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How To Play in Multiple Bands

Joel French - How To Play in Multiple BandsJoel French - How To Play in Multiple Bands

For some people, certainly those in my circle, keeping busy is the only way to stay sane and/or out of the types of trouble we instinctively gravitate towards. That’s why it’s pretty common (especially in Toronto, Ottawa and Halifax, it seems) to see the same faces playing either the same or various roles in a multitude of musical projects.

As of now I play in four bands (it was five till one disbanded recently – R.I.P. Sphinxs) and have found myself getting more and more accustomed to the thought of band practice being my “free time.” It’s actually preferred. Which is not to say it isn’t hard work to maintain.

So for anybody looking to start/join another band but who thinks they won’t have the time/dedication/motivation to do so, just know that there is a way to be moderately happy while also moderately stressed and constantly occupied. Here are my tips to avoid flipping your wig while playing in multiple bands.

KNOW YOUR BANDMATES AND WHAT THEY WANT

a. If you can’t stand someone in regular life I highly doubt you’ll be able to tolerate being in a cramped and stuffy jam space together, once or twice a week, and for hours on end. The majority of my bandmates are also close friends I would hang out with outside of band obligations, and those I don’t hang out with I still enjoy. They’re just actual adults with better things to do than hang with me. Choosing a bandmate simply because they’re really good at what they do isn’t enough. Unless you play arena rock and travel separately via private jet these people will have to become family, and the van your home. A cranky family in a cramped and stinky home. So choose them wisely.

b. It’s really hard to move forward if everyone’s idea of forward is a different direction. Make sure you’re surrounded by likeminded individuals who are all willing to get this thing to where it should go. When I first started playing music I attempted to micro-manage every band I was in. Although having a good sense of what you want and the backbone to push for it is never a bad idea, it won’t always fly with everyone else. Sometimes people will actually care so little about the band that any attempt at organizing or staying on top of things that they will push you to a mental breakdown. The key here is to–

KNOW YOUR ROLE

a. If you are a control freak and NEED to be in charge of everything at all times then your band(s) needs to be aware of that and willing to stand back as you do so. Avoid the clusterfuck of five people trying to take charge, but also be warned that there is a good chance you will burn yourself out if you try running multiple freakshows alone. Being a control freak myself I’ve found it easiest to take the reins for one band (to sate my hunger) and made sure to only get involved with other bands that already have a “Head Of The Household” I can trust. That’s not to say I don’t pitch in from time to time with what I think should/could be done, but it’s crucial for my brain’s well-being to know the ship will sail smoothly without me steering it.

b. Be picky. Know what you want your role to be in the band and choose accordingly. I’ve often seen members become miserable because they feel they “have no say” either in songwriting or booking or marketing or whatever. Know what position in the band you want to take on, and make sure the band is cool with you taking it. If not, move on. The one thing there is no shortage of is bands looking for members.

LOVE WHAT YOU DO

a. Being in a band can often be far from fun times all around. So if you are joining a band, you should make sure you’re doing it for the right reasons: you love to play, you dig their tunes, and you’re feeling it. If you join a band simply to flaunt the badge for your friends and Facebook to see, chances are good you’ll get called out on it quicker than you think. Like everything in life it’s about highs and lows, and people without the passion usually flake when the lows hit. Don’t be a flake. Don’t be a fake.

b. No one likes a Debbie Downer in the band. If you are miserable in regular life and try bringing that to the stage, it’s unlikely that the crowd will be into your brooding ways. And if they are, I doubt your bandmates will be able to tolerate it for very long.

KNOW YOUR SHIT

a. Being in one band usually means you need to memorize at least 30-45 minutes’ worth of material. For every band you join remember that number will double. If you don’t know the songs inside and out, both you and your bandmates will start getting real frustrated that you never hit the Gm in the chorus of that one song. If you aren’t capable or willing to put in the time to learn the songs and maintain said learning, maybe a new band isn’t what you need.

b. Knowing your shit also includes knowing what’s going on with your band(s). Be organized. When do you play next? When are you jamming? Where/when are you recording? Just because you aren’t the one booking the shows doesn’t mean you can be unaware of when they’re happening. Being in multiple bands gets real annoying (mostly for your bandmates) when you’ve constantly got two shows booked on the same night, or are always cancelling practice last minute because you “forgot” you had to jam with someone else. Keep a calendar and check it daily. Your phone is good for more than texting and Snapchat.

HAVE A (DIFFERENT) RELEASE

I get it. You play in a million bands because music is your life. It gets really easy to find yourself getting bored with things you love simply because you never give yourself the opportunity to miss them. So explore something else. Draw. Read. Write. Watch TV. Work your job. Whatever. I create visual art, write, run a record label and work full-time when I’m not playing with my bands. It may seem like a lot, but being constantly busy is all I know and I manage it by exploring these other avenues. If music is ALL YOU EVER DO it will most likely become routine. Routine, like in any relationship, kills the romance.

ADMIT YOU ARE AT LEAST A LITTLE BIT MENTAL

Most humans work their jobs and go home to complain about how they wish they could spend even less time doing so. Most musicians work their job and then spend much of the remainder of their day/night either jamming, working on songs, fixing their gear, loading in/out, playing shows or organizing their next step/show. This is mental. We are mental. If you play in multiple bands you are even more mental. But then again, there’s a reason we feel the drive to do what we do and it’s probably one of the reasons people pay money to hear or see us. Embrace the mental.

This has been my take on how to maintain a somewhat sane life while playing in multiple bands, and is solely based on my experience, which has been tons and tons of trial and error. I’ve made and quit friendships. I’ve loved and lost. I’ve had moments of clarity and months when I felt I was losing my mind. As in all other aspects of life, just know what you want and be honest while going for it. If it’s not right for you, drop it and move on. Stay happy. Stay tite.

Comment jouer dans plusieurs groupes

Pour certaines personnes, en tous cas celles que je fréquente, rester actif est le seul moyen de rester sain d’esprit et/ou en dehors des types de problèmes vers lesquels nous gravitons instinctivement. C’est pourquoi il est assez commun (particulièrement à Toronto, Ottawa et Halifax apparemment) de voir les mêmes visages jouer soit les mêmes rôles soit plusieurs rôles dans une multitude de projets musicaux. Ces temps-ci je joue dans quatre groupes (cinq jusqu’à ce que l’un fasse bande à part récemment – R.I.P. Sphinxs) et au fil du temps je me suis de plus en plus fait à l’idée que les répét étaient mon “temps libre”. En fait, c’est mieux comme ça. Ce qui ne veut pas dire que ce n’est pas du boulot à gérer.

Donc, avis à tous ceux et toutes celles qui chercheraient à commencer/rejoindre un autre groupe mais qui ne pensent pas avoir le temps/la dévotion/la motivation de le faire : sachez juste qu’il y a moyen d’être modérément heureux tout en étant modéremment stressé et constamment occupé. Voici mes conseils pour éviter de péter des câbles en jouant dans plusieurs groupes à la fois.

CONNAÎTRE SES PARTENAIRES ET SAVOIR CE QU’ILS VEULENT

a. Si vous ne pouvez pas supporter quelqu’un dans la vie en général, je doute sérieusement que vous soyez capable de le supporter dans un local de répétition confiné et mal aéré, une ou deux fois par semaine, pendant des heures et des heures. La majorité de mes partenaires de groupes sont aussi des amis proches avec lesquels je traînerais en dehors des obligations de la vie de groupe, et j’apprécie aussi ceux avec lesquels je ne traîne pas. Ce sont de vrais adultes avec de meilleures choses à faire que de traîner avec moi. Choisir un partenaire de jeu sur le seul critère qu’il/elle est très bon/bonne dans son domaine n’est pas suffisant. À moins que vous ne jouiez dans des stades et ne voyagiez séparément chacun dans votre jet privé, ces gens devront devenir une famille, et le van votre maison. Une famille d’excentriques dans une maison étroite et mal odorante. Alors choisissez-en les membres de manière avisée.

b. Il est très dur d’avancer si l’idée que chacun se fait de l’avant est en fait une direction différente. Faites en sorte d’être entouré d’individus ayant le même état d’esprit que vous, qui ont la volonté d’emmener ce truc là où il doit aller. Quand j’ai commencé à jouer de la musique, j’essayais de micro-gérer tous les groupes auxquels j’appartenais. Même si le fait d’avoir une bonne idée de ce que vous voulez et l’énergie pour porter le projet n’est jamais une mauvaise chose, cela ne conviendra pas toujours à tout le monde. Parfois les gens s’en ficheront tellement du groupe que toute tentative pour organiser ou rester en charge vous entraînera vers la dépression nerveuse. Le tout est ici de –

CONNAÎTRE SON RÔLE

a. Si vous êtes un maniaque qui veut tout contrôler et que vous avez BESOIN d’être en charge de tout, tout le temps, votre ou vos groupes doivent en être au courant et prêts à se mettre en retrait si nécessaire. Évitez le gros bordel de vous retrouver avec 5 personnes essayant d’être aux manettes en même temps, mais sachez aussi qu’il y a une bonne chance que vous vous fassiez péter des câbles si vous essayez d’être le patron tout seul de plusieurs cirques en même temps. Étant moi-même un maniaque du contrôle, j’ai trouvé plus facile de prendre les rênes d’un seul groupe (pour satisfaire ma faim) et de faire en sorte de ne m’impliquer que dans d’autres groupes ayant déjà “un chef de famille” en qui je peux avoir confiance. Cela ne veut pas dire que je ne donne pas un coup de main de temps en temps dans ce sur quoi je pense qu’il y pourrait avoir/qu’il y aurait quelque chose à faire, mais il est crucial pour le bien-être de mon cerveau que le bateau soit en mesure de naviguer sans que je sois à la barre.

b. Soyez exigeant. Sachez quel rôle vous voulez avoir dans le groupe et faites vos choix en conséquence. J’ai souvent vu des membres devenir misérables parce qu’ils n’avaient pas “leur mot” à dire que ce soit dans l’écriture, la réservation des concerts, la commercialisation ou autre. Déterminez quel rôle vous voulez jouer dans le groupe, et faites en sorte que le groupe accepte que vous assumiez ce rôle. Sinon, passez à autre chose. S’il y a bien une chose qui ne manque pas, ce sont des groupes cherchant des membres.

AIMER CE QU’ON FAIT

a. Être dans un groupe est souvent loin d’être toujours amusant. Donc si vous vous joignez à un groupe, soyez sûr de le faire pour les bonnes raisons : vous aimez jouer, vous adorez leurs morceaux, et vous le sentez bien. Si vous rejoignez un groupe seulement pour vous en enorgueillir auprès de vos amis et le montrer au tout-Facebook, il y a de bonnes chances pour que vous soyez remercié plus vite que vous ne le croyez. Comme tout dans la vie, c’est une succession de hauts et de bas et les gens sans passion fondent comme neige au soleil quand ils heurtent le fond. Ne soyez pas de la neige. Ne soyez pas un imposteur.

b. Personne n’aime les rabat-joie permanents. Si vous vous sentez misérable dans la vie et que vous essayez de mettre ça sur la scène, il est très peu probable que la foule voudra partager vos humeurs. Et si elle le fait, je ne sais pas si vos partenaires de groupe le tolèreront longtemps.

MAÎTRISEZ VOTRE SUJET

a. Être dans un groupe implique généralement de mémoriser une matière d’au moins 30 à 45 minutes. Pour chaque groupe que vous rejoindrez, cette matière sera multipliée par deux. Si vous ne connaissez pas les chansons sur le bout des doigts, vous et vos partenaires allez être très frustrés à chaque fois que vous ne ferez pas l’accord en sol mineur sur le refrain de ce foutu morceau. Si vous n’êtes pas capable ou si vous n’avez pas envie de prendre le temps d’apprendre les chansons et d’entretenir ledit apprentissage, peut-être qu’un nouveau groupe n’est pas ce dont vous avez besoin.

b. Maîtriser son sujet implique aussi de savoir ce qui se passe dans le(s) groupe(s). Soyez organisé. Où est-ce que vous jouez la prochaine fois? Quand est-ce que sont les répét’? Où/quand enregistrez-vous? Ce n’est pas parce que vous ne réservez pas les concerts que vous devez ignorer quand ils se passent. Être dans deux groupes en même temps devient vraiment embarrassant (surtout pour vos partenaires) quand vous êtes toujours programmé sur deux spectacles en même temps, ou que vous annulez toujours les répét’ au dernier moment parce que vous avez « oublié » que vous deviez jouer avec quelqu’un d’autre. Tenez un calendrier et regardez-le quotidiennement. Le téléphone, ça ne sert pas qu’à envoyer des sms et à utiliser Snapchat.

AVOIR UNE SORTIE (DIFFÉRENTE) À SA DISPOSITION

J’ai compris. Vous jouez dans un million de groupes parce que la musique, c’est votre vie. Il peut devenir extrêmement facile de s’ennuyer dans les choses que vous aimez juste parce que vous ne vous donnez jamais l’opportunité qu’elles vous manquent. Alors explorez autre chose. Dessinez. Lisez. Écrivez. Regardez la télé. Faites votre boulot. N’importe quoi. Je suis un artiste visuel, je gère un label de musique et je travaille à plein temps quand je ne joue pas dans mes groupes. Ça peut paraître beaucoup, mais être constamment occupé est la seule chose que je connaisse et je gère cela en explorant ces autres possibilités. Si la musique est la SEULE CHOSE QUE VOUS FAITES DANS LA VIE, il y a de grandes chances pour que cela devienne une routine. Et comme dans toute relation, la routine tue la romance.

ADMETTRE QU’ON EST UN PEU MALADE MENTAL

La plupart des êtres humains travaillent et rentrent à la maison en se plaignant de ne pas pouvoir y passer moins de temps. La plupart des musiciens travaillent et passent le reste du reste de leur temps diurne/nocturne à répéter, à travailler sur des chansons, à réparer du matériel, à le charger et le décharger, à jouer dans des concerts et à organiser leur prochaine étape/leur prochain concert. Il faut être cinglé. Nous sommes cinglés. Si vous jouez dans plusieurs groupes en même temps, vous êtes encore plus cinglé-e. Mais là encore, si nous le faisons, il y a une raison et c’est probablement une des raisons pour lesquelles le public vient nous voir et nous écouter. Alors acceptez les troubles mentaux.

Voici mon point de vue sur la façon de maintenir une vie à peu près saine en jouant dans plusieurs groupes en même temps. Cette vision est basée sur ma seule expérience, qui a été constituée de tonnes et de tonnes d’essais et d’erreurs. Je me suis fait des amis, j’ai perdu des amis aussi. J’ai aimé et j’ai perdu. J’ai eu des moments de lucidité et des mois où j’avais l’impression de perdre la tête. Comme dans tous les autres aspects de la vie, sachez juste ce que vous voulez et soyez honnête avec vous-même. Si cela ne vous va pas, laissez tomber et passez à autre chose. Restez heureux. Soyez rigoureux.

How To Host Your Own Not Enough Fest in Your City

Not Enough Fest - Poster

“Hey, we should do this.”

Maybe it was being ignored in music stores, or jamming with patronizing dudes, or even the ex-boyfriend who told me that girls’ voices are just not fit for punk rock. Even with over a decade of music lessons under my belt, I spent a long time feeling too inadequate to play power chords. It wasn’t until my early 20s that I finally met a group of people who respected this apprehension, and helped me break down some of the barriers I faced.

Recently, Winnipeg had its first Not Enough Fest (NEF). Over the last winter I had joined the Negative Space collective (a collectively run safe(r)-space venue), and stumbled across www.notenoughpdx.com while lost in the endless scroll of tumblr. In Portland, NEF was a queer/LGBTQIXYZ art, music, and performance festival. The festival was an incentive to inspire experimentation, collaboration, and to create all brand new work for the final festival date. A group called No More Fiction, based in New Orleans, did their own version with more of an emphasis on music. I got inspired to plan one in Winnipeg, and I want to share how this happened to people who are interested in doing something similar.

Here are a few things to consider if you are hoping to plan your own Not Enough Fest.

1. Actually do it.

There are a million reasons to not do something and, I won’t lie, there was stress that came with doing this project. But, if I hadn’t brought the idea up with Negative Space then NEF would not have happened in Winnipeg. That first step where you say, “Hey, we should do this,” is really important. Don’t wait for someone else to come along; you’ll end up disappointed.

2. Recruit people to help you.

That being said, don’t do it alone! I lucked out and had a team ready to jump to it, but maybe you don’t. Approach like-minded people, tell them what you’re doing, host meetings with wine and snacks.

3. Assess your resources.

Our NEF meetings involved a lot of list making. Who can we contact for press? Who can host a workshop? Who can donate equipment? The more people working on your team, the more contacts you have.

4. Write a statement.

A well-articulated statement gives a project purpose. Sure, a festival of brand new DIY bands would still be a really awesome night, but the statement we wrote for our festival really helped push forward our end goal. Having a pre-planned statement made coordinating our tone on Facebook, posters, and even in radio interviews so much easier. Also, having a meeting with organizers and hashing out everyone’s feelings on the project will help get everyone’s needs met and will let you work as a stronger team.

Skidge

  • Skidge

5. Be inclusive.

Negative Space had a policy that at each music show in our venue, there must be at least one female-identifying participant. But, we found that this policy only concentrated on women and decided to use NEF as a way to help break down barriers for queer, non-binary, and trans people as well. Putting the festival together helped Negative Space grow our organization’s scope and potential.

Go to shows, see who is not be represented, and help create a community that they will feel welcome and safe in. This takes more than a statement and good intentions, this takes action.

6. Be supportive.

Not all participants will share the same experience. Some will need the safe(r) space to have their first show in, some will need to be shown that they are capable, some will have never have touched a guitar before, some won’t be able to afford one, some might not have a place to practice it in.

7. Provide assistance.

Host a panel discussion with local musicians to create a dialogue about the issues we face and how to break them down. Host workshops to teach newcomers their instruments. Gear share and provide jam space.

8. Be approachable.

Emphasize that it is okay to ask for help, and ask people if they need help before they ask you. Keep in touch with participants and encourage them. Don’t neglect their attempts to contact you.

The NEF was appealing to me because it is a project that inspires action against the issue of sexism in music. Our end result included an awesome kick-off party, a panel discussion with local female musicians, gear share, online community, and a final festival show that involved nine whole new bands! Negative Space was able to adapt the festival to meet the needs of our community, and hopefully other cities will continue this trend.

Kara Passey is a community activist and front person for the Winnipeg-based pop-punk band Ghost Hole. They enjoy long walks, pizza, and the company of dogs.

Comment organiser ton propre Not Enough Fest

“Hé, on devrait le faire!”

C’est peut-être les fois où je me suis fait ignorer dans les magasins de musique, ou celles où j’ai joué de la musique avec des mecs condescendants, ou même quand mon ex me disait que les voix de filles n’étaient pas fait pour le punk. Peu importait que j’aie eu plus qu’une décennie de leçons de musique derrière moi, j’ai passé beaucoup de temps à me sentir trop inadéquat pour jouer des accords de puissance. Ce n’est que pendant ma jeune vingtaine que j’ai finalement rencontré un groupe qui respectait cette inquiètude: ils m’ont aidé à franchir certains obstacles auxquels j’avait dû faire face.

Winnipeg a récemment accueilli son premier Not Enough Fest. Au cours de l’hiver précédent j’ai rejoint le collectif Negative Space (une salle safe(r)-space et accueillante qui est opéré collectivement), et je suis tombé sur www.notenoughpdx.com durant un autre déroulage interminable sur le site Tumblr. NEF était un festival queer/LGBTQIXYZ d’art, de musique et de performance. Le festival encourgeait l’inspiration à l’expérimentation, à la collaboration et à créer un travail tout nouveau pour le dernier jour du festival. Un groupe s’appelant No More Fiction, basé à la Nouvelle-Orléans, on fait leur propre version avec une emphase plus forte sur la musique. J’ai été inspiré d’en organiser un à Winnipeg, et je voulais partager mon expérience pour les gens qui serait intéréssé de réaliser quelque chose de similaire.

Voici quelques choses à considérer si tu veux organiser ton propre Not Enough Fest.

1. N’y réfléchis pas trop, fais-le!

Il y a un million de raisons pour ne pas faire quelque chose et, sans mentir, un certain stress est apparu en travaillant sur ce project. Mais, si je n’avais pas parlé de l’idée avec les gens de Negative Space, le NEF n’aurais pas eu lieu à Winnipeg. Ce premier pas, quand tu dis “Hé, nous devrions faire cela” est très important. N’attends pas jusqu’à quelqu’un d’autre t’accompagne; tu sera déçu.

2. Rallie des gens pour t’aider.

Ceci dit, ne le fait pas tout seul! J’avais la chance d’avoir une équipe toute prête à se montrer à la hauteur de l’occasion, mais peut-être tu n’as pas cette chance. Approche des personnes aux vues similaires, parle-leur de ce que tu fais, accueille les rendez-vous avec du vin et des snacks.

3. Déterminez vos resources.

Pendant nos rencontres, nous créeions souvent des listes. Qui pouvons-nous contacter pour la presse? Qui pourrait accueillir un atelier? Qui pourrait faire don d’équipement? Le plus de gens tu as dans ton équipe, le plus de contacts vous avez.

4. Écrivez un déclaration.

Une déclaration bien énoncée donne à un projet de la résolution. Bien sur, un festival ne comprenant que des groupes DIY flambant neuf serait comme même une soirée géniale, mais la déclaration que nous avons écrit pour notre festival a vraiment aidé à avancer plus vite sur notre but final. Avoir une déclaration préalable nous a aidé à coordonner notre ton sur Facebook, les affiches et même les interviews à la radio. De plus, avoir un rencontre avec les organisateurs et organisatrices pendant lequel tout le monde peut négocier leurs sentiments aide à s’assurer que les besoins de toutes et tous sont satisfaits et vous permet de travailler dans une équipe unie.

Skidge

  • Skidge

5. Soyez inclusif.

Negative Space avait un principe qu’à chaque concert, il devait y avoir au moins une participante qui s’identifie comme une femme. Cependant, nous avons trouvé que ce principe se concentrait seulement sur les femmes,et nous avons décidé d’utiliser le NEF comme une opportunité d’enfoncer les barrières pour les gens homosexuelles, non-binaire et transsexuelle aussi. Créer un festival a aidé Negative Space à déveloper le cadre et les possibilités de notre organisation.

Allez aux concerts, observez ceux et celles qui n’y sont pas representés, et aidez à créer une communauté dans laquelle ils et elles se sentiront les bienvenus. Il faut plus qu’une déclaration et de bonnes intention; il faut de l’action.

6. Apportez du soutien.

Tous les participants n’auront pas les mêmes experiences. Quelques-uns auront besoin du safe(r) space pour pouvoir faire leur première spectacle; d’autres auront besoin de mots d’encouragement pour croire qu’ils en sont capables; d’autres n’auront jamais touché une guitare; certains n’auront pas les moyens d’en acheter une ; d’autres n’auront pas d’espace pour pratiquer.

7. Fournissez de l’aide.

Tenez une discussion avec les musicien(nes) locaux pour créer un dialogue sur les questions auxquelles on doit faire face, et comment s’y adresser. Accueillez des ateliers pour enseigner aux nouveaux arrivants comment jouer de leurs instruments. Partage l’équipement et fournit un espace de répétition.

8. Soyez approchable.

Soulignez que c’est normal de demander de l’aide et demande si les gens ont besoin d’aide avant qu’ils ne vous le demandent. Restez en contact avec les participants et encouragez-les. Ne negligez pas leurs tentatives pour vous contacter.

Le NEF m’attirait parce que c’est un projet qui inspire l’action contre le problème du sexisme dans la musique. Notre resultat final a compté un coup-d’envoi génial, une discussion avec des musiciennes locales, du partage d’équipement, une communauté en ligne, et un festival qui a inclu neuf nouveaux groupes! Negative Space a été capable d’adapter le festival pour satisfaire les besoins de notre communauté et il faut espérer que d’autres villes vont poursuivre cette tendance.

Kara Passey is a community activist and front person for the Winnipeg-based pop-punk band Ghost Hole. They enjoy long walks, pizza, and the company of dogs.

How To Put On a Show

How To Put on a Show

If you often find yourself saying, “Hey, I love this music, and I am in/know a tonne of bands. I’d like to see some of the bands that I only see in basements get out and play for more people because it will be a really nice night filled with friends and musicking and dance-partying and everything else,” then it may be time for you to get in the canoe and go for it.

Think of this as one of those diagrams about how to do a J-stroke that are posted at the place where you pick up the canoe. Like those, these five points will help you cooperate like a champion. This is important, because you will be working with a lot of different people, and coordinating a lot of different variables, and you’ll be required to delegate and communicate clearly and efficiently. If these processes are refined to a near-telepathic precision, they can grant your show booking process the graceful elegance of a smooth journey over calm waters.

All right. Let us begin our serene voyage.

1. Put some logicking into how you build the bill.

It’s important to have a sense of aesthetic continuity as you contemplate who you want to invite. This doesn’t necessarily mean booking only bands of one genre. It means composing according to a line of sensibility that only you, in your invaluable singularity, can make up. Frankensteining together a bill solely based on people you know are available can result in bad feelings, because people who came to see one act might not be excited enough to stick around for the the other bands’ sets. When you’re in a band that’s worked really hard and rehearsed and maybe isn’t as well known as other bands but is super excited to play to new people it can be really disappointing and unmotivating to watch everyone walk out ten minutes before you start playing. You, as booker, can prevent this with your awesome curatorial skills. Build a bill with a bunch of bands you know will sound really good together so that people that would already come out to see one band are going to be into the others.

2. Choose the right venue, and get everything concretely sorted out and on paper.

You should look to book about two months in advance. That’ll give you lots of time to focus on the coordination and promotion you will need to do to make this show really good without it totally taking over all aspects of your life. It also should mean that you will be able to get a decent night. Keep that in mind when you’re booking: Not so many people will come to a show on Monday the 10th of December, and you want to ensure a great audience for your hard-working performers.

So, if you’ve got a few places in mind, find out who you talk to at these particular venues and what dates they are willing to give you. If one of these sounds promising, and you get a good feel, it’s time to move into the Preliminary Scheming Phase, where you settle how the bands are getting paid and what the sound system is like (or, especially for community center-type venues, if you need to provide a sound system), whether you bring your own sound person or not, legal matters, set times, and how things are going to be managed the night of the show.

First you establish the nature of your relationship with the house. Every place has a different approach to setting up their shows:

  • Some have in-house bookers that are helpful and will tell you straight up what you need to do to make this happen. This is the best case scenario.
  • Some have in-house bookers that are not very helpful and might not be fun to work with. In these cases, your best course of action is to accept that you’re not going to get a lot of help and just start doing until they stop you. They don’t know what sort of sound equipment they have? Check it out when you’re there. They don’t have a house policy about bar percentages or promotion or security? Tell them how you plan to do things instead of waiting for them to get back to you (they might not if you don’t). You can’t find power cords? Ask first, and if you don’t get help, start looking around. Eventually you’ll either get the things you need or cross a boundary to the point where they have to help you.
  • Some places will not have an in-house booker and therefore will expect you to figure it out yourself. See above.
  • Some places, like awesome community centers, might not have put on events of this nature before. This means you will have to be very thorough in the planning stages (not the least because you may have discovered a new all-ages capable venue which can help build a ridiculously exuberant scene in your town, and you might want to keep that going). Be sure to discuss every detail, especially those of a legally relevant nature: Will you need to hire security? Is it going to be all ages? Will the event be licensed (if so, what sort of license can you obtain)? In this scenario, it’s always a good idea to seek advice. We’re here for you.

Once you’re booked in, there are a few logistical considerations to be settled:

  • Where is the door person stationed?
  • Where is the merch stationed?
  • Who is doing door? Do they have a person in-house? Do you provide a door person?
  • Who is doing sound? Is there someone in-house? Do you provide a sound person? Do you have to do sound?

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If you have to do sound, there are a bunch of things that need to be sorted out:

  • What kind of PA do they have, if any? (It there isn’t a PA, you may want to rethink your choice of venue. Renting a PA for a night costs around $100, low end. If you don’t think you can cover this, peace out).
  • What is the power/outlet/standard gear situation? Is it adequate to power all of the gear of the bands that are performing? For example, a super heavy drone band with three guitar amps and one bass amp will need access to at least two electrical outlets on stage, exclusive of the PA protocol, for best case scenario. Several MCs with one turntablist will require less electrical engineering, but will need extra vocal mics. A band with numerous instrumentalists might require more and different mics than are in house. Point being, specificity is a virtue when you’re coordinating tech requirements.
  • Does the venue have adequate power bars and extension cords to allow the people playing to put their amps/mics on the stage where they want them to be? This is really important. The people on stage need to be able to stand in relation to their bandmates the way they want to to feel good performing.
  • What time is load in? (Ideally, before snack time).

Try your damndest to get the bands playing to share their backline.

  • Backline is the big, heavy equipment: kick drum, floor toms, hardware for drum kits, bass amp, and possibly guitar amps.
  • This will make life so much easier for everyone involved, including the sound person. Miking a drum kit takes a lot of time, and it’s extremely ideal for the sound person to only have to do that once. Minimizing the amount of gear that needs to be set up/torn down also makes life a lot easier for the bands playing.
  • It also helps keep the time between sets down, which encourages the crowd to stick around to hear other bands. This is a point that can be brought up to the bands playing as an incentive for them to share if they are otherwise reluctant.
  • Plus, sharing gear is a way for bands to get to know one another and build up good associations, which helps build a strong and resilient community.

But, that being said, gear sharing does introduce the possibility of one band’s gear getting broken by another band. This is awkward and creates bad feelings. To avoid this:

  • Make sure the drummers know that they need to bring their own breakables: cymbals, the kick pedal, and the snare. Most drummers assume this, anyways. Drummers are essentially totally magical that way. But it’s good to check.
  • Leading up to the show, introduce everyone who’s sharing gear through email and make sure that everyone knows who’s sharing what. This will make sure that no one feels like they’re put on the spot the night of, and that everyone who will be sharing gear has an understanding about the idiosyncrasies of what they’ll be working with. This is especially important for amps. When people know exactly how those amps work and are aware of any eccentricities related to those amps, it’ll make it very much less likely that they will get blown. Building on this base, getting the bands to discuss this in person is a good idea since it allows for visual demonstration the night of, and, then, hey, having the email trail there helps make sure that everyone has each other’s contact information. Just in case.

Get these things written down in an email. Send it to everyone involved in advance of the show and bring a physical print to the event. It ought to detail:

  • The event date
  • The load-in time
  • The backline and gear sharing plans
  • The sound set-up
  • The guestlist protocol, and a confirmation of who’s on/how many folks each band can list
  • The food and drink provisions for performers
  • The location, or lack thereof, of private space for people performing

And answer:

  • How will the door income be shared? Sometimes, for instance, people work out who incurs the most in travel costs and divides things accordingly. Sometimes the sound person needs to be paid. Sometimes there is a guarantee afoot (which is when the venue demands a certain income from the night, after which the bands are paid). Sometimes you may need to recuperate printing costs for postering.
  • Is there an expectation that merch-table manning will be a collective effort? If so, how will funds be tracked?

Once everything’s settled, send that email around to everyone so that people know what kind of gear they’re going to be plugging into and how the cover charge is going to be split up. If you need to pay a rental fee or guarantee, or recoup other expenses, explicitly state how much that is so that the people are playing understand why they might not get a full share of whatever comes in at the door. Also make sure that if anything changes up to the day of the show that you keep everyone concerned in the loop. Bring a copy of the most up-to-date info email with you so that you don’t end up in unpleasant conversations about how someone did or didn’t hear about something that you thought was settled.

If you’re setting this up, it’s your job to make the bands that you’re bringing in get done right by.

Communicating beforehand and during the night of the show, and getting things written down, helps prevent misunderstandings. If you’re dealing with a bar-type venue, it’s also the most guaranteed way of making sure that things don’t go sideways at the end of the night when it’s time to get paid.

3. Promotion

Posters

It is extremely important to make cool posters. This can cost money, although it doesn’t have to. If you know anyone who has access to a photocopier, hit them up. If not, try to keep costs down (say, $40 maximum) and, if you need to, reclaim that. If you get creative then you can come up with some really nice, unique visuals for not very much money. For instance, once, as part of putting on a show that my band played at, I spent two afternoons putting together these rad posters that had lino-cut prints layered over a spray-paint stencil. I put them up, real high, on lampposts all over Queen Street and Kensington. They looked completely different from other posters and they were up for a long time. That was the best turn-out for a show we ever had. In other words, putting the work in to make your visual promotion distinctive will really get results. Plus it is fun and an art-form in its own right and it is incredibly validating to see the thing that you designed all over your neighborhood.

Handbills

Making handbills is also excellent and should not be overlooked. Make sure you give handbills to all of the bands to help them self-promote, and also, a four-by master copy so that they can photocopy more if they need to. Give handbills to all of your friends who go out to shows and might bring yours up. Keep some to carry around yourself so that you can give them to people who are interested. However, I have found through personal social awkwardness times that it’s not very effective to just give handbills to people without there being some context for you doing so. If you are talking to people about music, it might come up that you are putting on a show. If they seem interested, offer them a handbill. Sometimes you can even offer them a few, because they might want to let their friends know.

Word of Mouth

This is also an area where building a solid bill is super important. Complementary bands = complementary friends. If someone hears about a show from more than one source, they will probably show up.

The Telephone Machine

Two weeks before the show, call your friends. Tell them about it. Phone calls work really well. Go sparingly with mass texts– they won’t bring anyone who wasn’t already going to come. If you really want to use one, save it for the day before the show as a reminder and include the names of the bands, the venue address, the time, and the cover (this makes it easy for people to forward the text to friends of theirs that they may have invited).

The Internet

Don’t rely very much on Facebook. Facebook event invitations are about as compelling as a reminder call from your phone company that your bill is overdue. Making an event will put your show on peoples’ radar, and you’ll even get several assurances of an intent to show up, but these aren’t the sort of commitments you would build a house on. By all means, create a Facebook event, but only to reinforce the other promotion work that you’ve done.

The Media

If there is a radio station or podcast that seems correspondent with the bands that you are promoting a show for, get in touch with them. Sometimes they’ll do a bit where they play songs from the bands that are going to be there, and then do a plug for the show afterwards. This is a great way to reach out to people who are new to town and are into the music you’re promoting but don’t know anyone yet. They will come to this show because they want to meet people to get down with. And you are helping them, which is an awesome thing for those of us who get rambly and move around a lot.

If there is a publication or review site that matches up well with what you’re up to, see if you can’t invite someone to come down and write about the show, or, even better, do an interview or album review beforehand about how worthwhile it would be to go.

4. The Night Of

Avoid Indulgence

Resist the temptation to partake in substance-type revelry until after the show. You will need your wits about you to deal with things like equipment breakdown, keeping everything on schedule, being clear about the distribution of the funds that come in, and that sort of thing.

Introductions

Make sure that you introduce yourself to and acknowledge the importance of and are explicitly respectful to the staff at the venue, especially the people you will be interacting with throughout the night (bartenders, sound-persons, door people). They are the people you are relying on the most during the event. For all intents and purposes, they are in charge of things in that space and can help you make everything be the most smooth, smooth as a yacht-canoe. Plus, besides the fact this is just the way things should be done, being nice will earn you an excellent reputation and that will make it easier to put on more shows in the future.

Be Kind to the Door-Person

Make sure the door person knows that they are in control and that you are available to answer any questions they might have. Make sure they have a clear and descriptive guest list. They will have to deal with people who claim they can get in because they work at the venue, as well as people who are just trying to scam their way in. They need to know precisely who goes in for free so that they don’t have stressful conversations with people at the door who should be getting in for free but haven’t been identified.

If it’s fallen to you to recruit a door person, remember that this person is giving up their night because they are into this music and into supporting their community. If at all possible, pay them a reasonable amount of money for helping out ($10/hour is standard) and remember to send them a thank-you note the next day. This is a recognition of the value of their time and of the fact that it can be a bit trying and occasionally very difficult to get folks to pay cover/show ID when they are drunk and hyper and Saturday-nighting.

Be sure that any reviewers or press people are specifically identified so you know if they showed up or not when you follow up on the event.

Mind the Gear (and the Sound)

Chances are there will be some weirdness around gear. There almost always is. Don’t sweat it. It’s showtime. But, night-of, it’s an extremely good idea to monitor communication between everyone that’s playing to make sure that everyone’s on the same page. This may work out to be quite a bit of affective labour, so it’s good to be prepared for it by having a good pal there to high five you if someone lets the pressure get to them too much and says something unpleasant to you.

Make it a point to work well with the sound person. They have probably been working pretty hard for years to get good at doing this, and they don’t make a whole heck of a lot of money in the process. A little sincere respect for these factors will go a long way. Anyways, it is customary to introduce yourself to him or her during soundcheck and to offer a beer and to say thank you to them after the show.

5. Following Through

Check In With The Makers

Did they have a nice time? Did they have everything they needed? This is not just to smooth over any blips during the night of the show, but also so that you can learn about things that you might not have predicted to be problems so that you can prevent these in the future. Even if something did go wrong, getting in touch in the next day or so helps build trust between you and the people you’ve worked with.

Check In With the Post-Press

If there were people who came down to review the show, shoot them an email two days afterwards to thank them for showing up, whether or not they did. It’s good etiquette, and it’s also a gentle reminder/impetus to write something about the night.

Check In With the Venue

Thank them for helping put the event together, unless they were a total jerk. This does happen sometimes, I’m afraid, but it’s still useful to follow up with them in such circumstances, because whatever they have to say will be useful in terms of helping you understand how any problems that showed up happened, even if you have to put on your thickest lizard skin when talking to them because they’re not very tactful.

Thank Yourself

You did this because you are awesome and you are helping keep our DIY world vibrant and exciting. Sometimes people will shit on you about things that were totally beyond your control. Sometimes people will forget to thank you. Sometimes you will feel like you worked your ass off and no one even acknowledged that. If that happens, email me at extralogical@gmail.com and I will send you a thank you message to remind you that what we have wouldn’t be possible without you being totally awesome and dedicated and that you rule.

 

Eileen Wennekers schemes, makes, writes, and Marxist-analyzes the crap out of everything all the time in Toronto, Ontario. When not placing her dissertation carefully in a corner in order to watch it warily, she amuses herself by writing strange pataphysical fables and helping to edit Weird Canada’s Ex Libris section. She’s put on shows in big halls and garages and bars and basements from time to time since 2001, which is when she first started playing them herself. A lot of what she knows about how to do this has also come from talking with friends who do sound, book, play, and run venues.

This How-To was greatly enriched by the contributions of other Weird Canadians, without which it would have been much, much less sensible.

S’il vous arrive de vous dire que vous aimez tel ou tel genre de musique et que votre souhait le plus cher serait de voir les artistes émerger des sous-sols, car ils seraient la trame sonore parfaite pour une excellente soirée entre amis, rien ne vous empêche de sauter, à pieds joints, dans cette aventure et de voguer, juché sur un canot virtuel, entre les vagues de l’incertitude.

Ce document joue le même rôle que les diagrammes, vous montrant comment ramer, qui se trouvent à l’endroit où vous avez loué le canot. Les cinq règles qui suivent vous aideront à coopérer comme un champion. Vous allez devoir travailler avec une pléthore de gens, en plus de gérer différentes variables, et votre communication se doit d’être claire et efficace. Si tous ces ingrédients sont réunis dans une approche d’une précision quasi-chirurgicale, votre processus sera alors une promenade gracieuse et élégante en eaux calmes.

Voilà. Nous allons maintenant débuter notre voyage.

1. Assemblez votre soirée de manière logique

La continuité esthétique doit guider vos choix lorsque vient le temps de dresser la liste des artistes que vous voulez inviter. Cela ne veut toutefois pas dire qu’il faut impérativement inviter des groupes jouant le même genre de musique. Au contraire, c’est à ce moment que votre sensibilité particulière est votre meilleur allié. Assembler un spectacle à la Frankenstein en fonction de la disponibilité des groupes pourrait ne pas avoir le résultat escompté : les spectateurs venus voir un groupe en particulier ne voudront peut-être pas rester pour assister aux autres prestations. Après des heures et des heures de travail et de pratique, tous les artistes rêvent de jouer devant de nouveaux spectateurs et le choc de voir le public se disperser dix minutes avant une prestation peut être dévastateur. En tant que promoteur, vous devez user de vos talents d’assemblage pour pallier à ce genre de situation. Une solution serait de créer un événement autour de groupes aux sonorités compatibles. De cette façon, tout le monde sera content.

2. Choisissez l’endroit idéal et définissez tout, concrètement, sur papier.

En premier lieu, il faut établir la nature de votre relation avec la salle. Chaque salle a un processus différent quant à la préparation d’un spectacle.

  • Dans le meilleur des cas, certaines salles possèdent des promoteurs attitrés qui pourront vous guider et vous dicter tout ce dont vous allez avoir besoin pour votre soirée.
  • Dans d’autres salles, les promoteurs seront moins enclins à vous aider, ce qui est moins agréable. Dans ces cas-là, il vaut mieux accepter de ne pas recevoir d’aide et enclencher votre projet, jusqu’au moment où ils vous demandent d’arrêter. S’ils vous disent ne pas savoir, voyez par vous-même quel genre de système de son ils disposent. Faites-leur part de votre plan quant à la sécurité, aux pourcentages liés à la vente d’alcool ou encore à la promotion. N’attendez pas qu’ils vous répondent à ce propos. Si vous ne trouvez pas de câbles électriques, demandez-en. Si vous frappez un mur et qu’ils ne vous répondent pas, fouillez. Soit vous trouverez tout ce dont vous allez avoir besoin, ou vous dépasserez le point à partir duquel ils seront dans l’obligation de vous aider.
  • Certaines salles ne disposent pas de promoteur attitré et, du même coup, vous serez obligés de tout faire vous-même. Voir plus haut.
  • Certaines salles peuvent ne jamais avoir été utilisées pour un spectacle. C’est pourquoi vous devez faire preuve de précision lors de votre planification. Ce n’est pas une mince affaire, même si vous avez découvert un centre nouvel-âge ayant la capacité de soutenir votre spectacle et que ce centre pourrait devenir le lieu par excellence vous aidant à développer la scène alternative dans votre ville. N’oubliez aucun détail. La sécurité sera-t-elle nécessaire? Y aura-t-il une limite d’âge? Cet événement nécéssite-t-il un permis? Si c’est le cas, quel permis faudra-t-il obtenir? Dans cette situation, demandez de l’aide. Nous sommes là pour vous.

Une fois que la salle est réservée, quelquess considérations logiques doivent être prises en compte.

  • À quel endroit la table d’accueil sera-t-elle située?
  • À quel endroit la marchandise se trouvera-t-elle?
  • Qui sera responsable de l’accueil? Y a-t-il un employé de l’endroit responsable? Devrez-vous fournir votre propre responsable?
  • Qui sera le technicien sonore? Y a-t-il un employé de l’endroit qui s’en charge? Devrez-vous fournir un technicien ou vous en occuper vous-même?

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Si vous vous occupez de la sonorisation, il faudra tenir compte de ces facteurs.

  • Quel est le type de console dont l’endroit dispose? C’est un facteur important lorsque vient le temps de choisir un endroit. La location d’équipement coûte au bas mot 300 $ pour une nuit. Si vous ne pouvez pas assumer ces coûts, retirez-vous.
  • Quelle est la configuration électrique de l’endroit? Serait-il adéquat de brancher tous les instruments des groupes participants? Un groupe heavy utilisant 3 amplificateurs de guitares et un amplificateur pour la basse aura besoin d’au moins deux prises électrique indépendantes de celle où se trouvera votre console. Si vous prévoyez inviter plusieurs rappeurs et une seule personne aux tables tournantes, vous aurez besoin de moins de prises électriques, mais de plus de microphones. Un groupe dans lequel une panoplie d’instruments sont joués nécessitera sans doute plus de microphones de nature différente. En somme, il faut être précis lorsque vient le temps de planifier les besoins techniques.
  • Est-ce que l’endroit dispose d’un nombre adéquat de barres d’alimentation et de rallonges permettant aux groupes d’y brancher leur matériel où ils le veulent? Cette question est très importante. Les musiciens doivent être en mesure de se placer confortablement sur la scène.
  • À quelle heure doit débuter l’installation? Préférablement avant le dîner.

Essayez autant que possible de faire en sorte que tous les groupes jouant lors de votre soirée partagent le même équipement de base.

  • L’équipement de base comprend la grosse caisse, les toms et la structure de la batterie, en plus de l’amplificateur de la basse et possiblement ceux des guitares.
  • Ceci facilitera la vie à tout le monde, y compris les techniciens du son. Brancher des microphones autour d’une batterie prend du temps et le technicien ne devrait le faire qu’une seule fois au cours de la soirée. Le fait de minimiser le nombre d’appareils à monter ou démonter facilite aussi la vie aux groupes participants.
  • Ceci aura également pour effet de minimiser le temps entre les prestations, ce qui encourage l’auditoire à rester dans la salle. Cet argument vous aidera à convaincre les groupes qui se montreront réticents à partager l’équipement.
  • Et puis, le fait de partager les équipements crée un sentiment communautaire entre les groupes.

Ceci dit, le fait de partager l’équipement peut aussi entraîner des dommages. Cela crée de mauvaises situations. Voici quelques trucs pour éviter que cela se produise.

  • Les batteurs participants doivent chacun amener les parties les plus fragiles (cymbales, pédales, caisses claires) de la batterie. La plupart des batteurs comprennent cette logique, mais même si les batteurs sont des êtres magiques, il ne coûte rien de vérifier.
  • Dans les jours précédant le spectacle, jouez les entremetteurs entre tous ceux partageant les équipements, afin de vous assurer de savoir qui fournit quelle pièce d’équipement. Cela évitera que quelqu’un n’arrive les mains vides, et ainsi chaque participant sera en mesure de connaître les moindres particularités des appareils avec lesquels ils vont travailler. Ce dernier point est primordial pour tous ceux qui vont travailler avec les amplificateurs. Lorsque les groupes maîtrisent le fonctionnement des amplificateurs et qu’ils sont conscients des caprices de ces appareils, ils ont beaucoup moins de chance de péter. Le fait de permettre une discussion entre les groupes leur permettra à leur tour d’en discuter en personne le soir du spectacle. En plus, après le spectacle, le contact entre les groupes sera maintenu, juste au cas où.

Toutes ces choses doivent se retrouver dans un courriel que vous enverrez à tous ceux qui sont concernés par le spectacle et dont vous devrez vous assurer d’en avoir une copie sur place, le jour même. Ce courriel doit inclure :

  • la date de l’événement
  • l’heure de montage
  • le plan de partage des équipements
  • l’installation sonore
  • le protocole pour la liste d’invités et une confirmation du nombre d’invités par groupe
  • les provisions (nourriture et boissons) pour les artistes
  • le cas échéant, l’endroit réservé aux artistes dans la salle

Ce courriel doit aussi fournir des réponses aux questions suivantes :

  • Comment les revenus de la vente d’entrées seront-ils partagés? Parfois, cela est calculé par rapport aux frais de voyage. Parfois, les techniciens du son doivent être payés. Parfois, l’endroit qui vous prête la salle vous demande une garantie qu’il vous faudra payer avant de diviser le reste entre les musiciens. Parfois, vous devrez aussi récupérer les frais liés à l’impression des affiches.
  • La gestion de la marchandise demande-t-elle un effort collectif? Si tel est le cas, quel sera le suivi des fonds?

Une fois que tout cela sera défini, envoyez ce courriel. De cette façon, tout le monde sera au courant de tout ce qui concerne l’équipement et les recettes. Si vous devez payer des frais ou des garanties de location, ou qu’il vous faut regagner d’autres dépenses, faites-le savoir explicitement. Cela aura pour effet de faire comprendre aux participants qu’il se peut qu’ils ne repartent pas avec la totalité des gains. Aussi, il faut que tous les participants soient au courant du moindre changement que vous apportez. Ayez en main une copie du courriel le plus récent de manière à ne pas vous retrouver dans une conversation déplaisante si quelqu’un dit ne pas être au courant de quoi que ce soit.

Quand vous montez un spectacle, c’est votre devoir de vous assurer que les groupes que vous engagez sont bien traités.

La communication au préalable et durant la soirée, et le fait d’avoir une trace écrite de toutes les décisions, aident à prévenir les situations fâcheuses. Si votre soirée se déroule dans une salle de type bar, vous éviterez des revirements de situation lorsque viendra le temps de payer tout le monde.

3. La promotion

Affiches

Il est très important de faire de super belles affiches. Le travail de graphisme peut être payant, mais il n’est pas nécessaire que ce soit le cas. Si vous connaissez quelqu’un ayant un accès à une photocopieuse, rien ne vous empêche de leur parler. Sinon, essayez de réduire les coûts (par exemple, 40 $ maximum) et réclamez votre argent à la fin du spectacle au besoin.

Avec un peu de créativité, on peut créer de superbes affiches avec peu de budget. Une fois, j’ai passé deux après-midis à construire ces affiches qui déchirent, avec une linogravure étalée sur un stencil en aérosol, pour un spectacle de mon groupe. J’ai placé ces affiches assez haut, sur les lampadaires autour de Queen Street et de Kensington. Elles étaient complètement différentes des autres et elles y sont restées longtemps. Ce fut notre spectacle le plus populaire à vie. Bref, faire l’effort d’une promotion visuelle différente vous permettra d’obtenir des résultats. En plus, c’est à la fois un plaisir et une forme d’art en soi. Et qui n’a jamais rêvé de voir sa propre création autour de son voisinage?

Dépliants

Les dépliants sont une autre excellente idée qu’il ne faudrait pas passer sous silence. Essayez de donner des dépliants aux groupes afin qu’ils fassent leur propre promotion. Faites-leur parvenir une copie maîtresse pour qu’ils puissent faire autant de copies qu’ils le désirent. Donnez également une poignée de dépliants à vos amis qui assistent à des spectacles afin qu’ils soient les porte-parole du vôtre. Gardez-en aussi que vous pourrez distribuer vous-même aux intéressés.

Par contre, il n’est pas très utile de donner des dépliants à n’importe qui sans contexte. Si vous parlez de musique à des gens, l’occasion est parfaite pour leur annoncer que vous montez vous-même un spectacle. S’ils sont intéressés, offrez-leur un dépliant. Vous pouvez également leur en offrir plus d’un afin qu’ils puissent eux-mêmes les distribuer à leurs amis.

Le bouche à oreille

C’est une raison de plus d’avoir une liste d’artistes complète. Des groupes complémentaires cachent des amis complémentaires. Si quelqu’un entend parler d’un spectacle par l’entremise de plusieurs sources, il sera alors plus enclin à assister à ce spectacle.

Le téléphone

Appelez tous vos amis, deux semaines avant le spectacle. Parlez-leur de l’événement. Les appels font toujours le travail. Les messages texte ne vont généralement pas interpeller des gens qui ne comptaient pas déjà se rendre au spectacle. Vous pouvez toutefois les envoyer la veille du spectacle, comme rappel. Inscrivez-y le nom des groupes, l’adresse de la salle de spectacle, l’heure et le prix d’entrée. De cette façon, ils peuvent transférer le message à leurs amis.

Internet

Ne vous fiez pas sur Facebook. Les invitations aux événements qui s’y trouvent ont autant d’impact que cet appel de votre compagnie de téléphonie qui vous signale que votre facture est en souffrance. Votre spectacle sera mis sur le radar de plusieurs personnes et vous allez obtenir plusieurs déclarations de présence, mais ces déclarations sont peu fiables et il ne serait pas conseillé de bâtir une maison sur de telles fondations. Créez un événement Facebook mais utilisez cet outil comme support pour tout le travail de promotion que vous aurez fait.

Les médias

S’il y a une station de radio ou un podcast qui vous semble correspondre aux groupes pour qui vous organisez ce spectacle, contactez-les. Parfois, ils feront jouer quelques chansons des groupes invités, avant d’annoncer le spectacle lui-même. C’est là une excellente façon d’inclure les nouveaux arrivants dans votre ville qui aiment ce genre de musique. En entendant cela, ils viendront au spectacle, car ils voudront faire connaissance avec d’autres gens ayant les mêmes goûts musicaux. De cette façon, vous offrez une aide grandement appréciée aux mélomanes D’un autre côté, s’il y a une publication ou un site faisant de la critique musicale, qui concorde bien avec votre projet, voyez s’il est possible d’inviter quelqu’un, afin qu’il y ait un reportage sur le spectacle.

4. Le soir venu

Évitez de consommer

Résistez à l’appel de toute substance avant la fin du spectacle. Vous aurez besoin de tous vos sens, afin de régler différents dossiers, tels que les bris d’équipements, la gestion du temps, la collecte d’argent pour payer les groupes, etc.

Présentez-vous

Assurez-vous que les employés de la salle vous connaissent et reconnaissent le respect que vous leur accordez, particulièrement ceux avec qui vous devrez interagir toute la nuit (serveurs de bar, techniciens au son, responsables de la porte). C’est d’eux que vous dépendrez lors de l’événement : ils sont responsables de son déroulement et avec leur aide, la soirée ira comme sur des roulettes. Votre gentillesse vous permettra en plus d’avoir une bonne réputation et de monter plus de spectacles à l’avenir.

Soyez gentil avec le responsable de la porte.

Assurez-vous que cette personne sache qu’elle est en contrôle et que vous êtes disponible pour répondre à ses questions. Assurez-vous également qu’elle ait accès à une liste d’invités claire et descriptive. Le responsable devra s’occuper des gens qui disent pouvoir entrer sans payer parce qu’ils travaillent dans la salle, en plus de ceux qui essaient d’entrer sous de faux prétextes. Il devra savoir précisément qui est autorisé à entrer gratuitement, de manière à éviter les conversations désagréables avec des personnes non identifiées.

Si vous devez fournir votre propre sécurité, rappelez-vous que cette personne sacrifie sa soirée pour votre concert et sa communauté. Si possible, donnez-leur un montant raisonnable pour leur aide (normalement environ 10 $/heure) et envoyez-leur un remerciement écrit le lendemain. C’est une marque de reconnaissance et une façon de dire que vous tenez leur temps en haute estime. Et puis, ce n’est pas facile de travailler lorsqu’on a une foule soûle, énervée et faisant la fête devant soi.

De plus, il faut vous assurer que toute personne de la presse soit clairement identifiée. Comme ça, vous allez savoir quelle personne est passée à votre spectacle et votre suivi sera ainsi facilité.

Attention à l’équipement (et au son)

Il est fort possible qu’il y ait des malentendus au sujet de l’équipement : en fait, ça arrive presque toujours. C’est pas si grave. Mais le soir venu, il est important de s’assurer de la bonne communication entre les groupes. C’est un travail affectif qui peut être éprouvant, alors assurez-vous d’avoir un ami à proximité pour vous remonter le moral si quelqu’un se laisse emporter par le stress au point d’émettre des commentaires désagréables à votre sujet.

Soyez gentil avec les techniciens de son. Ils ont sans doute travaillé fort (et ce, pendant des années) pour arriver à être bons dans leur métier. Ils ne deviennent par ailleurs pas millionnaires avec ce travail. Un peu de respect sincère pour cela pourrait vous mener loin. De toute façon, c’est la coutume que de se présenter aux techniciens pendant les tests de son et de leur offrir une bière, en guise de remerciement, après le spectacle.

5. Le secret est dans le suivi.

Faire le suivi avec les musiciens

Ont-ils eu du plaisir? Ont-ils eu tout ce qu’ils désiraient? Vous faites cela non seulement pour apaiser les mauvais moments qui auraient pu se dérouler durant la soirée, mais aussi pour apprendre au sujet de choses que vous n’auriez sans doute pas pu considérer comme étant des problèmes, afin de les régler à l’avenir. S’il y a eu de mauvaises surprises, il est bon de contacter les musiciens le lendemain pour rétablir la confiance entre vous.

Faites le suivi avec la presse

Si des gens sont venus pour faire la critique de votre spectacle, écrivez-leur un courriel, dans les deux jours, pour les remercier de leur présence. Faites ce geste même s’ils ne se sont pas présentés. C’est la base de l’étiquette et ça peut les encourager doucement à faire la couverture de la soirée.

Faites le suivi avec la salle

Remerciez-les de vous avoir aidé à mettre cet événement sur pied, sauf s’ils ont été des salauds de la pire espèce. Même s’ils n’étaient pas tout à fait des enfants de chœur, renseignez-vous tout de même. Toutes les choses qu’ils vous diront seront utiles afin de comprendre comment les problèmes se sont présentés, et ce même si vous devez revêtir votre épaisse peau de lézard pour affronter leur manque de tact.

Remerciez vous vous-même

Vous avez fait ça pour deux raisons : parce que vous êtes extra et parce que vous avez aidé à maintenir notre monde DIY vivant et excitant. Parfois, les gens vont vous critiquer pour des choses qui étaient pourtant hors de votre contrôle. Parfois, ils vont oublier de vous remercier. Parfois, vous allez sentir que vous vous êtes cassé le derrière pour un projet et que personne n’osera le reconnaître. Si ça arrive, envoyez-moi un courriel à l’adresse suivante: extralogical@gmail.com et je vais vous envoyer un message de remerciements, vous disant que ce que nous possédons n’aurait pas pu être possible sans vous et que vous êtes le meilleur.

 

Vivant à Toronto, Eileen Wennekers crée, fabrique, écrit et analyse tout avec une profondeur marxiste. Lorsqu’elle ne met pas sa dissertation dans un coin de la pièce pour la regarder avec méfiance, elle s’amuse à écrire des fables étranges et pataphysiques, en plus d’agir comme éditrice de la section Ex Libris de Weird Canada. Elle a produit des spectacles dans divers endroits, allant de grandes salles aux garages, en passant par des bars et des sous-sols, depuis 2001, parfois également en tant qu’artiste. La majeure partie de ses connaissances du milieu vient de discussions avec des amis y jouant des rôles divers (son, production, gestion et création).

Cet ouvrage est le fruit d’une étroite collaboration avec d’autres êtres virevoltant dans l’univers de Weird Canada, sans qui ce document serait beaucoup moins clair.

How To Start A Music Blog When You’re 15

How To Start A Music Blog When You're 15

You are young. You live in a depressed post-boom retirement town. You have discovered CBC Radio, and find your late nights filled with soft static and international programming. Along with this discovery blooms a whole new world of music – Canadian music – that you’ve never heard before. You want to talk about it. You want everyone to know about it. You want to be a part of it. In an interweb world of infinite opinions, visions and sounds, you decide you have a voice. You start a blog:

1. Research

Research different blogging platforms before you choose one. Try to get an idea of what you want to get out of it, look at what blogs you read/use, and decide that Weebly is not a good blogging platform. In fact, it is not a blogging platform at all. Maybe I’m biased, but WordPress is the best place to start, as it’s both very customizable while remaining user-friendly, working wonderfully for textbased blogs.

For image and video based blogs, Tumblr does the trick. It is quick and easy, but runs the risk of being social network-y, which can appear juvenile and mediocre. Blogger (Blogspot) is outdated in appearance, and customization options are few, but some blogs make it work.

2. Get a good name

Get a good name for your blog, and stick with it. You’re not Apple, but branding is important no matter how big or small the project. Try to stay away from these: Sarah’s Super Duper Music Blog, i lyke muzik, Shovel, etc. Memorable names are distinct, brief, and appropriate. (Do not in any circumstance name your Canadian music blog Candmu… been there, done that. It was a dark time.)

3. Avoid gushing

When you start writing (especially when it comes to album reviews), avoid gushing. It’s easy to get carried away with complimentary words. Great reviews will capture the sound of a record with just their words, like this one, leaving you with the impression that you’ve already listened to the album. Looking at the review a few hours later can be helpful in seeing if you’re over-praising.

4. Proofread!

This rule applies to anyone who writes anything ever. Seriously. It doesn’t take all that long and will save you a few face-palms that usually arrive sometime after you prematurely press the publish button.

5. Make friends

Do not be afraid to reach out. Lucky you, you can hide behind a computer screen and use your big vocabulary to make people believe you can’t still eat off the kid’s menu. Reach out – send emails to your favourite record labels and blogs, tell them you’re interested in what they’re doing. Having connections is key to running a music blog.

6. Decide how to present yourself

This means you have to decide whether you’re going to let people know how old you are. It’s never good to lie about it, but people may not take you as seriously if they know your age. Some good adjectives to use instead of your age are: inexperienced, new, humble, spring chicken, wet behind the ears, etc.

7. Don’t tell anyone

Don’t tell anyone about your blog. Your parents will tell their friends and you’ll never be allowed to cuss while ranting and raving about how disappointing the Polaris Prize Shortlist is. Your friends will probably be relatively unimpressed and will not even know what the Polaris Prize is.

8. Tell EVERYONE

Tell EVERYONE about your blog. Having more readers and people who want to know about what you’re doing will feel great. Get the word out on social media, Twitter being especially handy. It allows you not only to connect with people in the industry, but also to share things when your time is limited.

9. Have patience

Yes, we are aware that you can’t attend 19+ shows. When you get media invites to cool gigs in cities far away from your small Northern Ontario town, hang your acne-ridden head in sadness and wait it out.

10. Write. Write a lot.

Consistency is imperative. Getting discouraged is almost a guarantee, because gratification is not always instant. Nothing remedies it like getting a thank you email from that band whose debut record you decided to review or getting a promo download to that album you were going to buy.

11. Find your niche.

This advice may be overused, but establishing a unique voice is very important and creates a deeper connection with your readers. It is what makes people come back – it’s what brought you here.

12. Do not make your hits more important than your content.

Do not, in any circumstance, make your hits more important than your content. Integrity, child! If you find yourself turning into modern day Rolling Stone, you may want to re-evaluate and remember why you’re doing this in the first place.

Mistakes will be made. Tears may or may not be shed in hours that may or may not be late. But the rewards are well worth it and with these tips and some old fashioned elbow-grease, you are on your way to becoming a valuable part of a welcoming community that shares your values.

 

Shawna Naklicki is a young grasshopper who learned (almost) everything she knows about blogging through mistakes. She’s been writing with zeal at Sound Vat since age 15. Her proudest moment was finally getting business cards.

Vous êtes jeune. Vous vivez dans une ville de retraités déprimante à la gloire passée. Vous avez découvert CBC radio et vos nuits se ponctuent de programmes statiques doux et internationaux. En même temps que cette découverte éclot un tout nouveau monde de musique – de musique canadienne – dont vous n’aviez jamais entendu parlé auparavant. Vous voulez en parler. Vous voulez que tout le monde soit au courant. Vous voulez en faire partie. Dans un monde interconnecté infini d’opinions, de visions et de sons, vous décidez que vous avez votre mot à dire.

Vous commencez un blog :

1. Renseignez vous sur

Renseignez vous sur les différentes plateformes de blogue avant d’en choisir une. Essayez d’avoir une idée de ce que vous voulez en faire, regardez ce que les blogues que vous lisez utilisent et décidez que Weebly n’est pas une bonne plateforme de blogue. En fait ce n’est même pas une plateforme de blogue. Peut-être que je suis biaisé, mais WordPress est le meilleur endroit pour commencer, c’est à la fois très personnalisable tout en restant facile à manier et fonctionne très bien pour les blogues à base de texte.

Pour les blogues d’images et de vidéos, Tumblr fait l’affaire. C’est rapide et facile, mais ça prend le risque d’être réseau socialisant, ce qui peut apparaître juvénile et médiocre. Blogger (Blogspot) est dépassé niveau apparence, et les options de personalisations sont peu nombreuses, mais certains blogues s’en sortent bien.

2. Trouvez un bon nom pour votre blogue

Trouvez un bon nom pour votre blogue, et tenez-y vous. Vous n’êtes pas Apple, mais l’effet de marque est important quelque soit la taille du projet. Essayez de vous tenir à l’écart de ceux-ci : Le Blogue de Musique Super Génial de Sarah, i lyke muzik, Shovel, etc. Les noms mémorables sont distincts, bref et appropriés. (N’appelez en aucun cas votre blogue sur la musique canadienne Candmu …. je suis passé par là. C’était une sombre époque.)

3. Quand vous commencez à écrire évitez les gros épanchements.

Quand vous commencez à écrire, (surtout quand vous en venez aux critiques d’albums), évitez les gros épanchements. Il est facile de se laisser emporter en compliments. Les meilleurs critiques capturent le son d’un enregistrement avec leurs simples mots, comme celle-ci, et vous laisse avec l’impression d’avoir déjà écouté cet album. Relire la critique quelques heures plus tard peut aider à voir si vous en faîtes trop.

4. Relisez-vous!

Relisez-vous! Cette règle s’applique à toute personne qui écrit quoique ce soit, mais sérieusement. Ça ne prend pas tant de temps et ça vous évitera quelques mains au front qui se produisent habituellement après avoir poussé le bouton de publication prématurément.

5. Faîtes-vous des amis

Faîtes-vous des amis. N’ayez pas peur d’entrer en contact. Vous avez de la chance, vous pouvez vous cacher derrière l’écran de votre ordinateur et utiliser votre grand vocabulaire pour faire croire aux gens que vous ne pouvez pas encore manger plus qu’un menu enfant. Entrez en contact – envoyez des mails à vos étiquettes et blogues préférés, dîtes leur que ce qu’ils font vous intéresse. Avoir des connections est la clé dans la tenue d’un blogue.

6. Décidez comment vous vous présentez

Décidez comment vous vous présentez. Cela veut dire que vous devez décider si vous allez laisser les gens savoir quel âge vous avez. Ce n’est jamais bon de mentir sur son âge, mais certains ne vous prendront jamais sérieusement si ils le connaissent. Quelques bons adjectifs que vous pouvez utiliser pour éviter de donner votre âge : inexpérimenté, nouveau, poussin, jeunot-e, etc.

7. N’en parlez à personne

N’en parlez à personne. Vos parents en parleront à leurs amis et vous ne pourrez plus dire de gros mots lorsque vous pesterez et râlerez sur la décevante liste de nominés du Polaris Prize. Vos amis seront probablement relativement peu impressionnés et ne sauront peut-être même pas ce qu’est le Polaris Prize.

8. Dîtes le à TOUT LE MONDE

Dîtes le à TOUT LE MONDE. Avoir plus de lecteurs et de gens qui veulent en savoir plus sur ce que vous faîtes fera plaisir. Répandez la nouvelle sur les média sociaux, Twitter est très pratique pour cela. Cela vous permet de connecter avec des gens de l’industrie, mais aussi de partager des choses quand votre temps est compté.

9. Ayez de la patience

Ayez de la patience. Oui, soyez conscient que vous ne pouvez pas aller aux concerts + de 19 ans. Quand vous recevez une invitation pour des gigs sympas dans des villes loin de votre petite ville de l’Ontario du Nord, contenez en tristesse votre tête couverte d’acné et attendez que ça passe.

10. Ecrivez. Ecrivez beaucoup

Ecrivez. Ecrivez beaucoup. Être constant-e est impératif. Être découragé-e est quasiment une garantie, car la gratification n’est pas toujours immédiate. Rien n’y remède aussi bien que de recevoir un mail de remerciement de ce groupe dont vous aviez décidé de chroniquer le premier album ou de recevoir un téléchargement promotionnel pour cet album que vous alliez acheter.

11. Trouver votre niche

Trouver votre niche. Ce conseil est peut-être trop rabaché, mais établir une voix unique est très important et crée une connexion plus forte avec vos lecteurs. C’est ce qui fait que les gens vont vouloir revenir – c’est ce qui vous y a amené.

12. Ne rendez, sous aucunes circonstances, votre nombre de vues plus important que votre contenu

Ne rendez, sous aucunes circonstances, votre nombre de vues plus important que votre contenu. De l’intégrité mon enfant ! Si vous vous retrouvez à devenir un Rolling Stone des temps modernes, vous allez peut-être vouloir ré-évaluer ce que vous faîtes et vous souvenir du pourquoi vous le faisiez au début.

Des erreurs seront commises. Des larmes seront ou ne seront pas versées à des heures qui seront ou ne seront pas tardives. Mais les récompenses le valent bien et avec ces indications et de la bonne vieille huile de coude, vous êtes sur le chemin pour devenir une partie intégrante de la communauté accueillante qui partage vos valeurs.

 

Shawna Naklicki est une jeune scarabée qui a appris (à peu près) tout ce qu’elle sait sur la tenue de blogue à travers des erreurs. Elle écrit avec zèle sur Sound Vat depuis ses 15 ans. Son plus grand moment de gloire a été de finalement recevoir des cartes de visites.

How To Have a Maybe Successful Tour for a Band that Hasn’t Received Hype on Pitchfork, Etc.

How To Have a Maybe Successful Tour for a Band that Hasn’t Received Hype on Pitchfork, Etc. (Raymond Biesinger)(thumb) Raymond Biesinger: How To Have a Maybe Successful Tour for a Band that Hasn’t Received Hype on Pitchfork, Etc.

The following is a slightly cleaned-up version of “How to Book a Maybe Successful Tour for a Band that Hasn’t Received Hype on Pitchfork, Etc.,” by the Famines. The first edition was published back in 2010, the second in 2011. Both were published as Xerox B&W accordion-folded pamphlets with a separate fold for the reader’s own notes.

Raymond Biesinger’s band The Famines are currently touring the East Coast! Check ’em out if you can!

 

This is a guide to booking a tour for a band like yours or mine. It’s formally called “How to Book a Maybe Successful Tour for a Band That Didn’t Get Hype on Pitchfork, Etc.,” because that’s where we’re all at, and the magic hand of a booking agent, hype machine, respected label or competent manager isn’t going to be descending from the skies and helping us any time soon. It’d be foolish to sit around waiting for them to show up, as all our bands will probably be broken up and hate each other by the time they arrive, if they ever do.

1. THE FIRST THINGS

Of course, you need a band, a van, a website, some merch, and a set of cities you could presumably reach in that van during a specific time slot. You also need to send out promo and collect the results. That’s what this section is about. A whole lot of bands don’t bother to send out promo records any more, and expect that campus radio or blogs and magazines will just find them. That isn’t true. Maybe some of those mediums are largely powerless at creating audiences these days (ie. campus radio, arts weeklies, small blogs), but they do an important thing: a touring band needs to argue to promoters and bookers that someone outside of the band gives a shit about the band. If that argument is made well, a promoter or booker will give the band a date.

I asked a good friend about how established booking agents convince promoters to pay for relatively unknown bands, and it turns out they do it by subtly leveraging other, more established, acts. Their argument is, indirectly “book these little guys, or you won’t be able to book these big guys.” Sad we can’t do that, no?

How does a band like ours make that argument? First up, by having a decent website with which a promoter can hear the band’s music with and generally understand them through. Then, just as importantly, by collecting what I call “gold stars.” That is: every positive mention of the band online and in print (reviews, previews, bios, etc.). Then find other 3rd party evidence that someone outside of the band cares about the band. That includes chartings on campus radio, a list of successful bands the band has played with, etc. Then sort through the best of it and make a standard booking e-mail. I won’t reproduce it here, but the Famines’ is basically:

  • the subject of the e-mail is something like “the Famines in Saint John, 9 Nov. 2010?”
  • a quick, flexible introduction with easy description of the band (“Edmonton noise garage duo,” etc.)
  • a single date or array of dates from which the promoter can choose one
  • directly asking if the promoter would be interested in putting on a show for you
  • a reference to the band’s website and what can be found there
  • “Noteworthy,” being a section of quick, easy to read unique band facts and accomplishments.
  • a sign-off, with your name and contact info
  • we close the e-mail with quotes from newspapers, etc., who have been enthused about the band.

It takes some finessing to make it read easily and not look like junk, but keep things simple. Think about getting a writer friend to help you with it. The goal is to keep it quick, friendly, and informative as can be while not being corny and stupid. Another goal should be that everything you write about the band in your outgoing booking e-mail is factual. Never say “you should book us because we’re awesome and the best.” Let others toot your band’s horn for you; let the words and actions of others describe the merits of what you’re doing. The more “cred” the source of your “gold stars” has, the more powerful your argument will be, but even relatively unknown and small-time sources (misc. prairie alt weeklies, local campus radio, Weirdcanada.com reviews, etc.) have descriptive and convincing power.

2. PLANNING A SOFT ROUTE

The next step is to plan your first tour route, capitalizing on “good” dates (Thursday, Friday, Saturday) and minimizing the others. The Famines’ first year involved doing two adjacent long weekend runs, like Calgary-Vancouver-Victoria one weekend, Saskatoon-Regina-Winnipeg the next, with an Edmonton show the following Friday. Turnout will be much better on good nights than on off nights, and given you live in Kingston, doing a north run (three dates between Peterborough and Quebec City) one weekend, and a southern (three dates between Windsor and Toronto) the next might be a good way to start. This routing presents a wide variety of cities from which to find good shows in, all on good nights. Research more!

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A key, though, is to be flexible and know that at this point driving a few extra hours out of the way for a show is good policy. Once you’ve toured a few times in a region and get a better feel for who you can actually depend on on what night, you can start making more efficient straight-line tours with less driving time. At that point you can even think of expanding the tours and taking on a Sunday or Wednesday or other shitty nights. Maybe sometime they’ll just become a big nine-night trip. In the meantime, though, you’re better off casting your net wide for the first two or three tours, trying to fill only good nights with whoever shows enthusiasm and actually responds to e-mails. You’re always better off having more offers than nights, rather than the other way around.

3. WHO TO SEND TO, HOW MANY TO SEND, WHEN

Who should you cast your net to? Everyone. Do research on the internet, with friends’ bands and in fanzines. Keep track of everything, too–that way you won’t have to do it all again on your next tour. And know early on that the people who you think will put on your shows are rarely the people who will end up putting on your shows. We’ve all played with 1000 bands from other cities while in our own city, and almost every one of them says the classic band dude phrase “we’ll set you up in Guelph, no problem!” That sounds great, true, but whatever drunk band dudes’ best intentions are, such hookups rarely materialize. He probably didn’t even believe it when he said it. As your band’s primary tour-booker (there should only be one, honestly) you need to cast your net wide, do your research in advance, and send as many possible venues, promoters, and accomplices as you can, all at once and repeatedly. Send far more cities and venues than you actually have time to play, as a large majority of them will reject you. Learn, too, to accept rejection gracefully. What is a “no” this tour might be “yes” on the next, but it definitely won’t be if you turn the rejection into a gross e-mail shouting match.

Timing’s important: the Famines have “preferred” promoters and accomplices a range of dates in each city exactly four months in advance of the date, hoping to lock up favourite folks early. We can’t afford to wait too much, though. Even for us, half of them won’t bite immediately, some never will. Two weeks later, we’ll open things up and send absolutely everyone we know of in whatever cities are still unconfirmed, trying to fill everything that wasn’t quickly filled by the preferred people. Every week and a half after that, we’ll resend everyone in every city where a date isn’t pegged down yet.

4. FIRST COME, FIRST SERVE

That “first come, first serve” approach might seem harsh, but it wastes too much time working in single file (ie. waiting for rejection from one promoter before moving on to the next). Chances are most rejections you’ll get will be silent ones (ie. no response) or ambiguous ones (“talk to me again in a month”) and time is a luxury. The first promoter who wants you, go with. If you’re satisfied with it, quit sending out to other promoters in the same city. If you’re not satisfied, think again: you’re going to have to take a lot of chances early on, and it can be very difficult to tell in advance if a show’s going to be successful. The Famines are constantly surprised by sure things gone wrong and wrong things gone good.

And yes, sending repeated e-mails is tedious. To help with that, use any real excuse available for sending new booking e-mails. Something like, “Hiya Steve, just dropping a line to say our availabilities have changed thanks to landing Toronto and Peterborough. We’re now just available on the 10th. Would that work for you?” That works in a few ways: it’s a valid excuse to send again because information has changed, and it also demonstrates that promoters in other cities actually take you seriously.

5. A WORD ON VENUES

There are many varieties of venues. Though the “gold star” approach I’ve shown above is effective for more formal venues, sending such a thing to more DIY/art fag/punk rock/house party place is pretty much the worst thing you can do–the equivalent of complaining about taxes at a Marxist-Leninist meeting while wearing a top hat and monocle. Informal venues are becoming more and more the norm for bands like ours, and if bands try to be super-formal with them, bands are going to look bad. Research who you’re sending to, and edit your booking letter to make sure it’s appropriate for its target and isn’t making you look like some piece of shit Mississauga try-hard band. The first thing we cut is the “Noteworthy” section–most punk houses don’t care that we charted here and there and once played with Bon Jovi. They just want to hear our record online to prove we’re not horrible, and maybe we’ll let them know that some of their pals pointed us their way. Hitting the right tone is important.

6. MONEY

Money’s an awkward thing. It needs to be dealt with, early, or it can get even more awkward. The aforementioned “informal” venues will bristle at the thought of a guarantee and think of you differently (read: badly) if you ask for one, and a surprisingly large number of them can simply be trusted to treat your band as well as they can, given the circumstances. I’ve made it a habit to say exactly that to them, early, so nobody’s afraid of us asking for a guarantee a week before the show or other unwelcome late surprises. Every venue should be asked if the show is a flat fee (the club has an entertainment budget that does not vary depending on attendance), a bar deal (band gets a percentage of bar sales–do the math in your head), a door deal (bands get to share the amount of money that comes off the door, sometimes less a fee for the door man or something) or a pay what you can scenario (more on that later). The type of set-up can usually be distinguished just by asking “so, how will the money work for this show,” and any good promoter will be comfortable explaining their system.

Some venues we do ask for a guarantee, and usually those venues are more formal and that guarantee is reasonably calculated based on previous shows’ income. Asking for one the first time is most likely a bad idea, unless you’ve had successes in that city with previous acts. It’s totally fair to ask a promoter of any place that doesn’t provide a guarantee if they can provide a place to sleep for the band, and usually informal venues are thrilled to do that. Ask about set length, drink tickets and food, too, if it seems appropriate. Just deal with things early. And like anything, talking about money comfortably takes practice. Keep on it, and by the time your band is in a position to negotiate (ie. has a draw) you’ll probably be comfortable enough to be the one doing the negotiating, and well.

7. A NOTE ON PAY WHAT YOU CAN

This form of shows is on the rise. We’ve had great, well-run, ones, where a culture has been established in which the touring band is well-supported, and only those who strongly oppose the touring band don’t donate. We’ve had horrible, badly-run ones in which no hat is passed and nobody notices the band they’re dancing to is only getting an empty gas tank and broken guitar strings out of the deal. Touring bands must encourage PWYC promoters to take to the stage before and after their sets, reminding crowds of their obligations and how to fulfill them.

8. OTHER THINGS TO DO AND WHAT NOT TO DO

So, the tour’s booked. If it hasn’t been made clear, ask each promoter whether it’s in their hands or yours to make a lineup for the show. Hopefully it’s in theirs, because they should know their scene better than you do and it’ll save you lots of time. Make a tour poster, preferably a cheap black and white 11×17" .pdf file (and a low resolution .jpg file version for the internet) that you can send to every venue and promoter cheaply, a little over one month ahead of the tour. Make it appropriate for your band, with your band name big. If your band is headlining, they can use it. If you’re not headlining, they can make their own. It sends a hint that you’re serious about the show being promoted and promoters love not having to pay a designer. If you’re super keen, ask promoters whom, locally, you should send a record/promo package to for review. Also: send an email out to venues a week before the tour, generally checking in and expressing excitement, asking to confirm everything. Important, too, is using the internet to warn all friends, acquaintances, etc. of your impending trip to the city. Every head you can bring in that the local bands (and promoter) doesn’t recognize is a very shiny feather in your cap.

Some things not to do: promoters generally despise when you ask if other bands can be on the bill at the last minute. Give the other band contact info for the booker and leave yourself out of it, as you probably actually have zero sway on whether the band get on the bill or not. You’re actually not in that much of an influential position. Also, do not tour in a “package” with other unknown bands–promoters hate that, and your goal should be to play with as many local bands as possible until you have an actual draw of your own. Playing the same city more than once within one month is pretty much a no-no, too. And as far as playing order and lineups go, try not to get too involved; the promoter or organizer will be more aware of local conditions than you, and should generally be trusted.

9. A NOTE ON YOUR VAN

A simple reminder: be good to it and it will be OK. Oil change every 5000 kilometers. Be mindful of parking rules and it won’t get towed, and peg yourself to 9 km/h over the speed limit and you’ll never get a speeding ticket. We know it sounds boring, but we know of a band that had its van impounded on the second day of a Trans-Canada tour for driving 40 km/h over the speed limit, and they actually had to rent a vehicle for the rest of the tour. That’s an expensive price for a meaningless act. Stay awake by driving in short shifts, and don’t ever be like the way too many bands we hear about that die in van crashes. Oh, and buy the Club, watch where you park, and do your best to conceal that your van is a band van. That’s right: no stickers, no hanging out around it unless you’re getting ready to drive it away. Criminals aren’t everywhere, but some bands make it way too easy for the ones that actually do exist.

10. PLAYING THE SHOWS

Now it’s time to play some shows. You’ve played shows in your home town a lot, but note that things are different when you’re touring. You might not know the sound man and bar staff or promoter, and it’s your job to be good to them even if they’re a little stand-off ish. They see a trillion bands a year, all of those bands are probably dicks. Be good to the staff and they’ll do their best to be good to you. Tip them, even if it’s on free stuff. You’d be surprised by how much better a night can go if the staff’s on your side.

Another important thing to remember is that though you’ve got a million friends at home, making pals on the road is very high on the list of things that’ll make your nights good and your draw increase. You can all be shy and difficult megalomaniacs once you’re firmly lodged in the green room at the Budokan, but for your first hundred tours your band will live and die on whether people actually enjoy being around your band off-stage. If you have a super-chatty bandmate, don’t be sad when they’re a little slow packing their gear up. Every fifteen minutes that guy or gal spends gabbing with strangers will probably bring another five people to your next show. Try it yourself, too, and you might actually find it enjoyable.

11. A SHORT ECONOMICS LESSON ON BEING A TOURING BAND

Enjoyable, yes, but touring shouldn’t be taken lightly. Certain regions like Western Canada (with its tremendous distances and high costs) destroy friendships and eat new bands alive, and some attractive gems like the USA bring a whole other set of problems. And simply put: the economics of touring are not in our favour. If you track the history of live music in Canada back to the 1950s you’ll probably notice the last few decades haven’t been kind to musicians.

A strong argument can be made that live, local, regional or “indie” music has slid from a very likely night-time entertainment option for a lot of Canadians (as it was in the 1960s) into being a niche-interest activity that appeals to few people. Yes, the internet can let us experience a range of music that is truly impressive, but most of us use it to stay in contact with what Celine Dion is up to or to develop interests in bands from far and wide that maybe don’t exist any more and probably won’t ever tour here. The internet has also made records incredibly difficult to sell; everybody says they’ll buy records that they’ve already downloaded for free, but few people follow through. As well, cheap recording technology allows absolutely anyone to make a record. This has resulted in some wonderful art, a lot of bad art, and millions of competitors ready to crawl through garbage to play in front of a declining number of interested ears.

If we want to look at the results through the lens of “class”: the upper class of music (as represented by major label acts) is still gigantic, though maybe not as powerful as it used to be. The lower class of niche-interest bands is larger than its ever been, produces a tremendous amount of music, seldom tours, and often breaks up because the rewards of being such a band are few in number. The middle class was formerly occupied by regional touring acts that could actually make a living doing music, but they’re largely extinct. They’ve steadily shrunk over the last four decades, are very often making their ends meet via government grants instead of selling records or concert tickets, and have found themselves in a horrible position thanks to the expenses of being middle class (ie. a booking agent, publicist, designers, management, professional grant writers, etc.). Such is the price of being known more widely.

Yes, this is gloomy talk. Maybe too gloomy and a bit off-topic, but it helps us understand the reality of being a lower class band that wants to tour. A lower class band has to self-publicize, self-manage, self-book, self-design, and probably does not meet any grant criteria. And touring costs money. Lots of it. Right now it costs (in gasoline alone) $11 per hundred kilometers to pilot a mini-van down the highway. Show-goers, too, are just willing to pay enough of a margin on merch to justify its production, little more. Some promoters are gross and not to be trusted, true, but the majority are in exactly the same spot that bands like ours are in: largely volunteer-based, wary, wondering if things are going to improve.

And they might. But in the meantime, a touring band needs to be smart about money while not letting the inevitable financial shit show ruin the experience of touring. None of us will get rich, or even earn a living wage from this. The band breaking even is the best case scenario. Next to nobody gets to that point. Focus on the intangible payoffs, keep things posi, and things just might be OK for a while.

A CONCLUSION.

So, congrats. You’re going to tour, and maybe this pamphlet will help make that happen. We hope so. We also hope that you find some way to appreciate the experience of touring. Some people don’t enjoy it while in the act and only find true appreciation after it’s done. Others are born naturals. Others hate it during and after. Any way, though, it’s worth celebrating. Remember: don’t waste the audience’s time, keep things fun, and spoil the band every once in a while to keep morale high. And try not to break up too soon–things get better with age.

THE END

(Traduit par Vincent Rondeau)

Ce qui suit est une version légèrement améliorée de « Comment espérer organiser une tournée réussie si votre groupe n’a pas été encensé par Pitchfork, et ainsi de suite » par les Famines. La première édition date de 2010, la seconde de 2011. Toutes deux ont été publiés en pamphlets Xerox noir et blanc pliés en accordéon avec un pli supplémentaire pour les notes personnelles du lecteur.

Le groupe de Raymond Biesinger, The Famines est présentement en tournée!

 

Ce guide vise à aider un groupe comme le vôtre ou le mien à organiser une tournée. Son titre complet est « Comment espérer organiser une tournée réussie si votre groupe n’a pas été encensé par Pitchfork, et ainsi de suite », parce que nous sommes tous dans la même situation et qu’aucun gérant d’artistes, agent de réservation compétent, machine médiatique ou label respectable ne va descendre des cieux du jour au lendemain pour nous aider. Le jour où ça arrivera, nos groupes seront déjà tous morts et enterrés, alors ce serait idiot de se tourner les pouces en attendant.

1 TOUT D’ABORD

Évidemment, il faut un groupe, une fourgonnette, un site web, de la marchandise et une liste de villes qu’il vous sera théoriquement possible de visiter dans une période de temps donnée à bord de la dite fourgonnette. Vous devrez également distribuer du matériel de promotion et en observer les résultats. Beaucoup de groupes ne se préoccupent plus d’envoyer des copies promotionnelles de leurs albums aux radios universitaires, blogues et magazines, mais c’est la seule manière d’avoir leur attention. Ces médiums (radios universitaires, blogues locaux, hebdomadaires culturels) sont peut-être désuets dans la mesure où ils ne créent pas de nouveaux publics de nos jours, mais ils jouent toutefois un rôle primordial : un groupe qui veut partir en tournée se doit de montrer aux promoteurs et agents qu’il existe une forme de reconnaissance du groupe à l’extérieur du groupe. Si l’argument est bien conçu, le groupe obtiendra un concert.

J’ai demandé à un ami comment les agents de réservation professionnels s’y prenaient pour convaincre un promoteur d’investir dans le spectacle d’un groupe relativement inconnu : ils utilisent subtilement d’autres groupes, mieux connus, comme levier. Indirectement, leur argument se présente sous la forme « Sans ce groupe (inconnu), vous n’arriverez pas à engager ce groupe (connu) ». C’est dommage qu’on ne puisse pas faire ça aussi, non?

Comment donc un groupe comme le nôtre réussit-il à convaincre les promoteurs? D’abord, le site web du groupe doit être présentable et mettre en ligne des extraits musicaux, de manière à ce que le promoteur puisse se faire une bonne idée du groupe. Ensuite, il faut rassembler toutes les mentions positives du groupe en ligne et sur papier (critiques, biographies, articles, etc…) et d’autres preuves de la reconnaissance du groupe à l’extérieur du groupe : palmarès de radios universitaires, liste des groupes à succès avec qui vous avez déjà joué, etc… Reste à assembler un courriel standard. Je ne reproduirai pas l’intégrale de celui des Famines, mais en voici les grandes lignes :

  • le sujet du courriel ressemble à quelque chose comme « The Famines à Saint John, 9 nov. 2010? »
  • une introduction rapide et flexible avec une description sommaire du groupe (« duo noise-garage d’Edmonton », etc.)
  • une seule date ou une série de dates possibles au choix
  • demander directement si le promoteur voudrait organiser un concert
  • une référence au site Web du groupe, ce qu’on peut y trouver
  • une série rapide et facile à parcourir de faits et de réalisations notables
  • signature (votre nom, comment vous contacter)
  • pour terminer, des citations enthousiastes de journalistes, etc.

Il faudra peaufiner votre courriel pour qu’il se lise facilement et qu’il ait l’air respectable, mais l’essentiel est dans la simplicité. Si vous avez des amis rédacteurs, pensez à leur demander de l’aide. Le but est qu’il soit aussi concis, amical et informatif que possible sans tomber dans les clichés ou la bêtise. Il faut également songer à ce que la totalité de son contenu soit factuel. N’utilisez jamais de phrases du genre « vous devriez nous engager parce que nous sommes les meilleurs ». Laissez les autres vous encenser : laissez leurs mots et leurs actions décrire votre mérite. Votre argument gagnera en crédibilité en fonction de la crédibilité de vos sources, mais même des publications de moindre envergure (hebdomadaires alternatifs des Prairies, radios universitaires locales, Weirdcanada.com, etc…) donnent du corps et de l’appui à votre propos.

2. PLANIFICATION DE L’ITINÉRAIRE

La prochaine étape est de planifier l’itinéraire de votre première tournée, en vous concentrant sur les jours « forts » (jeudi, vendredi, samedi). Lors de la première tournée des Famines, les arrêts étaient regroupés par fins de semaine, d’abord Calgary, Vancouver et Victoria, ensuite Saskatoon, Regina et Winnipeg, puis Edmonton le vendredi suivant. L’assistance sera toujours plus nombreuse un jour « fort ». Si vous habitez Kingston, une bonne manière de commencer serait avec un itinéraire nord (trois concerts entre Peterborough et Québec) à parcourir en une fin de semaine, suivi d’un itinéraire sud (entre Windsor et Toronto) la fin de semaine suivante. Cette option vous offre une grande variété de villes où jouer de bons concerts.

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Cependant, il faut rester flexible : c’est généralement une bonne idée de se déplacer quelques heures pour un concert de plus. Quand vous aurez parcouru une certaine région plus d’une fois, vous commencerez à savoir de qui vous pourrez dépendre, de manière à pouvoir effectuer des itinéraires plus directs en conduisant moins. Vous pourrez jouer un dimanche ou un mercredi. Peut-être aurez-vous même des séries de huit ou neuf concerts de suite. Pour l’instant, il vaut mieux vous concentrer sur les jours forts et les promoteurs enthousiastes qui répondent à leurs courriels. Il vaut toujours mieux avoir plus d’offres que de concerts.

À qui faut-il envoyer une demande? À tout le monde. Faites de la recherche sur Internet, contactez les groupes de vos connaissances et les fanzines. Gardez note de tout en vue de votre prochaine tournée. Sachez à l’avance que vos attentes seront rarement satisfaites si vous pensez à l’avance organiser un concert avec quelqu’un en particulier. Nous avons tous joué des concerts avec des groupes venus d’ailleurs, et presque tout le monde ressort la même rengaine : « on va vous organiser un show à Guelph, pas de problème! » C’est prometteur, mais malgré les meilleures intentions des musiciens ivres, leurs promesses se matérialisent rarement. Il n’y pensait probablement même pas sérieusement en le disant. En tant qu’organisateur de la tournée de votre groupe (d’ailleurs, en toute honnêteté, votre groupe ne devrait avoir qu’un seul organisateur désigné) vous vous devez de ratisser large, de faire vos recherches à l’avance et de contacter autant de salles de spectacle, de promoteurs et de complices qu’il vous est possible, simultanément et à répétition. Contactez beaucoup plus de villes et de salles que vous pouvez en jouer, la plupart vous diront non. Apprenez à accepter cette réponse gracieusement. Un « non » cette fois sera peut-être un futur « oui », mais pas si vous entamez une dispute de mauvais goût par courriel.

Il faut se préparer à l’avance. The Famines ont l’habitude de présélectionner de préférence certains promoteurs et associés ainsi qu’une série de dates par ville quatre mois d’avance, espérant une confirmation hâtive. Mais on ne peut pas trop attendre. Même dans notre cas, la moitié de nos contacts ne vont pas répondre immédiatement et certains ne répondront jamais. Deux semaines plus tard, nous contactons en masse absolument tout le monde que nous connaissons dans les villes non confirmées. À toutes les semaines et demie, on recommence.

3. PREMIER ARRIVÉ, PREMIER SERVI

Il peut sembler un peu dur d’adopter l’approche « premier arrivé, premier servi » partout, mais l’alternative (attendre le refus d’un promoteur pour contacter le prochain) est une perte de temps. La plupart des refus seront silencieux (simple absence de réponse) ou ambigus (« recontactez-moi dans un mois »). Le temps est un luxe. Optez dès maintenant pour le premier promoteur qui voudra vous engager. Si vous êtes satisfait de l’arrangement, arrêtez de contacter d’autres sources dans la même ville. Sinon, pensez-y bien : vous aurez beaucoup de chances à prendre au début de votre carrière, et il peut être très difficile de prédire le succès d’un concert. The Famines sont encore constamment surpris des succès inattendus et de l’échec des situations sûres.

Oui, c’est long et pénible d’envoyer des courriels à répétition. Pour vous faciliter la tâche, toutes les excuses sont bonnes pour renvoyer un courriel. Essayez quelque chose comme « Salut Steve, c’est juste pour te laisser savoir qu’on vient de confirmer Toronto et Peterborough, donc nos disponibilités ont changé. Nous sommes seulement disponibles le 10. Est-ce que ça marcherait pour toi? » L’effet est double : c’est une excuse valide pour recontacter le promoteur, et ça lui démontre en plus que vous êtes sérieux.

4. À PROPOS DES SALLES DE SPECTACLE

Il y a plusieurs sortes de salles de spectacle. S’il est bon de rassembler les mentions positives et les coupures de presse de votre groupe dans un courriel formel dans le cas d’une salle de spectacle en bonne et due forme, le même courriel serait plutôt mal reçu par un endroit à vocation plus DIY, punk rock ou artistique – ce serait l’équivalent de se présenter dans un rassemblement marxiste-léniniste en chapeau haut de forme et monocle pour se plaindre au sujet des impôts. Les concerts informels sont de plus en plus la norme pour des groupes comme les nôtres, et les formalités excessives tachent l’image d’un groupe. Renseignez-vous sur l’endroit et ajustez votre ton en conséquence pour ne pas avoir l’air d’une bande de jeunes trop sérieux de Mississauga. Éliminez d’abord les coupures de presse et les faits et réalisations de votre groupe : les communes de punks se fichent éperdument de connaître vos succès et de savoir que vous avez joué avec Bon Jovi. Tout ce qu’ils veulent, c’est d’entendre votre musique en ligne pour prouver que vous n’êtes pas horribles, et peut-être de savoir que leurs amis vous ont référés. C’est une question de jugement.

5. L’ARGENT

La question de l’argent est une question inconfortable qu’il est nécéssaire de confronter avant qu’elle ne le devienne encore plus. Il est de très mauvais goût de demander une garantie des salles de spectacle « informelles » mentionnées ci-haut, mais la grande majorité d’entre elles vont s’efforcer de traiter votre groupe aussi bien que possible en dépit des circonstances. L’important est d’en parler clairement et à l’avance, de sorte que personne n’aura peur que vous leur demandiez une garantie à la dernière minute. Pour chaque endroit, il faut demander si les honoraires pour le concert sont fixes (le budget de l’établissement ne varie pas en fonction de l’assistance), en fonction du bar (le groupe obtient un pourcentage des ventes du bar), de la porte (les groupes se partagent l’argent de l’entrée, parfois après déduction des honoraires de l’accueil) ou sur participation libre (voir plus bas). Généralement, on peut obtenir une réponse à cette question en demandant tout simplement « comment on s’arrange pour l’argent? » et tout bon promoteur vous expliquera facilement son système.

On demandera une garantie à certaines salles, généralement plus formelles, en fonction d’un calcul raisonnable basé sur les honoraires de nos visites passées. C’est probablement une mauvaise idée de demander une garantie la première fois, à moins d’avoir déjà eu du succès dans la ville en question. Il est parfaitement en règle de demander à un promoteur, s’il ne fournit pas de garantie, s’il peut fournir un endroit où le groupe pourra dormir, et les salles « informelles » sont souvent heureuses de le faire. Posez des questions au sujet de la durée de votre prestation, de la disponibilité des boissons et de la nourriture lorsqu’il vous semble approprié de le faire. Mais occupez-vous de tout ça à l’avance. Comme n’importe quoi d’autre, parler d’argent confortablement prend de la pratique. Ne désespérez pas, et quand votre groupe sera en position de négocier (de par son attrait pour les spectateurs) vous serez probablement en mesure de le faire vous-même.

6. AU SUJET DES CONCERTS À PARTICIPATION LIBRE

C’est une forme de concert de plus en plus populaire. Nous en avons joué d’excellents, où tout le monde s’arrange pour soutenir les groupes en tournée à moins de ne pas pouvoir les sentir. Nous en avons également joué qui ont été horriblement mal gérés, sans même qu’un chapeau fasse le tour de l’assistance, qui semble ignorer que le groupe qui les fait danser ne reçoit qu’un réservoir d’essence vide et des cordes de guitare brisées en retour. Dans un tel concert, le groupe en tournée doit s’assurer d’encourager le promoteur de rappeler à l’assistance entre les prestations des groupes ses obligations envers les musiciens.

7. AUTRES CHOSES À FAIRE ET À NE PAS FAIRE

Votre tournée est organisée. Si ce n’est pas clair, demandez à chaque promoteur s’il vous incombe de choisir d’autres groupes avec qui partager la scène. Il est préférable que ce soit à eux de le faire, car ils connaissent probablement la scène locale mieux que vous et pourront vous épargner beaucoup de temps. Faites une affiche pour la tournée, de préférence en noir et blanc, format .pdf 11“ x 17” (ainsi qu’une version .jpg de basse résolution pour Internet) que vous pourrez envoyer à tous les promoteurs et salles de spectacle environ un mois à l’avance. Veillez à ce qu’elle soit appropriée à votre groupe, et que votre nom soit écrit en grosse lettres. Si votre groupe est en tête d’affiche, ils pourront l’utiliser. Sinon, ils en feront une eux-mêmes, mais ça donne une excellente impression aux promoteurs, qui voient que vous êtes sérieux et apprécient toujours de ne pas avoir à payer un designer. Si vous en avez le temps et l’enthousiasme, demandez également aux promoteurs à qui envoyer votre album et vos matériaux de promotion. Envoyez un courriel à la salle de spectacle une semaine avant le début de la tournée pour confirmer le tout et exprimer votre enthousiasme. Utilisez Internet pour prévenir tous vos amis et connaissances que vous arrivez en ville d’ici peu. Chaque tête de pipe dans la foule que les groupes locaux et les promoteurs ne reconnaissent pas est un atout vital pour vous.

Quelques choses à ne pas faire : les promoteurs détestent que vous leur demandiez à la dernière minute si un autre groupe peut faire partie de l’affiche. Donnez à l’autre groupe l’information du promoteur et ne vous en mêlez pas, car vous avez zéro influence sur le résultat. Vous avez en fait très peu d’influence en général. N’organisez pas de tournées en conjonction avec d’autres groupes inconnus, ce que les promoteurs détestent aussi. Votre but devrait être de jouer avec autant de groupes locaux que possible jusqu’à ce que vous puissiez attirer les spectateurs par vous-mêmes. C’est également une mauvaise idée de jouer plus d’une fois en un mois dans la même ville. Ne vous mêlez pas de l’ordre des prestations : le promoteur ou l’organisateur du spectacle en sait plus que vous, faites-lui confiance.

8. AU SUJET DE VOTRE FOURGONNETTE

Prenez-en soin et tout ira bien. Changez l’huile à tous les 5000 km. Attention aux règlements de stationnement pour ne pas vous faire remorquer; ne roulez pas plus que 9 km/h de plus que le maximum permis et vous n’aurez jamais de contravention pour vitesse. On sait que c’est ennuyant, mais on s’est déjà fait confisquer notre véhicule après deux jours pour un excès de 40 km/h et on a dû louer une nouvelle fourgonnette pour le reste de la tournée trans-canadienne. C’est cher pour rien. Restez éveillés en vous relayant fréquemment au volant : trop de groupes meurent dans des accidents de la route. Abonnez-vous à CAA, attention où vous vous stationnez, et faites de votre mieux pour cacher que votre véhicule appartient à des musiciens en tournée : pas d’autocollants, pas de flânage autour. Les criminels ne sont pas partout, mais il y a des groupes qui leur rendent la tâche beaucoup trop facile.

9. JOUER UN CONCERT

Maintenant il vous faut jouer des concerts. Vous l’avez déjà fait plusieurs fois dans votre ville natale, mais la situation est différente en tournée. Vous ne connaîtrez probablement pas le technicien de son, les employés du bar ou le promoteur, mais c’est votre devoir de faire preuve de respect envers eux, même si vous n’appréciez pas leur attitude : ils voient passer un billion de groupes par année, dont la plupart ont malheureusement tendance à être des imbéciles. Soyez courtois envers les employés et ils vous le rendront. Donnez-leur un pourboire même si les consommations vous sont fournies. Vous serez surpris de voir à quel point la soirée sera plus agréable si les employés sont de votre côté.

Rappelez-vous aussi que même si vous avez un million d’amis chez vous, il est primordial de vous faire des amis sur la route. Vos soirées en seront d’autant plus agréables et votre attraction plus grande. Vous pourrez bien faire les mégalomanes timides et demandants dans le salon vert du Budokan, mais pour l’instant, la vie de votre groupe dépend de ce que l’on pense de vous hors de la scène. Si un membre de votre groupe est particulièrement loquace, ne vous emballez pas quand il prend son temps à ramasser son équipement. Chaque 15 minutes de conversation avec des étrangers correspond à cinq spectateurs de plus au prochain concert. Essayez-le aussi!

10. PETITE LEÇON D’ÉCONOMIE POUR LES GROUPES EN TOURNÉE

C’est agréable de partir en tournée, mais c’est aussi très sérieux. Certaines régions comme l’Ouest du Canada, avec ses énormes distances et ses coûts élevés, brisent les amitiés et tuent les nouveaux groupes dans l’oeuf; d’autres régions attirantes comme les États-Unis posent toutes sortes d’autres problèmes. Tout simplement, les données économiques ne sont pas en notre faveur. Si on retrace l’histoire de la musique live au Canada depuis les années 1950, on remarquera facilement que les quelques dernières décénnies ont été très dures pour les musiciens.

On pourra certainement argumenter que la musique de concert locale, régionale ou « indie » est passée d’une option de passe-temps nocturne très prisée par les Canadiens (dans les années 1960, par exemple) à une activité compartimentée qui n’intéresse que peu de gens. Oui, Internet nous donne accès à un éventail impressionnant de musiques, mais la plupart ne s’en servent que pour prendre des nouvelles de Céline Dion ou s’intéresser à des groupes d’un peu partout qui n’existent peut-être même plus et qui ne viendront certainement jamais mettre les pieds ici. Internet a également rendu difficile la vente d’albums : peu de gens vont acheter un disque qu’ils ont déjà téléchargé gratuitement, même si l’on entend souvent la promesse du contraire. De plus, les technologies d’enregistrement abordables permettent à tout à fait n’importe qui de produire un album. Ceci a donné naissance à quelques productions artistiques merveilleuses, à beaucoup de mauvaises, et à des millions de compétiteurs prêts à tout pour jouer devant de moins en moins d’oreilles.

Si on veut examiner la situation en fonction de la « classe » : la classe la plus fortunée du monde de la musique (représentée par les majors) est toujours gigantesque, même si elle a peut-être perdu un peu de son pouvoir. La classe la plus basse, celle des groupes à intérêt particulier, est plus grande que jamais, produit une quantité incroyable de musique, fait peu de tournées et se dissout constamment, parce qu’il est difficile d’obtenir quelque récompense que ce soit dans ce type de groupe. La classe moyenne, autrefois occupée par des groupes régionaux qui subviennent néanmoins à leurs propres moyens par la musique, est presque éteinte. Elle rétrécit régulièrement depuis quatre décénnies et est souvent réduite à subsister via des subventions gouvernementales plutôt que par la vente de disques ou de billets de concerts, et leur position est souvent onéreuse de par leur statut : agents de réservation, publicistes, designers, gérance, rédacteurs de demandes de subventions professionnels… C’est le prix de la « renommée ».

Oui, le portrait est sombre – peut-être trop sombre – et un peu hors-sujet, mais il nous permet de comprendre la réalité d’un groupe de classe « basse » qui veut partir en tournée. Un tel groupe doit assurer sa propre publicité, être auto-géré, auto-organisé, auto-designé et n’est probablement éligible pour aucune subvention… et partir en tournée coûte cher. Très cher. Au moment où j’écris ces lignes, le coût (en essence seulement) de cent kilomètres d’autoroute en mini-fourgonnette est de 11 $. Les spectateurs sont à peine disposés à payer l’équivalent du coût de la production de la marchandise promotionnelle, ou un peu plus. Certains promoteurs sont dégueulasses et indignes de confiance, c’est vrai, mais la plupart sont exactement comme nous : de petites organisations à base volontaires, fatiguées de se demander si les choses vont s’améliorer un jour.

C’est possible, mais entretemps, un groupe qui décide de partir en tournée se doit de savoir comment s’occuper de son argent sans que les difficultés financières inévitables ne viennent ruiner l’expérience. Personne ne va s’enrichir ou même gagner sa vie avec ça. Le meilleur scénario possible est que le groupe ne perde pas d’argent, mais presque personne n’y arrive. Concentrez-vous sur les profits intangibles, restez positifs et ça va peut-être aller pour quelques temps.

EN GUISE DE CONCLUSION

Félicitations! Vous partez en tournée et peut-être que ce guide vous aura aidés : nous l’espérons. Nous espérons aussi que vous allez trouver un moyen d’en apprécier l’expérience. Certains ne l’apprécient qu’après la fin de la tournée. D’autres ont un talent inné. D’autres ne l’apprécient pas du tout, ni pendant ni après. Mais c’est une expérience qui vaut la peine d’être célébrée. N’oubliez pas : ne faites pas perdre leur temps à l’assistance, amusez-vous, gâtez-vous de temps en temps pour vous remonter le moral. Et essayez de ne pas vous séparer trop vite, tout s’améliore avec l’âge.

FIN