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Imprint :: Jeunesse Cosmique

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For 5 years, the sacred fog of Jeunesse Cosmique has rolled along the bountiful streets of Montréal, seeping into crevasses and and rising up to fill the ears of those attuned to the sound of the drone-down-below. Chittakone Baccam and Catherine Debard, founders of the hazy-drone label, have been building (along with their many friends) a cosmic sanctuary that is mortared by the glue of sonic experimentation, collaboration, and community-building. We dropped Chi and Catherine a few questions about their humble beginnings and what it means to be a part of a community of like-minded musicians.


Flory Daahboy – Délicieuse Rouge


A Sacred Cloud – Solidarité avec la famille Awan


Einar Jullum – Er hele verden distraherende vag?


A.M. Sci-Fi – I don’t know why (Le voyage de Pierre-Luc)

How did Jeunesse Cosmique begin? Can you describe the cosmic spark that initiated the curation of your most wondrously sonorous label?

Jeunesse Cosmique (Chittakone Baccam and Catherine Debard): Saturday morning, five years ago, while cooking pancakes for breakfast. We had almost finished our first Sally Paradise EP, L’Ascension du Mont Shing, and we were wandering around the list of potential record labels we could submit to. Sally Paradise was the first Jeunesse Cosmique project, Catherine’s solo project at first, rapidly joined by Chi and at the time, Chloé. The band was a blend of dream pop and noisy shoegaze (a mix of Catherine’s ethereal pop vibe and Chi’s experimental noise). Already in this project is the essence of pretty much everything we still cling to: wanting to take the references that we like and deconstruct and reshape those as we want.

At the time, there weren’t many labels that corresponded to our values that were actually pretty basic: being totally free.

Launching a label was for us, the best way to create a collectivity of artists and mingle together, sharing our human and creative values. The core of the label included different people along the years but some have been and are still important Jeunesse Cosmique characters, like Alexis (Téléphone Maison), Olivier (Eddie Wagner), Rémi (Velvet Glacier), François (Flory Daahboy, Speed Guru), Samuel (Black Givre), Anas Rasta, Sebastian Trafalgar, Hugues (Wiwichu, Cheasypop) among others.

What, in your opinion, is the role of the micro-independent record label in the current Canadian musical landscape?

JC : If we look at the situation from a francophone Montréal point of view, the notion of “independent music” seems to have been appropriated a while ago by labels that are subventioned, the major league let’s say. On the other hand, the DIY labels (La Cohu, Los Discos Enfantasmes, Howl Arts Collective, Hobo Cult (RIP), Misery Loves Company, Small Scale Records, etc.) generally help each other and affirm themselves against this machine because there is a mutual respect and a love for a music that is different. A label’s mission, for us, is to unite forces and gather artists that create not necessarily for hype or money but for the love or the need to create/ express themselves AND try together to change the cultural landscape.

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The incorporation into the Jeunesse catalog of the respective personal projects of you, the curators, seems to be integral to the process of cross-collaboration and interconnectedness between the musicians under your label. Can you comment on how this cross-collaboration assists in the presence of the label as an inclusive and community-oriented entity?

JC: Since the beginning, Jeunesse Cosmique has been a kinda spatial refuge for musicians who think about life differently, outside the box. We learned to improvise together, we saw each other evolve over time, both in jams and shows. There is a listening and an infinite respect between us. That creates a safe environment where anyone can try new weird things, learn and exchange influences and techniques, without being afraid to be judged. Cause creating can be intimidating for people lacking confidence, that’s why it’s essential to have friends around, even if it’s just to listen to what you do. The plurality of projects in which people participate together reflects this collaborative vibe, and the albums we release are a physical representation of those encounters. Friends come and go, news friends join in because they feel at home. Our two solo projects, Hazy Montagne Mystique and YlangYlang, both emerged from this label and were influenced/empowered by these relationships. The mixtapes we offer online represent another way to meet and link musicians together, creating a beautiful web of people from everywhere: internet-relations, people we meet at shows or that contact us because they feel connected to us, and also our friends.

The accessibility and inclusivity of safe and accepting performative spaces, where individuals can actively participate in the consumption and presentation of identities and expressions, is incredibly important to the development and sustainability of venues and events that empower the engagement of identities in generative ways. Can you comment on how events and spaces such as Island Frequencies, Noisundaee, and Jardin St. Charles contribute to the culture that Jeunesse Cosmique seeks to motivate and bolster?

François Vienneau (creator of Jardin St-Charles, Flory Daahboy and Speed Guru and member of Jeunesse Cosmique): Not only do these events and places offer an opportunity for artists to perform, they are a fertile ground for interactions between people. The Noisundaéè is linked to this community kitchen where people are invited to eat together. At the Jardin St-Charles, people stay around for hours after the music is done. The appreciation of arts might refer to a thin line between being in our comfort zone and opening our mind to new horizons. It might be true as well for having a bubbling conversation with strangers. From its beginning, Jeunesse Cosmique has always been oriented on acceptance, sharing and the absence of a hierarchy. Jeunesse Cosmique is more than a label; it is a community of people.

JC : The whole structure of Noisundaéè is meant for expression and being open. The idea, shared with was a year-and-a-half ago by Alex Pelchat who contacted us to join him in this adventure, was to reunite four bookers from different scenes and make them invite one act each per show. The bi-monthly event (always pay-what-you-can, PWYC) takes place on Sunday afternoons at the Plant, a space where people live, create, eat, have fun and care about seeing life differently. The line-up is random, and the diversity is revealed as the event takes place: surprises, echoes, friction. The atmosphere is all about listening and respect, in accord with Noisundaéè’s mandate to promote music that is different, with new projects, strange attempts, first shows… Island Frequencies is a reoccuring event taking place at Casa del Popolo, an idea of Mos Puella. She included us to help her create a platform for experimental music in a PWYC format in this iconic venue.

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What I find particularly fascinating about Jeunesse Cosmique is the width and breadth of its inclusivity of musicians beyond the arms of its representation. For example, your compilation ‘Alpinistes du Vent’ is highlighted by the incorporation into the release of many musicians not represented by your label. Why is it important to you to be inclusive of musicians beyond those whom you are immediately involved with?

Generally, we want to meet musicians and people with whom we share certain values (liberty in creation, passion, rebellion, authenticity), so when we make a call for submissions for a mixtape or look for bands to book, we are open to anybody sending us things if they fit our energetic vibe. It’s hard to explain but we just feel it, the music, etc. We just want to motivate people to let their music be heard by someone who might like it. So, yes it is inclusive and participative in the limits of our own human capacity. And having projects from different cities and countries is a magical portal through which music can travel. Communication and discovery.

There seems to be a very focused attention on supporting Montréal-based musicians and the Montréal musical community as a whole. What do you feel is your place in the Montréal cultural and musical landscapes, and what is the relationship between yourselves and the community you serve and within which you operate?

JC : Our role in Montréal is to try to have a stimulating variety of sounds and different shapes of magnificent experiences without limiting ourselves to one style or crew in particular. Gotta be careful about isolating yourself or thinking you’re the best. We are humble, no-attitude persons forever on the B-Side of the tape and not on the hype side. We want to encourage people that are just starting to actually do it and play shows, record sounds. We are agents who go from scene to scene looking for cosmic persons. We like to hang out and make music and listen too. All our events are PWYC to let everybody who wants to be there to participate. We like organizing events where people feel comfortable and at ease to exchange with each other. Also, those nights have a unique character because the music played is almost always improvised or different from the recordings, and the mood is relaxed and spontaneous. We also believe in humour and fun, which is not always the case in general. It’s really personal but we like to have fun and laugh and not take ourselves too seriously, even if the stuff we do is. The energy’s got to flow and not be too rigid.

Montréal is a burgeoning musical and cultural geo-space, with identities and ethnographies that are unique, impassioned, and purposeful. In this context, how would you describe the ‘identity’ of Jeunesse Cosmique? How has the city of Montréal contributed to this conception of the identity that your label is fostering for itself?

JC : Well to begin, we are both francophone and Québécois, our road brought each of us in Montréal so we became Montréalers. Chi is Lao and Catherine is half-French. Both of us have this cultural mix in our family that gives us a bit of distance from the Quebec culture, while being totally into it. In this city, we needed to fight to make ourselves a little place in the scene, in between the different crews. The city is really dense and can be abundant, stimulating, welcoming and closed in on itself in different cliques. It is becoming more open to helping and reaching-out to create a respectful dynamic. This dynamic has definitely forged our rebellious ways and showed us the importance of digging our roots deep into solid values. Eventually, through different circumstances, we started to hang out more and more with people from outside of Montréal. Friends from different countries passing by Montréal for a short or long stay (Japan, France, Morocco, Mexico, and others), or from elsewhere in Canada, wanting to live in our city and seeing it from another perspective, with different eyes. Despite the language frontier, it’s crazy as people that are meant to meet actually do.

From Hazy Montagne Mystique to A Sacred Cloud to Telephone Maison, your catalog is home to a variety of musical genres, yet each seems to be imbued with an undercurrent of the ‘experimental’ and ‘avant-garde’. Why is experimentation important in the development of music?

Chi: Most of us didn’t study music in a classic way. We make music inspired by what we like. In our mind, music is a language everyone has access to. We don’t aim for perfection. We aim for creativity and exploration.

Catherine: Also, what is the interest in re-creating a sound that has been done before? Influence is immanent to the act of creation; it’s essential to know what has happened before and to get inspired by it. But it is as important to update it and rub it with other sounds from dreams and fresh ideas from the future. Both Chi and I keep name-dropping stuff we like, the bands that shaped us, that helped us shape our love for music. But the next step is to find a new sound, a sacred door to the unknown, hence the experimentation that layers like a soft fog on all our catalogue and music.

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How does Jeunesse Cosmique seek to encourage and empower the presence and presentation of the unique musical identities it collaborates with and supports?

By being everywhere and wide open! Seriously, we have this kind of “Yes” philosophy that brought us into splendid crazy events. Last summer, we went with a small team (Velvet Glacier, Cosi e Cosi and Black Givre) on this strange adventure towards St-Fortunat to play during the night at a futuristic new age trance festival called Earthdance. We met there with our friend Charles Barabé for a night of wandering around in treehouses with obsessive beats and young kids ready to be shipped through space. Playing there was so out of context but dream-like. We have played beside a lake at Duckstock, jammed insane IDM freak-out tracks in a pyramid cabin in the woods with Nava Lulu, Eddie Wagner, Sebastian Trafalgar and Téléphone Maison, did a small USA tour just for fun, improvised and jumped on a trampoline with Bile Sister and ZONES at 8-11, Toronto. Gotta bring magic everywhere!

In Montréal, we ally with people who love to put the strength together and collab to find new ideas for events, friends like La Passe (shout out, seriously, to this small peaceful den of freedom inside of a poetry museum), Cool Fest, Howl Arts Collective or in our dance/video art experiments with Temporal Drone (with Guillaume Vallée (kaleidoscopic wizard) et Alessandra Rigano (mouvement)). The moment you are really interested in exchanging with other persons and to be attentive to what they do, only positive energy can emerge from that, and it’s empowering and revitalizing for everybody.

What are you most proud of having accomplished as a micro-independent record label?

The feeling that we are able to create a positive energy; that the work we did had an impact on the people around us. Making life a little better, more creative and outside the boring path. Being respected. Helping the people we like to have their music heard and existing on physical format. And our small community of friends growing bigger. Being totally independent and doing what we want.

Lastly, do you have anything coming to fruition in the immediate future that you are especially excited about?

We are pretty focused on our 5th anniversary right now. Our anniversary will be celebrated on March 9 at Casa del Popolo with a comeback from our first project, Sally Paradise(YlangYlang, Hazy Montagne Mystique, Téléphone Maison and Black Givre). Also we have a few LPs coming up this year like JLK & the Assassins (we are stoked!!!), Hazy Montagne Mystique’s first album (after a long period of creation) and Snake Whiskey (a good free jam).

Durant 5 ans, le brouillard sacré de Jeunesse Cosmique a roulé le longs des rues fourmillantes de Montréal, s’infiltrant dans les crevasses et s’élevant jusqu’aux oreilles des gens synthonisés avec le drone provenant de l’intérieur de la Terre. Chittakone Baccam et Catherine Debard, fondateurs du label drone-vaporeux, ont bâti (à l’aide de leurs nombreux amis) un sanctuaire cosmique cimenté par une colle d’expérimentation sonore, de collaboration et d’esprit de communauté. Nous avons posés quelques questions à Chi et Catherine sur les humbles débuts et sur ce que cela signifie de faire partie d’une communauté de musiciens qui partagent les mêmes valeurs.


Flory Daahboy – Délicieuse Rouge


A Sacred Cloud – Solidarité avec la famille Awan


Einar Jullum – Er hele verden distraherende vag?


A.M. Sci-Fi – I don’t know why (Le voyage de Pierre-Luc)

WC : Comment a débuté Jeunesse Cosmique ? Pouvez-vous décrire l’étincelle cosmique qui a initié ce voyage sonore en tant que label?

Jeunesse Cosmique (Chi et Catherine) : Un samedi matin, il y a cinq ans, en cuisinant des crêpes pour le déjeuner. Nous avions presque terminé la création du premier EP de Sally Paradise, L’Ascension du Mont Shing, et nous passions en revue les compagnies de disques potentielles. Sally Paradise était le premier projet Jeunesse Cosmique, au départ un projet solo de Catherine, où s’est rapidement impliqué Chi ainsi que Chloé, à l’époque. Le groupe était un mélange de dream-pop et d’expérimentations shoegaze (une alliance entre le côté pop vaporeux de Catherine et noise expérimental de Chi). Déjà dans ce projet se trouvait l’essence qui nous définit encore aujourd’hui, une envie de prendre des références que nous aimons et les déconstruire et remouler à notre guise.

À l’époque, il n’y avait pas trop de labels à Montréal qui semblaient correspondre avec nos valeurs, qui se résumaient à ce concept assez simple : être totalement libre.

Le nom est arrivé quand on a pensé à notre amour en commun pour Sonic Youth et à leur façon de faire rebelle et désinvolte. Catherine flippait des crêpes et Chi attendait de manger, le nom « Jeunesse Cosmique » est lancé par nos deux cerveaux à l’unison.

Lancer le label était pour nous la meilleure façon de créer une collectivité d’artistes et de se retrouver pour mélanger et partager nos valeurs humaines et créatives. Le noyau du label a inclus plusieurs personnes au fil du temps mais certains ont été et sont toujours très importants Jeunesse Cosmique, Alexis (Téléphone Maison), Olivier (Eddie Wagner), Rémi (Velvet Glacier), François (Flory Daahboy, Speed Guru), Samuel (Black Givre), Anas Rasta, Sebastian Trafalgar, Hugues (Wiwichu, Cheasypop) entre autres.

WC : Quel est, à votre avis, le rôle du label micro-indépendant au sein du paysage musical Canadien?

JC: Si l’on regarde la situation à Montréal, dans la scène francophone, la notion de musique « émergente » semble s’être fait approprier par des étiquettes de disques subventionnées ou disons plutôt, de la ligue majeure. Ils misent sur le mot « indépendant » pour mousser leurs nouveaux artistes, mais en utilisant un marketing plutôt « commercial » et pas vraiment indépendant (Dare to Care, Audiogram, La Tribu, Bonsound, entre autres). Par contre, les labels DIY (La Cohu, Los Discos Enfantasmes, Howl Arts Collective, Hobo Cult (RIP), Misery Loves Company, Small Scale Records, etc.) s’entraident et s’affirment contre cette machine, car il y a un respect mutuel et un amour pour la musique différente.

Pour nous, rôle d’un label, c’est de rallier les forces, de rassembler les artistes qui font de l’art pas nécessairement pour la hype ou l’argent mais pour l’amour et le besoin de créer/de s’exprimer, et tenter de changer ensemble le paysage culturel. En tant que micro-label, il faut dire tout haut ce qu’on n’aime pas, être rebel, et repenser carrément l’expérience autant pour les musiciens que pour le public.

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WC : L’incorporation au catalogue de vos projets personnels, les curateurs, semble être intégral au processus de collaboration et d’interconnectivité entre les musiciens sous votre label. Pouvez-vous parler de comment ce réseau de collaboration fait du label une entité inclusive et axée sur la communauté?

JC: Depuis le début, Jeunesse Cosmique est une sorte de terre d’accueil spatiale pour les musiciens qui pensent la vie différemment, en dehors du cadre. On a appris à improviser ensemble, on se voit évoluer au fil des jams, des spectacles, il y a une écoute et un respect infini entre nous. Ça crée un espace de confiance où chacun peut essayer des choses nouvelles, apprendre et s’échanger des influences ou des techniques, sans avoir peur d’être jugé. Parce que créer, ça peut être vraiment intimidant quand on manque d’assurance, c’est tellement essentiel d’avoir des amis autour ne serait-ce que pour écouter ce que tu fais. La pluralité de projets où chacun collabore reflète en quelque sorte cette vie de communauté, les albums que l’on sort, une représentation physique des rencontres qu’on fait. Les amis partent et reviennent, des gens se rajoutent à la collectivité car ils s’y sentent bien. C’est une véritable question de respect et d’entraide. Nos projets solos respectifs, Hazy Montagne Mystique et YlangYlang, ont éclos dans ce label et ont été influencés par ces rencontres. Les compilations que nous offrons en ligne sont une autre façon de rencontrer/faire se rencontrer des musiciens, de créer une toile immense incluant des gens de partout, autant relations-internets, que gens que l’on découvre dans nos concerts et évidemment nos amis. La curation se fait de façon organique, au fil des découvertes que l’on fait sur internet ou dans la vie, et également de gens qui nous contactent car ils se sentent appelés par notre philosophie et façon de faire.

L’accessibilité et l’inclusivité au sein d’espaces performatifs sécuritaires et ouverts, dans lesquels les individus peuvent participer activement en écoutant / en présentant identités et expressions, est vraiment important dans le développement et la durabilité de lieux et évènements qui donnent du pouvoir et s’engagent dans la pluralité d’identités de façon générative. Pouvez-vous commenter la façon que ces évènements et espaces, tels que Island Frequencies, Noisundaéè, et Jardin St. Charles contribuent à la culture que Jeunesse Cosmique cherche à motiver et soutenir?

François Vienneau, créateur du Jardin St-Charles, Flory Daahboy et Speed Guru (ainsi que membre Jeunesse Cosmique des premiers temps) : Non seulement ces évènements et lieux offrent une opportunité aux artistes de performer, ils sont un terrain d’interactions entre personnes. Noisundaéè est lié à la cuisine communautaire où les gens mangent ensemble. Au Jardin St-Charles, les spectateurs peuvent rester des heures après que la musique soit terminée. L’appréciation des arts pourrait être liée à une fine ligne entre sa zone de confort et ouvrir son esprit à de nouveaux horizons. C’est également le cas dans une conversation bouillonnante avec des étrangers. Depuis le début, Jeunesse Cosmique a toujours été orienté vers l’acceptation, le partage et l’absence de hiérarchie. Jeunesse Cosmique est plus qu’un label, c’est une communauté de personnes.

JC : Le cadre du Noisundaéè est fait pour l’expression et l’ouverture. L’idée qu’Alex Pelchat a lancé il y a un peu plus d’un an (lorsqu’il nous a contacté pour se joindre à l’aventure), c’est de regrouper quatre bookers issus de différents milieux du spectre musical montréalais et de les faire agir en invitant une personne par édition. Les spectacles (toujours contribution volontaire) se déroulent un dimanche sur deux, en après-midi, à La Plante, un lieu où les gens habitent, créent, mangent, s’amusent, se préoccupent de voir la vie différemment. L’ordre des groupes est pigé au sort la journée-même, la diversité des genres se découvre sous les yeux de tous, surprend, fait écho, se frictionne. L’ambiance est à l’écoute et au respect, en accord avec le mandat de présenter de la musique différente, des nouveaux projets, des essais, des premiers concerts… Island Frequencies est une soirée récurrente à la Casa del Popolo, une idée de Mos Puella, qui nous a incluse avec elle pour former une plateforme pour de la musique expérimentale dans un format contribution volontaire dans cette salle iconique.

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Ce que je trouve particulièrement fascinant à propos de Jeunesse Cosmique est l’étendue de son inclusivité des musiciens au-delà des bras de sa représentation. Par exemple, votre compilation ‘Alpinistes du Vent’ est marquante de par l’incorporation de beaucoup d’artistes dont plusieurs qui ne sont pas représentés sous votre label. Pourquoi est-ce important pour vous d’inclure des musiciens au-delà de ceux avec qui vous êtes impliqués dans l’immédiat?

JC : En général, on veut rencontrer des musiciens et des gens qui ont des valeurs proches des nôtres (la liberté de créer, la passion, la rébellion, l’authenticité), donc, quand on fait un appel de soumission pour une compilation ou lorsqu’on recherche des groupes pour jouer à des soirées, nous sommes ouverts à ce que les gens nous envoient ce qu’ils font si ça correspond à notre vibe énergétique. C’est compliqué à expliquer mais on le sent, c’est tout. On feel la musique et tout d’un coup, ça se place. Tout ce qu’on veut, c’est motiver les gens à créer et à ce que leur musique soit entendue par quelqu’un qui pourrait aimer ça, communiquer créativement, alors oui, c’est inclusif et participatif, dans les limites humainement possibles pour nous. Et avoir des projets provenant de plusieurs villes et pays est un merveilleux vortex pour faire voyager la musique. Communication et découverte.

Il semble y avoir une attention très concentrée dans le support aux musiciens basés à Montréal ainsi que sur la communauté en général. Quelle place sentez-vous occuper dans les paysages culturels et musicaux montréalais et quelle est la relation entre vous et la communauté que vous serve et dans laquelle vous opérez?

JC : Notre rôle à Montréal est d’essayer d’avoir une variété stimulante de sons et de formes et d’expériences différentes et magnifiques sans se limiter à un style ou à un crew en particulier. Il faut éviter le danger de s’isoler et de se penser bon. Nous sommes des gens humbles et non-attitude, toujours du côté B de la cassette et non de celui de la hype. Tout ce qui nous arrive de bon, on a travaillé fort pour que ça vienne à nous, on fait les choses du mieux qu’on peut et avec coeur et je crois que notre karma doit être assez bon. On encourage les gens qui débutent à foncer et faire leur premier jam, leur premier show, à enregistrer! On est des agents qui se promènent d’une scène à l’autre à la recherche de trippeux, qui aiment passer des soirées à faire de la musique et à en écouter. Tous nos évènements sont « contribution volontaire » pour permettre à n’importe qui d’y assister et d’y être accepté. Nous aimons organiser des soirées dans lesquelles les gens se sentent confortables et à l’aise d’échanger. Également, ces soirées ont un caractère unique car la musique est presque toujours improvisée ou différente des enregistrements, toujours assez relaxes et spontanées. Nous croyons à la dérision et à l’humour aussi, ce qui n’est pas tout le temps le cas en général. C’est vraiment personnel mais on aime bien rire, avoir du plaisir et ne pas trop se prendre au sérieux, même si ce qu’on fait l’est extrêmement. Il faut que l’énergie coule, que ce soit fluide et non rigide, carré.

Montréal est un espace géographique bourgeonnant au niveau musical et culturel, avec des identités et ethnographies uniques, passionnées et déterminées. Dans ce contexte, comment pourriez-vous décrie l’identité de Jeunesse Cosmique? Comment la ville a-t-elle contribué à cette conception d’identité que le label favorise pour elle-même?

JC : Tout d’abord, nous sommes francophones et Québécois, nous avons chacun dans notre parcours déménagé à Montréal et sommes alors devenus Montréalais. Chi est Laotien et Catherine est à demi Française. Nous avons chacun un mélange de culture dans notre famille qui fait de nous des Québécois avec une touche de distance face à la culture québécoise, tout en étant totalement immergés dans celle-ci. Dans cette ville, il a fallu se battre pour se faire une place dans la scène, parmi les différents cercles. La ville est très dense et peut être à la fois foisonnante, stimulante et accueillante, que fermée et repliée en cliques, quoi qu’elle s’ouvre de plus en plus dans une entraide et un respect mutuel. Cette dynamique a définitivement aidé à forger notre caractère rebel et à plonger nos racines dans de solides valeurs. Éventuellement et dans un paquet de circonstances différentes, nous avons commencé à nous tenir de plus en plus avec des gens qui viennent d’en-dehors de Montréal. Des gens de passage provenant de plusieurs pays (Japon, France, Maroc, Mexique, entre autres) ou de ailleurs au Canada, des gens qui veulent s’installer à Montréal et perçoivent la ville avec d’autres yeux que nous. Malgré la barrière du langage, c’est fou comme les gens se retrouvent.

De Hazy Montagne Mystique à A Sacred Cloud et Telephone Maison, votre catalogue contient une variété de genres musicaux, pourtant, ceux-ci semblent tous imprégnés par un courant sous-jacent « expérimental » et «avant-garde ». Pourquoi l’expérimentation est-elle aussi importante dans le développement de la musique?

Chi : Plusieurs d’entre nous ne proviennent pas d’école de musique classique. Nous faisons la musique inspirée de ce que nous aimons. Dans notre esprit, la musique est un langage que tout le monde à accès. Nous ne visons pas la perfection mais bien l’écoute créative et l’exploration.

Catherine : Aussi, quel intérêt y a-t-il à recréer un son qui a déjà existé exactement auparavant? L’influence est immanente dans l’acte de création, c’est essentiel de savoir ce qui s’est passé avant et également de s’en inspirer mais c’est tout aussi primordial de le réactualiser et de le mettre en friction avec d’autres sons qui proviennent des rêves, de territoires inexplorés. Autant Chi que moi énumérons sans cesse nos sources, les groupes qui nous ont forgés, marqués, desquels nous avons appris à percevoir ce qu’on aime dans la musique. Mais après ça, le but est de trouver un nouveau son, une porte sacrée vers l’inconnu, d’où la couche d’expérimentation qui chatoie sur notre catalogue et nos musiques respectives.

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Comment est-ce que Jeunesse Cosmique cherche à encourager et renforcir la présence et présentation d’identités musicales uniques avec qui y collabore et supporte?

En étant partout et grands ouverts! Sérieusement, nous avons une philosophie du « Oui » qui nous a amené à participer à des évènements saugrenus et magnifiques. Cet été, nous sommes partis à l’aventure avec une petite équipe (Velvet Glacier, Cosi e Cosi et Black Givre) vers St-Fortunat pour jouer à un festival de musique trance new age futuriste, le Earthdance, durant la nuit. Nous y avons rejoint notre ami Charles Barabé pour une nuit de déambulation dans les cabanes dans les arbres, beats obsédants et jeunes parés pour le décollage. Jouer à cet événement était tellement hors contexte mais magnifique en même temps. Nous avons joué au bord d’un lac au Duckstock, jammé dans un chalet triangulaire avec Nava Lulu, Eddie Wagner, Sebastian Trafalgar et Téléphone Maison, fait une tournée aux Etats-Unis des plus aventureuses pour le love, improvisé et bondit à la trampoline au 8-11 à Toronto avec Bile Sister et ZONES. Il faut apporter de la magie partout!

À Montréal, nous nous allions avec des gens qu’on aime de tous les milieux pour unir nos forces et collaborer pour trouver de nouvelles idées. Que ce soit avec La Passe (shout out sérieusement, petit antre de liberté dans un musée de la poésie), le Cool Fest, Howl Arts Collective ou dans nos aventures dans le monde de la danse et de l’art vidéo avec Temporal Drone (avec Guillaume Vallée (magicien de l’image) et Alessandra Rigano (mouvement)), la leçon est que lorsque nous sommes vraiment intéressés à échanger avec les autres et à ce qu’ils font, s’en découle que du positif et ça c’est revigorant et stimulant pour tout le monde.

De quoi êtes-vous le plus fier d’avoir accompli en tant que micro-label indépendant?

Sentir que nous créons une énergie positive, que les efforts que l’on fait a des répercussions dans les gens qui nous entourent. Faire que la vie est meilleure, plus créative, hors des sentiers battus. Avoir le respect. Aider à ce que la musique des gens qu’on aime soit entendue et existe en format physique. Créer une petite communauté avec toujours plus d’amis. Être totalement indépendants. Faire à notre tête.

Finalement, y a-t-il quelque chose dans votre avenir immédiat pour lequel vous êtes particulièrement excités?

Notre cinquième anniversaire occupe pas mal nos pensées en ce moment. Nous le célébrons le 9 mars à la Casa del Popolo avec un retour de notre premier groupe Sally Paradise(YlangYlang, Hazy Montagne Mystique, Téléphone Maison et Black Givre). Sinon, nous avons quelques LPs de prévus cette année, dont l’album de JLK & the Assassins (nous sommes très excités!!!), le premier album de Hazy Montagne Mystique (après une longue phase de création) et de Snake Whiskey (un bon jam free).

Imprint :: Adhesive Sounds

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Adhesive Sounds pulled up to the cassette club in style this spring with an ambitious 10-release batch hitting the decks. A/S architect Kelly Chia is an Albertan expat splitting his time between Edmonton and Toronto, with diverse releases from artists spanning the distance in between. He likens the label’s offerings to “tuning into radio waves from an alternative world”, gluing together Form’s mutant techno, Hobo Cubes’ eerie electroacoustics, the swooning samples of Surely I Come Quickly and so much more. We dropped Kelly a quick set of questions to get the scoop on his prolific activities and plans for the future.


Surely I Come Quickly – Angkor


Form – Trips


Hobo Cubes – Semblance, Is Ripe With Blooming Gestures

Jesse Locke: Adhesive Sounds seemed like it emerged out of nowhere in April with a fully realized sonic and visual aesthetic. How long had you been scheming before launching the label, and what inspired you to take the plunge?

Kelly Chia: Time was definitely on my side, as I was affected with a disorder of the immune system keeping me housebound for a large period of this past year. Having to drop school and unable to leave the indoors, I was forced to find some kind of outlet, project, activity.

I started listening to more ambient, experimental, and soundscape music during this time. I was getting big into stuff by John Carpenter and Alan Howarth, John Cage, Erik Satie… a lot of film scores and works by modern composers.

Design and music to me have always had a special relationship. Particularly when you think of some of the seminal record labels. To me, the look is just as important and inspiring as the sound. The imagery provides an atmosphere and suggests an overall mood. It creates a distinct style or aesthetic. A good record cover should reflect the music.

I’m a big fan of Vaughan Oliver’s 4AD sleeve designs – abstract, dreamlike, elegant – his work defines 4AD as much as the music. Peter Saville, who created the art for Factory Records, is another favourite of mine.

Music has always been a huge part of my life and starting a label has always been on the top of my “to do” list. Cassettes tapes are more affordable to produce than vinyl and have a warmth that is missing from digital and CDs. So when it came to put a label together it was just following my intuition and placing the right pieces in order.

Two of the releases from your first batch, Wasted Cathedral’s Pleasant Valley and Japanese Treats’ *E 468, feature solo side-projects from better known bands/artists (Shooting Guns and Ben Disaster, respectively). Do you put any stock into releasing music from projects that people may not be familiar with?

Growing up in the age of cassette tapes and compiling mix tapes, it was always exciting to discover and share up and coming acts or obscure tracks with others.

Side projects are interesting because you’re giving an opportunity for listeners to hear another side of an otherwise familiar artist’s work. It’s almost like tuning into radio waves from an alternative world.

You’ve also had a strong slate of releases from prairie-based artists including the two previously mentioned, plus Evan A. James from Edmonton and two different guises of Saskatoon’s Will Kaufhold (Body Lvl and Form). Coming from Edmonton yourself, do you feel it’s important to represent regions that may be overlooked in other parts of the country?

I think it’s important to provide a platform for people to check out work by artists in regions that are typically overlooked. I owe a lot of gratitude to the independent shops that introduced me to some of my favourite bands.

I certainly think one’s surroundings have a profound influence on their outlook, interests and any creative work they produce. Maybe to a lesser degree now than the time before the internet, instant news and social media, but even TV and radio were massive then. Still, where you live – its structures, people, and particular places – are going to have a huge influence on artists and the work they produce.

You’ve recently made the move to Toronto, although I understand you’re back out west at the moment. What sorts of differences have you noticed in the local scenes on both sides of the country?

Although geographically isolated, Edmonton should be recognized for its all-ages shows and tight-knit music scene. Everyone is usually well acquainted with each other and bands mix socially and creatively. The scene in Toronto seems to be more divided. You don’t see too many shows with a wide range of musical acts. Noise bands tend to play with other noise bands, for example. You see that with the audiences, too.

You’ve also done tapes for some Montreal heavy-hitters: Demonstration Synthesis and the almighty Hobo Cubes. How did you hook up with them?

Shortly after his second release on Rotifer, Danny (Demonstration Synthesis) was looking to unleash a series of recordings for a fairly new project he’s been working on at the time. Adhesive Sounds was just starting out and happened to be one of the labels he approached. We have since released three tapes (DS3 + DS8 + DS11) by Demonstration Synthesis. DS11 was released in late September.

During talks of finalizing plans on a new tape release by Form, Will had also been looking for a physical release for his work with Body Lvl, which he collaborates with his pal Metha Youngs. Citing the almighty Hobo Cubes as a heavy influence, we decided it would be a perfect opportunity to approach Frank for a track to compliment theirs on the b-side.

Your latest tape from the California-based artist Memory Leaks Onto The Rug also bucked the Canadian-only trend. I appreciate the personalized aspect of his ‘recycled’ releases in super limited editions, and saw the album you put out was originally a CDr edition of 1. Is this ephemeral nature coupled with the mysterious source material of his music part of the appeal for you too?

It is but it isn’t. The record sleeve was a very democratic way of inspiring listeners through art and design. Music packaging has become very specialized. Even though I do appreciate limited edition and special releases, I much prefer the idea that it used to be available to everyone.

For me there has always been an appeal for discovering a title at a local record shop or the excitement of mail ordering and anticipating the arrival of a package. Although digital music files are much more convenient and take up less space, records and their packaging are important because the designs and images created provide a certain mystique offering a more memorable product.

The all-over prints of your j-cards are especially handsome. Do you handle the visual aspect of the label as well?

Visually I was striving for consistency in approach with care and quality. Attention to detail with the layout and typography. I tend to gravitate towards photo-based images with the current releases. Quite a few of them feature awesome photography by Will Kaufhold (Form, Body Lvl).

You’ve been cranking out releases at a pretty furious pace. Do you plan to maintain that?

With a new school year on the horizon, I’ll have a little less time to focus on the label but I definitely plan to remain active with releases. It has been a busy time for A/S with releases by Gunwale, Strange Mountain, Wether, Demonstration Synthesis, Seeami and Surely I Come Quickly coming out on Cassette Store Day. Also, releases by James Benjamin, Mark Aubert and Dj Dj Tanner are due out later this year.

I had a chance to collaborate on a project titled Today with Ian Martin in Edmonton this summer at his amazing Twilight Living Room studio. Hoping to have that released later this year / early 2015.

What does the future hold for A/S?

Sometime in the new year, A/S would also like get into producing printed matter, possibly a magazine. Also maybe introducing the lathe-cut record format for certain releases in the distant future.


Adhesive Sounds discography (to date)
AS001 – Japanese Treats – *E 468
AS002 – Little Blue – Songep
AS003 – Wasted Cathedral – Pleasant Valley
AS004 – Demonstration Synthesis – DS3
AS005 – Evan A. James – s/t
AS006 – Body Lvl / Hobo Cubes – Split
AS007 – Form – Trips
AS008 – Karl Fousek – Codicil
AS009 – Memory Leaks Onto The Rug – OOOOOOOOO
AS010 – Demonstration Synthesis – DS3
AS011 – Gunwale – Red Earth
AS012 – Strange Mountain – A Quiet Dynasty
AS013 – Wether – Alien Lizard
AS014 – Demonstration Synthesis – DS11
AS015 – Seeami – Health & Safety
AS016 – Surely I Come Quickly – Lost Reverie

Le printemps dernier, Adhesive Sounds a fait une entrée remarquée dans le clan des cassettes en mettant sur les tablettes une ambitieuse série de 10 enregistrements. L’architecte d’A/S, Kelly Chia, est un ex-Albertain qui partage son temps entre Edmonton et Toronto, des morceaux de divers artistes chevauchant la distance entre les deux. Il met en parallèle les offres du label et le fait de « se brancher aux ondes radiophoniques d’un monde alternatif », en mettant ensemble la techno mutante de Form et l’étrange électroacoustique de Hobo Cubes, les échantillons qui font tomber en pâmoison de Surely I Come Quickly et tant d’autres. Nous avons posé quelques questions à Kelly pour en apprendre davantage sur ses activités prolifiques et ses plans pour l’avenir.


Surely I Come Quickly – Angkor


Form – Trips


Hobo Cubes – Semblance, Is Ripe With Blooming Gestures

Jesse Locke : On dirait qu’Adhesive Sounds est sorti de nulle part en avril avec une esthétique visuelle et acoustique pleinement accomplie. Combien de temps avez-vous mis à organiser le label avant de le lancer? Qu’est-ce qui vous a convaincu de faire le saut?

Kelly Chia : Le temps a joué en ma faveur. L’année dernière, j’ai souffert d’une affectation du système immunitaire qui m’a obligé à rester à la maison pendant de longues périodes. J’ai dû abandonner l’école, et je ne pouvais pas sortir à l’extérieur. Je devais donc trouver un exutoire, un projet, une activité.

Je me suis alors mis à écouter plus de musique d’ambiance, expérimentale et de paysage sonore. Je me suis surtout intéressé à John Carpenter, à Alan Howarth, à John Cage, à Erik Satie… aux trames sonores et à des œuvres de compositeurs modernes.

Pour moi, le design et la musique ont toujours eu une relation particulière. Surtout si on pense à certains des labels précurseurs. Je crois que l’aspect visuel est tout aussi important et inspirant que l’acoustique. L’imagerie offre une atmosphère et suggère une ambiance générale. Elle crée un style ou une esthétique uniques. Une bonne pochette de disque devrait être le reflet de la musique.

J’admire beaucoup le design des pochettes 4AD de Vaughan Oliver (abstrait, onirique, élégant) – son travail définit 4AD autant que la musique. Un autre de mes favoris est Peter Saville qui a créé des illustrations pour Factory Records.

La musique a toujours fait partie de ma vie, et lancer un label a toujours été une priorité pour moi. Les cassettes coûtent moins cher à produire que les vinyles. Elles dégagent aussi une chaleur qui fait défaut au format numérique et aux CD. Quand le moment est venu de mettre sur pied un label, je n’avais qu’à suivre mon instinct et à mettre les bons morceaux aux bons endroits.

Deux cassettes de votre première série, Pleasant Valley de Wasted Cathedral et *E 468 de Japanese Treats, présentent des projets solos d’artistes de groupes plus connus (Shooting Guns et Ben Disaster, respectivement). Misez-vous sur la musique associée à des projets qui feront sortir les gens de leur zone de confort?

Comme j’ai grandi avec les cassettes, à faire des compilations, c’était toujours électrisant de découvrir de nouveaux artistes émergents et des morceaux indéfinissables, de les échanger avec d’autres. Les projets parallèles sont intéressants pour donner la chance à ceux qui écoutent d’entendre un côté insoupçonné du travail d’un artiste. C’est presque comme se brancher aux ondes radiophoniques d’un univers alternatif.

Vous avez aussi une liste solide de pièces d’artistes originaires des Prairies, dont les deux mentionnés plus haut, et Evan A. James d’Edmonton, et deux volets différents du Saskatoonais Will Kaufhold (Body Lvl et Form). Étant vous-même originaire d’Edmonton, croyez-vous qu’il soit important de représenter des régions qui sont ignorées ailleurs au pays?

Je crois qu’il est important d’offrir une plateforme où les gens peuvent trouver des artistes de régions qui sont normalement ignorées. Je suis très reconnaissant aux magasins de musique indépendants qui m’ont fait connaître certains de mes groupes favoris.

Je crois sincèrement que notre environnement influence profondément notre perspective, nos intérêts et tout ce que nous créons. Peut-être moins aujourd’hui qu’à l’époque avant Internet, l’actualité instantanée et les médias sociaux, quoique même la télé et la radio étaient importantes à l’époque. Malgré tout ça, votre milieu, sa structure, ses gens et ses lieux particuliers influenceront grandement les artistes et leurs créations.

Vous êtes récemment déménagé à Toronto, mais je comprends que vous êtes en ce moment dans l’Ouest. En quoi les scènes locales des deux côtés du pays sont-elles différentes?

Même si Edmonton est isolée géographiquement, elle devrait être reconnue pour ses spectacles pour tous les âges et sa scène musicale « tissée serrée ». En général, tout le monde se connaît bien et les groupes se fréquentent socialement et collaborent créativement. La scène de Toronto semble plus divisée. Il y a peu de spectacles offrant un large éventail de formations musicales. Les groupes noise ont tendance à jouer avec d’autres groupes noise, par exemple. C’est la même chose avec le public.

Vous avez aussi produit des cassettes pour des poids lourds de Montréal : Demonstration Synthesis et les tout-puissants Hobo Cubes. Comment les avez-vous rencontrés?

Peu après son deuxième album sur Rotifer, Danny (Demonstration Synthesis) voulait sortir une série d’enregistrements associés à un projet assez nouveau sur lequel il travaillait à l’époque. Adhesive Sounds en était à ses débuts et nous sommes un des labels qu’il a approché. Depuis, nous avons produit deux cassettes (DS3 et DS8) de Demonstration Synthesis, et une autre est en route. DS11 est sortie à la fin septembre.

Pendant des discussions à propos de l’achèvement d’une nouvelle cassette par Form, Will cherchait aussi à sortir, dans un format physique, ses enregistrements avec Body Lvl, sur lesquels il collabore avec son ami Metha Youngs. En faisant référence aux tout-puissants Hobo Cubes, nous avons décidé que c’était l’occasion parfaite pour approcher Frank et lui offrir une chanson pour agrémenter leur face B.

Votre dernière cassette du groupe californien Memory Leaks Onto The Rug va à l’encontre de la tendance uniquement canadienne. J’apprécie l’aspect personnalisé de ces sorties « recyclées » en éditions super limitées, et j’ai vu que l’album que vous avez produit était originalement une édition sous forme de CD-R unique. Est-ce que la nature éphémère associée au matériel source mystérieux de sa musique fait partie de ce qui vous attire aussi?

Oui et non. La pochette de l’album était une façon très démocratique d’inspirer les auditeurs au moyen de l’art et du design. L’emballage de la musique est devenu une spécialisation. Même si j’aime les éditions limitées et les sorties spéciales, j’aime encore plus l’idée que tout le monde y avait un jour accès.

J’ai toujours trouvé qu’il était attrayant de découvrir un album dans un magasin de musique local, ou enthousiasmant de commander par la poste et d’anticiper l’arrivée du colis. Même si la musique numérique est bien plus pratique et qu’elle prend moins de place, les disques et leur emballage sont importants parce que les designs et les images créés fournissent une certaine mystique offrant un produit plus marquant.

Les imprimés all-over des cartons des cassettes sont particulièrement beaux. Êtes-vous aussi responsable de l’aspect visuel du label?

Visuellement, je m’efforçais d’avoir une approche cohérente avec soin et qualité, un souci pour les détails en ce qui concerne la mise en page et la typographie. Pour les dernières sorties, j’ai tendance à être attiré par les images inspirées de photos. Un bon nombre d’entre elles mettent en vedette des photos géniales de Will Kaufhold (Form, Body Lvl).

Vous sortez des albums à un rythme d’enfer. Croyez-vous pouvoir continuer au même rythme?

La reprise des classes approche, j’aurai donc un peu moins de temps à consacrer au label, mais j’ai l’intention de rester actif. Les prochaines sorties de Gunwale, Strange Mountain, Wether, Demonstration Synthesis, Seeami et Surely I Come Quickly, dont l’album est sorti lors de la Journée de la cassette (Cassette Store Day), garderont A/S occupé au cours des prochains mois. On prévoit aussi sortir des albums de James Benjamin, Mark Aubert et Dj Dj Tanner plus tard cette année.

Cet été, à Edmonton, j’ai eu la chance de collaborer sur un projet intitulé « Today with Ian Martin » à son studio Twilight Living Room. On espère sortir ça plus tard cette année ou au début de 2015.

Quelles sont les perspectives d’avenir d’A/S?

Au cours de la nouvelle année, A/S aimerait commencer à produire des œuvres imprimées, peut-être un magazine. Peut-être offrir certains enregistrements en format vinyle dans un avenir rapproché.


Discographie d’Adhesive Sounds (à ce jour)
AS001 – Japanese Treats – *E 468
AS002 – Little Blue – Songep
AS003 – Wasted Cathedral – Pleasant Valley
AS004 – Demonstration Synthesis – DS3
AS005 – Evan A. James – s/t
AS006 – Body Lvl / Hobo Cubes – Split
AS007 – Form – Trips
AS008 – Karl Fousek – Codicil
AS009 – Memory Leaks Onto The Rug – OOOOOOOOO
AS010 – Demonstration Synthesis – DS3
AS011 – Gunwale – Red Earth
AS012 – Strange Mountain – A Quiet Dynasty
AS013 – Wether – Alien Lizard
AS014 – Demonstration Synthesis – DS11
AS015 – Seeami – Health & Safety
AS016 – Surely I Come Quickly – Lost Reverie

Imprint :: Craft Singles

Weird_Canada-Imprint-Craft_Singles

Since its first batch of releases in early 2011, Craft Singles has been steadily cultivating and curating “a series of snapshots of interrelated communities.” Perpetually delving into disparate sounds and geographies, the subscription-based label educates its listeners in Canadiana through brief, single-driven cassette doses. Each meticulously orchestrated batch of releases offers a unique visual aesthetic and attention to packaging, adding collectibility to the already enticing array of singles. Weird Canada spoke to Andy March, founder of Craft Singles.


The You Are Minez – Can’t Question Desire


Quivers – Mantis


The Ether – Dead Scene Politics


Craig Currie – Painter’s Sink

Max Cotter: What are the origins of Craft Singles (CS) and how did it evolve into its current form?

Andy March: CS started as a project where I wanted to try my hand at production. I had been recording, playing in bands, and running labels, and I thought it would be a worthwhile exercise to see what I could do to put all that together and try to produce recordings. I wanted to be able to work with a lot of different artists, to do it without needing to find much money, to work quickly and release things rapidly, and to publish the output in a coherent form, as a project, in a format that was collectible. I also wanted to be able to give the bands something that they could sell, which could get reviewed, with the result of garnering some attention.

The cassette single format is one I have always liked. It made sense to me that the project as a whole could gain some momentum, even if the releases were very short, and the editions very small. I bought a cassette duplicator, a glue dispenser gun, and trained with Charles Austin at Echo Chamber Audio, reaching an agreement where I could use the studio at night for a reasonable rate. The first half-dozen or so releases followed this ethos, and I made some recordings I am really proud of. Friendly Dimension, The Ether, Special Costello, and Lantern really stand out for me as sessions where I put a lot of thought and effort into being the perfect producer for that particular group at that particular point in their career, and I think I gave them something that made sense for them that, at the time, did justice to their development and their aesthetic.

As I began to spend less time in Halifax and Montreal (where I had studio access as well), and as I became more focused on my own band, CS morphed into more of a traditional label in that bands, such as Play Guitar and Grand Trine, submitted their content for release through the label. I was still doing some recordings for bands like Bad Vibrations, but the emphasis was more on making the release process affordable, without losing quality, for bands that were near the beginning of their careers.

At this point the label began to grow in its ability to provide exposure across Canada, in part thanks to Weird Canada and campus radio. It fell into its current character; a series of snapshots of interrelated communities, a rhizome of bands and musicians and scenes.

There seemed to be a heavy focus on the Halifax scene that has slowly shifted to documenting other parts of the country. What led to this change? How has CS’s relationship with the Halifax music community changed with this shift?

I am fairly nomadic so as I spent less [time in] Halifax and started exploring other parts of the country, I found relationships between cities that made it possible to expand the label to other regions. Sackville, Montreal, Toronto, and Calgary all have threads in common; dialogues of various degrees between certain threads of creativities, which was very exciting for me to realize. My relationship to the Halifax scene is still strong. I go back all the time and try to keep tabs on what is up, and I hope to be able to continue this forever.

Especially considering the aforementioned shift, how does the CS curation process work? Has it become more of a challenge to make informed release decisions when looking with a wider lens at Canada as a whole? The process of deciding on releases is pretty straight forward. I try to determine if a release is mutually beneficial for all parties involved: the band, the label, and the other bands under the label. If so, and if the band is keen, I do whatever needs done to make a tape happen. I find that the wider the scope geographically, the more cohesive the project becomes. Releasing Homebody (from Denver, Colorado) and seeing the ties with, say, Heaven For Real or You Are Minez, was really sweet.

With each round of releases featuring a different-yet-cohesive aesthetic, it seems graphic design is an important aspect of CS. How would you describe the relationship between the label/music and the visual aspects?

I spent a long time in art school in Halifax, and I decided early on that visual cohesion was vital to the sensibility of the project. Other labels–like Sacred Bones–incorporate the visual to great effect, and I get a lot of satisfaction from doing this successfully. I do feel a little strange imposing an aesthetic on a group of artists, but ultimately I think it plays a big role in making the label operate the way it does, ontologically, and no one has made a stink about it yet.

As a subscriber, I’ve always found each round of CS releases is like a lesson in independent Canadian music. What led to the idea of a subscription based label?

The subscription is just a way to maintain momentum as well as adding another element to the nature of the project. I think it makes it a richer project by adding to the element of collectibility, like when you wanted a complete set of baseball cards when you were a kid, and if you were really keen, maybe you would just buy the whole set at once. In this way the collector becomes a part of the project. They don’t know what tape they will be getting, they are subscribing to the label, and they are really another wing of the whole thing.

How does the cassette format relate to the CS ideology and aesthetic? Is the label bound to this specific medium or do you have plans to experiment in other tangible delivery methods?

Cassettes are amazing because they are cheap, easy to duplicate, easy to package, durable, and they ship cheaply as lettermail. They also make unmastered digital recordings sound cooler, and they don’t take up much space in your collection. They have a wide spine, so as a series the spines all line up to look great on your shelf.

In 2010 I bought a very large and ancient record lathe, which is a device used in manufacturing vinyl records. I modified the machine, and along with a rad online community, experimented to find a way to use it for short run manufacturing of hand-made records. At this point it is possible, for a few dollars, to produce a mono disk that does not wear out with use, that will play well, and that sounds excellent across a large frequency range, with a low noise floor, and at a decent volume, on MOST turntables. Unfortunately the Stylus that the machine uses is made of Saphire, and costs about $100, so mistakes are very expensive, and a big part of the experimentation has been getting as many copies as possible out of a stylus without wearing it out. My first release in this format was CS024-SLOW BURN for TORONTO HOMICIDE SQUAD. The run of 30 copies took me about 2 long days of work, and they came out great.

What’s next for CS?

Next up are releases for Negative Rage and Un Blonde, two of the most exciting cassingles to date. Both are young, ‘auteur’ types and I am beside myself with excitement. I think the next wave of artists in Canada will be truly unbelievable, and everyone should be ready to have their minds blown into a million pieces. At the same time I am very pleased to see CS bands like Heaven For Real, Monomyth, Old and Weird, and others, move forward in their careers at an amazing pace, and I am thinking of ways that the label can evolve to keep up with them.

Craft Singles Discography (to date):
CS001 – Omma Cobba – Policeman
CS002 – The Ether – Dead Scene Politics
CS003 – The Friendly Dimension – Executive Koala
CS004 – Lantern – American Razorwire
CS005 – Kill Squares – Swim To Me
CS006 – Play Guitar – Majic Child
CS007 – Grand Trine – Euthanize Me
CS008 – Crosss – Bone Brigade
CS009 – Bloodhouse – Baby Butter Knife
CS010 – Transfixed – Physical Demands
CS011 – Bad Vibrations – In The Rough
CS012 – Old and Weird – Minstrel Rock
CS013 – Special Costello – Music and Image
CS014 – The You Are Minez – Can’t Question Desire
CS015 – Astral Gunk – Street Level
CS016 – Yellowteeth – Repo
CS017 – Chief Thundercloud – End of August
CS018 – Quaker Parents – Rubber Match
CS019 – Quivers – Self Portrait in E
CS020 – Heaven For Real – Hero’s Code
CS021 – Monomyth – Trash Day
CS022 – Homebody – Homebody EP
CS024 – Toronto Homicide Squad – Slow Burn
CS025 – Negative Rage – I’m Controlled, You’re Controlled

Depuis sa première fournée de sorties en 2011, Craft Singles cultive de façon régulière une série de clichés de communautés entremêlées. Fouillant perpétuellement les creusets de sons et de géographies disparates, l’étiquette qui fonctionne par abonnement éduque ses adeptes en Canadiana au moyen de doses de cassettes brèves et orientées vers le simple. Chacune des fournées de sorties méticuleusement orchestrées offre une esthétique visuelle unique et une attention toute particulière à l’emballage, ajoutant l’envie de collection aux déjà très séduisants simples. Weird Canada a conversé avec Andy March, le fondateur de Craft Singles.


The You Are Minez – Can’t Question Desire


Quivers – Mantis


The Ether – Dead Scene Politics

Max Cotter : Quelles sont les origines de Craft Singles (CS) et comment l’étiquette a-t-elle évolué pour atteindre sa forme actuelle?

Andy March : CS a débuté par un projet où je voulais essayer de produire pour la première fois. Auparavant j’avais enregistré, joué dans des groupes et dirigé des étiquettes et je pensais que cela vaudrait la peine de voir ce que je pourrais obtenir comme résultat en combinant le tout grâce à la production. Je voulais avoir l’opportunité de travailler avec de nombreux artistes différents, de pouvoir le faire sans avoir besoin de trop de sous, de travailler et de sortir des trucs rapidement et de publier le tout de façon cohérente, dans un format facile à collectionner. Je voulais aussi être en mesure d’offrir aux artistes quelque chose qu’ils peuvent vendre, quelque chose à propos duquel on peut écrire, dans le but d’attirer l’attention sur la musique.

Le format cassette est un truc que j’ai toujours aimé. Ça avait du sens pour moi que le projet prenne de l’élan, même si les parutions étaient très courtes et le nombre de copies limité. J’ai acheté une reproductrice de cassettes, un fusil à colle et discuté avec Charles Austin de Echo Chamber Audio. On s’est entendu pour que je puisse utiliser son studio un soir par semaine, à un prix raisonnable. La première demi-douzaine de parutions a suivi cette philosophie et j’ai produit des trucs dont je suis très fier. Friendly Dimension, The Ether, Special Costello, et Lantern se distinguent particulièrement pour moi comme des sessions auxquelles j’ai consacré beaucoup de temps et d’effort afin d’être le meilleur producteur pour chaque artistes à ce point particulier de leur carrière. Je crois leur avoir donné un résultat qui avait du sens pour eux et que ce résultat rendait justice à leur développement et à leur esthétique du moment.

Lorsque j’ai commencé à passer de moins en moins de temps à Halifax et à Montréal (où j’avais aussi accès à un studio) pour me concentrer davantage sur mon propre groupe, CS s’est transformé en une étiquette plus traditionnelle; des groupes comme Play Guitar et Grand Trine ont soumis leur matériel en vue d’une parution sous l’étiquette. Je faisais toujours des enregistrements pour des groupes comme Bad Vibrations mais l’accent était plus sur la volonté de rendre le processus abordable, sans compromettre la qualité, pour des groupes qui commençaient leur carrière.

À ce moment-là, l’étiquette a commencé à développer sa capacité à faire connaître des groupes à travers le pays, en partie grâce à Weird Canada et aux radios communautaires. C’est devenu ce que c’est maintenant : une série de clichés de communautés entremêlées, un rhizome de groupes, de musiciens et de scènes.

Il semble que l’accent ait d’abord été mis sur la scène d’Halifax pour ensuite se déplacer vers d’autres coins du pays. Qu’est-ce qui a motivé ce changement? Comment est-ce que la relation de CS avec la scène musicale d’Halifax a changé de ce fait?

Je suis passablement nomade alors je passais de moins en moins de temps à Halifax et j’explorais d’autres coins de pays. J’ai trouvé des similarités avec d’autres villes qui rendaient possible l’expansion de l’étiquette vers d’autres régions. Sackville, Montréal, Toronto et Calgary ont toutes des fils en commun; des dialogues à différents degrés entre certains fils créatifs, une réalisation très excitante pour moi. Ma relation avec la scène d’Halifax est toujours très forte. J’y retourne souvent, j’essaie de me tenir au courant de ce qui s’y passe et j’espère être toujours en mesure de le faire.

Compte tenu de l’évolution qu’on vient de mentionner, comment fonctionne maintenant le processus de sélection de CS? Est-il plus difficile de prendre une décision éclairée pour une parution maintenant que vous devez tenir compte du Canada tout entier?

Le processus de décision pour les nouvelles parutions est assez simple. J’essaie de déterminer si une parution est bénéfique pour toutes les parties concernées : le groupe, l’étiquette et les autres groupes sous l’étiquette. Si c’est le cas et que le groupe en a envie, je fais tout ce qui est en mon pouvoir pour créer une cassette. Je trouve que plus l’envergure géographique est étendue, plus on retrouve de cohésion entre les projets. Faire paraître Homebody (de Denver, Colorado) et voir les liens entre par exemple Heaven For Real ou You Are Minez était vraiment sympa.

Chaque ronde de parutions présente une esthétique différente mais toujours en cohésion et il me semble que le design graphique est un aspect important de CS. Comment décrirais-tu la relation entre l’étiquette/la musique et l’aspect visuel?

J’ai passé beaucoup de temps à l’école d’art à Halifax et j’ai décidé dès le départ que cette cohésion visuelle était vitale pour la sensibilité du projet. D’autres étiquettes – comme Sacred Bones– incorporent le visuel pour un superbe effet et je trouve une grande satisfaction à réussir à faire la même chose. C’est un peu bizarre d’imposer une esthétique à un groupe d’artistes mais en fin de compte je pense que c’est important pour faire fonctionner l’étiquette comme elle fonctionne, ontologiquement. Jusqu’à maintenant cela n’a jamais été un problème avec les artistes.

En tant qu’abonné, j’ai toujours trouvé que chaque ronde de parutions par CS était comme une leçon sur la musique indépendante canadienne. D’où est née l’idée d’une étiquette qui fonctionne par abonnement?

L’abonnement est une manière de maintenir l’élan et d’ajouter un autre élément à la nature du projet. Je crois que le fait d’ajouter l’élément de collection rend le projet plus riche, comme quand tu voulais une série complète de cartes de baseball quand tu étais enfant. Si tu étais vraiment passionné, tu achetais la série au complet d’un coup. De cette manière, le collectionneur fait partie du projet. Il ne sait pas quelle cassette il va recevoir : il est abonné à l’étiquette et il est vraiment une autre composante du processus global.

Comment est-ce que le format cassette est lié à l’esthétique et à l’idéologie de CS? Est-ce que l’étiquette est limitée à ce médium ou vous avez l’intention d’expérimenter d’autres méthodes de parution tangibles?

Les cassettes sont géniales parce qu’elles ne sont pas chères, sont faciles à reproduire, faciles à emballer, durables et elles ne sont pas plus cher à expédier par la poste que les lettres. Elles rendent aussi les enregistrements numériques non masterisés plus cool et ne prennent pas une énorme place physiquement. Elles ont une tranche large, alors remplir une tablette avec une collection produit vraiment un bel effet.

En 2010, j’ai acheté un très grand et ancien tour d’usinage de disques (record lathe), un engin utilisé dans la manufacture de disques vinyl. J’ai modifié l’engin, et avec l’aide d’une super communauté internet, j’ai expérimenté une façon de m’en servir pour produire des petites quantités de disques fait-main. Présentement il est possible pour quelques dollars de produire un disque mono qui ne s’use pas, qui jouera bien et qui produit un son excellent sur un éventail de fréquences, avec un minimum de bruit de fonds et à un volume intéressant sur la plupart des tables tournantes. Malheureusement, le stylet que l’engin utilise est fait de saphir et coûte à peu près 100 $ donc les erreurs sont coûteuses et la majorité de mes expérimentations ont consisté à produire un maximum de copies avant que le stylet ne s’use. Ma première parution dans ce format a été CS024-SLOW BURN pour TORONTO HOMICIDE SQUAD. Un total de 30 copies m’a demandé deux longues journées de travail et le résultat est génial.

Qu’est-ce qui s’en vient pour CS?

Les prochaines parutions seront Negative Rage et Un Blonde, deux des plus excitants simple-cassettes jusqu’à maintenant. Les deux sont jeunes, du type « auteur » et je suis super excité. Je pense que la prochaine vague d’artistes au Canada sera incroyable et tout le monde devrait se préparer à halluciner en 10 000 couleurs. D’ailleurs, je suis vraiment content de voir des groupes de CS comme Heaven For Real, Monomyth, Old and Weird et d’autres avancer dans leur carrière à grande vitesse et je réfléchis à des moyens de faire avancer l’étiquette avec eux.

Discographie de Craft Singles (jusqu’à maintenant) :
CS001 – Omma Cobba – Policeman
CS002 – The Ether – Dead Scene Politics
CS003 – The Friendly Dimension – Executive Koala
CS004 – Lantern – American Razorwire
CS005 – Kill Squares – Swim To Me
CS006 – Play Guitar – Majic Child
CS007 – Grand Trine – Euthanize Me
CS008 – Crosss – Bone Brigade
CS009 – Bloodhouse – Baby Butter Knife
CS010 – Transfixed – Physical Demands
CS011 – Bad Vibrations – In The Rough
CS012 – Old and Weird – Minstrel Rock
CS013 – Special Costello – Music and Image
CS014 – The You Are Minez – Can’t Question Desire
CS015 – Astral Gunk – Street Level
CS016 – Yellowteeth – Repo
CS017 – Chief Thundercloud – End of August
CS018 – Quaker Parents – Rubber Match
CS019 – Quivers – Self Portrait in E
CS020 – Heaven For Real – Hero’s Code
CS021 – Monomyth – Trash Day
CS022 – Homebody – Homebody EP
CS024 – Toronto Homicide Squad – Slow Burn
CS025 – Negative Rage – I’m Controlled, You’re Controlled

Imprint :: Tenzier

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Montreal’s Tenzier states its aims plainly: “To preserve, celebrate and disseminate archival recordings by Quebec avant-garde artists.” From the jump-cut plunderphonics of Étienne O’Leary to the electroacoustic fever dreams of Gisèle Ricard, these anomalous offerings from the 1960s, ’70s and ’80s provide a fascinating glimpse into an unheralded history. Tenzier’s four LPs (to date) are not simply reissues, but instead sonic pearls scooped up from private collections and made available for the first time. Weird Canada spoke to Eric Fillion, the chief archivist of Quebec’s avant past.

 

Bernard Gagnon – Totem Ben

Gisèle Ricard – Je Vous Aime

Étienne O’Leary – Day Tripper (excerpt)

Le Quatuor de Jazz Libre du Québec – Sans Titre

 

Jesse Locke: What inspired you to start this project with such a specific regional focus?

Eric Fillion: I’m from Montreal, and have a clear attachment to Quebec. I’ve been playing music here for many, many years, and had the sense that there was a history that needed to be uncovered. Doing Tenzier is a way of allowing connections to be made. For each of the releases, I try to match an older musician with a current visual artist. For example, Sabrina Ratté did the artwork for the Gisèle Ricard LP, and Felix Morel did the collage for Bernard Gagnon. Match made in heaven there!

The regional focus also allows me to meet the musicians, not just communicate by email or phone. Gisèle Ricard is in Quebec City, so it’s a short drive there to meet with her. Bernard Gagnon and former members of the Quatuor De Jazz Libre Du Québec are in Montreal. Lunch is always an option and we try to meet regularly. The human component of the project is huge, and it’s something I didn’t really understand at first or anticipate. The ability to work directly with these artists is something that I wouldn’t change. I’m also conducting doctoral research in history, and my interests deal with Quebec’s cultural production. The music I research for Tenzier is sort of out there compared to what I’m studying at a university level, but there’s still a connection.

Ultimately, I think it would be great if other people did similar projects. If 10 or 15 people in Canada wanted to set up labels or organizations to focus on their specific cities or provinces, you would get a much more complete history of avant or underground music. Maybe I’m dreaming here, but I think there’s a possibility to do this in other places. Montreal and Quebec have had a dynamic music scene for decades, but I know many other areas have that as well.

Besides the artists’ location, what other criteria do you have for the music you choose to release?

Tenzier’s releases are not reissues — they are archival recordings that have never been made available. I’m interested in voices from the margins, meaning artists that don’t really fit the dominant narratives about Quebec’s cultural production for the period I’m interested in: the ’60s, ’70s and ’80s. Often, it comes from people making experimental music that didn’t end up teaching in universities or refused, for one reason or another, to associate with the province’s key cultural institutions. As such, their contributions may have gone unnoticed or undocumented for the new generations to explore.

One good example is Bernard Gagnon, who’s been active since the late 1960s. He had been involved in every major experimental or underground scene in Quebec, and contributed to several Musique Actuelle LPs, but never released a record under his own name. Going through his archives was great, because he had tons of reels. Gisèle Ricard had also been really active in Quebec City, but never released anything outside of the Capac 7”.

Releasing records is only part of Tenzier’s mandate, though. I try to put out one LP each year, usually in the fall, but parallel to that I’m also collecting material – recordings, visuals, correspondence – when I can and slowly digitizing things for future releases or research purposes. At some point, I would love to turn Tenzier into some kind of research center. The records are a way of making sure there’s a trace left in the present, and we deposit a copy at the National Library in Ottawa, as well as the Quebec National Library. All of a sudden, these artists and their music exist, making it possible for people like me who are doing research to have access much more quickly to a growing body of works. Ultimately, I would like to make all the documents that have been digitized but not released available to people.

Last summer, I partnered with the Videographe, which is a video co-op set up in 1971 through the NFB. In 1973 it became a non-profit organization, and they have tons of experimental videos that combine experimental music. Tenzier prepared a short program titled Québec électronique for the 2013 edition of the Suoni Per Il Popolo. It featured people like Richard Martin, who went to the U.S. and studied with Alvin Lucier. I’m working with the Videographe to disseminate those videos online, and have interviewed Richard Martin and added that to the archive. All of this falls under Tenzier’s mandate.

Bernard Gagnon live at Le Beat, 1983.

Bernard Gagnon live at Le Beat, 1983.

So far, your releases have come out in chronological order, from Etienne O’Leary in the 1960s to Gisele Ricard in the 1980s. Will you continue this pattern, or start bouncing around in time?

I didn’t realize I was doing that [laughs]. That was a total accident and I didn’t plan it that way, so yes, I am going to start bouncing around. Tenzier will never go past the 1980s, as it became much easier from the ’80s onward for artists to release their own tapes or records. In Quebec, you had Ambiances Magnétiques, which did a fantastic job of documenting whole spectrums of experimental or weird music, but before that there was really nothing. The NFB put out a soundtrack and that was great, but it was a one-off project. Otherwise, McGill had a record label putting out material recorded in the university’s electronic music studio, and Radio Canada International released a few records of electroacoustic compositions. Aside from that, there were no small labels, so there is a lot of music made in the ’60 and ’70s recorded on 1/4” tapes that are just sitting in boxes. I think I’ll be busy enough focusing on those three decades.

I also wanted to ask about the numbering of your releases. On Discogs, your trio CD with Dominic Vanchesteing and Alexandre St-Onge is listed as TNZR001, and then it jumps straight to TNZR050. Are there 49 lost releases floating in the ether?

Nothing is missing. Initially, when I started Tenzier it was towards the end of Pas Chic Chic, and I wanted to set up an infrastructure for musicians to collaborate. This included myself, and I wanted to reach out to musicians that I had a tremendous respect for, but hadn’t had the chance to work with. The mini-CD series, numbers one to 49, was meant to serve that purpose. At the same time, I started working on the Etienne O’Leary LP and decided that #50 onward would be the historical releases from Tenzier. Within four or five months of that time, I made the decision to go back to school to continue graduate work. I subsequently quit playing music to focus on my research. It became apparent to me that Tenzier could become a vehicle to reconcile my academic interests with my background as a musician. This allowed me to stay in touch with musicians and visual artists, and contribute something concrete. After Tenzier 001, I stopped playing music and that series ended there.

What plans do you have moving forward? Can you give us a sneak peek into any upcoming releases or activities?

I can’t really talk about releases yet because I haven’t had a chance to sit down with the interested parties. I do plan on releasing another LP in the fall though, and am currently digitizing a bunch of material that I’m super excited about. Each year I try to organize an event or kind of retrospective as well, and this fall I’m working with Jean-Pierre Boyer, who made experimental videos in the early ’70s. He invented his own video-synthesizer, which he named the Boyétizeur, so we’re going to show his work and have a live performance.

I was really excited to see Gisèle Ricard’s collaboration with Bernard Bonnier on the new Tenzier LP. Casse-Tête Musique Concrète is so wild. Do you know about any more music that he recorded?

That’s an amazing record. There’s also the Capac 7”, but nothing else in terms of official releases. I would assume he has other material recorded, as Bernard Bonnier and Gisèle Ricard owned a studio together. Bernard passed away, but his son probably has reels stored somewhere in a basement. That would be worth looking into at some point.

What’s the weirdest music from Quebec you’ve ever heard?

To me, weird music is not a pejorative term. It’s brilliant music because it forces you to listen differently and takes you to new places. Quebec had so much weird music, especially in the 1980s. A lot of people were releasing cassettes back then (like nowadays, I guess) and you could find amazing stuff, demos and other strange sound objects, at L’Oblique. The first name that comes to mind is Les Biberons Bâtis, which was the project of Bruno Tanguay, also known as Satan Bélanger. Before Les Biberons Bâtis, Bruno was in a group called Turbine Depress, which is also truly singular music. I think you will enjoy Les Biberons Bâtis.

Tenzier Discography (To Date)

  • TNZR001 – Dominic Vanchesteing, Eric Fillion, Alexandre St-Onge – Untitled [Mini CD, 2010]
  • TNZR050 – Étienne O’Leary – Films Et Musiques Originales (1966 – 1968) [LP, 2010]
  • TNZR051 – Le Quatuor De Jazz Libre Du Québec – 1973 [LP, 2011]
  • TNZR052 – Bernard Gagnon – Musique Électronique (1975-1983) [LP, 2012]
  • TNZR053 – Gisèle Ricard – Électroacoustique (1980-1987) [LP, 2013]

L’étiquette montréalaise Tenzier exprime pleinement ses objectifs: ‘’Préserver, célébrer et propager les enregistrements d’archives des artistes avant-gardistes du Québec.’’ Des phonétiques saccadées d’Étienne O’Leary aux rêves électro-acoustiques fièvreux de Gisèle Ricard, ces anormales offrandes des années 60, 70 et 80 pourvoient un aperçu fascinant à travers ces parcours méconnus. Les quatre LPs de Tenzier (jusqu’à maintenant) ne sont pas seulement des ré-éditions mais plutôt des perles sonores dénichées dans des collections personnelles et mises à notre disposition pour la première fois. Weird Canada a discuté avec Eric Fillion, l’archiviste en chef du passé avant-gardiste du Québec.

 

Bernard Gagnon – Totem Ben

Gisèle Ricard – Je Vous Aime

Étienne O’Leary – Day Tripper (excerpt)

Le Quatuor de Jazz Libre du Québec – Sans Titre

 

Jesse Locke: Qu’est-ce qui t’as inspiré à démarrer ce projet avec un focus régional si spécifique?

Éric Fillion: Je viens de Montréal et j’ai un attachement clair pour Québec. Je joue de la musique depuis plusieurs années et j’avais le sentiment qu’une histoire avait besoin d’être découverte. Tenzier est une manière de créer des connections. Pour chacune des sorties, j’essaie de joindre un musicien plus âgé avec un artiste en art visuel. Par exemple, Sabrina Ratté a créé la couverture pour le LP de Gisèle Ricard et Felix Morel a fait le collage pour Bernard Gagnon. Deux superbes harmonies!

Le focus régional me permet aussi de rencontrer les musiciens, pas seulement par courriel ou par téléphone. Gisèle Ricard habite la ville de Québec alors ce n’est qu’une courte promenade en voiture pour la rencontrer. Bernard Gagnon et les anciens membres du Quatuor De Jazz Libre Du Québec sont à Montréal. On peut toujours aller dîner et on essaie de se voir souvent. Le contact humain est un aspect important du projet et ce n’est pas quelque chose auquel je pensais au début, que j’anticipais. L’opportunité de travailler directement avec les artistes n’est pas quelque chose que je changerais. J’effectue aussi des recherches doctorales en histoire et mes intérêts se concentrent sur la production culturelle québécoise. La musique que je recherche pour Tenzier est un peu intense comparé à ce que j’étudie à l’université mais il y a tout de même une connection.

Ultimement, je pense que ce serait génial si d’autres gens travaillaient sur des projets similaires. Si 10 ou 15 personnes au Canada voulaient démarrer des étiquettes ou des projets avec un focus sur leur ville ou leur région, nous aurions un catalogue beaucoup plus complet de la musique avant-gardiste et indépendante canadienne. Peut-être que je rêvasse, mais je pense qu’il y a une possibilité de le faire ailleurs. Montréal et Québec possèdent une scène musicale dynamique depuis des décennies, mais je sais que plusieurs autres endroits aussi.

À part la provenance des artistes, quels sont les autres critères selon lesquels tu choisis la musique à publier?

Les sorties de Tenzier ne sont pas des ré-éditions, ce sont des enregistrements d’archives qui n’ont jamais été disponibles. Je m’intéresse aux voix marginales, souvent des artistes qui ne concordent pas vraiment avec les dominantes narratives de la production culturelle Québécoise de cette période (1960-1970-1980). Souvent, ce sont des gens qui font de la musique expérimentale et qui n’ont pas réussi à enseigner à l’université ou qui, pour une raison ou une autre, ont refusé de s’associer avec quelconque institutions culturelles de la province. Leur contribution a pu passer inaperçue ou ne pas avoir été documentée pour les générations futures.

Un bon exemple est Bernard Gagnon, qui est actif depuis la fin des années 60. Il s’est impliqué dans chacune des importantes scènes expérimentales et underground du Québec et a contribué à plusieurs des long-jeux ‘’Musique Actuelle’’ mais n’a jamais sorti un album sous son propre nom. Parcourir ses archives était génial, parce qu’il a une tonne de bobines. Gisèle Ricard a aussi été très présente dans la ville de Québec mais n’a jamais sorti autre chose que Capac 7”.

Publier des disques n’est qu’une partie du mandat de Tenzier. J’essaie de sortir un LP chaque année, habituellement en automne, mais parallèlement je collectionne aussi du matériel – des enregistrements, du visuel, des correspondences – autant que possible et je le digitalise pour de futures publications ou pour la recherche. Un jour, j’aimerais que Tenzier devienne un genre de centre de recherche. Les LPs sont une façon de s’assurer qu’il y ait une trace dans le présent et nous déposons une copie à la Bibliothèque Nationale d’Ottawa et à celle du Québec. Soudainement, ces artistes et leur musique existent, ce qui permet aux gens comme moi qui font de la recherche, d’avoir accès plus facilement à ces informations. Ultimement, j’aimerais que tous les documents qui ont été digitalisés soient accessibles à tous.

L’été dernier, j’ai créé un partenariat avec le Vidéographe, une coopérative de production vidéo démarrée en 1971 à travers l’ONF. En 1973, c’est devenu un organisme à but non-lucratif et ils ont une tonne de vidéos expérimentaux qui combinent la musique expérimentale. Tenzier a préparé un court programme intitulé Québec électronique pour l’édition 2013 de Suoni Per II Popolo. Le programme présentait des gens comme Richard Martin, qui a passé du temps au États-Unis et a étudié avec Alvin Lucier. Je travaille avec le Videographe afin de distribuer ces vidéos sur le web et j’ai interviewé Richard Martin et ajouté le tout aux archives. Tout cela fait partie du mandat de Tenzier.

Bernard Gagnon live at Le Beat, 1983.

Bernard Gagnon en concert à Le Beat, 1983.

Jusqu’à maintenant, vos parutions sont sorties en ordre chronologique, d’Étienne O’Leary dans les années 60 à Gisèle Ricard dans les années 80. Vas-tu continuer avec ce modèle ou bondir d’années en années?

Je n’ai pas remarqué que je faisais ça [rires]. C’est un accident, je n’ai pas du tout planifié cela alors oui, je vais commencer à bondir d’années en années. Tenzier ne va jamais aller plus loin que les années 80, parce que c’est devenu beaucoup plus facile, à partir des années 80, de publier ses propres cassettes et albums. Au Québec, il y avait Ambiances Magnétiques, qui faisait un travail fantastique à documenter un large spectrum de musique bizarre et expérimentale, mais avant eux, rien. L’ONF a sortie une bande-sonore et c’était génial mais ce n’était qu’un truc unique. Par ailleurs, McGill avait sa propre étiquette qui publiait du matérial enregistré dans les studios de l’université et Radio-Canada International a publié quelques compositions électro-acoustiques. À part de cela, il n’y avait pas de petites maisons de disques, alors il y a beaucoup de musique enregistrée dans les années 60 et 70, sur des cassettes 1/4’’, qui ne font que dormir dans des boîtes. Je pense que je serai assez occupé en focusant sur ces trois décennies-là.

Je voulais aussi te parler de la numérotation de tes parutions. Sur Discogs, ton triple CD avec Dominic Vanchesteing et Alexandre St-Onge est listé TNZR001 et ensuite ça passe à TNZR050. Est-ce qu’il y a 40 copies flottant dans l’éther?

Rien n’est perdu. Initialement, j’ai commencé Tenzier à la fin de Pas Chic Chic, et je voulais mettre en place une infrastructure qui favorise la collaboration entre musiciens. Cela m’incluait et je voulais faire appel à des musiciens pour lesquels j’ai un immense respect mais avec lesquels je n’avais pas eu la chance de travailler. La mini-série CD, numéroté 1 à 49, a servi à cela. Au même moment, je commencais à travailler sur le LP d’Étienne O’Leary et j’ai décidé que tout ce qui sortirait à partir du numéro 50 serait les sorties historiques de Tenzier. Quatre ou cinq mois après, j’ai pris la décision de retourner à l’école pour poursuivre mes études doctorales. Subséquemment, j’ai arrêté de jouer de la musique pour me concentrer sur mes recherches. C’est devenu évident que Tenzier serait un véhicule parfait pour réconcilier mes intêrêts académiques et mon passé de musicien. Ça m’a permis de garder le contact avec des musiciens et des artistes en art visuel et d’y contribuer quelque chose de concret. Après Tenzier 001, j’ai arrêté de jouer de la musique et la série s’est arrêté là.

Quels sont tes plans futurs? Peux-tu nous donner un petit aperçu de tes prochaines parutions et activités?

Je ne peux pas vraiment discuter des parutions puisque je ne me suis pas encore assis pour en discuter avec les parties intéressées. J’ai l’intention de publier un LP cet automne et je suis présentement en train de digitaliser beaucoup de matériel super intéressant. Chaque année, j’essaie d’organiser un évènement ou une sorte de rétrospective et cet automne, je travaille avec Jean-Pierre Boyer, qui produisait de la vidéo expérimentale au début des années 70. Il a inventé son propre synthétiseur vidéo, qu’il a nommé le Boyétizeur, alors nous allons présenter son travail et des performances live.

J’étais super content de voir une collaboration entre Gisèle Ricard et Bernard Bonnier sur le nouveau LP de Tenzier. Casse-Tête Musique Concrète est si déjanté. Connais-tu d’autre musique qu’il a enregistré?

C’est un album génial. Il y a aussi le Capac 7”, mais aucune autres parutions officielles. Je présume qu’il a d’autres matériel enregistré parce que Bernard Bonnier et Gisèle Ricard possèdaient un studio ensemble. Bernard est décédé, mais son fils a probablement des bobines quelque-part dans un sous-sol. Ça vaudrait la peine d’y jeter un coup d’oeil.

Quelle est la musique du Québec la plus bizarre que tu aies écouté?

Selon moi, le terme ‘musique bizarre’ n’est pas péjoratif. C’est de la musique intelligente parce qu’elle force l’auditeur à écouter différemment et le transporte ailleurs. Le Québec a tellement produit de musique bizarre, en particulier dans les années 80. Beaucoup de gens sortaient des cassettes (comme maintenant, je pense) et on peut trouver des trucs vraiment formidables, des démos et d’autres échantillions sonores étranges, à l’Oblique. Le premier nom qui me vient en tête est Les Biberons Bâtis qui était le projet de Bruno Tanguay, aussi connu sous le nom Satan Bélanger. Avant Les Biberons Bâtis, Bruno était dans un groupe appelé Turbine Depress, de la musique aussi très singulière. Je pense que tu aimerais beaucoup Les Biberons Bâtis.

Discographie de Tenzier (Jusqu’à maintenant)

  • TNZR001 – Dominic Vanchesteing, Eric Fillion, Alexandre St-Onge – Untitled [Mini CD, 2010]
  • TNZR050 – Étienne O’Leary – Films Et Musiques Originales (1966 – 1968) [LP, 2010]
  • TNZR051 – Le Quatuor De Jazz Libre Du Québec – 1973 [LP, 2011]
  • TNZR052 – Bernard Gagnon – Musique Électronique (1975-1983) [LP, 2012]
  • TNZR053 – Gisèle Ricard – Électroacoustique (1980-1987) [LP, 2013]

Imprint :: Amok Recordings

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The sonorous expanse that is Toronto’s artistic vestibule is speckled with independent start-up labels, each orbiting uniquely around the city’s cache of raw talent. In this voluminous climate, Justin Scott Gray, founder of Amok Recordings, is attuned to the ‘global character’ of Canada’s do-it-yourself and do-it-together musical landscape.

Creative collaboration between projects emerges as a new language, the semiotics of which —- given the prominence of talent and people motivated in providing it with a collective roof —- speak to the ever loudening typologies that strengthen the presence of our northernly crucibles. It is here, in this space of global cross-pollination, that Amok Recordings has established itself as a progenitor of music that navigates across borders, both geographically and stylistically speaking. We spoke to the founder of the Toronto via Elliot Lake experimental label about Amok’s birth, evolution and ongoing communication.

Bleepus Chris – Stalker

Jay Morritt – Love You More Than I Miss You

Justin Scott Gray – Octatactics

RCL Commission – Been Out In The Field Too Long

 

Joshua Robinson: How did Amok start? What was the creative push behind the inception of the imprint? Did it begin as a way for you to share your own music?

Justin Scott Gray: Amok “officially” began in June 2006. However, the imprint name dates back to around 2000 (appearing on various CD-r releases but without a real organization behind it). When Amok was first conceived, it aimed to serve several purposes:

  1. to create a free online archive for limited edition and out-of-print releases
  2. to present digital music in a way that felt like it was part of the overall package (as opposed to just some text on archive.org)
  3. to invite other like-minded artists from around the world to present their work in a similar way
  4. to become more of an arts-collective rather than a label (note: there used to be a ‘visual arts’ section on the website and we would showcase portfolios)

As you grow, your inspiration obviously changes… For the last few years we have been focusing more on new releases and selling physical packages, rather than just archiving old material via free download. I guess the short answer to your question is yes – it began partly as a way to present the music that I was involved in.

You recently returned to Toronto from Elliot Lake, Ontario. Can you comment on how these geographic spaces influenced you differently?

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Elliot Lake is a pretty depressing place… It began as a booming uranium mine town. Then, in the early ’90s, all of the mining companies closed. With a crippled economy, the city council moved quickly to create a for-profit company (comprised of the mayor and most of the councillors) and they re-branded the city after their new company name: “Retirement Living”. They inherited tons of liquidated cottage-homes from the former mine companies and started busing-in pensioners to fill the homes and pay the taxes.

So in comparison with Toronto (where there are actually people under the age of 65), it’s a lot different! As far as the influence goes… The lack of culture really made me want to create something.

Micro-independents and DIY labels seem to be incredibly prevalent, especially in the major hubs such as Toronto, which is home to Amok. Can you comment on what it is about the creative ethos of Toronto that makes it such a hot-spot for labels and musicians alike?

Yeah – Bandcamp alone seems to have spawned hundreds of new labels. Not being facetious but it’s probably just the sheer density of people that makes Toronto a “hot-spot”… I think that with the way technology has evolved, pretty much anyone, anywhere, can make a label. You really don’t have to be in a big city to do it! There’s just more people there doing it.

Your releases seem to cover the spectrum of physical mediums quite well. However, there seems to be a bit of a preference for cassette. What does the cassette medium mean to you?

Well, it is an analog format and every release that we put out has a digital counterpart… Personally, I like comparing the sound of the digital vs. the analog… I also like that it has two sides because this can really influence the way an artist works. I know that when I was making my last solo record Adult Music I really focused on the two-side format. I’ve also read articles about what it means to some other people. A few have noted that cassette culture is a “rebellion in the face of the iPhone generation,” while others chalk it up to plain nostalgia. It’s probably a bit of everything. I would release music on all formats, if I could afford it.

Stylistically, your catalogue and the musicians who you have worked with are incredibly diverse. Is the strength of the electronic, ambient, and experimental communities in Toronto a reason for the prevalence of the genres on your imprint?

To be honest, I have no idea what’s been going in Toronto… Like I said, I’ve been in Elliot Lake for the past few months and before that I was in Sarnia (which is as equally depressing as Elliot Lake). Also, we don’t have any other Toronto artists involved with the label (except JEFFTHEWORLD, but he makes chiptune and that’s a whole culture unto itself). The label catalogue is pretty much just music that I personally find interesting and that I think would fit together in some strange way. I don’t really focus on any given geographic location and I tend to work with people that I just think are genuine.

Collaboration between artists under the Amok imprint seems to be a pretty important point of distinction for your label. Why is cross-pollination between creative projects important to you?

I think that when someone is being genuine they are likely just “doing-what-they-do”, and so if you set up a network of people who “do-music” then it just makes sense that collaborations will happen… I have always found it interesting how a specific artist can act like an ingredient in a new recipe. And, as a fan, I’ve always enjoyed dissecting music and imagining what a particular artist might be adding to any given project (it becomes even more interesting once you know a particular artist’s body of work).

There is some branching out of Amok to work with musicians residing beyond Canada. Can you comment on how this ‘global’ character might distinguish Amok from other Toronto-based imprints? What international communities have you been able to develop working relationships with?

It’s funny because I know that Weird Canada has some strict guidelines for only covering Canadian artists, and as we discussed, much of the catalogue is comprised of releases by artists from other countries… Dare I say that this aspect of Amok is perhaps what makes us even more Canadian than your average label? Melting Pot 101.

Seriously though, I don’t feel connected to any particular city. Yes, we’re Canadian. And yes, we’re currently in Toronto. But that doesn’t matter… We could still be surrounded by the elderly folks of Elliot Lake and the label would continue in the same way. That probably sets us apart from other Toronto labels.

We’ve put out releases by artists from six countries and really created some strong networks in both France (Strasbourg) and the United States (Los Angeles). In France, I have been working with Nicolas Boutines who has brought us several amazing projects including his own collaborations with Pascal Gully (who has released music on John Zorn’s Tzadik label). In LA, I have been working with Jean-Paul Garnier. He is an extremely hard-working and very talented sound artist who has connected us with many other artists and organizations within the U.S. He’s even released the work of some Amok artists on his Welcome To The 21st net label.

Canada is a bellowing breeding ground for DIY and independent musicians and record imprints. What is it about the creative climate of Canada that inspires and facilitates this sort of artistic fervour?

I’m not sure what it is. If we’re talking specifically about “the industry“ then maybe it’s because of how spoiled we are as Canadians. A LOT of releases seem to have FACTOR or various Arts Council logos on them. There’s so much incentive for young people to ”take a couple of years off of school, start an indie band and hit the road for a while.” I’m a little jealous because we have had zero funding and it’s been an uphill battle.

One final question: Do you have any upcoming releases that you are particularly excited about?

I’m still pretty excited about the Ross Chait album that we just put out. As for upcoming releases, we’re getting ready to put out a new Somnaphon tape/CD and I’m really thrilled that he’s going to be a part of the label. His work is VERY interesting. FYI: he also runs his own label, Bicephalic Records, which is definitely worth checking out!

Amok Recordings Discography (to-date):

2013

Ross Wallace Chait – Routine Symptoms
Justin Scott Gray – Adult Music
loopool & the One (family) – Allpass 3
the One (family) – the One (family)
Ross Wallace Chait & loopool – Digressive Generation
Debbie Gaines – HORTUS (rappel libre!)
b.burroughs – Paraded And Thus; My Hair Has Held All The Smells Of Your Body
Canti – Gale Warning For Lake Superior EP
the One (family) – Live @ SOMETHINGseries

2012

mic&rob – Archi Cons (suite)
Justin Scott Gray – All In Time
Cathartech – Disquietudes
USB Orchestra – Phase One (2005-2009)
b.burroughs – *sniper function(bodily)
loopool & the One (family) – Allpass 2
Justin Scott Gray – My New Synth
loopool & the One (family) – Allpass The Bugs And The Breeze
Justin Scott Gray – Segue Heil
Debbie Gaines – Mirror, Mirror
loopool – Wears A Golden Hat
Jay Morritt – No Good Times
mic&rob – Live And Let Lie
USB Orchestra – Down The Stairs: Volume III
JEFFTHEWORLD – Disc+
EKT – EKT

2011

Chevalier – Heart and Soul (Ambient Communications Vol. 2)
Justin Scott Gray – In Audible
loopool – *Looks To Feudalism: the One (family) – C.$’ta
the One (family) – Sprout_Tiers
b.burroughs – bayis, sweet…

2010

NILL – Meeba
Rion C – Live In The Chemical Valley
t h i e f – Expedition
Chevalier – O.S. V1: Ambient Communications
t h i e f – REC.
This Is Esophagus – Love, What Is

2009

James Provencher – Bird Calls Home In Time For Christmas
This Is Esophagus – Terra Firma EP
Brother’s Pus – A Mirror To Fool An Audience For A Play An Audience To Fool A Mirror For A Play
James Provencher – AM Radio
James Provencher – Five Miles To God’s Country
USB Orchestra – Down The Stairs: Volume II
USB Orchestra – Slaves
James Provencher – Poverty-Line Assault
P*Taz – Ituri EP

2008

USB Orchestra – Down The Stairs: Volume I
Bad Bolster Boycott – Margarita EP
Lights Streaming Through The Sounds – Sunrise EP
USB Orchestra – I am ok
Polymath – Polymath EP

2006

Dead Seed Recordings – From Our Heart Will Flow Rivers Of Living Water
USB Orchestra – Pentuhtook
A-Mo & Amplifier Machine – Y’all Fatties Come Chew Some Freedom!
RCL Commission – RCL Commission
Bleepus Christ – Nature
Bleepus Christ – Merry Christmas, Jesus Christ
USB Orchestra – Be Free.
Bleepus Christ – Listen-In Amplifier
Bleepus Christ – bye, mean.

L’immensité sonore qu’est le vestibule artistique de Toronto est parsemée d’étiquettes indépendantes toutes neuves, chacune orbitant de manière unique autour de la ville bouillant de talent. Plongé dans ce volumineux climat, Justin Scott Gray, le fondateur d’Amok Recordings, est accoutumé à la disposition générale pour le fait-maison et le travail d’équipe harmonieux qui régit le paysage musical canadien.

De la collaboration créative entre projets émerge un nouveau langage, une sémantique qui – étant donné l’afflux de talents et de gens motivés à offrir un toit collectif – parle aux typologies de plus en plus présentes, celles qui renforcent la présence de nos creusets nordiques. C’est ici, au centre de cet espace de pollinisation croisée, qu’Amok Recordings s’est établi comme progéniteur de musique qui navigue au-delà des frontières, autant géographiques que stylistiques. Nous avons parlé avec le fondateur de l’étiquette expérimentale, en provenance de Toronto via Elliot Lake, de sa naissance, de son évolution et de sa constante communication.

Bleepus Chris – Stalker

Jay Morritt – Love You More Than I Miss You

Justin Scott Gray – Octatactics

RCL Commission – Been Out In The Field Too Long

 

Joshua Robinson: Comment Amok a-t-il démarré? Quelle était la poussée créative derrière la mise en place de l’étiquette? Est-ce que cela a commencé comme une façon de partager ta propre musique?

Justin Scott Gray: Amok a démarré ‘’officiellement’’ en juin 2006. Par contre, le nom de l’étiquette date plutôt de 2000 (il apparait sur différentes publications de CD-r sans réelle organisation derrière lui). Quand Amok à démarré, c’était dans le but de servir plusieurs objectifs:

  1. Créer une archive en ligne pour les éditions limitées et les sorties en rupture de stock
  2. Présenter la musique en format digital de manière à ce qu’elle semble faire partie de l’ensemble (et non comme seulement du texte sur archive.org)
  3. Inviter des artistes aux points de vues/intérêtes similaires à partager leur travail selon un canevas similaire
  4. Devenir un collectif artistique plutôt qu’une étiquette (note: Auparavant, il y avait une section ‘Arts visuels’ sur le site où nous partagions des portfolios.)

En grandissant, l’inspiration change… Au cours des dernières années, nous nous sommes concentré de plus en plus sur les nouvelles sorties et les paquets physiques à vendre au lieu de seulement alimenter nos archives avec des téléchargements gratuits. Je pense que la réponse courte à la question est oui – cela à commencé en partie comme une façon de partager mes propres projets.

Tu es récemment revenu à Toronto après avoir habité à Elliot Lake, en Ontario. Peux-tu partager de quelles manières ces espaces géographiques t’ont influencé?

Elliot Lake est un endroit assez déprimant… Ça s’est développé au départ avec les mines d’uranium. Pendant les années 90, toutes les compagnies minières ont plié bagage. Avec une économie précaire, la Ville s’est adapté et a créé un organisme à but lucratif (composé principalement du maire et de ses conseillés) et ils ont ensuite présenté la ville à l’aide de leur nouveau nom d’organisme: ‘Retirement Living’. Ils avaient hérité d’une tonne de maisons-chalets à bas prix des compagnies minières et ils ont commencé à convoyer plein de retraités dans ces maisons pour qu’elles soient habitées et rapportent des taxes.

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Alors, en comparaison avec Toronto (où il y a effectivement des gens de moins de 65 ans qui habitent), c’est vraiment différent! Puis, en ce qui concerne l’influence du lieu… l’absence de culture m’a vraiment donné envie de créer quelque chose.

Les mini-étiquettes indépendantes et fait-maison semblent incroyablement présentes, surtout dans les grands centres comme Toronto, d’où vient Amok. Peux-tu partager ce qui dans l’éthos créatif de Toronto rend les étiquettes et les artistes si prolifiques?

Oui – Bandcamp semble à lui seul avoir frayé le chemin à une centaine d’étiquettes. Sans être facétieux, c’est probablement la densité de population qui fait de Toronto un point si ‘chaud’. Je pense qu’avec la manière dont la technologie a évolué, pratiquement n’importe qui n’importe où peut démarrer une étiquette. Vous n’avez pas besoin d’être dans une grande ville pour le faire! Il y a seulement plus de gens qui le font dans ces endroits-là.

Tes sorties semblent couvrir très bien le large spèctre des copies physiques. Par contre, il semble y avoir une préférence pour la cassette. Qu’est ce que la cassette représente pour toi?

Eh bien, c’est un format analogique et chaque sortie que nous faisons a son équvalent numérique. Personnellement, j’aime comparer le son du numérique et de l’analogique… J’aime aussi le fait que la cassette a deux faces parce que ça peut grandement influencer la manière de travailler de l’artiste. Je sais que pendant que je travaillais sur mon dernier album solo Adult Music, je me suis vraiment concentré sur le format deux-faces. J’ai aussi lu des articles pour savoir quelle importance ce format a pour d’autres gens. Quelques personnes semblent penser que le culture de la cassette est une “rébellion contre la génération iPhone”, alors que d’autres l’associent à de la simple nostalgie. C’est probablement un peu de tout. Je sortirais de la musique sous tous les formats, si je pouvais me le permettre.

Le catalogue et les artistes avec lesquels tu choisis de travailler ont un style très diversifié. Est-ce que la force des scènes électronique, ambiante et expérimentale de Toronto sont responsables de leur abondance sur ton étiquette?

Pour être honnête, je n’ai aucune idée de ce qui se passe à Toronto…. Comme je le disais, j’ai passé les derniers mois à Elliot Lake et juste avant j’étais à Sarnia (qui est aussi déprimant qu’Elliot Lake). Aussi, nous n’avons pas d’autres artistes de Toronto qui font partie de l’étiquette (sauf JEFFTHEWORLD, mais il fait du chiptune et c’est vraiment une culture en soi). Le catalogue de l’étiquette est pas mal juste de la musique que je trouve intéressante et qui, je crois, peut former un tout cohérent, d’une certaine façon. Je ne pense pas beaucoup aux origines géographiques des artistes et je m’entoure en général de gens qui me semblent authentiques.

Les collaborations entre artistes d’Amok Recordings semblent être un élèment distinctif important pour l’étiquette. Pourquoi la pollinisation croisée entre projets créatifs est-elle si importante pour toi?

Je pense que quand les gens sont authentiques, ils font d’emblée “ce-qu’ils-ont-à-faire”, alors si on connecte ensemble une bande de gens qui font de la musique, les collaborations naissent d’elles-mêmes. J’ai toujours trouvé intéressant qu’un artiste en particulier puisse être l’ingrédient d’une nouvelle recette. Et, en tant que fan, j’ai toujours aimé disséquer la musique et imaginer ce qu’un artiste en particulier pourrait apporter à un projet (ça devient encore plus intéressant quand tu connais bien l’ensemble de l’oeuvre d’un artiste).

Il y a une ouverture chez Amok à travailler avec des musiciens résidant ailleurs qu’au Canada. Peux-tu nous dire comment cette caractéristque ‘globale’ pourrait permettre à Amok de se distinguer des autres étiquettes de Toronto? Avec quelles communautés internationales as-tu développé des liens?

C’est drôle parce que je sais à quel point c’est une ligne directrice importante de Weird Canada que de couvrir seulement du contenu canadien et, comme nous en avons discuté, une bonne partie du catalogue comprend des sorties d’artistes d’autres pays. Est-ce que je peux me permettre de dire que cet aspect d’Amok est peut-être ce qui nous rend encore plus canadien? Melting pop 101.

Sérieusement, je ne me sais pas connecté à une ville en particulier. Oui, nous sommes canadiens. Et oui, nous sommes présentement basés à Toronto. Mais ça n’a pas d’importance. Nous pourrions être entourés des aînés d’Elliot Lake et l’étiquette se comporterait de la même manière. C’est probablement ce qui nous différencie des autres étiquettes de Toronto.

Nous avons produit les albums d’artistes de six pays différents et avons créé des réseaux importants en France (Strasbourg) et aux États-Unis (Los Angeles). En France, j’ai travaillé avec Nicolas Boutines, qui nous a apporté plusieurs projets étonnants, incluant une de ses propres collaborations avec Pascal Gully (qui a sortie de la musique sur l’étiquette Tzadik de John Zorn). À Los Angeles, j’ai travaillé avec Jean-Paul Garnier. C’est un artiste du son qui travaille extrêmement fort, qui est bourré de talent, et qui a connecté avec plusieurs artistes et organisations aux États-Unis. Il a même publié le travail de quelques-uns des artistes d’Amok sur son label web, Welcome to the 21st.

Le Canada est le terrain d’un nombre incroyable de musiciens indépendants et d’étiquettes fait-maison. Qu’est-ce qui, dans ce climat créatif canadien, favorise et inspire si bien cette genre de ferveur artistique?

Je ne suis pas certain. Si nous parlons principalement de “l’industrie”, c’est peut-être parce que nous sommes si gâtés au Canada. BEAUCOUP d’albums semblent porter le logo de FACTOR ou du Conseil des Arts. Les jeunes sont tellement incités à ‘’prendre une année sabbatique ou deux, à créer un groupe de musique et à partir en tournée un temps”. Je suis un peu jaloux parce que nous n’avons eu aucun financement et que ça a été une longue bataille.

Une dernière question: Y a-t-il une publication prochaine qui t’excites particulièrement?

Je suis encore très excité par l’album de Ross Chait qu’on vient de sortir. Pour les publications à venir, nous sommes en train de préparer la sortie d’un nouveau Somnaphon en format cassette/CD et je suis très content qu’il fasse partie de notre étiquette. Son travail est VRAIMENT intéressant. Pour votre info: Il a aussi sa propre étiquette, Bicephalic Records, qui vaut vraiment le détour!

La discographie d’Amok Recordings (à ce jour)

2013

Ross Wallace Chait – Routine Symptoms
Justin Scott Gray – Adult Music
loopool & the One (family) – Allpass 3
the One (family) – the One (family)
Ross Wallace Chait & loopool – Digressive Generation
Debbie Gaines – HORTUS (rappel libre!)
b.burroughs – Paraded And Thus; My Hair Has Held All The Smells Of Your Body
Canti – Gale Warning For Lake Superior EP
the One (family) – Live @ SOMETHINGseries

2012

mic&rob – Archi Cons (suite)
Justin Scott Gray – All In Time
Cathartech – Disquietudes
USB Orchestra – Phase One (2005-2009)
b.burroughs – *sniper function(bodily)
loopool & the One (family) – Allpass 2
Justin Scott Gray – My New Synth
loopool & the One (family) – Allpass The Bugs And The Breeze
Justin Scott Gray – Segue Heil
Debbie Gaines – Mirror, Mirror
loopool – Wears A Golden Hat
Jay Morritt – No Good Times
mic&rob – Live And Let Lie
USB Orchestra – Down The Stairs: Volume III
JEFFTHEWORLD – Disc+
EKT – EKT

2011

Chevalier – Heart and Soul (Ambient Communications Vol. 2)
Justin Scott Gray – In Audible
loopool – *Looks To Feudalism: the One (family) – C.$’ta
the One (family) – Sprout_Tiers
b.burroughs – bayis, sweet…

2010

NILL – Meeba
Rion C – Live In The Chemical Valley
t h i e f – Expedition
Chevalier – O.S. V1: Ambient Communications
t h i e f – REC.
This Is Esophagus – Love, What Is

2009

James Provencher – Bird Calls Home In Time For Christmas
This Is Esophagus – Terra Firma EP
Brother’s Pus – A Mirror To Fool An Audience For A Play An Audience To Fool A Mirror For A Play
James Provencher – AM Radio
James Provencher – Five Miles To God’s Country
USB Orchestra – Down The Stairs: Volume II
USB Orchestra – Slaves
James Provencher – Poverty-Line Assault
P*Taz – Ituri EP

2008

USB Orchestra – Down The Stairs: Volume I
Bad Bolster Boycott – Margarita EP
Lights Streaming Through The Sounds – Sunrise EP
USB Orchestra – I am ok
Polymath – Polymath EP

2006

Dead Seed Recordings – From Our Heart Will Flow Rivers Of Living Water
USB Orchestra – Pentuhtook
A-Mo & Amplifier Machine – Y’all Fatties Come Chew Some Freedom!
RCL Commission – RCL Commission
Bleepus Christ – Nature
Bleepus Christ – Merry Christmas, Jesus Christ
USB Orchestra – Be Free.
Bleepus Christ – Listen-In Amplifier
Bleepus Christ – bye, mean.

Imprint :: Kingfisher Bluez

Imprint :: Kingfisher Bluez

If there is anyone who can testify to the vibrancy of Vancouver’s music scene, it is surely Tim Clapp (a.k.a. Tim the Mute). Since 2008, he’s released 33 records from his one-man label, Kingfisher Bluez. Those releases have been exclusively on vinyl — generally 7-inches — and mostly made up of local artists. The sounds of the KFB discography range from the sweet-sounding melodies of The Albertans to the haunted croons of Dirty Beaches and the power-punk of the B-Lines. With another release appearing every time I go to the record store, it’s hard to keep up with Kingfisher Bluez’s prolific blast of activity. Thankfully, Tim was nice enough to tell us how he does it.

The Albertans – Jason

Tim the Mute – Song

Village – Claustro

Kyle Valade: Does Kingfisher Bluez sell out of a lot of pressings?

Tim Clapp: No, not really. If mean, if I wanted to sell out of records, I’d just press 200 or whatever. The goal is to have the records, you know what I mean? I don’t want to sell out of records. It’s nice to sell records, but if I’m going to sell a thousand records I’ll print 2,000. If I’m going to sell 200 records I’ll print 300-400. I usually do 300 of my 7-inches and 500 of my LPs. The idea is that I’m building a label that I want to be running for the rest of my life. So I want to have enough records so that I don’t have to repress them.

I am sold out of that Xiu Xiu record I did. I’ve got like maybe 10 copies left, so I’ve just sort of hoarded them, really. I usually stash like five copies of every record I do, so when it gets down to 10 copies, I tell my distributor it’s sold out.

How did you get the idea to do a singles club?

I just thought “I wonder if there’s a project I could to do to show my love of the city?” I looked at compilations like the Vancouver Complication, the Vancouver Independent and the Emergency Room comp. These are compilations that mean a lot to the people that were in those scenes, you know what I mean, like Emergency Room is these old fogeys that are like 30 years old now or whatever. And Vancouver Complication, I don’t know when that was, like 1980 or something [Ed’s Note: 1979]. But you look at these records and you just think “It’s so cool that there’s a document of that scene”, you know what I mean, and there’s always at least one band that just snuck on there. And that could be your new favourite band. So I thought, I want to do a compilation of all my favourite bands in Vancouver. I could just do a record, like a compilation record, but I thought “I want to do something big”, you know? “I want to do a singles club and just have one song from each band” or whatever. So I chose the most expensive way to do it.

People were sayin’ “you should do splits” or whatever. And I fuckin’ hate splits. Like, how do you file a split? You just think “Oh, what band do I put this under?” The worst is when you have two covers and you don’t know what one to face.

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The better band?

Yeah, but then you’re telling the other band that they don’t sound good enough. You want to listen to the other record and you don’t know where to find it. So I thought I’d just make one-sided records so each of the singles club records is one side, one song, or whatever. And the other side’s just blank. It costs the same amount as pressing two sides. But I thought it’s better, you know? Each band deserves their own cover, their own side. I’d always rather press a single-sided record than a split.

The singles club is 80 bucks. You get 15 records. Well, it’s 12 records and then three bonus records. If you sign up now — the bonus records are for people that are signed up at the time — so there’s still one more bonus record. But really I’ve been chuckin’ in the other records if I have a couple left. The first bonus record was Zen Mystery Fogg.

Tim Clapp (Kingfisher Bluez)

A lot of the artists you’ve released are from Vancouver. How do you choose them?

It’s a lot of my friends’ bands. I want to put out records by people that I really like. Music is available all the time, so I want to curate a really specific selection. I feel like people are going to remember Kingfisher Bluez as a Vancouver label, so I want to put out a lot of Vancouver bands, or whatever. And it sort of helps me give back to the community. I’ve been enjoying Vancouver music for so long. It’s nice to be able to help out these bands in any way I can, even if it’s just a little bit.

What made you decide to start the label?

I started the label in 2008 as a blog where I would post my friends’ songs — like mp3s or whatever. In 2011, I was just feelin’ a bit depressed and I thought “I should just kill myself, my life is so shitty.” And I thought if I’m gonna do that I might as well just sell all my shit and then start that record label I’ve always wanted to do, you know what I mean? Cuz what’s the point? “I’m so sad”, or whatever. I’ve got so many fuckin’ records and books and amps and stuff, I should just sell off this shit and have enough money to do all the things that I want to do — just give it a shot. I thought “What’s stopping me from doing this?” What do I really need this shit for? The records of myself, Tim the Mute, will only cost me like a thousand bucks to make, so I’ll just sell a thousand bucks worth of my shit. So I thought fuck it. Let’s just do it. I mean, I guess people just go through weird periods of their life where they just think “What am I doin’?” Especially when they’re 23. So I thought, “I’ll just do it.”

Do you do all of the work for the label yourself?

Yeah, I do everything myself. Except for a lot of the design — that’s Ryan from Hockey Dad Records. The artists will choose images and then I’ll vet them or whatever. All these records have sort of trees or outdoor stuff. I want to show a lot of what we see in our normal lives: Instagram photos, that sort of chillwave, hazy, summery stuff. I feel like that represents the current musical climate well. So I want something that looks like 2013. I want it to look like the records came out in 2013.

I try not to pick out stuff that looks tacky. I hate black and white collage. A lot of bands are doing it — it’s sort of retro. I want something that’s new. I don’t use photos of dead animals or mangled limbs or dicks or anything like that. I don’t want some grotesque drawing. I want everything to look really nice. And it’s not because I want them to be easy to look at. I just want them to be nice looking, beautiful records. That’s important to me. I just don’t want to release anything that’s mean-spirited.

Would you recommend starting a label?

Not as a business, I wouldn’t recommend that. But I think it’s great that more labels are starting up. It’s a great community. A lot of people I know have record labels — I know people because they have record labels. We all hang out and talk shop and stuff. And it’s fun, you know? We all compare. We all think we’re givin’ a better rate than the next guy. We’re really tryin’ to make the best stuff. And no one does it to make money. There’s part of you that wants to curate this great selection of records. I wouldn’t recommend that anyone does it to make money, but I would recommend that everyone just put out a record and start a label or whatever. Why not? It’s as easy as doing it. As long you have a credit card you can do it. Just make a great collection of music.

Do you have any regrets?

No, but If I put out a band’s record, I don’t want them to break up right after. It’s a little annoying. So usually I won’t do a record for a band that has no other records. I want there to be a Discogs page for the band. I want there to be a history of the band. A band like Village with no records out is okay. I was there at the beginning of that band, so when they wanted to do a record, I thought that those guys were in for the long haul. And now I’m doing their second record, and hopefully doing their LP next year. And I hope they get signed to a bigger label than me.

Do you have any favorite records that you’ve released?

Oh yeah. I mean, anything where I get to play with the physicality of the medium. Like the record where you hear the sound of yourself turning it over. It’s a bit wanky or whatever, but it’s fun to do stuff like that. On my new record, Song, I say [singing] “I made this record for a girl / I put my number in the run-out groove / So call me if you think it’s you.” And my phone number is in the run-out groove for that record. If you hold the record up you can see my phone number written out. So anything where I get to play with that, you know? There’s no way to get that unless you have one of 300 physical records, which is cool.

All of my records have little messages etched into them. The Zen Mystery Fogg record says “Everytime I listen to music I think I’m a bride.” That line is from Nightwood by Djuna Barnes. I use a lot of books — a lot of weird queer lit and sort of alternative classic books. It’s nice. It’s fun. I get to reference my favourite books, my favourite songs, and stuff. Sometimes I just make them up, and sometimes I take something out of a song or whatever. All of my records also have a B-side message on the label as well. The Eeek record says “Something inside so strong.” The Zen Mystery Fogg record says “Everything is meaningful right now.” I just put these sweet little earnest messages on the label. As a record collector and a curator you’re really hyper-aware. You want to reference things, and you want to have your spot in record history.

What do you think is the role of the record label?

Like I was saying before, in an age where all music is available on demand, the role of the record label is curation. There are labels that I will buy literally everything they put out without even listening to it, because I know it’s gonna be good. Because I trust the people that run them. Labels like Shelflife, Mississippi or Neon Gold — I buy everything those guys put out. I want people to buy KFB releases knowing that I’ve chosen these records, and the way they’re designed, like the white border around the 7-inches. I want people to see the way I’ve curated the label to be my favourite stuff without bias towards genre or any of that stuff. And all that. I’m really happy with it. I just put out stuff that I like and I don’t worry about it.

KFB is a project made through sampling other music and making a bigger thing out of it. This is the one thing that I’m doing. I’m taking all of musical history and everything that songs and records and images stand for and making one thing out of all of it. It’s a powerful tool, you know what I mean? The record label lets you say so much with just one thing.

Kingfisher Bluez Discography (To Date)

7"s:

  • KFB001 – Sebastian Fleet + Count Oak – Sun 7"
  • KFB002 – Teen Plaque – Teen Plaque Text Message / Fuck The Revolution!!!
  • KFB003 – Tim The Mute – Anything You Want
  • KFB004 – Eeek! – Potential
  • KFB005 – The Shiny Diamonds – Such A Sucker
  • KFB006 – Village – Nowhere
  • KFB007 – Zen Mystery Fogg – Raccoon
  • KFB008 – Xiu Xiu – Quagga
  • KFB009 – Tim The Mute / Old Phoebe – Kingfisher Bluez Christmas Single 2012
  • KFB010 – White Poppy – Mirage Man
  • KFB011 – Dirty Beaches – Elizabeth’s Theme
  • KFB012 – Apollo Ghosts – Night Witch
  • KFB013 – Capitol 6 – No One Came
  • KFB014 – B-Lines – Tell Me
  • KFB015 – Dead Ghosts – 1000 Joints
  • KFB016 – Student Teacher – Left For Dead
  • KFB017 – Korean Gut – Lava Flow
  • KFB018 – Rose Melberg – Distant Ships
  • KFB019 – Love Cuts – Back To You
  • KFB020 – Wee’d – I Think I Just Wee’d Myself
  • KFB021 – Needles//Pins – Polaroid
  • KFB022 – Jungle Green – The One I Love
  • KFB023 – Tim The Mute – Song
  • KFB024 – The Albertans – Casual Encounters
  • KFB025 – Standard Fare – Rumours
  • KFB026 – Reverter – No More Haircuts
  • KFB027 – Village – Stranger Thoughts
  • KFB028 – Let’s Talk About Space – Luna Oscillators
  • KFB029 – Laura Veirs – July Flame
  • KFB030 – Rose Melberg and Gregory Webster – Kingfisher Bluez Christmas Single 2013
  • KFB031 – Nice Try – Convinced
  • KFB032 – Tim The Mute – Doctor Who Cosplay
  • KFB033 – Mesa Luna – Shutting Down
  • KFB034 – The Stevens – The EP
  • KFB035 – The Passenger – jxpg

LPs:

  • KFB6001 – Eeek! – Move Real Slow
  • KFB6002 – OK Vancouver OK – Food. Shelter. Water.
  • KFB6003 – The Albertans – Dangerous Anything
  • KFB6004 – Adam Stafford – Imaginary Walls Collapse
  • KFB6005 – Bad Channels – Bad Channels

S’il y a quelqu’un qui peut témoigner du dynamisme de la scène musicale de Vancouver, c’est bien Tim Clapp (plus connu sous le nom Tim the Mute). Depuis 2008, il a sorti 33 disques sur le label qu’il gère seul, Kingfisher Bluez. Ces disques sont sortis exclusivement sur vinyle – généralement des 7 pouces – et sont la plupart du temps l’œuvre d’artistes locaux. Les sons de la discographie de KFB sont très variés : cela va des douces mélodies de The Albertans aux fredonnements hantés de Dirty Beaches en passant par le power-punk de B-Lines. Comme à chaque fois que je vais chez le disquaire, on dirait qu’un nouveau disque est sorti, difficile de suivre le rythme prolifique de Kingfisher Bluez. Heureusement, Tim a eu la gentillesse de nous expliquer comment il fait.

The Albertans – Jason

Tim the Mute – Song

Village – Claustro

Kyle Valade : Est-ce que beaucoup de disques sortis chez Kingfisher Bluez sont épuisés?

Tim Clapp : Non, pas vraiment. Ceci dit, si je voulais que des disques soient épuisés, j’en tirerais 200 exemplaires ou quelque chose du genre. Le but, c’est de sortir les disques, tu vois ce que je veux dire? Ce n’est pas qu’ils soient en rupture de stock. C’est bien de vendre des disques mais si je dois en vendre un millier, je vais en tirer 2 000 exemplaires. Si je dois en vendre 200, je vais en tirer 300 ou 400. En général je tire les 7 pouces à 300 exemplaires et les LP à 500. L’idée est de bâtir un label qui fonctionne pour le reste de ma vie. Alors je veux disposer de suffisamment de disques pour ne pas avoir à faire de retirage.

Ce disque de Xiu Xiu que j’ai sorti, il est en rupture de stock. Il me reste peut-être 10 exemplaires alors j’en ai fait des provisions, vraiment. En général je garde cinq exemplaires de chaque disque que je sors, alors quand on arrive au seuil de 10 exemplaires, je dis à mon distributeur que le disque est en rupture de stock.

Comment t’est venue l’idée de faire une collection de singles?

Je me suis juste dit « Je me demande s’il y a un projet que je pourrais faire pour montrer à quel point j’aime cette ville ». J’ai regardé les compilations comme Vancouver Complication, Vancouver Independent et the Emergency Room comp. Ce sont des compilations qui sont très importantes pour les personnes qui étaient sur ces scènes, Emergency Room par exemple, des types qui doivent bien avoir 30 ans aujourd’hui. Et Vancouver Complication, je ne sais pas de quand ça date, 1980 ou quelque chose dans le genre [Note de la rédaction : 1979]. Mais tu regardes ces enregistrements et tu te dis : « C’est tellement cool qu’il reste une trace de cette scène », et il y a toujours eu au moins un groupe qui s’est démarqué. Et ça pourrait très bien être ton nouveau groupe préféré. Alors je me suis dit que je voulais réunir tous mes groupes de Vancouver préférés. J’aurais pu tout simplement faire un disque, comme une compilation, mais je me suis dit : « Je veux faire un gros coup, je veux faire une collection de singles, avec juste une chanson pour chaque groupe ». J’ai donc choisi le moyen le plus cher de le faire.

Les gens me disaient : « tu devrais faire des split-disque ». Et moi je déteste les splits. Comment tu fais par exemple pour ranger un split? Tu dois te demander « Ah, à quel groupe est-ce que je mets ça? » Le pire, c’est quand tu as deux couvertures et que tu ne sais pas quoi mettre en évidence.

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Le meilleur groupe?

Ouais, mais après tu dois dire à l’autre groupe que leur son n’est pas assez bon. Tu veux écouter l’autre disque mais tu ne sais pas où le trouver. Alors je me suis dit que je sortirais des disques d’une face pour que chaque disque de la collection de singles ne comporte qu’une seule face ou une seule chanson. Et l’autre face est vierge. Ça coûte le même prix que de faire imprimer deux faces. Mais j’ai trouvé que c’était mieux. Chaque groupe mérite d’avoir sa propre couverture, sa face pour lui tout seul. Je préférerai toujours sortir un disque à une seule face plutôt qu’un split.

La collection de singles coûte 80 dollars. Pour ce prix-là tu as 15 disques. Enfin, 12 disques et ensuite trois disques bonus. Si tu t’inscris maintenant – les disques bonus sont pour les personnes qui s’étaient inscrites – il reste encore un disque bonus. Mais vraiment, j’en ai mis des deux autres quand j’en avait en rabe. Le premier disque bonus était Zen Mystery Fogg.

Beaucoup des artistes qui sont sortis sur ton label sont de Vancouver. Comment tu les choisis?

Ce sont souvent les groupes de mes amis. Je veux sortir les disques de gens que j’aime vraiment. La musique est disponible en permanence alors je veux documenter une sélection bien spécifique. J’ai le sentiment que les gens vont se souvenir de Kingfisher Bluez comme d’un label de Vancouver alors je veux sortir un maximum de groupes de cette ville. Et puis ça m’aide à redonner à la collectivité. J’apprécie la musique de Vancouver depuis tellement longtemps. C’est bien de pouvoir aider ces groupes comme je peux, même si ce n’est pas grand chose.

Tim Clapp (Kingfisher Bluez)

Qu’est-ce qui t’a décidé à créer le label?

J’ai lancé le label en 2008 sous forme de blogue sur lequel je postais les chansons de mes amis – des mp3 ou autres. En 2011, je me sentais un peu déprimé et je pensais « Je devrais me suicider, ma vie est tellement merdique ». Et je me suis dit que tant qu’à faire ça, autant vendre tout mon bordel et créer ce label que j’ai toujours voulu créer, tu comprends? Quel intérêt de te répéter « Qu’est-ce que je suis triste… ». Je possède tellement de putain de disques, de livres, d’amplis et tout le reste, je n’ai qu’à tout vendre et j’aurai alors assez d’argent pour faire toutes les choses que j’ai envie de faire – il faut juste essayer. Qu’est-ce qui m’en empêchait? À quoi ça me sert tout ce bordel? Pour faire mes propres disques, ceux de Tim the Mute, je n’aurai besoin que d’un millier de dollars, alors je vais juste vendre mes affaires de façon à récupérer 1 000 dollars. Allez! J’imagine que les gens passent par des périodes bizarres où ils se disent : « Qu’est-ce que je fous… ». Surtout à 23 ans. Alors je me suis dit « Vas-y, lance-toi ».

Est-ce que tu fais tout le travail du label toi-même?

Ouais, je fais tout moi-même. Sauf une grosse partie du design – ça c’est Ryan de Hockey Dad Records qui s’en occupe. Les artistes vont choisir des images et je donne mon accord ou pas. Tous ces disques ont des images d’arbres ou des vues en extérieur, ce genre de choses. Je veux montrer un peu ce qu’on voit dans nos vies normales : des photos Instagram, ce style de truc vaporeux, brumeux et estival. J’ai l’impression que cela représente bien le climat musical actuel. Je veux quelque chose qui reflète 2013. Je veux qu’on ait le sentiment que les disques sont sortis en 2013.

J’essaie de ne pas choisir des trucs qui ont l’air démodés. Je déteste les collages noir et blanc. Beaucoup de groupes font ça, c’est un peu rétro. Je veux quelque chose de neuf. Je n’utilise pas de photos d’animaux morts ou de membres estropiés ou de bites ou quoi que ce soit du genre. Je ne veux pas de dessins grotesques. Je veux que tout soit vraiment beau. Et ce n’est parce que je veux que soit facile à regarder. Je veux juste que ce soient de beaux disques. C’est important pour moi. Je ne veux rien sortir qui soit mal intentionné.

Est-ce que tu conseillerais de créer un label?

Pas pour en faire un négoce. Mais je trouve que c’est bien que de nouveaux labels se créent. C’est une communauté géniale. Je connais beaucoup de gens qui ont des maisons de disques – en fait je connais des gens parce qu’ils ont des maisons de disques. On sort tous ensemble et on parle boutique. On compare. On pense tous qu’on a des tarifs plus intéressants que les autres. On essaie sincèrement de faire le meilleur truc possible. Et personne ne le fait pour l’argent. Il y a une partie de toi qui veut inventorier cette belle sélection de disques. Je ne recommanderais à personne de le faire pour gagner de l’argent, par contre je recommande à tout le monde de se lancer et de créer son label. Pourquoi pas? Rien de plus simple. Du moment que tu as une carte de crédit, pas de problème. Vas-y, crée une belle collection de musique.

Des regrets?

Non mais si je sors le disque d’un groupe, je n’ai pas envie que les mecs se séparent juste après. C’est un peu pénible. Alors, en général, je ne vais pas faire le disque d’un groupe qui n’a pas d’autres disques. Je veux qu’il y ait une page Discogs pour le groupe. Je veux que le groupe ait une histoire. Un groupe comme Village qui n’a pas de disque à son actif, ça va. J’étais là au tout début du groupe, alors lorsqu’ils ont voulu faire un disque, j’ai pensé que ces mecs iraient jusqu’au bout. Maintenant je sors leur deuxième disque et peut-être leur album l’année prochaine. Et j’espère qu’ils signeront avec un plus gros label que le mien.

Parmi les disques que tu as sortis, il y en a que tu préfères?

Ah ouais. En fait, tous ceux où je peux vraiment jouer avec l’aspect physique de l’objet en lui-même. Comme le disque où tu entends le bruit que tu fais toi-même en le retournant. Cela ne sert pas à grand chose mais c’est marrant à faire. Sur mon nouveau disque, Song, je dis [il chante] « J’ai fait ce disque pour une fille / J’ai mis mon numéro dans le sillon intérieur / Alors appelle-moi si tu penses que c’est toi ». Et effectivement mon numéro est dans le sillon intérieur sur ce disque. Si tu regardes bien le disque, tu peux voir mon numéro de téléphone écrit. Donc tous les disques où je peux jouer de cette manière, tu vois? Il n’y a pas moyen d’avoir ça sauf si tu as l’un des 300 disques physiques, c’est ça qui est super.

Tous mes disques ont des petits messages gravés dessus. Le disque Zen Mystery Fogg dit : « À chaque fois que j’écoute de la musique je pense que je suis une mariée ». Cette phrase est tirée de Nightwood by Djuna Barnes. J’utilise beaucoup de livres – beaucoup de litté queer étrange et des livres classiques alternatifs. J’aime bien ça. Je fais souvent des références à mes livres préférés, à mes chansons favorites, etc. Parfois je les invente, et parfois je récupère quelque chose dans une chanson ou autre. Tous mes disques ont aussi un message de face B sur l’étiquette aussi. Le disque Eeek dit : « Quelque chose de si fort à l’intérieur ». Le disque Zen Mystery Fogg dit « Tout a un sens en ce moment ». Je mets juste ces petits messages sur l’étiquette. En tant que collectionneur de disques et curateur, tu es forcément très à l’affût de ce type de choses. Tu veux faire référence à de choses et tu veux avoir ta place dans l’histoire du disque.

D’après toi, quel est le rôle d’une maison de disques?

Comme je l’ai déjà dit, à une période où toute la musique est disponible à la demande, le rôle de la maison de disques, c’est la documentation soignée. Il y a certains labels auxquels je vais acheter tout ce qu’ils sortent, sans même écouter la musique, parce que je sais que ce sera bien. Parce que je fais confiance aux gens qui s’en occupent. Des labels comme Shelflife, Mississippi ou Neon Gold — j’achète tout ce que font ces mecs. Je veux que les gens achètent des disques du label KFB en sachant que j’ai choisi ces disques, et la façon dont ils sont conçus, y compris la bordure blanche autour des 7 pouces. Je veux que les gens voient la façon dont j’ai bâti le label pour mettre en avant tout ce que je préfère, sans préjugé vis-à-vis d’un genre ou autre. Je suis vraiment content de ça. Je sors ce qui me plaît et je ne me fais pas de souci. KFB est un projet réalisé grâce à l’échantillonnage d’autres musiques pour en faire un truc plus gros. C’est la chose que je fais. Je prends tout le bagage musical et tout ce que les chansons, les disques et les images représentent et je crée un nouveau produit à partir de tout ça. C’est un outil puissant, tu sais. Avec une maison de disques, tu peux exprimer tellement de choses avec seulement un élément.

Kingfisher Bluez Discography (To Date)

7"s:

  • KFB001 – Sebastian Fleet + Count Oak – Sun 7"
  • KFB002 – Teen Plaque – Teen Plaque Text Message / Fuck The Revolution!!!
  • KFB003 – Tim The Mute – Anything You Want
  • KFB004 – Eeek! – Potential
  • KFB005 – The Shiny Diamonds – Such A Sucker
  • KFB006 – Village – Nowhere
  • KFB007 – Zen Mystery Fogg – Raccoon
  • KFB008 – Xiu Xiu – Quagga
  • KFB009 – Tim The Mute / Old Phoebe – Kingfisher Bluez Christmas Single 2012
  • KFB010 – White Poppy – Mirage Man
  • KFB011 – Dirty Beaches – Elizabeth’s Theme
  • KFB012 – Apollo Ghosts – Night Witch
  • KFB013 – Capitol 6 – No One Came
  • KFB014 – B-Lines – Tell Me
  • KFB015 – Dead Ghosts – 1000 Joints
  • KFB016 – Student Teacher – Left For Dead
  • KFB017 – Korean Gut – Lava Flow
  • KFB018 – Rose Melberg – Distant Ships
  • KFB019 – Love Cuts – Back To You
  • KFB020 – Wee’d – I Think I Just Wee’d Myself
  • KFB021 – Needles//Pins – Polaroid
  • KFB022 – Jungle Green – The One I Love
  • KFB023 – Tim The Mute – Song
  • KFB024 – The Albertans – Casual Encounters
  • KFB025 – Standard Fare – Rumours
  • KFB026 – Reverter – No More Haircuts
  • KFB027 – Village – Stranger Thoughts
  • KFB028 – Let’s Talk About Space – Luna Oscillators
  • KFB029 – Laura Veirs – July Flame
  • KFB030 – Rose Melberg and Gregory Webster – Kingfisher Bluez Christmas Single 2013
  • KFB031 – Nice Try – Convinced
  • KFB032 – Tim The Mute – Doctor Who Cosplay
  • KFB033 – Mesa Luna – Shutting Down
  • KFB034 – The Stevens – The EP
  • KFB035 – The Passenger – jxpg

LPs:

  • KFB6001 – Eeek! – Move Real Slow
  • KFB6002 – OK Vancouver OK – Food. Shelter. Water.
  • KFB6003 – The Albertans – Dangerous Anything
  • KFB6004 – Adam Stafford – Imaginary Walls Collapse
  • KFB6005 – Bad Channels – Bad Channels

Imprint :: Inyrdisk

Inyrdisk-web.jpg

Kevin Hainey looms large in heady Toronto circles — so large that his last name has become a catchphrase/gang chant at live shows when the aktion is heating up. Alongside adventurous forays into music (Disguises, The Pink Noise, Kapali Carsi, etc.), fiction and so much more, he is proprietor of the prolific Inyrdisk, slipping out stacks upon stacks of CD-Rs, 3” CDs and the occasional heavy hitter on wax. Hainey’s katalog is a treasure trove for fans of status quo-challenging sounds, and this interview is long overdue.

DJ Longhorn Grille – Jaunty, Hormonal

Wolfcow – Exsanguination, I Presume

Fossils – Science Tongs

Inyrdisk essentially started with your solo project, Kapali Carsi, right? How did that begin?

Kapali Carsi began with me experimenting and recording alone a little while after Disguises got going. All of a sudden I had hours of music and I didn’t know what I was going to do with it. Some of it I felt strongly about, so I just started releasing it, and that’s how Inyrdisk was born. For the first Kapali Carsi release, I didn’t really want to hassle other dudes to put it out, and didn’t really think it had to come out on cassette. Everyone was doing cassettes at the time, and CD-Rs were easy for me to do from home. I basically just decided to do a small run and not make a big deal out of it.

How long did it take to add more names to the roster?

Women In Tragedy [Bob McCully] was getting prolific with his own CD-Rs to the point of being unable to get them out fast enough to track his evolution, so I thought I would ask him to put something out as well. After that I was standing in 61 Major one day, talking about starting a label, and Andrew Zukerman perked up and was like, “Really? I’ll give you an album to put out.” Being a big fan, I was flattered, and the next thing I knew I had a third release. Then came stuff from Disguises, and Marco Landini, who remains a big supporter, and it went on from there.

Do you feel like you’ve set yourself apart from the pack by releasing CD-Rs?

CD-Rs are a tough sell, and that’s why it has to be a labour of love. People want tapes, especially if they can play them. People are getting rid of CDs right now; they’re really out of fashion. CD-Rs are different from CDs, though, because of the whole handmade aspect. They’re collectible, you get them straight from the group and they’re not mass-produced. Rather than jewel cases, they come in a beautiful hand-printed package that gives it an artist-edition quality. Some people are suspicious of that because they want the big glossy vinyl. It’s not quite a hex, but there are people who say they’re not into CD-Rs at all.

Looking back at your entire catalog, is there one Inyrdisk release that you would consider the furthest out?

That’s tough to say. Sometimes I think it’s my own stuff, or maybe Mama Baer. Some of the harsh noise is pretty far out, and probably alienating to a lot of people. I don’t know though, because it’s all far out. That’s what I want to foster: More people freaking out and not having the fear to do what they feel is appropriate based on their desires or their skill levels. People should feel free to create this kind of music without the thought of making money or making them a star. It’s what I consider to be new, forward-thinking sounds that aren’t necessarily in step with trends, scenes or some flash in the pan. This is a wide spectrum of the underground and people doing weird shit. There’s a need to foster that so it doesn’t get lost, because then all you’ll have is bright lights, big city, bands, bands, eggs, sausage and bands. I love a good band, but only if they’re doing something vital, from the heart and taking it to the next level.

It’s interesting to me how many people run labels in Toronto. Do you feel like each one has its own personal orbit?

Definitely. I think a lot of people have a singular vision in this city, and trouble seeing beyond their own aesthetic preference. I’ve often suggested that all the people who run labels on their own come together. We could call it Postage Blues. But the truth is that people are better at doing different things. If Jacob Horwood was involved, he’d end up being the one screenprinting the covers while other people sat on their computers and got frustrated emailing distros, and other people folded boxes. We’d probably have Greydyn at the front desk.

How did the joke of yelling “Hainey” at shows begin?

That started with Martin Sasseville, who runs Brise-Cul in Montreal. I think we met at an AIDS Wolf or a Pink Noise show, and he started going around to everyone and asking, “Do you know this guy? This is Kevin Hainey!” Before you know it, while some band was playing, he started yelling “Hainey! Hainey!” He was just stoked, and I was kind of weirded out by it. That was the first night I met him, and every time I saw him after that he kept doing the same thing. Other people like Andrew Zukerman, Marco Landini and Deirdre from Pleasence caught onto it, and brought it to Toronto. Brian Seeger and Alex Moskos even brought it to Vancouver. It’s a Canada-wide thing, and good for everyone. Inyrdisk is about doing what I can to support the music that I love. I’m here for the little guy.

Last question: Can you tell me a bit about your new book?

It takes place 80 years from now with a man who used to be a P.I. and is now the head of a peace division. These are men on the street that have resisted the modern conformity of joining camps called the FOLDS. They’ve stayed in cities that have fallen into total anarchy in favour of containment centres, and are trying to bring the reign in future Toronto to a halt. There are a lot of other things going on that they don’t know about, especially with the main character, Clive Dyson. It’s very noir, but also a futuristic, post-dystopian what-have-you. A genre clusterfuck in a desecrated world where one in every 10 buildings has running anything. The meek are scraping together to re-imagine their world into something livable after years of war, pestilence and greed. You follow Clive Dyson as he fights all kinds of spiritual powers, past and future, before the last job. It’s called Nothing Ends Pretty.

Inyrdisk Katalog 2005-2013

All titles released on CD-R unless annotated as LP, 3” disk, or otherwise. Many Inyrdisk limited editions include inserts, booklets, or posters.

2013

(iyd78) KEVIN HAINEY — Space Plays the Bass
(iyd77) SEASHELLS — The Fondness of a Memory
(iyd76) WOLFCOW – Bad to the Rhinestone (3″)
(iyd75) HANDSOME BAND – Raw Poultry Got Sick From Touching My Hands
(iyd74) xNoBBQx – XP / Hot Cat
(iyd73) MAGIC CHEEZIES – Live Bootleg

2012

(iyd72) WINKIE’S FORCE – Winkie’s Force
(iyd71) FOSSILS / BLUE SPECTRUM (split)
(iyd70) ARMPIT – As Drunk As I Can Be
(iyd69) WOLFSKULL – Mighty Ungodly Change
(iyd68/jg02) VOIDFOLK – Dwell (LP)
(iyd67) KAPALI CARSI – Feverish Tears of Our Ancients (2xCD-R)
(iyd66) THE BAD TOUCH – The Bad Touch
(iyd65) NOT THE WIND NOT THE FLAG – The Star Maker
(iyd64) ROBERT RIDLEY-SHACKLETON – Splat Fever Soul
(iyd63) CAVE DUDES – No Grunts
(iyd62) DJ LONGHORN GRILLE – Taking Liberties
(iyd61) MAMA BAER – Drei 3-Stuecke-Kraken (bonus disk)
(iyd59/60) MAMA BAER – Exorcismes From All My Fingers (2xLP)
(iyd58) WOLFCOW – Wolfcesticide II
(iyd57) WET DIRT – Self Sabotage: The Early Year
(iyd56) SKULL BONG – Positive Infinity
(iyd55) PON DE REPLAY – Well, It’s Been A Splice
(iyd52) WOMEN IN TRAGEDY – Medusa
(iyd51) VORVIS/HAINEY – VH3 (2xCD-R)

2011

(iyd54) VIDEO THRILLS – Video Thrills
(iyd53) JAMES BAILEY – Off Air
(iyd50) URBAN REFUSE GROUP – U.R.G. 3 (Collision)
(iyd49) DOOM TICKLER – Pleasure Cavern (3”)
(iyd48) THE SOUPCANS – Vintage Pizza Party Cassette
(iyd47+14) DOC DUNN – Doc Dunn
(iyd46) DRAINOLITH – Adam’s Sculpture
(iyd45) KAPALI CARSI – Blessed Clue In the 3 Sided Dream of Entwined Saxophones Heads & Busts (On the Sands at Barge Grove)
(iyd44) WOMEN IN TRAGEDY – Diane Arbus (2xCD-R)
(iyd43) MAX GROSS – Fill Box
(iyd42) KNURL – Obturation (3”)

2010

(iyd41) MAN MADE HILL – Future Florists
(iyd40) VARIOUS – Street Liquors
(iyd39) BRIAN RURYK – Please Don’t Encourage Me
(iyd38) WOLFCOW – Walkmanizer (3”)
(iyd37/ffnn) CLINTON MACHINE – Gettin’ Personial (LP)
(iyd36) JIM SLAY – Live at The Hague
(iyd35/med06) AYAL SENIOR – Botched Raga #2 (3”)
(iyd34) V/H/R – Live at Tad’s Brunch
(iyd33) TODDLER BODY – Survival Smokers (2×3”)
(iyd32) UNDER HEAVEN – Batrachophrenoboocosmomachia
(iyd31) CAVE DUDES – Bro Magnon
(iyd30) GHOSTLIGHT – Robsoblat
(iyd29) PICNICBOY – I Hate You Because You Didn’t Marry Phil Collins (3”)
(iyd25*) WOLFCOW – Wolfcesticide

2009

(iyd28) AYAL SENIOR – Blue Sky on Mars (3×3”)
(iyd27) TODDLER BODY – Woom Toom
(iyd26) KAPALI CARSI – Fuck Roast
(iyd24) HUELEPEGA SOUND SYSTEM – En los Ojos de Dios, todos somos Ilegales
(iyd23) GHOSTLIGHT – Shade Grown

2008

(iyd22) THE PINK NOISE – Memory Box
(iyd21) AYAL SENIOR – Double Negative (2×3”)
(iyd20) AYAL SENIOR – Elephant Graveyard (3”)
(iyd19) AYAL SENIOR – Spacechurch
(iyd18) AYAL SENIOR & MATTHEW “DOC” DUNN – Crystal Fingers
(iyd17) VORVIS/HAINEY – Vorvis/Hainey
(iyd16) KANADA 70 – Trou Bel
(iyd15) CAVE DUDES – First Strolls

2007

(iyd13) BLASPHEMOUS MOCKERY Meets HEAVY WATER – Quaking Earth Vibrations
(iyd12) WOMEN IN TRAGEDY – City of Women
(iyd11) TH W RBL R – Then I Saw Your Smile
(iyd10) WAPSTAN – Saturnales
(iyd09) CONSPIRACY OF FAMILIAR OBJECTS – In “No Greek”
(iyd08) PHOLDE – Of Matter By Which It Remains
(iyd07) JACOB HORWOOD – Catholic Church Party Poopers

2006

(iyd06) DISGUISES – Chrome Sores
(iyd05) ALL UNDER HEAVEN – The Sad Wings of Destiny
(iyd04) KAPALI CARSI – Saddle Sliding
(iyd03) CHARLES BALLS – Chtonic Polio Saddle, Guy
(iyd02) WOMEN IN TRAGEDY – Women In Love

2005

(iyd01) KAPALI CARSI – Rumeic

Kevin Hainey pèse lourd parmi les cercles de passionnés de Toronto – si lourd que son nom de famille est devenu un mantra/cri de bande entonné lors des concerts quand ça se met à chauffer. Parallèlement à ses intrépides incursions en terrains musical (Disguises, The Pink Noise, Kapali Carsi, etc.), littéraire et plus encore, il est à la tête de la prolifique étiquette Inyrdisk, qui largue cargaison après cargaison de CD-R, de mini-disques et l’occasionnel mastodonte sur vinyle. Le katalogue de Hainey est une mine d’or pour les amateurs de sons repoussant tout statu quo, et cette interview est méritée depuis longtemps.

DJ Longhorn Grille – Jaunty, Hormonal

Wolfcow – Exsanguination, I Presume

Fossils – Science Tongs

Inyrdisk a commencé essentiellement avec ton projet solo, Kapali Carsi. Comment cela a-t-il débuté?

Avec Kapali Carsi, j’ai commencé à expérimenter et à enregistrer seul peu de temps après les débuts de Disguises. Tout d’un coup, je me suis retrouvé avec des heures de musique avec lesquelles je ne savais pas quoi faire. Une partie du matériel me plaisait particulièrement, j’ai donc simplement décidé de le faire paraître moi-même et c’est comme ça qu’Inyrdisk est né. À l’époque, je ne voulais pas avoir à emmerder qui que ce soit pour que sorte ce premier album de Kapali Carsi et je ne désirais pas non plus qu’il soit sur cassette. Tout le monde faisait des cassettes à ce moment-là et produire des CD-R à partir de chez moi était facile. J’ai donc simplement décidé d’en graver une petite quantité sans trop m’en faire avec ce qui arriverait ensuite.

Combien de temps a-t-il fallu avant que d’autres noms s’ajoutent à l’étiquette?

Women In Tragedy [Bob McCully] sortait aussi pas mal de CD-R de son côté au point où il ne pouvait plus les faire paraître suffisamment rapidement pour suivre son évolution musicale, je lui ai donc proposé de préparer quelque chose. Pas longtemps après, je me suis retrouvé au 61 Major en train de discuter de fonder un label, et Andrew Zukerman apparaît de nulle part et me dit : « Vraiment? Je vais te donner un album à faire paraître. » En tant qu’admirateur, j’étais flatté, et la première chose que je sais, j’ai une troisième parution. Puis il y a eu des trucs de Disguises et de Marco Landini, qui continue à me donner un appui de taille, et tout ça a continué à partir de là.

Est-ce que tu as l’impression de t’être distingué des autres en te concentrant sur les CD-R?

Les CD-R sont difficiles à vendre et c’est pourquoi on doit y mettre beaucoup d’amour. Les gens veulent des cassettes, particulièrement s’ils peuvent les jouer. On se débarrasse de ses CD en ce moment; ils sont totalement passés de mode. Or les CD-R sont différents des CD en raison de tout l’aspect artisanal. On peut les collectionner, se les procurer directement du groupe et ce n’est pas de la production de masse. L’étui en plastique est remplacé par une pochette faite à la main qui confère une touche artistique supplémentaire. Certains sont hésitants à s’en procurer parce qu’ils veulent le gros vinyle de luxe. Ce n’est pas exactement une malédiction, mais il y en a qui disent ne pas aimer du tout les CD-R.

De tout ton catalogue, quelle parution de Inyrdisk repousserait selon toi le plus les limites?

C’est difficile à dire. Parfois, j’ai l’impression que c’est mon propre matériel, ou encore celui de Mama Baer. Une partie du noise vraiment agressant est pas mal bizarre et probablement aliénant aux oreilles de beaucoup. Mais je ne sais pas, tout est pas mal bizarre. C’est ce que je veux encourager : plus de monde qui se laisse aller et qui ose faire ce qu’il croit approprié compte tenu de leurs désirs et de leurs habiletés. Les gens devraient se sentir libres de créer ce genre de musique sans avoir à se préoccuper de faire de l’argent ou de devenir des vedettes. Ce sont les sons que je considère neufs, avant-gardistes, ce qui n’est pas au diapason des tendances, des scènes ou des effets de mode temporaires. C’est un large spectre de l’underground et de ceux et celles qui font des choses fuckées. C’est nécessaire d’encourager ça si on ne veut pas que ça se perde, parce que sinon tout ce qu’il restera ce seront les lumières trop vives, la grande ville, des groupes, des groupes, un char pis une barge de groupes. J’aime entendre un bon groupe, mais seulement s’il fait quelque chose de vital, quelque chose qui vient du cœur et qu’il est capable de l’amener au stade suivant.

C’est intéressant de voir le nombre de personnes qui ont un label à Toronto. As-tu l’impression que chacun gravite autour de son orbite personnelle?

Tout à fait. Je crois que beaucoup dans cette ville ont une vision particulière et de la difficulté à voir au-delà de leurs propres préférences esthétiques. J’ai souvent suggéré que tous ceux et celles qui gèrent un label par eux-mêmes devraient s’unir. On pourrait appeler ça Postage Blues [Blues de la poste]. Mais la vérité, c’est que c’est peut-être mieux que les gens fassent des choses différentes. Si Jacob Horwood était impliqué, il finirait par imprimer toutes les pochettes pendant que les autres seraient assis devant leur ordinateur à se faire chier en envoyant des courriels aux distributeurs, tandis que d’autres plieraient des boites. Greydyn serait probablement à l’accueil.

Comment en est-on venu à crier à la blague « Hainey » dans les concerts?

C’est Martin Sasseville du label montréalais Brise-Cul qui a tout commencé. Je pense qu’on s’est rencontrés à un concert de AIDS Wolf ou de Pink Noise, et il s’est mis à se promener en demandant à tout le monde : « Connais-tu ce gars-là? C’est Kevin Hainey! » Et puis la première chose que tu sais, pendant qu’un groupe jouait, il se met à crier « Hainey! Hainey! » Il était juste trop dedans, et j’avoue que je trouvais ça assez bizarre. C’était la première fois que je le rencontrais et chaque fois que je l’ai revu par après il a continué à faire la même chose. D’autres comme Andrew Zukerman, Marco Landini et Deirdre de Pleasence se sont mis de la partie et ont amené ça à Toronto. Brian Seeger et Alex Moskos ont même commencé ça à Vancouver. C’est un phénomène pancanadien, et c’est bon pour tout le monde. Inyrdisk, c’est ma contribution pour appuyer la musique que j’aime. Je suis là pour tous les petits joueurs.

Dernière question : Peux-tu me parler de ton nouveau livre?

L’action se déroule 80 ans dans l’avenir. On suit un homme, ancien détective privé, qui est maintenant à la tête d’un corps de la paix. Ce sont des hommes qui vivent dans la rue et qui ont résisté au conformisme moderne en refusant de joindre les camps appelés Les Replis. Ils sont restés dans les villes, qui ont sombré aux mains de l’anarchie au profit des centres de détention, et tentent de mettre un terme à ce règne de terreur dans un Toronto du futur. Il y a des choses dont ils ne sont pas au courant, particulièrement en ce qui a trait au personnage principal, Clive Dyson. C’est très noir, mais aussi futuriste, post-dystopien-ce-que-tu-veux. Un pot-pourri paralittéraire au sein d’un monde désacralisé où un seul immeuble sur dix à accès à quoi que ce soit. Les gentils cherchent ensemble à imaginer à nouveau un monde où il fait bon vivre après des années de guerre, de pestilence et d’avarice. On suit Clive Dyson alors qu’il se bat contre toutes sortes de puissances spirituelles, passées et futures, avant son ultime contrat. Ça s’appelle Nothing Ends Pretty [Rien ne se termine bien].

Inyrdisk Katalog 2005-2013

Tous les titres sont parus sur CD-R sauf indication contraire en LP, mini-disque ou autres. Plusieurs éditions limitées de Inyrdisk comprennent des feuillets, des livrets ou des affiches.

2013

(iyd78) KEVIN HAINEY — Space Plays the Bass
(iyd77) SEASHELLS — The Fondness of a Memory
(iyd76) WOLFCOW – Bad to the Rhinestone (3″)
(iyd75) HANDSOME BAND – Raw Poultry Got Sick From Touching My Hands
(iyd74) xNoBBQx – XP / Hot Cat
(iyd73) MAGIC CHEEZIES – Live Bootleg

2012

(iyd72) WINKIE’S FORCE – Winkie’s Force
(iyd71) FOSSILS / BLUE SPECTRUM (split)
(iyd70) ARMPIT – As Drunk As I Can Be
(iyd69) WOLFSKULL – Mighty Ungodly Change
(iyd68/jg02) VOIDFOLK – Dwell (LP)
(iyd67) KAPALI CARSI – Feverish Tears of Our Ancients (2xCD-R)
(iyd66) THE BAD TOUCH – The Bad Touch
(iyd65) NOT THE WIND NOT THE FLAG – The Star Maker
(iyd64) ROBERT RIDLEY-SHACKLETON – Splat Fever Soul
(iyd63) CAVE DUDES – No Grunts
(iyd62) DJ LONGHORN GRILLE – Taking Liberties
(iyd61) MAMA BAER – Drei 3-Stuecke-Kraken (bonus disk)
(iyd59/60) MAMA BAER – Exorcismes From All My Fingers (2xLP)
(iyd58) WOLFCOW – Wolfcesticide II
(iyd57) WET DIRT – Self Sabotage: The Early Year
(iyd56) SKULL BONG – Positive Infinity
(iyd55) PON DE REPLAY – Well, It’s Been A Splice
(iyd52) WOMEN IN TRAGEDY – Medusa
(iyd51) VORVIS/HAINEY – VH3 (2xCD-R)

2011

(iyd54) VIDEO THRILLS – Video Thrills
(iyd53) JAMES BAILEY – Off Air
(iyd50) URBAN REFUSE GROUP – U.R.G. 3 (Collision)
(iyd49) DOOM TICKLER – Pleasure Cavern (3”)
(iyd48) THE SOUPCANS – Vintage Pizza Party Cassette
(iyd47+14) DOC DUNN – Doc Dunn
(iyd46) DRAINOLITH – Adam’s Sculpture
(iyd45) KAPALI CARSI – Blessed Clue In the 3 Sided Dream of Entwined Saxophones Heads & Busts (On the Sands at Barge Grove)
(iyd44) WOMEN IN TRAGEDY – Diane Arbus (2xCD-R)
(iyd43) MAX GROSS – Fill Box
(iyd42) KNURL – Obturation (3”)

2010

(iyd41) MAN MADE HILL – Future Florists
(iyd40) VARIOUS – Street Liquors
(iyd39) BRIAN RURYK – Please Don’t Encourage Me
(iyd38) WOLFCOW – Walkmanizer (3”)
(iyd37/ffnn) CLINTON MACHINE – Gettin’ Personial (LP)
(iyd36) JIM SLAY – Live at The Hague
(iyd35/med06) AYAL SENIOR – Botched Raga #2 (3”)
(iyd34) V/H/R – Live at Tad’s Brunch
(iyd33) TODDLER BODY – Survival Smokers (2×3”)
(iyd32) UNDER HEAVEN – Batrachophrenoboocosmomachia
(iyd31) CAVE DUDES – Bro Magnon
(iyd30) GHOSTLIGHT – Robsoblat
(iyd29) PICNICBOY – I Hate You Because You Didn’t Marry Phil Collins (3”)
(iyd25*) WOLFCOW – Wolfcesticide

2009

(iyd28) AYAL SENIOR – Blue Sky on Mars (3×3”)
(iyd27) TODDLER BODY – Woom Toom
(iyd26) KAPALI CARSI – Fuck Roast
(iyd24) HUELEPEGA SOUND SYSTEM – En los Ojos de Dios, todos somos Ilegales
(iyd23) GHOSTLIGHT – Shade Grown

2008

(iyd22) THE PINK NOISE – Memory Box
(iyd21) AYAL SENIOR – Double Negative (2×3”)
(iyd20) AYAL SENIOR – Elephant Graveyard (3”)
(iyd19) AYAL SENIOR – Spacechurch
(iyd18) AYAL SENIOR & MATTHEW “DOC” DUNN – Crystal Fingers
(iyd17) VORVIS/HAINEY – Vorvis/Hainey
(iyd16) KANADA 70 – Trou Bel
(iyd15) CAVE DUDES – First Strolls

2007

(iyd13) BLASPHEMOUS MOCKERY Meets HEAVY WATER – Quaking Earth Vibrations
(iyd12) WOMEN IN TRAGEDY – City of Women
(iyd11) TH W RBL R – Then I Saw Your Smile
(iyd10) WAPSTAN – Saturnales
(iyd09) CONSPIRACY OF FAMILIAR OBJECTS – In “No Greek”
(iyd08) PHOLDE – Of Matter By Which It Remains
(iyd07) JACOB HORWOOD – Catholic Church Party Poopers

2006

(iyd06) DISGUISES – Chrome Sores
(iyd05) ALL UNDER HEAVEN – The Sad Wings of Destiny
(iyd04) KAPALI CARSI – Saddle Sliding
(iyd03) CHARLES BALLS – Chtonic Polio Saddle, Guy
(iyd02) WOMEN IN TRAGEDY – Women In Love

2005

(iyd01) KAPALI CARSI – Rumeic

Imprint :: Fadeaway Tapes


Drifting and pulsating throughout a shimmery vapour trail of releases, Fadeaway Tapes has quietly gained a foothold in the international cassette cosmos. Alongside fellow voyagers Le Révélateur, Élément Kuuda and the rosters of Hobo Cult, TLWS and Los Discos Enfantasmes, Fadeaway founders Nick Maturo and Ryan Connoly co-captain Montreal’s ongoing mission of kosmische discovery. Between label flagship Sundrips, a swath of side projects and likeminded signees, each batch offers a wealth of blissful sounds for third-mind meditation. Nick answered our Qs.
Jesse Locke
Managing Editor
Weird Canada // Texture Magazine
weirdcanada.com // texturemagazine.ca

Belarisk – Belarisk (excerpts)

Pierrot Lunaire – Lantern Floating Vessel (excerpts)

Sundrips – Phased Out (excerpts)

1 :: How did you launch your label and why? C.R.E.A.M.?
Fadeaway started mostly as a means of releasing our own material when nobody else wanted to, but it’s gradually turned into a fun way of working with other artists we appreciate and generally trying to create our own label aesthetic. I still consider myself more of a music guy than a label guy, so sometimes it can feel like a bit of a headache compared to just sitting down and jamming, but I’m very proud of all the work we’ve put into it since we started out.
2 :: To date, which of your releases has been: a) the best-seller, b) your favourite and c) the biggest bummer?
a) Hard to say, I think the batch we put out with 56K, the Thoughts on Air/Trailing split and Tobin’s Spirit Guide sold surprisingly quickly despite it being a larger run than we’d done before at the time.
b) Also hard to pick, but I’d say the Sundrips and Ophivchvs collaboration from 2010 still stands out to me as a beautiful tape in terms of both artwork and this crazy music that totally came out of nowhere.

c) Most of the Sundrips tapes we’ve done on Fadeaway are bummers in one way or another, but I might have to say Basejumping At Cliff Clavin has a particular “bummed” quality that I appreciate.

EVENT CLOAK – Physical Computing from Moduli TV on Vimeo.

3 :: What sets you apart from other labels? Music, art, liner notes, posters, glossy 8.5” x 11” head-shots?
I’d say we’re pushing music that’s a little bit different from other labels, although I do think there are some kindred spirits out there. Maybe we’re releasing things that are a little hazier than a lot of other straight up synth labels, although not necessarily in a lo-fi kind of way. I hesitate to use the word Ambient because I feel like that’s a term that’s too easy to just throw around for smooth, meditative music, but I guess there is some sort of a cross-over in to that kind of domain. All in all, it’s hard to pin it down definitively, as it really feels like a genuine extension of Sundrips and of our own tastes and interests, which can be pretty varied. So I guess that’s what makes it special to me.
4 :: Future plans? What can grippers look forward to gripping?
We just put out a new batch right now which includes a new Sundrips tape with a bit of a dreamier sound than usual, as well as a couple of gems from some friends that people will probably make people lose their minds. We have a few things beyond that lined up for Fadeaway in 2012 but nothing set in stone yet. There are also a few more Sundrips releases in the works on other labels, so stay tuned for that.
5 :: Kim Mitchell vs. Randy Bachman?
Tempted to say Randy Bachman out of spite for “Patio Lanterns”, but “Easy To Tame” (especially the video) is so great that it redeems him and then some. He also may be the only rock star to have never gotten laid because he was in a band, which is endearing. So, albeit with a little hesitation, Kim Mitchell.

Fadeaway Tapes Discography (to date)

FT001::Sundrips – Basejumping At Cliff Clavin(Cassette, 2010)
FT002::Sundrips – Hidden Dimensions(Cassette, 2010)
FT003::Sundrips – Star Master Live(3″ CD-R, 2010)
FT004::Video Diaries – Carryin’ On(Cassette, 2010)
FT005::Sundrips – Diffuse Contours(Cassette, 2010)
FT006::Sundrips & Ophivchvs – Satellites OF The Elders(Cassette, 2010)
FT007::Sundrips – Arrays(Cassette, 2010)
FT008::Cloudland Ballrooms & Sundrips – Split(Cassette, 2010)
FT009::Aphid Palisades – Aphid Palisades(Cassette, 2010)
FT010::56k – Calls In The Night(Cassette, 2010)
FT011::Thoughts On Air / Trailing – Split(Cassette, 2011)
FT012::Tobin’s Spirit Guide – Homesick(Cassette, 2011)
FT013::Belarisk – Belarisk(Cassette, 2011)
FT014::Pierrot Lunaire – Lantern Floating Vessel(Cassette, 2011)
FT015::Sundrips – Phased Out(Cassette, 2011)
FT016::Élément Kudda – Flight II(Cassette, 2011)
FT017::Sundrips – The Shapes Of THe Corridors(Cassette, 2011)
FT018::Event Cloak – Physical Computing(Cassette, 2011)
FT019::Trailing – Stingray / From the Top Of The Stairs [pt. 1 & 2](Cassette, 2011)


Dérivant et palpitant tout un long d’un chatoyant chemin vaporeux de sorties, Fadeaway Tapes a silencieusement gagné une prise de pied dans le cosmos de cassette international. Au long d’autres voyageurs Le Révélateur, Élément Kuuda et les répertoires de Hobo Cult, TLWS et Los Discos Enfantasmes, les fondateurs de Fadeaway, Nick Maturo et Ryan Connoly, le co-capitaine de la mission de Montréal en court pour une découverte de kosmische. Entre le label en vedette Sundrips , une bande de projets en parallèle et de signataires aux mêmes opinions, chaque fournée offre une richesse de sons divins pour une méditation de troisième esprit. Nick a répondu à nos Qs.

Jesse Locke
Éditeur en Chef
Weird Canada // Texture Magazine
weirdcanada.com // texturemagazine.ca

Belarisk – Belarisk (excerpts)

Pierrot Lunaire – Lantern Floating Vessel (excerpts)

Sundrips – Phased Out (excerpts)

1 :: Comment ave-vous lance votre label et pourquoi? C.R.E.A.M.?
Fadeaway a en partie commencé en tant que moyen pour faire sortir notre propre matériel quand personne d’autre le voulais, mais c’est graduellement tourné en façon amusante de travailler avec d’autres artistes que nous apprécions et généralement d’essayer de créer notre propre esthétique de label. Je me considère encore plus comme gars de musique qu’un gars de label, alors ça peut se ressentir un peu comme un mal de tête comparé à être juste assis et de jammer, mais je suis vraiment fier de tout le travail que nous y avons mis depuis que nous avons commencé.

2 :: Jusqu’à maintenant, laquelle de vos sorties a été: a) la meilleure vente b) votre préférée et c) la plus grosse déception?
a) dur à dire, je pense que le lot que nous avons sortie avec 56K, la divisée Thoughts on Air/ Trailing et Spirit Guide de Tobin se sont vendues de façon surprenante malgré qu’elle était plus longue que ce que nous avions fait avant dans le temps.
b) Aussi dur de choisir, mais je dirais la collaboration de Sundrips et Ophivchvs de 2010 se démarque encore pour moi comme une belle cassette autant en termes d’œuvre et cette musique folle qui a totalement sortie de nulle part.
c) La plupart des cassettes de Sundrips que nous avons fait sur Fadeaway sont des déceptions d’une façon ou d’une autre, mais j’aurais peut-être à dire que Basejumping At Cliff Clavin a une qualité particulièrement ‘’Agaçante’’ que j’apprécie.

EVENT CLOAK – Physical Computing from Moduli TV on Vimeo.

3 :: Qu’est-ce qui vous différencie des autres labels? De la musique, de l’art, des livrets, des affiches, de reluisant 8.5’’ x 11’’ et des photos?
Je dirais qu’on pousse de la musique qui est un peu différente des autres labels, malgré que je pense qu’il y ait quelques gens sur la même longueur d’onde alentours. Peut-être que nous sortons des choses qui sont un petit peu plus vagues que beaucoup d’autres honnêtes labels de synth, même si ce n’est pas nécessairement d’une façon lo-fi. J’hésite à utiliser le mot ‘’ambiant’’ parce que je sens comme si c’est un terme trop facile lancer ici et là pour la musique méditative douce, mais j’imagine qu’il y a un genre d’entre croisement dans ce genre de domaine. En tout, c’est dur de l’épingler définitivement, puisque ça ressemble vraiment comme une extension réelle de Sundrips et de nos goûts et intérêts, lesquels peuvent être très variés. Alors je présume que c’est ce qui le rend spécial pour moi.

4 :: Des plans futurs? Qu’est-ce que les saisisseurs peuvent avoir hâte de saisir?
Nous venons juste de sortir un nouveau lot maintenant lequel inclus une nouvelle cassette de Sundrips avec un peu de son plus rêveur qu’à l’habitude, aussi quelques gemmes de quelques amis dont les gens vont faire perdre la tête à d’autres. Nous avons quelques trucs qui s’alignent pour Fadeaway en 2012 mais rien n’est coulé dans le béton encore. Il y aussi quelques sorties de plus de Sundrips dans les travaux d’autres labels, alors restez sur la touche pour ça.

5 :: Kim Mitchell vs. Randy Bachman?
Je suis tempté de dire Randy Bachman par rancune à ‘’ Patio Lanterns’’, mais ‘’Easy To Tame’’ ( spécialement le vidéo) est tellement super que ça le rachète et encore. Il est peut-être aussi la seule rock star à ne s’être jamais envoyé en l’air parce qu’il était dans un bande, ce qui est charmant. Alors, quoique avec un peu d’hésitation, Kim Mitchell.

Fadeaway Tapes Discographie (à date)

FT001::Sundrips – Basejumping At Cliff Clavin(Cassette, 2010)
FT002::Sundrips – Hidden Dimensions(Cassette, 2010)
FT003::Sundrips – Star Master Live(3″ CD-R, 2010)
FT004::Video Diaries – Carryin’ On(Cassette, 2010)
FT005::Sundrips – Diffuse Contours(Cassette, 2010)
FT006::Sundrips & Ophivchvs – Satellites OF The Elders(Cassette, 2010)
FT007::Sundrips – Arrays(Cassette, 2010)
FT008::Cloudland Ballrooms & Sundrips – Split(Cassette, 2010)
FT009::Aphid Palisades – Aphid Palisades(Cassette, 2010)
FT010::56k – Calls In The Night(Cassette, 2010)
FT011::Thoughts On Air / Trailing – Split(Cassette, 2011)
FT012::Tobin’s Spirit Guide – Homesick(Cassette, 2011)
FT013::Belarisk – Belarisk(Cassette, 2011)
FT014::Pierrot Lunaire – Lantern Floating Vessel(Cassette, 2011)
FT015::Sundrips – Phased Out(Cassette, 2011)
FT016::Élément Kudda – Flight II(Cassette, 2011)
FT017::Sundrips – The Shapes Of THe Corridors(Cassette, 2011)
FT018::Event Cloak – Physical Computing(Cassette, 2011)
FT019::Trailing – Stingray / From the Top Of The Stairs [pt. 1 & 2](Cassette, 2011)

Imprint :: Electric Voice


Matt Samways is a young upstart from Truro, the so-called ‘hub’ of Nova Scotia. Before touching the age of 20 he led the pitiless doom punk of Pig, started the Electric Voice imprint, and played sideman to Scribbler and the Friendly Dimension. He has once again departed on another musical continuum with his latest project, Transfixed, a more sinister and contemplative vision of the futuristic isolation and robotic vocals of Kraftwerk and Gary Numan.

Electric Voice is not exclusive to the regional talent of the 902, but has entertained releases from across Canada, with ambitions to release music from around the globe. Up next is a 12” from Jeff & Jane Hudson, who were part of the New York No Wave movement during the late ’70s and early ’80s, arguably one of the greatest incubators for creative music of all genres, ever. Matt kindly took the time to answer some questions.

Zachary Fairbrother
Contributor
Weird Canada // Lantern
http://weirdcanada.com // http://lantern.bandcamp.com

Transfixed – Coaxial Mirage

What inspired you to start a label?
It was conceived as a vanity label in 2008 with a partner I was collaborating with at the time, who actually titled the label. It was suggested by a peer that we began documenting our releases to enhance professionalism. We had no intentions of channeling anything other than our own material. As our group was disbanding a personal desire to continue the archive still existed. My friends are all making extremely good music and I can’t suppress supporting it materialize.

Since Pig split, you’ve devoted much of your attention to Electric Voice. Are you taking a break from music or do you prefer running label?

I wasn’t really interested in performing or releasing my own music at the time, but I wanted to keep contributing to the physical production of it. I hold a strong value in the aesthetic of sound and its presentation, and the idea of being able to manipulate it is appealing to me. About a year ago I started receiving funding from the Government of Nova Scotia via the Emerging Business Music Program on behalf of Electric Voice. That defiantly provided me with a lot of motivation to get the label off the ground and start working outside the current community in Halifax and Montreal. Though I am becoming passionate about the label, I am a musician first and still focus on writing and recording with aspirations of touring the material. Putting a lot of energy into the label in turn benefits my musical endeavors.

Transfixed is quite a departure from your previous musical adventures. How is it related/un-related to other projects?

The formation of Transfixed was completely organic. It is a collaborative project between myself, Ian Phillips and a number of rotating musicians. We had no intentions of forming a group when we first started playing together, but when we discovered that the house we had been jamming in was previously owned by Ian’s grandparents in the early ’60s, and that his grandfather grew up in the house, we decided to channel our time spent there with Transfixed. It has become an interesting and rapidly progressing project that there’s no reason to stop. Our ideas are constantly abstracting themselves and moving faster than we create the music. It’s exciting and with the lack of expectation we have become more prolific than any other project I’ve been involved with.
With my other projects/collaborations there has been a lot more premeditation on the sounds and how they should be presented. It becomes tough when a collective of people share the same visions without matching the logistics. The extrasensory parts of music can be difficult to communicate. I also work with Troy Richter and the Friendly Dimension in molding his sounds.

Synthesizers or guitars?

Guitars that sound like synthesizers. I think the combination can be a masterful force when properly conducted. I am ultimately a guitar player, but I’ve been spending a lot of time learning the keyboard. For the last few months I’ve hardly touched my guitar.

You hitchhike between Truro and Halifax. It seems like hitchhiking is a fading activity. Do you enjoy it, and do you have any good stories? Have you met some interesting people? Where is the farthest you’ve hitched?

It’s never really been something I enjoyed, but it’s done out of necessity. When I cannot afford to be bussing back and forth, it’s usually my only means to get to practices/gatherings, as all of the bands I play in are based in Halifax. I live back and forth from Halifax and Truro, which are about an hour’s drive apart. Truro is very isolated and is a great environment to work in, though can be compromising with my schedule.
I’ve only been hitching through Nova Scotia and Newfoundland for the last five years. I’ve been consistently traveling this way and have never encountered any trouble. Dress nice with a clean appearance. A lot of mothers have picked me up, also on- and off-duty police officers. The only questionable encounter was a lady who spoke in a thick rural Nova Scotian tongue. She picked my friend and I up in the dark and was drinking Faxe 10 (strong beer). She had what looked like 3-4 empty cans on the floor of her side of the car. It was a little unsetting but she was considerably collected and coherent. She had a bizarre way of twisting her words together that was oddly poetic.

You seem like an ambitious young man. What are your dreams for the Electric Voice Label?

I don’t class my visions with the label as dreams, because I don’t think they are anything we can’t achieve. The people I surround myself with are individually gifted at what they do. Thankfully all of the resources are presented, making it simple to have a pragmatic sense of work. I certainly am young; therefore I am not looking to execute the foundation process in short time. I will keep experimenting with formats and presentation, and try not to exhaust our resources. In time I will spend time refining the label and as expected with any small business or hobby, sustainability is key.

What other labels do you find inspiring and/or really dig and why?
To those who know me this may sound biased because Brett is a good friend, but I really like what he has done with Campaign For Infinity. He has released some of my favourite cassettes in the last few years (notable: Teenage Panzerkorps, Horrid Red, Grand Trine, Rape Faction). I also have a lot of respect for Darcy Spidle and Divorce Records, as it was a prominent influence of my origins in the community of Halifax. He is really passionate about what he does and it shows in his work. OBEY Convention is a festival he puts on every year or so and is the highlight of the year in Halifax, in my opinion. I am happy to be helping him with the festival in 2012.
I have some collaborative release coming out with Danish label Skrot Up as well as works with Montreal’s Hobo Cult. Some other notable active labels: Bruised Tongue, Captured Tracks, Dark Entries Records, FLA Tapes & Records and Arbutus Records. I also really dig the consistency in the aesthetic of labels like Sacred Bones and Night People.

Electric Voice Discography (to date)

EV001::Albino Slug II – EP(Cassette, 2008)
EV002::Pig – Everything Isn’t EP(CD-R, 2009)
EV003::Vacuum – Tormented Bear EP(Cassette, 2009)
EV004::Pig – Elbow Witch(Cassette, 2009)
EV005::Church Hammer – Vol. I(Cassette, 2010)
EV006::Church Hammer – Vol. II(Cassette, 2010)
EV007::Church Hammer/Vacuum – Split(Cassette, 2010)
EV008::Pig – I’ve seen the future and it’s no place for me Compilation(Cassette, 2010)
EV009::Various ArtistsElectric Voice Compilation Vol I(Cassette, 2010)
EV010::Milksnake – EP(Cassette, 2010)
EV011::Friendly Dimension – Live: In the Pleasant Horrors of Space EP(Cass., 2010)
EV012::Lantern – Deliver me from Nowhere(Cassette, 2010)
EV013::Gigas – Tied Down to the Ones You Love LP(Cassette, 2010)
EV014::Friendly Dimension – Bath Tub EP(Cassette, 2011)
EV015::Duzheknew – LOL HELL EP(Cancelled)
EV016::Wicked Crafts – “No Cure” EP(Cass. (split w/ Campaign for Infinity, 2011)
EV017::U.S. Girls – EP(7″, 2011)
EV018::The Friendly Dimension // 30 Year Old City Hex – “Poltergeist City”(Cass., 2011)
EV019::Babysitter – “Paul’s Cab” Single(Cassette, 2011)
EV020::Monroeville Music Center – Les Defauts des Fabrication EP(Cassette, 2011)
EV021::Milksnake – Lenny Bruce EP(Cassette, 2011)
EV022::Membrain – EP(Cassette, 2011)
EV023::Lantern // The Ether – Split(Cassette, 2011)
EV024::Play Guitar – Single(Cassette, split release w/ Craft Singles, 2011)
EV025::Grand Trine – Single(Cassette, split release w/ Craft Singles, 2011)
EV026::Bad Vibrations – Single(Cassette, split release w/ Craft Singles, 2011)
EV027::Transfixed – Single(Cassette, split release w/ Craft Singles, 2011)
EV028::Crosss – Single(Cassette, split release w/ Craft Singles, 2011)
EV029::Bloodhouse – Single(Cassette, split release w/ Craft Singles, 2011)
EV030::Hand Cream // Crosss – Split(Cassette, 2011)
EV031::Passion Party – EP(Cassette, 2011)
EV032::Cat Bag // Transfixed – Bunker // Body Language(12″ w/ Claire Dragon, 2011)
EV033::Rape Faction // Chevalier Avant Garde – Split(Cassette, 2011)
EV034::Various ArtistsElectric Voice Compilation Vol. II(12″ Cassette, 2011)
EV035::Jeff & Jane Hudson – In My Car // Computer Jungle (+ Club mixes)(12″, 2011)
EV036::Visual works by Jacqueline Lachance(VHS, 2012)

(Editor’s Note: Certain titles from this discography were not released by Electric Voice proper. As history’s nature is to continually re-write itself, so, too, shall we gaze pastward at Matt’s creative efforts and understand his temporal stream within the vision of Electric Voice.)


Matt Samways est un petit nouveau de Truro, le soi disant ‘’Centre’’ de Nouvelle-Écosse. Avant d’atteindre l’âge de 20 ans, il menait le punk tragique sans pitié de Pig, commençait l’empreinte Electric Voice et jouait comme sideman pour Scribbler et the Friendly Dimension. Il est encore une fois parti sur une autre continuum musical avec son dernier projet, Transfixed, une vision plus sinistre et contemplative d’unefuturistic isolation et de vocales robotique de Kraftwerk et Gary Numan. Electric Voice n’est pas exclusif au talent régional du 902, mais a reçu des sorties d’à travers le Canada, avec l’ambition de faire sortir de la musique de partout autour du globe. À venir est un 12’’ de Jeff & Jane Hudson, qui faisait parti du mouvement New York No Wave pendant la fin des années 70 et début 80, discutablement un des plus grands incubateurs pour la musique créative de tout les genres, à jamais. Matt a gentiment prit le temps de répondre à quelques questions.
Zachary Fairbrother
Contributor Weird Canada // Lantern
http://weirdcanada.com // http://lantern.bandcamp.com

Transfixed – Coaxial Mirage

Qu’est-ce qui vous a inspire à commencer votre label?
Ce fut conçu en tant que label de vanité en 2006 avec un partenaire avec lequel je collaborais dans ce temps-là, qui a actuellement nommé le label. Il fut suggéré par un pair que nous commencions à documenter nos sorties pour augmenter notre professionnalisme. Nous n’avions pas l’intention de canaliser quoique ce soit autre que notre propre matériel. Alors que notre groupe de démantelait, un désir personnel de continuer l’archive existait encore. Mes amis font tous de l’extrêmement bonne musique et je ne peut pas m’empêcher de la supporter pour la matérialiser.
Depuis que Pig s’est divisé, vous avez accordé beaucoup de votre attention à Electric Voice. Prenez vous une pause de la musique ou vous préférez faire un label?
Je n’étais pas vraiment intéressé à jouer ou à faire sortir ma propre musique dans le temps, mais je voulais continuer de contribuer à la production physique de celle-ci. Je possède une forte valeur dans l’esthétique du son et sa présentation et l’idée d’être capable de le manipuler est attirante pour moi. Environ un an plus tôt, j’ai commencé à recevoir des fonds du Gouvernement de Nouvelle-Écosse via le Programme de Musique des Entreprises Émergeantes au nom d’Electric Voice. Cela m’a clairement donné beaucoup de motivation pour faire partir le label et commencer à travailler hors de la communauté actuelle à Halifax et Montréal. Malgré que je deviens passionné à propos du label, je suis un musicien avant tout et je suis toujours concentré sur écrire et enregistrer avec l’aspiration de faire du matériel de tournée. Mettre beaucoup d’énergie dans le label en retour profite à mes efforts musicaux.

Transfixed est tout un départ de vos aventures musicales précédents. Comment est-ce relié/ ou non à d’autres projets?

La formation de Transfixed fut complètement organique. C’est un projet collaboratif entre moi-même, Ian et Phillips et un nombre de musiciens en rotation. Nous n’avions pas l’intention de former un groupe quand nous avons commencé à jouer ensemble au début, mais quand on a découvert que la maison dans laquelle nous jammions avait précédemment appartenue aux grands-parents de Ian au début des années 60 et que son grand père avait grandit dans la maison, nous avons décidé de concentrer notre temps passé là, avec Transfixed. C’est devenu un intéressant et rapidement progressant projet qui n’avait pas de raison d’arrêter. Nos idées sont constamment entrain de s’extrairent et de bouger plus vite que nous créons la musique. C’est excitant et avec le manque d’attente nous somme devenu plus prolifique qu’avec n’importe quel autre projet dans lequel nous avions été impliqués.
Avec mes autres projets/collaborations, il y a eu beaucoup plus préméditation sur les sons et comment ils devraient être présentés. Ça devient difficile quand une organisation de gens partage les mêmes visions sans les mêmes logistiques. Les parties extrasensorielles de la musique peuvent être difficile à communiquer. Je travaille aussi avec Troy Richter et les Friendly Dimension pour former ses sons.

Vous faites de l’auto-stop entre Truro et Halifax. Il semble que faire de l’auto-stop est une activité déclinante. Aimez-vous ça et avez-vous quelques bonnes histoires? Avez-vous rencontré des gens intéressants? Où est-ce le plus loin que ayez fait de l’auto-stop?
Ça n’a jamais été quelque chose que j’apprécie, mais je le fais par nécessité. Quand je ne peux pas me permettre de prendre l’autobus aller-retour, c’est habituellement mon seul moyen d’aller au pratiques/ rassemblements, puisque tout les groupes dans lesquels je joue sont basés à Halifax. Je vis en va-et-viens d’Halifax et Truro, lesquelles sont à environ une heure de route l’une de l’autre. Truro est très isolée et c’est un super environnement pour travailler, mais peut être compromettant avec mon horaire. J’ai seulement fais de l’auto-stop à travers la Nouvelle-Écosse et Terre-Neuve pour les dernière cinq années. J’ai constamment voyagé dans cette direction et j’ai jamais rencontré de problème. Habillez-vous bien avec une apparence propre. Beaucoup de mères m’ont ramassé, aussi des officiers de police hors et en service. La seule rencontre questionnable fut avec une dame qui parlait avec un gros accent rural de Nouvelle-Écosse. Elle nous a ramassé moi et mon ami dans la noirceur et elle buvait du Faxe 10 (une bière forte). Elle avait ce qui semblait être 3-4 cannes vides sur le sol de son côté de la voiture. C’était un peu troublant, mais elle semblait considérablement posée et cohérente. Elle avait une façon bizarre de tourner ses mots ensembles qui était étrangement poétique.

Vous semblez être un jeune homme ambitieux. Quels sont vos rêves pour le label d’Electric Voice?

Je ne classe pas mes visions avec le label comme étant des rêves, parce que je ne pense pas qu’il y est quelque chose que l’on ne peut réaliser. Les gens dont je m’entours sont individuellement habile à ce qu’ils font. Heureusement, toutes les ressources sont présentées, rendant simple le fait d’avoir un sens pragmatique du travail. Je suis certainement jeune; alors je n’essais pas d’exécuter le procédé de fondation en un bref délai. Je vais continuer d’expérimenter avec des formats et des présentations et essayer de ne pas épuiser nos ressources. Au moment venu, je passerai du temps pour raffiner le label et comme attendu avec n’importe quelle petite entreprise ou passe-temps, la soutenabilité est la clef.

Quels autres labels trouvez-vous inspirants et/ou que vous aimez vraiment et pourquoi?

Pour ceux qui me connaissent cela va peut-être sonner biaisé parce que Brette est un bon ami, mais j’aime vraiment ce qu’il a fait avec Campaign For Infinity. Il a sorti quelque unes de mes cassettes préférées dans les dernières années (notable : Teenage Panzerkorps, Horrid Red, Grand Trine, Rape Faction). j’ai aussi beaucoup de respect pour Darcy Spidle et Divorce Records, comme c’était une influence proéminente de mes origines dans la communauté d’Halifax. Il est vraiment passionné à propos de ce qu’il fait et cela paraît dans son travial. OBEY Convention es un festival qu’il monte chaque année ou peu près et c’est le moment for de l’année à Halifax, à mon avis. Je suis content de l’aider avec le festival en 2012. J’ai quelques sorties collaboratives qui s’en viennent avec le label Danois Skrot Up et aussi du travail avec Hobo Cult de Montréal. Quelques autres labels actifs signifiants : Bruised Tongue, Captured Tracks, Dark Entries Records, FLA Tapes & Records et Arbutus Records. J’aime vraiment aussi la consistence dans l’esthétique des labels comme Sacred Bones et Night People.

Electric Voice Discographie (à date)

EV001::Albino Slug II – EP(Cassette, 2008)
EV002::Pig – Everything Isn’t EP(CD-R, 2009)
EV003::Vacuum – Tormented Bear EP(Cassette, 2009)
EV004::Pig – Elbow Witch(Cassette, 2009)
EV005::Church Hammer – Vol. I(Cassette, 2010)
EV006::Church Hammer – Vol. II(Cassette, 2010)
EV007::Church Hammer/Vacuum – Split(Cassette, 2010)
EV008::Pig – I’ve seen the future and it’s no place for me Compilation(Cassette, 2010)
EV009::Various ArtistsElectric Voice Compilation Vol I(Cassette, 2010)
EV010::Milksnake – EP(Cassette, 2010)
EV011::Friendly Dimension – Live: In the Pleasant Horrors of Space EP(Cass., 2010)
EV012::Lantern – Deliver me from Nowhere(Cassette, 2010)
EV013::Gigas – Tied Down to the Ones You Love LP(Cassette, 2010)
EV014::Friendly Dimension – Bath Tub EP(Cassette, 2011)
EV015::Duzheknew – LOL HELL EP(Cancelled)
EV016::Wicked Crafts – “No Cure” EP(Cass. (split w/ Campaign for Infinity, 2011)
EV017::U.S. Girls – EP(7″, 2011)
EV018::The Friendly Dimension // 30 Year Old City Hex – “Poltergeist City”(Cass., 2011)
EV019::Babysitter – “Paul’s Cab” Single(Cassette, 2011)

EV020::Monroeville Music Center – Les Defauts des Fabrication EP(Cassette, 2011)
EV021::Milksnake – Lenny Bruce EP(Cassette, 2011)
EV022::Membrain – EP(Cassette, 2011)
EV023::Lantern // The Ether – Split(Cassette, 2011)
EV024::Play Guitar – Single(Cassette, split release w/ Craft Singles, 2011)
EV025::Grand Trine – Single(Cassette, split release w/ Craft Singles, 2011)
EV026::Bad Vibrations – Single(Cassette, split release w/ Craft Singles, 2011)
EV027::Transfixed – Single(Cassette, split release w/ Craft Singles, 2011)
EV028::Crosss – Single(Cassette, split release w/ Craft Singles, 2011)
EV029::Bloodhouse – Single(Cassette, split release w/ Craft Singles, 2011)
EV030::Hand Cream // Crosss – Split(Cassette, 2011)
EV031::Passion Party – EP(Cassette, 2011)
EV032::Cat Bag // Transfixed – Bunker // Body Language(12″ w/ Claire Dragon, 2011)
EV033::Rape Faction // Chevalier Avant Garde – Split(Cassette, 2011)
EV034::Various ArtistsElectric Voice Compilation Vol. II(12″ Cassette, 2011)
EV035::Jeff & Jane Hudson – In My Car // Computer Jungle (+ Club mixes)(12″, 2011)
EV036::Visual works by Jacqueline Lachance(VHS, 2012)

(Note de l’éditeur: Certains titres de cette discographie n’étaient pas mis en vente par Electric Voice proprement. Comme est la nature de l’histoire de se répéter continuellement, donc, aussi, devrions nous regarder vers le passé les efforts créatifs de Matt et comprendre son courant temporel dans la vision d’Electric Voice.)

Imprint :: Pleasence Records


Swirling within the endless cosmos of polyphonic doctrine, Toronto’s Pleasence Records remain an ardent force of diversity alongside the orthogonal streams of TO’s new underground. Their catalog grows in dimension with each mind-boggling effort, exemplified by the soft yacht-rock of Young Guv easing into Man Made Hill’s burnt fidelity. I was stoked to hear that Managing Editor Jesse Locke met with the head honchos from Pleasence this week. Dig below.
Aaron Levin
Big Lurch
Weird Canada
weirdcanada.com

The Pink Noise – Galapagos

Man Made Hill – Hard Breeze Is Gonna Blow

Induced Labour – Whore Eyes

1 :: How did you launch your label and why? C.R.E.A.M.?
We were both at an Induced Labour show in early 2010 where Leslie (Predy) smashed a pint glass off the stage, dove into the shards, and was dragged by her pants around her ankles by the crowd. Deirdre later picked the glass out of her ass. That night we both fell in love with them. Later that spring, over some very fine homemade Italian food with friends, Deirdre stated her intention to release their record and James wanted in. The record took a while to put out so we released a Vagina Bison tape, a 7″ split from Gay/White Suede, and a 7″ EP from Suitcase Sam in the interim. By the time the Induced Labour record came out, we were already working with more artists. It’s been rolling steadily ever since.

2 :: To date, which of your releases has been: a) the best-seller, b) your favourite and c) the biggest bummer?
Young Guv & The Scuzz has undoubtedly been our best seller. We’ve sold that record all over the world. He also recorded the Tropics, Huckleberry Friends, and Gay/Sexy Merlin records we’ve put out. He’s one of the most prolific guys in Toronto right now. The Soupcans and Suitcase Sam have also worked very hard to get their records out there, selling a few at every show, playing as often as they can around town and touring Canada and the States.

As for B, that’s like picking your favourite child. We’re so proud of them all! Our favourite is usually whatever we’re working at the moment, since usually that means we’re listening to it over and over and over before the final press. You become quite intimate with the record, like you’ve known it for years.

The only time it feels like a bummer is when a record we really love doesn’t have the immediate impact we feel it deserves. We become like angry parents at their kid’s hockey game.

3 :: What sets you apart from other labels? Music, art, liner notes, posters, glossy 8.5” x 11” head-shots?
We initially connected over music by both being record collectors. Deirdre works at She Said Boom records in Toronto and James would hang out there for hours browsing, yakking about bands, listening to different records. We like to think there’s a certain diversity in our catalog that reflects our broad tastes. We never wanted to have a genre label that would only release a specific style. I don’t think we could ever commit to that, there’s just too much different stuff we’re into.

4 :: Future plans? What can grippers look forward to gripping?
By this time next year you’ll be hearing records by Pon De Replay, Fleshtone Aura, John Milner You’re So Boss, Wasted Nymph, Odonis Odonis, a VHS tape of the last Induced Labour performance, and hopefully a few others.

Pleasence Records Discography (to date)

PR000::Vagina Bison – Self Titled(2010, Cassette)
PR001::Induced Labour – Self Titled(2010, 7″)
PR002::Gay/White Suede – Split(2010, 7″)
PR003::Suitcase Sam – Get It To Go(2010, 7″)
PR004::Pleasence T-Shirt
PR005::The Soupcans – Erotic Nightmare(2010, 12″)
PR006::Sexy Merlin – Self Titled(2011, 7″)
PR007::Gay/Sexy Merlin – Self Titled(2011, 7″)
PR008::Young Guv & The Scuzz – Bedroom Eyes b/w Rumors(2011, 7″)
PR009::Tropics – Pale Trash b/w Earmarked(2011, 7″)
PR010::Huckleberry Friends – Vision b/w Disaster Keyz(2011, 7″)
PR011::The Pink Noise – Gilded Flowers(2011, 12″)
PR012::Man Made Hill/Young Truck – (2011, 12″)


Tourbillonnant dans l’infini cosmos de doctrine polyphoniques, les Pleasence Records de Toronto restent une force ardente de diversité au long des courants orthogonaux du nouveaux sous-terrain de TO. Leur catalogue grandit en dimensions avec chaque effort ahurissant, exemplifié par le doux rock de yacht de Young Guy se relâchant dans la fidélité brûlée de Man Made Hill. Je fus excité d’entendre que l’éditeur en chef, Jesse Locke, a rencontré le grand patron de Pleasence cette semaine. Creusez ci-dessous.
Aaron Levin
Gros vacillement.
Weird Canada
weirdcanada.com

The Pink Noise – Galapagos

Man Made Hill – Hard Breeze Is Gonna Blow

Induced Labour – Whore Eyes

1:: Comment avez-vous lancé votre label et pourquoi? C.R.E.A.M.?
Nous étions tous les deux à un spectacle de Induced Labour au début de 2010 où Leslie (Predy) a écrasé une chope de verre hors de la scène, a plongé dans les éclats et fut tirée par ses pantalons autour de ses chevilles par la foule. Deirdre a ramassé plus tard le verre hors de son derrière. Cette nuit là, nous avons tous deux tombé en amour avec eux. Plus tard ce printemps là, en mangeant un repas de mets italiens finement préparé maison avec des amis, Deirdre a déclaré son intention de faire sortir leur enregistrement et James le voulais. L’enregistrement a pris un certain temps à faire alors on a sorti une cassette de Vagina Bison, un 7’’ divisé de Gay/White Suede, et un 7’’ EP de Suitcase Sam dans l’intérim. Par le temps que l’enregistrement d’ Induced Labour fut sorti, Nous travaillions déjà avec plus d’artistes. Ça l’a roulé stablement depuis ce temps là.
2:: Jusqu’à maintenant, laquelle de vos sorties a été: a) la meilleure vente b) votre préférée et c) la plus grosse déception?
Young Guy & The Scuzz ont sans aucun doute été nos meilleures ventes. On a vendu cet enregistrement partout autour du monde. Il a aussi enregistré les records de Tropics, HuckleBerry Friends et Gay/Sexy Merlin que nous avons faits. Il est un des mecs les plus prolifiques à Toronto présentement. Les Soupcans et Suitcase Sam ont aussi travaillé très dur pour faire sortir leur enregistrement, en vendant quelques uns à chaque spectacle, jouant aussi souvent qu’ils le pouvaient autour de la ville et faisant des tournées au Canada et dans les États. Pour B, c’Est comme choisir ton enfant préféré, nous en sommes tous fières!! Notre préféré est habituellement peu importe sur quoi on travaille présentement, puisque ça veut dire qu’on l’écoute encore et encore et encore avant le pressage final. Vous devenez plutôt intime avec le record, comme si vous l’Aviez connu pour des années. Les seules fois que c’est ressenti comme une déception c’Est quand un record qu’on aime vraiment n’a pas l’impact immédiat que nous sentons qu’il mérite. Nous devenons comme des parents fâchés à la partie d’hockey de leur enfant.

3:: Qu’est-ce qui vous différencie des autres labels? De la musique, de l’art, des livrets, des affiches, de reluisant 8.5’’ x 11’’ et des photos?
Nous avions initialement connectés avec la musique en étant tous deux des collectionneurs de records. Deirdre travaille aux enregistrements She Said Boom à Toronto et James allait là pendant heures, se promenant et jacassant à propos de groupes, écoutant différents enregistrements. Nous aimons penser qu’il y a une certaine diversité dans nos catalogue qui reflète nos larges goûts. Nous n’avons jamais voulu avoir un label genre qui sortirait seulement un style spécifique. Je ne pense pas qu’on pourrait s’engager à ça, il y a juste trop de trucs différent que nous aimons.
4 :: Des plans futurs? Qu’est-ce que les saisisseurs peuvent avoir hâte de saisir?
By this time next year you’ll be hearing records by a VHS tape of the last Induced Labour performance, and hopefully a few others. À ce temps si l’année prochaine vous entendrez des records de Pon De Replay, Fleshtone Aura, John Milner You’re So Boss, Wasted Nymph, Odonis Odonis, par une cassette VHS de la dernière performance de Induced Labour et on espère, quelques unes de plus.

Pleasence Records Discography (à date)
PR000::Vagina Bison – Self Titled(2010, Cassette)
PR001::Induced Labour – Self Titled(2010, 7″)
PR002::Gay/White Suede – Split(2010, 7″)
PR003::Suitcase Sam – Get It To Go(2010, 7″)
PR004::Pleasence T-Shirt
PR005::The Soupcans – Erotic Nightmare(2010, 12″)
PR006::Sexy Merlin – Self Titled(2011, 7″)
PR007::Gay/Sexy Merlin – Self Titled(2011, 7″)
PR008::Young Guv & The Scuzz – Bedroom Eyes b/w Rumors(2011, 7″)
PR009::Tropics – Pale Trash b/w Earmarked(2011, 7″)
PR010::Huckleberry Friends – Vision b/w Disaster Keyz(2011, 7″)
PR011::The Pink Noise – Gilded Flowers(2011, 12″)
PR012::Man Made Hill/Young Truck – (2011, 12″)