ve planned on changing the sound a little bit, going slightly heavier. I wouldn’t say punk, but maybe a little bit more punk? I don’t know, but I can see it happening, so I’d like to record that soon.

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Paterson Hodgson est à la tête du groupe rock So Young de London (Ontario) mais elle s’occupe aussi de bien d’autres choses. Féministe qui ne mâche pas ses mots et coordinatrice du London Girl’s Rock Camp, elle est une vraie inspiration. Elle est artiste, responsable de la foire artisanale Rag Bag Bazaar, et ses oeuvres ont toujours cherché à mobiliser et à inclure la communauté. « Come as you are » n’a jamais sonné aussi authentique.

Tu faisais partie du Open House Arts Collective. Le projet est-il toujours actif? Comment ça marche?

Tout le monde est un peu passé à autre chose et ça s’est arrêté, mais nous avons en fait existé pendant 3 ans. C’était pas mal le fun! On avait un label grâce auquel on faisait la promotion de groupes locaux. On imprimait les CD et les pochettes nous-mêmes. Ensuite on a eu un festival de musique appelé OH! Fest qui a eu lieu pendant 3 ans. J’étais la directrice artistique du festival. Je programmais la plupart des groupes pour le festival et pour les spectacles que nous organisions.

Qu’est-ce qui est arrivé à OH! Fest? Pourquoi a-t-il pris fin?

Nous avons organisé OH! Fest deux fois pendant le printemps. Les membres d’Open House Arts Collective se sont en fait séparés juste avant le troisième, mais il a quand même eu lieu parce qu’il y avait un partenariat avec d’autres gens. Celui-là était plus grand; il s’est passé en plein air et durant l’automne. J’aime beaucoup organiser des spectacles, mais j’ai un peu arrêté ça. Je n’avais pas mon groupe à l’époque où je me suis impliquée au sein de Open House, ce qui fait que je me concentrais davantage sur mon art visuel qui me permet de faire de l’illustration, des affiches et d’autres choses.

Quelle est l’importance pour toi de cette connexion avec la communauté?

J’aime être impliquée auprès de la communauté, surtout au niveau pan-canadien. C’est trippant de faire venir des groupes à London qui viennent d’ailleurs, qui sont intéressants. J’adore faire la tournée d’autres scènes et de voir ce qui se passe là-bas. J’étais plus impliquée dans la scène musicale en tant que promotrice, et maintenant je suis davantage impliquée en tant que membre d’un groupe musical et c’est très différent. En tant qu’artiste j’ai un peu l’impression d’être au second plan mais je fais toujours partie de nombreux projets différents. Je dirige une foire artisanale ici à London appelée le Rag Bag Bazaar. J’ai commencé à réfléchir aux différents types de gens à London qui sont intéressants et cool, mais que ça ne tente pas forcément d’aller à un concert. J’ai commencé à faire des recherches sur un truc qui s’appelle la culture du jour. C’est une idée pas mal simple, mais ça me semblait un peu radical. J’ai pensé, « Oh! Des activités pendant la journée? C’est vraiment cool ça! » alors j’ai commencé le Bazaar il y a trois ans. Je me suis rendue compte que je pouvais atteindre beaucoup plus de monde. La scène musicale sert vraiment les intérêts de ceux qui aiment boire et veiller tard, qui n’ont peut-être pas de famille, ou qui sont valides. Il n’y a pas beaucoup de salles à London qui sont accessibles en fauteuil roulant, alors tous les Rag Bag Bazaars ont eu lieu dans des sites accessibles en fauteuil roulant. En conséquence, je reçois un tas de gens différents à ces évènements, des gens qui ont tous des habiletés différentes et de tous les âges, et ça c’est vraiment cool.

Tes paroles véhiculent des messages puissants. Vois-tu la composition musicale comme une façon de faire une déclaration?

Je ne pense pas que les chansons servent de médium pour transmettre un message. Je ne crois pas qu’une chanson à propos de quelque chose soit aussi importante qu’un activiste ou quelqu’un qui travaille pour changer les lois. Mais j’essaie en effet d’écrire au sujet de choses qui ne sont pas nécéssairement souvent abordées. Les choses qui me sont importantes. J’aime l’idée d’inspirer. Ça a l’air arrogant, mais j’aime l’idée d’inspirer d’autres femmes. Je trouve ça cool d’être une fille dans un groupe de rock mais lorsque j’écris des chansons qui sont également au sujet de mon vécu, je trouve que j’ai davantage une connexion avec d’autres femmes. Ma composition a beaucoup changé au cours des dernières années. On est passé de chansons plutôt cute ou l’fun à mes chansons actuelles, où je tente d’être du genre sarcastique.

Comment trouvez-vous la scène artistique et musicale de London?

London est toujours un peu fluctuante avec des hauts et des bas. C’est comme partout, mais peut-être que c’est un peu plus extrême à London. Des fois j’ai l’impression que je n’aurai pas le temps de faire quoi que ce soit en un mois si ce n’est aller voir des spectacles, mais ensuite il y aura des mois pendant lesquels il ne se passe rien. En ce moment, je me sens excitée d’être à London. Il y a de nombreux groupes cool et il y a beaucoup de gens qui montent des spectacles, ce qui je crois est essentiel à ce qui constitue une scène. Les groupes sont superbes et peuvent monter leur propres spectacles, mais dès que des gens ordinaires (plutôt que des promoteurs qui s’intéressent à l’argent) se mettent à programmer des spectacles, on se retrouve avec une bien meilleure scène musicale.

Comment vois-tu la situation des femmes dans la musique et les arts canadiens en ce moment?

Il y a de plus en plus de filles dans des groupes et je trouve que, plus il y a de filles dans des groupes, plus cela donne envie à d’autres filles de faire partie d’un groupe. À chaque fois qu’un nouveau groupe cool voir le jour avec une fille comme membre, il y en a trois autres qui surgissent. Ça arrive tout le temps, et ça vient un peu par vagues. Je crois que les filles réussissent très bien au Canada présentement; il y a tellement de solidarité. Il y a des attitudes enracinées dans tous les domaines de la société, pas juste en musique. C’est partout. Si les mondes de l’éducation, des affaires et des arts sont toujours sexistes, alors le monde de la musique l’est aussi. Il y a des petites poches où les choses vont beaucoup mieux : certaines scènes punk vraiment extraordinaires qui sont hyper inclusives et vraiment bonnes pour faire face à toutes sortes de comportements oppressifs. Je crois qu’au fur et à mesure que cela deviendra plus facile d’être une femme en musique, il y aura plus de femmes en musique. C’est difficile de critiquer le sexisme quand on est toute seule. Peut-être que personne d’autre ne le reconnaitra. Mais lorsqu’on est plusieurs, c’est beaucoup plus facile de dire « voilà ce qui est arrivé » et quelqu’un te soutiendra. Je ne peux pas imaginer à quoi ça ressemblerait d’être une personne de couleur lorsqu’il arrive quelque chose et il qu’il n’y a qu’une foule de blancs présents. Alors au fur et à mesure que les scènes deviennent plus diversifiées, les choses s’améliorent : chacun devient plus responsable parce qu’il y a moins de déséquilibre.

Quels sont tes projets pour l’avenir?

Ils impliquent surtout mon groupe, So Young. Notre guitariste fondateur a déménagé au Nouveau-Brunswick, ce qui fait que notre line-up a un peu changé. J’aimerais enregistrer dès que possible maintenant que nous avons le nouveau line-up dans la poche. J’ai prévu changer un peu notre son, de virer légèrement plus heavy. Je ne dirais pas punk, mais peut-être un peu plus punk? Je ne sais pas, mais je peux l’imaginer, alors j’aimerais enregistrer ça bientôt.

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So Young – He Had It Coming

So Young – Sixteen

Inferred Views//Ex Libris :: Worst Case Ontario

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Worst Case Ontario is a poetry reading tour covering the St. Lawrence basin and the Northeastern USA. The tour wound down in Ottawa on August 29th. While in Toronto, wordsmiths dalton derkson, Jessica Berbenek, JC Bouchard, Julie Manell, and JM Francheteau spoke to us about their trek:

Your work seems to hold a peculiar fascination for having nasty, messy, meaty, pointy bodies in pathological spaces. Thanks.

JB: I don’t think we could say it much better than that. I definitely think that’s something that ties us together in terms of the subject matter. Dalton and JC chose everyone for the tour.

dd: There’s a gutter, small town, grittiness in all of our works, so good eye on that.

JMF: I think a lot of writing, or creative writing, comes from feeling different from people, or from feeling that you can’t explain some aspect of your experience to others, so I think in my case poetry came out of not wanting to constantly be explaining myself. I could just take things that were powerfully and at times inexplicably charged with significance to me, that suggested something that I couldn’t quite articulate, and then share that. So that fits with those elements of anxiety about the body, or about how you socially fit in with other people.

What happens when all of that gets in the van?

JB: It’s what we’re all scared of.

JCB: We actually don’t know yet. This is the first time we’ve all been together outside of a chat or a digital communication, JM: It worked out well in the virtual van

JCB: In the virtual van, it worked out well. We don’t know what will happen, but I think it will be just as good.

dd: It’s going to be a real fun Ford Fusion, for sure

JMF: Or something like that.

JB: We only have the one driver, which I think will be interesting.

Do you have a dream tour manifesto? If you were going to be like the Futurists and say why you’re doing this tour, to put it in really hyperbolic language, what would you say?

JCB: Should we huddle first?

dd: I’m just gonna throw one thing, and then just people fuckin’ spitball off it or whatever. So my whole thing with JC was: don’t wait around for someone else to do it, just do it. Do it yourself. Set it up and go with it. If it’s something you want to do, then put in the effort and do it, and it will probably turn out.

JM: We’re more powerful together than we are alone at this stage in our writing.

JCB: I hope in the future it may serve as an example to young or emerging poets – or whoever – that they can do the same too, and it’s not as hard and daunting as some people might think. I mean, it takes a lot of work, but it’s doable. So don’t be afraid.

JM: But also no one will ever do it again.

Worst Case Ontario est une tournée de lecture de poésie qui s’est donnée dans le bassin du Saint-Laurent et dans le nord-est des États-Unis. La tournée a pris fin à Ottawa le 29 août dernier. Lorsqu’ils étaient de passage à Toronto, les artisans des mots dalton derkson, Jessica Berbenek, JC Bouchard, Julie Manell, et JM Francheteau se sont entretenus avec nous pour nous parler de leur périple:

Votre travail semble vouer une fascination particulière aux corps sales, désordonnés, étoffés et pointus au sein d’espaces pathologiques. Merci.

JB: Je ne crois pas que nous pourrions mieux le dire. Je crois définitivement que c’est quelque chose qui nous unit ensemble par rapport à notre matière. Dalton et JC ont choisi toutes les personnes pour la tournée.

dd: Il y a bel et bien un élément de gouttière, de petite ville, de quelque chose qui grince dans toutes nos oeuvres, bien vu.

JMF: Je crois que beaucoup d’écriture, ou d’écriture créative viennent quand on se sent différent des autres, ou quand on se sent incapable d’expliquer un aspect de nos expériences aux autres. Alors je pense que dans mon cas, la poésie est sortie de mon désir de ne pas avoir à constamment m’expliquer. Je pouvais simplement prendre des choses qui étaient puissantes et parfois très chargées de signification pour moi, qui suggéraient quelque chose que je ne pouvais articuler, et ensuite partager tout cela. Alors, ça permet d’expliquer ces éléments d’anxiété à propos du corps, ou de la façon dont on s’adapte socialement avec d’autres personnes.

Qu’arrive-t’il quand tout cela entre dans la fourgonnette?

JB: C’est ça qui nous fait peur.

JCB: Nous l’ignorons en ce moment. C’est la première fois que nous sommes ensemble en dehors d’une causerie, d’une discussion électronique.

JM: Ça fonctionnait bien dans la fourgonnette virtuelle.

JCB: Là, c’était correct, nous ne savons pas ce qu’il arrivera, mais je crois que ce sera aussi bon.

dd: Ce sera une Ford Fusion plaisante, c’est certain.

JMF: Ou l’équivalent.

JB: Et nous avons un seul conducteur, ce qui promet d’être intéressant.

Avez-vous un rêve d’une tournée de genre manifeste? Si vous étiez comme des Futuristes, et disiez pourquoi vous faites cette tournée, pour l’expliquer en langage compliqué, que diriez-vous?

JCB: Est-ce qu’on fait un caucus?

dd: Je vais lancer une autre chose, et les gens pourront l’utiliser pour brainstormer, ou peu importe. Mon affaire avec JC est ceci: n’attend pas que quelqu’un d’autre le fasse, fais-le. Fais-le toi-même. Prépare le nécessaire et va. Si c’est quelque chose que tu veux faire, mets l’effort et fais-le, et ça ira certainement bien.

JM: Nous sommes plus puissants ensemble que seuls à cette étape de notre écriture.

JCB: J’espère que dans le futur, ce sera un exemple aux jeunes ou nouveaux poètes, ou peu importe, qu’ils peuvent faire pareil, et que ce n’est pas aussi difficile et intimidant que les gens croient. Je veux dire, c’est du travail, mais c’est faisable. Il faut ne pas avoir peur.

JM: Mais aussi, personne ne le fera de nouveau.

Inferred Views :: Steve Kado

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Early this year, the Blocks Recording Club announced it was shutting down after 10 years. The Toronto-based label was run as a workers’ co-op, and released records from Final Fantasy (including the Polaris-winning He Poos Clouds), Fucked Up, Katie Stelmanis (pre-Austra), Bob Wiseman, and dozens more. Blocks was a key mover in the early-2000s “Torontopia” moment, a joyous celebration of Toronto’s underground music scene. The city the Rest of Canada loves to hate suddenly found itself offering an inspirational model for local communities.

Steve Kado was a co-founder of the label, president of its first board, and member of some of its prominent bands including Barcelona Pavillion and Ninja High School. Today, he’s a visual artist and composer who divides his time between Toronto and L.A. I spoke to Steve about the history and legacy of the label.

Malcolm Fraser: Tell me about when and how the idea for Blocks first came together.

Steve Kado: Like a lot of things I think it came together out of frustration. On the one hand Mark McLean and I were both doing and seeing music we thought was exciting, but also we had just had pretty negative experiences with prior bands, and we thought we could have a better personal relationship with people and goals in music that would be more interesting. Kind of the normal reason why people do things. Also, the recording industry, which had seemed very opaque, was becoming more transparent — home recording was getting really easy and powerful, so there was a whiff of possibility around the idea of issuing recordings.

How did you decide on the workers’ co-op model?

After Mark took off for Ottawa I worked with Lisa Graham to run the whole thing and eventually, it was getting out of control. There was too much for me to do, people volunteered but there was no structure to it, no responsibility outside of just “ask Steve.” Also at the time, there was a lot of talk about “collectives” in Canadian Indie Rock and I felt like that collectivisation was phony, those decisions were all getting made by one guy not a group decision-making process — so I felt like it would be interesting to try the opposite approach, to make the entire thing democratic and primally socialist, like an agricultural co-op or a credit union.
Also, that artists would be the only ones with a stake in what got released, there would be no suspicious middlemen involved, just musicians working with musicians. In the indie-rock industry, with something like Arcade Fire, you have so many people working on it that it becomes like a version—a much less serious version—of Hannah Arendt’s “banality of evil,” where people are just cogs in the machine without any direct connection to the music. The hope was that if it took off and worked there’d be a huge shortcut around these weird bureaucrats in Canadian Pop Music and we’d all be “free” or something. It was a stab at producing more solidarity between us Toronto musicians and in keeping ourselves “punk” in at least a marginally legal sense, while at the same time reducing the amount of vile capitalism that circulates in a place where maybe we thought it shouldn’t circulate? Initially I had these fantasies of pan-sector solidarity: like that we’d bank at a credit union and form alliances with farmers and unions and such. But the co-op secretariate of Ontario was singularly unhelpful. I went in there imagining a grand union of agriculture, physical and cultural labour and they were like “please go away, we’re very busy.” That kind of overarching solidarity did not materialize from the other side of the co-op world.

Can you tell me about how that worked on a practical level – what did the organization look like?

On a practical level it meant that every year there would be board elections and members would go to an annual general meeting and vote for people to be on the board. Releases would require board approval. The hope was that instead of volunteers burning out they’d just stand down come the next AGM, and there’d always be a competent and motivated core staff running the whole thing. I’m not sure it ever worked that way. Which isn’t to say that the board system didn’t bring in some very competent people, but it also would really drive some of those people hard, they’d burn out and sometimes on their way out there’d be really gnarly fights. It brought people together, but you can’t always control what happens when people get together.

What are some of your favourite Blocks releases?

I like a lot of them: the best Blocks releases are the Hank records we put out. All those records are amazing.

Blocks had a policy of (almost) exclusively working with local artists, and you were very passionate about the Toronto music community in the early days. Do you still feel that way?

I like a lot of music from Toronto still—Healing Power Records, Man Made Hill, some Daps bands, obviously New Fries… I think a lot of the regionalism I was pushing for was kind of misplaced. The music community I belonged to was so focused on a small part of downtown Toronto with a few suburban offshoots that it didn’t really cover Toronto properly. Like a really big deal in a really small area. Looking back now I wish I’d figured out a way to describe what it was like in Toronto. To grow up there. Maybe I just didn’t do a good enough job?

Tell me about the decision to close Blocks – what were the reasons behind that?

There are lots of reasons. One: nothing was really happening. Nothing had happened at Blocks for a year. There hadn’t even been an AGM in a while. People had drifted off. Two: the music industry objectively changed. Do you really need to make some CDs? Everyone listens to music on their phones and computers, you can distribute it to them in a totally effective way through something like Bandcamp at a fraction of the price it would take to do it physically. It’s even easier now to record music yourself. You don’t need even the flimsiest mediator anymore. Most of the distributors that were like taking me to lunch back in the day being like “Hey kid, let me tell you how the music biz works…” are closed now. Their jobs don’t exist anymore. And major distribution doesn’t mean anything. It would be better to have a great relationship with eight great record stores in the world. In a way Blocks’ goals were achieved but in an entirely different way and for entirely different reasons. For most of the music Blocks dealt with something like Bandcamp would have worked out fine.

Are you sad about Blocks folding, or are you philosophical about it?

I have mixed feelings. I don’t blame anyone for the way it faded out, but it’s the problem with a lot of collective projects: people change and it doesn’t have the same place it did in their lives, and then it doesn’t get passed on to another generation. I can’t be sad about it. Everyone’s doing great. There’s still great Hank records, Bob Wiseman’s records, Owen Pallett’s new record is the best he’s ever made. But I am sad that… I was hoping to get out of this weird culture dungeon and broaden the universe. I’m still kind of sore about that. And the packaging side of things, that it went towards expediency and not towards making outrageously beautiful objects forever. But there were reasons for those decisions.

Would you have any advice for someone trying to start a label and/or artists’ co-op today?

I would say starting a cultural thing within the co-op sector from my experience was needlessly hard given how idealistic and posi I was at the time. If you are at all less posi and less idealistic than me in 2004 then don’t do it.

It’s hard to dissolve co-ops. If one is tanking it’s easier to let it just drift than it is to shut it down, you have to get people together and it’s hard to get people together, least of all if they all left off working at the co-op with slamming doors and mic drops.

By doing things in this weird different way we also talked our way out of getting any fancy funding like all those labels that have FACTOR Direct Board Approval do. So when we were trying to do things like mass-releases of Final Fantasy records we had to do that all ourselves, whereas something like Last Gang would have gotten a bunch of dosh to ramp up for production like that. So in a way it wasn’t that smart.

If I was giving someone advice now I’d say start small, work with your friends and keep it clever and small. Don’t produce piles of records that might risk sitting around in boxes and do most of your distribution via the internet. Make the thing you do make really special and in small amounts.

Plus tôt cette année, le Blocks Recording Club a annoncé sa fermeture après une activité de 10 ans. Cette coopérative de Toronto a produit les disques de Final Fantasy (incluant He Poos Clouds gagnant du prix Polaris), Fucked Up, Katie Stelmanis (pre-Austra), Bob Wiseman, et plusieurs autres. Au début des années 2000, le Blocks Recording Club a été un élément clé lors de la célébration de la scène musicale émergente « Torontopia ». La ville que tout le Canada adore détester a soudainement offert un modèle inspirant pour la communauté locale. Steve Kado était le co-fondateur de cette maison de disque, le président du premier conseil d’administration et un membre de quelques-uns de ses éminents groupes dont Barcelona Pavillion et Ninja High School. Aujourd’hui, c’est un artiste visuel et un compositeur qui partage son temps entre Toronto et Los Angeles. J’ai parlé à Steve à propos de l’histoire de la maison de disque et de son héritage.

Malcolm Fraser: Expliquez-moi comment l’idée de créer le Blocks Recording Club a germé.

Steve Kado: Comme pour plusieurs choses, l’idée est venue à la suite d’un sentiment de frustrations. D’une part, Mark McLean et moi faisions et écoutions de la musique que l’on qualifiait d’excitante, mais nous venions d’avoir des expériences négatives avec d’autres groupes. On avait l’impression qu’on pourrait avoir une meilleure relation avec les gens tout en ayant des objectifs plus intéressants dans le domaine de la musique. C’est le genre de raison ordinaire du pourquoi que les gens font des choses. Par la même occasion, l’industrie de la musique, qui semblait très opaque, devenait plus transparente. Les enregistrements faits maison étaient de plus en plus simples et efficaces, il y avait donc une légère possibilité autour de l’idée d’enregistrer de la musique.

Comment en êtes-vous venu au modèle de coopérative de travailleurs?

Après le départ de Mark pour Ottawa, j’ai travaillé avec Lisa Graham pour faire rouler la machine, mais par la suite, il y a eu une perte de contrôle. J’avais trop de choses à faire, il y avait des bénévoles, mais aucune structure à laquelle se rattacher sauf celle de « demander à Steve ». À ce moment-là, on parlait aussi beaucoup des collectifs de musique dans les groupes canadiens indie-rock et j’avais l’impression que cette collectivisation était fausse, ces décisions étaient prises par un seul homme, et non dans un processus de décision de groupe. J’ai pensé qu’il serait intéressant de prendre une approche inverse, de faire en sorte que ce soit démocratique et principalement socialiste, comme une coopérative agricole ou une coopérative de crédit. De cette façon, les artistes seraient les seuls à avoir les pleins pouvoirs sur la parution du matériel, il n’y aurait aucun intermédiaire suspect d’impliqué, uniquement des musiciens travaillant avec d’autres musiciens. Dans l’industrie indie-rock, si on pense à un groupe dans le genre d’Arcade Fire, il y a tellement de personnes qui y travaillent que cela devient comme une variante, beaucoup moins sérieuse, de « La banalité du mal » d’Hannah Arendt où les gens n’ont aucun lien avec la musique et ne sont que les rouages d’une machine. Si tout fonctionnait comme prévu, les étranges fonctionnaires du milieu de la pop canadienne n’auraient pas lieu d’être et nous serions tous libérés ou quelque chose du genre. C’était une manière marquée de créer plus de solidarité entre nous, musiciens de Toronto, et ainsi, de rester marginaux d’un point de vue juridique. En même temps, l’ignoble capitalisme serait en baisse dans un milieu où nous pensons qu’il ne devrait pas exister. Au début, j’avais le fantasme d’une solidarité sectorielle : comme si nous avions un compte dans une coopérative de crédit et que nous formions des alliances avec des fermiers, des coopératives et autres. Mais le secrétariat de la coopérative d’Ontario n’a été d’aucune aide. J’y suis allé en imaginant une grande coopérative d’agriculture, autant physique que culturel, mais ils m’ont dit de partir puisqu’ils étaient « très occupés ». La solidarité à laquelle je m’étais attendue ne s’est pas concrétisée de l’autre côté du monde des coopératives.

Pouvez-vous me dire comment ça se passait concrètement, de quoi avait l’air l’organisation?

Concrètement, il y avait l’élection d’un conseil chaque année, les membres allaient à une rencontre générale annuelle et votaient pour les personnes qui seraient sur le conseil. Les communiqués auraient besoin de l’approbation du Conseil. L’idée était d’avoir toujours une équipe de base compétente et motivée pour faire le travail au lieu d’avoir des bénévoles qui s’épuisent. Ce système nous a emmené plusieurs personnes compétentes, mais les a beaucoup éprouvés, elles étaient épuisées et en quittant, les disputes n’étaient pas rares. Ça a rapproché les gens, mais on ne peut pas toujours contrôler ce qui arrive lorsque les gens sont ensemble.

Quelles sont vos sorties de disque préférées?

J’en aime plusieurs, mais le meilleur est l’enregistrement de Hank. Tous ces disques sont géniaux.

À vos débuts, vous étiez un passionné de la communauté musicale de Toronto. Et le Blocks Recording Club avait comme politique de travailler presque uniquement avec des artistes locaux. Est-ce que vos sentiments ont changé?

J’aime encore beaucoup la musique de Toronto tel que Healing Power Records, Man Made Hill, quelques groupes Daps, et, bien entendu, New Fries… Je crois que plusieurs des groupes régionaux dont je faisais la promotion n’étaient pas à leur place. La communauté musicale dont je faisais partie n’avait dans leur mire qu’une petite partie du centre-ville de Toronto et quelques autres endroits autour. En réalité, Toronto n’était pas entièrement représenté. Un gros problème dans un petit milieu. Avec du recul, j’aurais aimé trouver le moyen de décrire comment c’était de grandir à Toronto. Peut-être que je n’ai simplement pas fait un assez bon travail?

Parlez-moi de la décision de fermer le Blocks Recording Club. Quelles sont les raisons?

Il y a plusieurs raisons. Premièrement, il ne se passait plus rien. Il ne s’était rien passé depuis un an. Il n’y avait même pas eu d’assemblée générale annuelle depuis quelque temps. Les gens sont passés à autre chose. Deuxièmement, l’industrie de la musique a fondamentalement changé. Devons-nous vraiment faire des CD? Tout le monde écoute de la musique sur son téléphone ou son ordinateur, il est maintenant possible de distribuer la musique de façon efficace comme avec Bandcamp et ce, à une fraction du prix que ce que ça coûte de faire un CD. Maintenant, c’est encore plus facile d’enregistrer de la musique soi-même. Même le plus infime intermédiaire est maintenant inutile. La plupart des distributeurs qui m’invitaient à dîner à mes débuts pour m’expliquer les rouages de l’industrie musicale sont maintenant fermés. Leur travail n’existe plus. Et les grandes compagnies de distribution n’ont plus de raison d’être. Il serait plus avantageux d’avoir une bonne relation avec huit bons magasins de musique dans le monde. Dans un sens, le Blocks a atteint ses objectifs, mais d’une façon complètement différente et pour d’autres raisons. Pour la plupart de la musique gérée par le Blocks, un système comme Bandcamp aurait amplement suffi.

Êtes-vous triste concernant la fermeture de Blocks Recording Club ou êtes-vous plutôt philosophique à ce sujet?

Mes sentiments sont mitigés. Je ne blâme personne pour la façon dont ça s’est terminé, mais c’est le problème avec plusieurs projets collectifs: les gens changent et le projet n’a plus la place qu’il avait au départ. Et la génération suivante ne prend pas le relais. Je ne peux pas être triste à propos de cela. Tout le monde va bien. Il y a encore les enregistrements géniaux de Hank, Bob Wiseman et les nouveaux enregistrements de Owen Pallett sont ses meilleurs à ce jour. Mais je suis triste à propos de … J’aurais aimé me retirer de cette étrange culture fermée et élargir l’univers. C’est un peu douloureux quand j’y pense. D’un côté superficiel des choses, nous avons privilégié ce qui était avantageux plutôt que de faire quelque chose d’outrageusement magnifique qui durerait toujours. Ces décisions ont été prises pour différentes raisons.

Aujourd’hui, auriez-vous des conseils pour qui voudrait partir une compagnie de disques et/ou une coopérative d’artistes?

Je dirais que selon mon expérience, partir un truc culturel dans un milieu de coopérative était inutilement difficile si je considère l’idéalisme et le positivisme dont je faisais preuve au début. Si vous êtes moins positif et moins idéaliste que moi en 2004, ne le faites pas. Il est difficile de défaire une coopérative. Si elle est en train de couler, c’est plus facile de juste la laisser dériver que de la fermer. Il faut rassembler les gens et c’est difficile à faire, surtout s’ils ont quitté la coopérative en claquant la porte et en laissant tomber le micro. En faisant les choses de façon différente et étrange, nous nous sommes empêchés d’avoir des subventions comme certaines maisons de disque qui ont l’approbation du conseil d’administration du consortium FACTOR. Donc, lorsque nous essayions de sortir de façon massive l’enregistrement de Final Fantasy, nous étions seuls pour tout faire. Alors que quelque chose comme Last Gang aurait eu pas mal d’argent pour augmenter la production. Dans un sens, ce n’était pas très intelligent.

Aujourd’hui, si j’avais à donner un conseil à quelqu’un, je dirais de commencer plus petit, de travailler avec ses amis, de garder ça ingénieux et petit. Ne produis pas une pile de disques, car ils risquent de ramasser la poussière dans des boîtes, et fais ta distribution principalement via internet. Fais les choses que tu fais de manière spéciale et en petites quantités.

Far Shores // Inferred Views :: Wednesday Lupypciw

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a preview of the upcoming performance work ALLIES HONOUR YOU at Queen City Pride Festival in Regina next week (!!)

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a still of the video Bed Of Intimacy, 2014.

Calgary’s Wednesday Lupypciw is known for her candid, humorous, and absurd video work that investigates the strange and murky intersections of art, craft, identity, feminism, sexuality and relationships. Wednesday’s personal grapplings with these issues become a means through which we can poke fun at our own attempts to rectify personal, political, and creative desires for satisfaction within a realm littered with obstacles. Here we discuss her home in Calgary, the Canadian art scene, sincerity & vulnerability, cunt-art, collaboration, art, and activism.

Your video work approaches, with a wry humour, matters of personal failure, intimacy, and the common awkwardness of relationships. It seems very sincere even when it is being sarcastic, and I think this is because of a lack of pretense and artifice. Have you always been so candid in your work? If not, was there a moment or breakthrough that allowed you to access this subject matter?

I think there was a show at Stride back in the day called Sincerity Overdrive. I agree with you that there’s a lot of awkwardness and wholeheartedness in my work. It’s because I use the first and only takes of myself rolling around these elaborate sets in my bathtub… My intentions are always the best! And I think there is a place for this in contemporary art and scholarship! I studied in the ACAD Textiles department, where there was this really heavy emphasis on 2nd Wave Feminist performance art from the 1970s, because it’s what the instructors at the time knew and came of age with. Again and again, we were drilled with the idea that The Personal Is Political, and eventually it rubbed off in this way that totally endeared me to Cunt Art. I WANT TO BE CUNT ART SO MY VIDEOS BRING THE PUSSY, but in a way that acknowledges that it’s the 21st Century and we know better than all of those essentialist ideas that were floating around 40 years ago. Cunt Art v2.0.

Also, I realized, I think just finishing and getting out of art college, that work I made earnestly and impulsively stood on its own a lot better in the world than work that was made to be Art and fare well in crits. That probably isn’t totally clear–of course I make things as art, I show these things in galleries, I apply for grants and file my taxes as an artist etc. etc. I’m in the cult or whatever. I just know, if I see something that’s really beautiful and slick and well-made, I only get so much out of it and then move on. So I want to make work that is a little restless and uncomfortable and incomplete and unsettled, work I keep on trying to figure out. The whole messy story is trying on the nerves, but more valuable than the demo reel.

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a still of the video Bed Of Intimacy, 2014.

Embracing the soft, vulnerable, messy aspects of self and of relationship/community is an important tool for casting doubt on the values of dominator culture. Presenting those in a professional/academic art space wherein the values of individual success/“bootstrapping” (and the inherent diminishing of systematic oppression) and the institutionalized privileges still very much linger is an important aspect of feminist art traditions. What sorts of responses have you encountered from people who are made uncomfortable by your work, and in what ways do you see problematic dynamics being maintained?

Well, from the get-go my work only ends up in a very specific kind of institution and context. I’m often programmed because the piece is supposed to make people mildly uncomfortable, to fulfill a promise and moral duty to be “thought provoking” because it’s colourful and silly and certainly not going to be the “masterfully crafted” one! Some shows I get into–grab-bag survey shows based on geography (ex. any Biennial), or vag-only shows (conflating Feminism with female-ness, sisterhood based on assumption)–have their own way of normalizing very different practices, simply by being so extensive. Or, the show is marketed to a certain group from the beginning. Work is curated to fill that demographic need. These preconceptions and marketing are sometimes problematic because they can cheat work out of its full meaning.

I like doing solo exhibitions or working with independent curators, because then it feels like there is intelligence in how the host place relates to the work; their advocacy of it is holistic. Doing performance art in public places, even if it’s in a museum or something, is more confrontational and direct and the audience squirm factor is high. I think people are conditioned to believe that anyone doing performance art is gonna barf or bleed all over something! The only thing I’ve noticed is that people immediately withdraw or walk away if they’re uncomfortable with what’s happening. Or they tune out if it takes them longer than 3 seconds to assess what’s going on. People–audiences, curators, prep crews–aren’t in the habit of sitting with things they don’t like, or trying to express why they don’t like it. And that’s fine. I don’t like everything either.

What has been your experience been doing community based performance work, ie. your queer solidarity drum circle with FAG?

Oh man, I totally love that you picked up on the QUEER NOISE SOLIDARITY performance because it’s one of my favourites. QUEER NOISE SOLIDARITY was co-presented by the Feminist Art Gallery (FAG) and FADO Performance Art in Toronto. More so than community-based, I’d classify it as a conscious collaboration work. Community-based sounds like it would be more open than what I did. Maybe I’m not as breezy as I’d like to be about some details! I sifted through contact lists and Bandcamp pages for months before approaching specific people to join the group of 12 drummers. Everyone who was involved in that work was paid a proper artist fee, and was paid to rehearse. That is always important to me. Rita McKeough, my mentor, collaborator, and performance art hero, has worked like this too. You maintain authorship of the work, but you provide meaningful–hopefully meaningful–opportunities to many people who help you realize the vision. The vision that was a 20-foot equilateral triangle lined with female drummers thrashing and screaming with me from sunset to sundown on a grassy plain.

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performance stills from QUEER NOISE SOLIDARITY, 2013. Photo credit Henry Chan for these.

I felt very networked, very legit, and very purposeful doing that performance in that context (and then I came back to Calgary where people often doubt Feminism haha!). I’m currently working towards similarly epic, but different drum-based performances in Regina and Calgary.

I’d like to one day do something community-based, but that seems like it would have to have a broader focus than a one-night only gig. I think the key to community-based projects is that they go out of the organizer’s hands to accommodate a fuller part of the collaborators’ opinions, ideas, aesthetics, etc.

Though your work addresses and employs traditional craft labour practices, I get the sense it is more about the human experience of working to survive, of striving to connect with others, and of struggling against systematic oppression. Was there a process by which your work came to be more about the latter than about, say, fibre art pure and simple, or were you always more concerned with the dialogue?

I do have concerns about craft and craft theory, but they are mostly about how people perceive crafts, the social settings in which crafts were made historically, and how crafts are being made today. I use craft media because I’ve been using craft media as long as I can remember, because I appreciate my formal training in textiles, because crafting is political in some ways, and because on some deep level I must enjoy yarn and soft things.

It’s always funny for me to see people walking up to my work, because they’ll do things like squint and pore over minute details in a textile, trying to glean some meaning from it, whereas I totally didn’t even think about that detail and I made the thing!

My work has always been a repository of emotional and psychic content for me. That is the richness, and a solid entry point. The textile is something I may have spent hundreds of hours making, but I was preoccupied about many things, like feeling it sit on my thighs instead about worrying about how it looked as it grew. I’ll put crafts into a show so that they can work in concert with everything else–the videos, the sound, the performers, the room. Basically, take a craft out of my whole setup and it’s just a pale anaemic object. Deirdre Logue from the Feminist Art Gallery said something really nice to me once about wanting “something with DNA on it” as a memento of a performance. I get it.

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a still of the installation MY SEX WEBSITE, 2014. Photo credit Stacey Watson for this one.

Wednesday Lupypciw de Calgary est connue pour ses vidéos candides, comiques, et absurdes qui examinent les intersections étranges et obscures de l’art, de l’identité, du féminisme, de la sexualité et des relations. La lutte personnelle de Wednesday avec ces problèmes se transforme en moyens qui nous permettent de se moquer de nos tentatives de rectifier les désirs personnels, politiques, et créatifs afin d’être satisfait dans un royaume parsemé d’obstacles. Ici, nous discutons de son chez-soi, à Calgary, de la scène artistique canadienne, de la sincérité & de la vulnérabilité, du cunt-art, de la collaboration, de l’art et de l’activisme.

Votre vidéo frôle, avec un humour ironique, des sujets d’échecs personnels, d’intimité, et de malaises naturelles dans les relations. C’est très sincère même quand c’est sarcastique, et je pense que c’est parce qu’il n’y a pas de faux-semblant, ou d’artifice. Avez-vous toujours été si candide dans votre travail? Sinon, y a t’il eu un moment, ou une percée qui vous a permis d’aborder ce sujet?

Je pense qu’il existait une présentation à Stride dans le passé qui s’appelait « Sincerity Overdrive ». Je suis d’accord avec vous qu’il y a beaucoup de malaise et de sincérité dans mon travail. C’est parce que j’utilise la première et la seule prise de moi-même lorsque je tourne dans ma baignoire, entourée de cette mise en scène élaborée…Mes intentions sont toujours les meilleures! Et je pense qu’il y a une place pour ça dans l’art contemporain et l’érudition! J’ai étudié au département du Textile d’ACAD, où ils mettent vraiment un gros accent sur la performance artistique des années 1970 pendant la seconde vague du féminisme. C’était ce que les professeurs connaissaient et ce avec quoi ils avaient grandi. Maintes et maintes fois, on nous a martelé avec l’idée que « l’aspect Personnel est Politique », et éventuellement, j’en étais imprégnée et c’est ce qui m’a fait adorer le cunt-art. JE VEUX DEVENIR LE CUNT-ART, MES VIDÉOS AMÈNENT DONC LE PUSSY, mais dans un sens qui reconnait le fait que nous sommes dans le 21e siècle et que nous comprenons mieux ces idées d’essentialisme qui circulaient il y a quarante ans. Le cunt-art version.2.0.

En plus, je m’en rendais compte, juste après avoir fini et être sortie d’une école d’art, que les œuvres que je faisais honnêtement et impulsivement se tenaient mieux dans le monde que les œuvres qui étaient faites pour être de l’Art et s’en tiraient bien lorsque critiquées par d’autres étudiants en arts… Cela n’est probablement pas très clair—bien sûr, je transforme des choses en art, je montre ces choses dans des galeries, je fais les demandes pour des bourses et je déclare mes impôts d’artiste, etc. Je suis dans un culte, ou whatever. Je sais juste que si je vois quelque chose qui est vraiment beau et super et bien fait, j’en retire ce que je peux et je passe à autre chose. Donc, je veux créer des œuvres qui sont un peu agitées et gênantes et incomplètes et perturbées, des œuvres que je continue d’essayer de comprendre. Le but ultime, même si maladroit, et de mettre les nerfs à l’épreuve, mais que ça ait une plus grande valeur que le démo.

En adhérant à la faiblesse, à la vulnérabilité, aux complications de soi-même et aux relations et à la communauté est un outil important pour semer le doute dans les valeurs de la culture dominante. Présenter ces idées dans un espace d’art professionnel/académique, où les valeurs de réussite individuelle/bootstrapping (et la diminution inhérente de l’oppression systématique) et les privilèges institutionnalisés qui persistent encore fortement est un important aspect des traditions en art féministe. Quelles sortes de réponses avez-vous trouvées de gens qui sont perturbés par votre travail, et de quelles façons voyez-vous l’entretien des dynamiques de problématiques?

Eh bien, de prime abord, mon travail se retrouve seulement dans un genre d’institution et de contexte très spécifiques. Je suis souvent programmée parce que la pièce est supposée de perturber modérément les gens, de remplir une promesse et un devoir moral de susciter la réflexion parce qu’elle est colorée et débile et elle ne sera certainement pas celle qui sera « façonnée de mains de maître »! Les expositions auxquelles je suis admise—les expositions fourre-tout fondées sur la géographie (ex. Une biennale), où les expositions vag-only (regrouper le féminisme avec le fait d’être femme, la solidarité féminine fondée sur les suppositions) – ont leurs propres façons de normaliser des pratiques très différentes, simplement en étant si approfondies. Ou bien, l’exposition est lancée à un groupe particulier dès le début. Le travail est organisé afin de répondre aux besoins démographiques. Ces idées préconçues et le marketing sont souvent problématiques, car ils peuvent sacrifier la pleine signification de l’oeuvre.

J’aime faire des expositions en solo, ou travailler avec des conservateurs indépendants, puisqu’il me semble qu’il y a plus d’intelligence dans la relation entre la salle et la façon dont l’œuvre en est imprégnée; cette promotion est holistique. En faisant de l’art performance dans des lieux publics, même dans un musée ou quelque chose comme ça, il y a plus de confrontation et c’est plus direct et le degré de tortillement du public est élevé. Je pense que les gens sont conditionnés à croire que tout le monde qui fait de l’art performance va dégobiller ou saigner partout ! La seule chose que j’ai remarquée est que si les gens sont perturbés, ils se retirent calmement ou s’en vont immédiatement. Ou bien ils décrochent complètement si ça leur prend plus de 3 secondes pour évaluer ce qui se passe. Les gens—le public, les conservateurs, l’équipe technique—ne sont pas habitués de travailler avec des choses qu’ils n’aiment pas, ou d’essayer d’exprimer la raison pour leur aversion. Et c’est correct. Je n’aime pas toutes les choses non plus.

Quelles sont vos expériences de travail pour les oeuvres de performances en milieu communautaire, c.-à-d. votre solidarité gai et votre relation avec FAG ?

Super ! Je suis absolument ravie que tu aies reconnu la performance de QUEER NOISE SOLIDARITY parce que j’ai adoré. QUEER NOISE SOLIDARITY était présenté conjointement par le [Feminist Art Gallery (FAG)] (https://www.facebook.com/FeministArtGallery et FADO Performance art à Toronto. Plus qu’une performance en milieu communautaire, je le classifierais comme un travail de collaboration délibéré et réfléchi. Ce genre de performance me semble amener plus d’ouverture que ce que je faisais. Peut-être que je ne suis pas aussi jovial que j’aimerais être pour certains détails ! Pendant des mois, j’ai filtré une liste de contacts et des pages de Bandcamp avant d’aller vers des gens en particulier pour qu’ils se joignent au groupe de 12 percussionnistes. Tous ceux qui étaient impliqués dans ce travail étaient rémunérés une somme appropriée pour des artistes et ils étaient payés pour répéter. C’est toujours important pour moi. Rita McKoough, ma conseillère, ma collaboratrice, et mon héroïne de l’art performance, elle, travaillait aussi comme ça. Vous gardez la paternité de l’œuvre, mais vous fournissez des occasions significatives –enfin, vous espérez qu’elles soient ainsi- aux gens qui vous aident à réaliser votre vision. La vision qui était un triangle équilatéral de 20 pieds garni des tambours féminins qui se débattent et hurlent avec moi de l’aurore jusqu’au coucher de soleil sur une plaine couverte d’herbe.

Je me suis sentie très connectée avec les gens, très réglo, et très déterminée en faisant cette performance dans ce contexte (et puis je suis retournée à Calgary où les gens doute souvent de l’existence du féminisme haha!) En ce moment, je travaille vers une performance à Régina et à Calgary basée sur des tambours aussi enlevants, mais différents en même temps.

Un jour, j’aimerais faire quelque en milieu communautaire, mais il me semble que ça devrait avoir un focus plus large que si c’était pour un seul gig. Je pense que la clé des projets communautaires est qu’elle sorte des mains de l’organisateur afin de satisfaire une plus grande partie des opinions des collaborateurs, de leurs idées, et de leur esthétique, etc.

Bien que votre travail traite des pratiques d’art traditionnel et à recours à ces dernières, j’ai l’impression qu’il s’agit plus de l’expérience humaine de travailler pour survivre, de vouloir absolument connecter avec les autres, et de lutter contre l’oppression systématique. Yavait-il un processus par lequel votre travail venait plus de ce dernier au lieu de, par exemple, le textile pur et simple, ou étiez-vous toujours plus préoccupé par le dialogue ?

En fait, j’ai des intérêts pour l’art et la théorie de l’artisanat, mais c’est surtout par rapport à la façon dont les gens comprennent les arts, les milieux sociaux dans lesquels les arts sont créés historiquement, et la façon les arts sont faits aujourd’hui. J’utilise les métiers d’arts médiatiques, parce que c’est ce que je fais depuis toujours, parce que j’apprécie ma formation institutionnelle dans le domaine des textiles, parce que l’artisanat est politique à certains égards, et parce qu’au fond, j’aime bien les fils et les choses douces.

Ça m’amuse toujours de voir les gens s’approcher de mes œuvres, parce qu’ils font des choses comme de plisser les yeux et examiner les détails minuscules dans un textile, essayer de trouver un sens dans tout ça, tandis que je n’ai absolument pas pensé à ce détail et c’est moi qui ai créé la chose !

Mes œuvres ont toujours été un entrepôt de contenu émouvant et psychique pour moi. C’est ce qui fait sa richesse, et un point d’entrée solide. Le textile est quelque chose que j’ai peut-être passé des centaines d’heures à fabriquer, mais j’étais préoccupée par beaucoup de choses, telles que de sentir le textile sur mes cuisses au lieu de m’inquiéter de son apparence au fur et à mesure de sa croissance. Je mets de l’art artisanat dans des expositions afin qu’il puisse travailler de concert avec toutes les autres choses—les vidéos, le son, les acteurs, l’espace. En gros, éliminez l’artisanat de l’ensemble de mes oeuvres et ça devient juste un pâle objet anémique. Une fois, Diedre Logue de Feminist Art Gallery a dit quelque chose de très beau par rapport à « vouloir quelque chose avec de l’ADN dessus » comme un souvenir de la performance. Je comprends.

New Canadiana :: Brady Allard – Days Leave

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The crowd is hushed. Wobbling guitars tilt and bend, plucking gilded strings with fingerfuls of dripping ambrosia. Wry, reverberating vocals fill the creases of every corner with winking warmth. Honeyed tones are anchored by dry, rattling snare hits and descending bass notes falling like footsteps on a staircase.

A conjurer enters the room. She is followed closely by a thousand men whose unhinged hopes rattle like the tin cans of freshly-bred honeymooners.

Her eyes soften into a false focus and melt in twin cerulean drips. She will not complete you. She will not fulfill her promises. She can only walk in a circle, clutching a broken flaxen strand, an ouroboros gnawing on its own smile.

La foule se tait. Des guitares vacillent en ondulant, leurs cordes dorées pincées par des doigts dégoulinant d’ambroisie. Une voix narquoise résonne sur tous les murs, remplissant leurs coins d’une chaleur intermittente. Les sons mielleux sont soutenus par les martèlements secs de la caisse claire et les notes de la basse, comme des pas pesants descendant un escalier.

Une illusionniste entre dans la pièce, suivie par un millier d’hommes dont les espoirs inarticulés crépitent comme les cannes de conserve de nouveaux mariés tout neufs.

Ses yeux s’adoucissent en fixant presque le vide, fondant en deux gouttes céruléennes. Elle ne sera pas ton autre moitié. Elle ne respectera pas ses promesses. Elle ne peut que marcher en rond, une mèche blonde à la main, un ouroboros mâchonnant son propre sourire.


Brady Allard – The Way You Move


Brady Allard – Quiet Life