Category: How To

How To Understand Band Partnership Agreements


Steve Carey is lawyer in British Columbia and Ontario, as well as a former entertainment and arts journalist. He practices at Alexander Holburn Beaudin + Lang LLP, a full-service law firm.

Business law doesn’t matter to most bands until it’s too late to know it. For most DIY bands, you form, write, play some venues, release an album, tour a bit, then split, hopefully with some cash in hand. It’s fun to jam, but when money starts to change hands, there’s the possibility for serious disputes. An on-stage blowout, backstage rager, or an unwanted debt can be avoided by understanding default partnership rules or through the creation of a band partnership agreement.

A partnership agreement, also called a band agreement, is a contract explaining how the band operates, how decisions are to be made, and how profits are tallied up and split.

Without an agreement, automatic rules set out in the various provincial partnership acts apply. If you’re playing in a band with a view to making a profit, you’re already a partnership and the default rules apply to you. These are fine in most circumstances, but may expose members to liability, limit the band’s ability to add or remove members, or cause problems with overly litigious bandmates. Understanding these goes a long way towards resolving conflicts and saving friendships.

If you’re thinking of drafting a band agreement yourself, consideration should be given to flexibility and ensuring the interests of the band as an entity and the artists as individuals are protected and balanced. For the majority of Canadian bands, a DIY two to three page agreement is an easy precaution to avoid disputes and financial problems.

As a side note, if you’re quitting your day job, consider Employment Insurance (up to 15 weeks for the self-employed), Workers Compensation benefits, and private insurance, particularly if the band is touring: health bills can be huge and replacement policies for equipment critical. If you’re not quitting your day job, know that you can offset your personal income tax using the band’s losses, so long as your band has a reasonable chance of profit over time.

Band Agreements

Your band agreement can be as complex or simple as you’d like it to be. The various partnership acts across Canada typically impose the following default terms:

  • All profits are split in equal shares between members;
  • Each partner can agree to binding contracts on behalf of all others;
  • Partners are liable for the debts of the entire partnership, not just their own share;
  • No partner can be kicked out;
  • The death or insolvency of a partner will dissolve the partnership, which may not be intended if the group is to continue on;
  • Partners may not compete with the band; and
  • Each partner has a right to take part in management.

These default terms can be overwritten by a band agreement. Typical band agreements include terms for dealing with:

  • the responsibilities of members of the band;
  • how decisions are to be made – must they be unanimous, a majority, or only by specific persons;
  • limits on the ability of certain partners to spend funds without approval, or to enter into contracts on the partnership’s behalf;
  • financial controls, such as signing authority, banking limitations, and otherwise;
  • what expenses the band covers (i.e. repairs to the tour bus are okay, but you pay your own bar tab);
  • distribution of profits and specific royalty calculation for music sales, licensing of songs, live performances, merchandise and other income;
  • conditions for removing/leaving members, such as buyouts, morality clauses, whether or not leaving members may refer to the band in self-promotion or perform the band’s songs;
  • hiring temporary members;
  • what specific assets belong to the partnership (such as the name, goodwill, intellectual property) and a schedule to the agreement with physical assets listed (i.e. stage sets, props, lighting equipment);
  • and the date the agreement terminates, how it is renewed, and how it is amended.

Your agreement doesn’t need to cover everything. Partnership agreements can be re-written to address situations as they occur, provided clear provisions are inserted for doing so.

Consider the following scenarios, and the way the default rules or an agreement may handle them.

The band stores their personal equipment at their shared jam space. One member brings a side-project band in, and they use the main band’s equipment. Is this acceptable? An agreement may set guidelines around the use of band or member equipment without consent (necessary if you’ve got a sweet BC Rich Warlock you don’t want anyone changing the tuning on).

The default rules say the side-project should not exist if it competes with the band, which is not desirable.

The bassist takes on merchandising and promotion. She spends hours designing t-shirts and pressing buttons, selling the merch before and after shows. She books all the shows and does all the band’s mail-order. Should she be compensated in an equal share with the other members, or would some other payment be appropriate? The default rules state partners share profits equally, while an agreement may compensate her separately for her additional work. It’s up to the band to decide what’s fair compensation for its members.

A band starts gaining momentum and booking shows. Without telling the others, one member starts a side-project. The gigs wind-up double booked with the side-project. What recourse do the band members have? The default rules state if the side-project gig is played, the bandmate must pay the profits into the main band, which will almost certainly lead to a fight. An agreement may state the band’s gigs have priority. It can also have terms to compel attendance or prohibit competition. Unless you’re a mainstream hit machine, the financial expense of getting a court order isn’t worthwhile when the band can just replace the member or the member can leave.

A band records an album. All agree the album is complete. Without telling anyone, the guitarist re-records all their his tracks and incurs extra studio time. Who pays? The default rules state the partners are on the hook as a group, while an agreement may allow the partners to recover from the member for the amounts incurred without authority. Debt recovery is something that most people can handle in the various provincial small claims courts without a lawyer. It is relatively painless.

A band member falls ill before a gig. A fill-in musician is hired. Who pays the fill-in, and is the band member entitled to a share of profits, even though she didn’t play? The default rules state the band as a whole pays the fill in, and the absent member still gets a share. An agreement may say otherwise, depending on how your band operates.

Solo Artists and Corporations

What do you do if you’re an individual? You’re a “sole-proprietor”: one person operating with a view to profit. You keep everything. Losses from your business can be used to offset income from your day job, and reduce your income tax, with some exceptions. However, any debts or liabilities you incur can be claimed against your personal assets: you don’t have other members to bail you out. If you need others, you may choose to hire other musicians as employees to tour with you, or to record with you, and should take care to structure a deal with them to avoid a partnership.

Groups or individuals may chose to act as a corporation. It is a separate legal person, owned by its shareholders and managed by its directors. All profits and losses are the corporation’s, who can structure payouts to its directors and shareholders as it sees fit. Its shareholders and directors are limited in their liability, with exceptions. Due to the time and financial costs involved in maintaining a corporation, and the short life-span of most music groups (five to seven years), there is no special benefit to incorporation for most bands. If you begin to turn a significant profit an accountant or legal professional should be consulted relating to incorporations and tax treatment, but for most Canadian bands, this is unnecessary.

Sample Agreements and Conclusions

A number of sample band agreements are available for free online or for a small fee. Pay attention to definitions of terms and ensure the language of the pre-drafted agreement is clear before all members agree to it. If you are concerned with how the agreement operates, have a lawyer review it.

The point of a band agreement is to avoid conflicts and allow every band member to know how the band operates. Whether it be sharing the cost of tour bus repairs or paying the hardest working member a little more for their effort, a band agreement can cover a lot of ground and prevent a lot of disputes before they happen. That way, your band can focus on what it does best: play shows, entertain crowds, and contribute to the Wyrd music scene.

Steve Carey est avocat en Colombie-Britannique et en Ontario, ainsi qu’ancien journaliste de l’art et du divertissement. Il travaille à Alexander Holburn Beaudin + Lang LLP, un cabinet juridique à service complet.

La plupart des groupes sont indifférents au droit des affaires jusqu’à ce qu’il soit déjà trop tard. Pour plusieurs groupes amateurs, il y a la rencontre initiale, l’écriture, les spectacles et performances, les albums, la tournée, puis la séparation avec un peu d’argent, si tout se passe bien. C’est plaisant de créer de la musique, mais quand l’argent change de mains, il peut y avoir des disputes graves. On peut éviter les explosions de rage sur scène, les crises en coulisses, ou les dettes non désirées si on comprend les règles par défaut, ou si on crée un accord de partenariat pour le groupe.

Un accord de partenariat, c’est un contrat qui explique comment le groupe fonctionne, comment les décisions sont prises et comment les bénéfices sont partagés.

Sans accord, les diverses lois provinciales automatiques sur les sociétés en nom collectif s’appliquent. Si vous jouez dans un groupe en vue de réaliser des profits, vous êtes déjà en partenariat et les lois provinciales s’appliquent à vous. La plupart du temps, ces lois ne causent pas de problèmes, mais elles peuvent exposer les membres à des poursuites en responsabilité, limiter la capacité du groupe d’ajouter ou d’expulser des membres du groupe, ou peuvent poser des problèmes avec des membres trop litigieux. Comprendre ces règles aide énormément à la résolution des conflits et à empêcher de désunir les gens.

Si vous pensez à écrire votre propre accord de partenariat, il faut être flexible et s’assurer que les intérêts des artistes, des individus et du groupe en tant qu’entité soient protégés et équilibrés. Pour la plupart des groupes amateurs canadiens, un accord de deux ou trois pages est une précaution simple pour éviter les disputes et les problèmes financiers.

En passant, si vous quittez votre emploi « normal », considérez l’assurance-emploi (jusqu’à 15 semaines pour les travailleurs indépendants), les indemnités d’accident du travail et l’assurance privée, surtout si le groupe est en tournée : les frais médicaux peuvent être immenses et les politiques de remplacement d’équipement peuvent être graves. Si vous conservez votre emploi, vous pouvez compenser vos propres impôts de revenu personnel avec les pertes du groupe, tant que le groupe prévoit générer des profits au fil du temps.

Les ententes de partenariat entre les membres d’un groupe

Votre accord de partenariat peut être aussi complexe ou simple que vous le voulez. Les divers accords de partenariat à travers le Canada imposent typiquement les termes par défaut suivants :

  • Les membres partagent en parts égales tous les profits;
  • Chaque membre peut accepter les contrats obligatoires au nom du groupe;
  • Les membres sont responsables des dettes du partenariat au complet, pas seulement chacun de sa propre part;
  • Aucun membre ne peut être expulsé par les autres;
  • Le décès ou l’insolvabilité d’un membre dissout le partenariat, un résultat possible qui ne serait pas prévu si le groupe continue;
  • Les membres ne peuvent pas rivaliser avec le groupe; et
  • Chaque membre a le droit de participer à la gestion.

Ces termes par défaut peuvent être remplacés par un accord de groupe. Les accords de groupe typiques incluent des termes pour gérer :

  • les responsabilités des membres du groupe;
  • comment les décisions sont prises; doivent-elles être unanimes, majoritaires ou seulement prises par des personnes spécifiques;
  • les limites de certains partenaires à dépenser les fonds sans approbation ou à conclure des contrats au nom du groupe;
  • les contrôles financiers, tels que le pouvoir de signature, les limitations bancaires et autres;
  • les dépenses que le groupe peut effectuer (par exemple, les réparations de l’autobus de tournée sont acceptables, mais les membres doivent payer leur verre dans les bars);
  • la distribution des profits et le calcul de redevances spécifiques des ventes musicales, délivrer les licences des chansons, les performances en direct, la marchandise et autre revenu;
  • les conditions pour expulser un membre ou lorsqu’un membre quitte de son plein gré, comme les indemnités, les clauses de moralité, si les membres qui quittent peuvent faire référer ou non au groupe pour des fins d’autopromotion ou s’ils peuvent jouer les chansons du groupe;
  • l’embauche de membres temporaires;
  • quels biens spécifiques appartiennent au groupe (comme le nom, la bonne volonté, les propriétés intellectuelles) et un horaire pour l’accord avec des biens physiques énumérés (par exemple les décors, les accessoires, le matériel d’éclairage); et
  • la date à laquelle l’accord prend fin, comment peut-il être renouvelé et comment peut-il être modifié.

Votre accord n’a pas besoin d’être exhaustif. Un accord de partenariat peut être réécrit pour aborder de nouvelles situations lorsqu’elles surviennent, à condition que des dispositions claires soient introduites pour la réécriture. Tenez compte des scénarios suivants et de la façon dont les règles par défaut ou l’arrangement pourrait aider à l’accord .

Le groupe entrepose leur équipement personnel dans leur espace de jam partagé. Un membre apporte un groupe faisant partir d’un projet différent et utilise l’équipement principal du groupe. Est-ce acceptable? Un accord peut mettre en place les lignes directrices concernant l’utilisation de l’équipement du groupe ou d’un membre sans le consentement (ce qui est nécessaire si vous avez une pièce rare comme la BC Rich Warlock que vous ne voulez être désaccordée)

Les règles par défaut stipulent que ce projet en parallèle ne devrait pas exister s’il entre en compétition avec le groupe, ce qui n’est pas souhaitable.

La bassiste se charge de faire le commerce et la promotion. Elle passe des heures à esquisser des chandails et à appuyer sur des boutons, vendant la marchandise avant et après les spectacles. Elle réserve tous les spectacles et s’occupe de toutes les ventes par correspondance du groupe. Devrait-elle être payée également avec les autres membres du groupe ou est-ce qu’un autre paiement serait approprié? Les règles par défaut stipulent que les partenaires partagent les profits également, alors qu’un accord séparé peut lui offrir un supplément pour son travail. C’est le groupe qui décide ce qui est une compensation juste pour ses membres.

Un groupe commence à devenir populaire et à réserver des salles de spectacle. Sans le dire aux autres, un membre commence un projet à part. Les réservations de spectacle finissent par entrer en conflit avec ce projet. De quel recours dispose le groupe? Les règles par défaut stipulent que si le concert du projet parallèle est joué, le membre doit rapporter les profits au groupe principal, ce qui peut mener à une dispute. Une entente peut stipuler que les concerts du groupe ont la priorité. Elle peut également inclure des termes qui obligent la présence de tous les membres ou qui interdit les membres d’entrer en compétition. À moins d’être une machine à succès, les charges financières pour avoir une ordonnance du tribunal ne valent pas la peine lorsque le groupe peut simplement remplacer un membre ou si le membre peut partir.

Un groupe enregistre un album. Tous sont d’accord pour dire que l’album est terminé. Sans le dire à personne, le guitariste réenregistre toutes ses pistes et accumule des heures supplémentaires en studio. Qui paiera? Les règles par défaut stipulent que les partenaires sont tous dans le même bateau, alors qu’une entente peut permettre aux partenaires de récupérer le montant dépensé par le guitariste sans avoir recours aux autorités. Procéder au recouvrement de dettes peut être fait dans des cours de petites créances sans avocat et sans chichi.

Un membre du groupe tombe malade avant un concert. Un musicien remplaçant est embauché. Qui paie ce dernier et est-ce que le membre qui est en arrêt maladie peut recevoir sa part des profits même s’il n’a pas joué? Les règles par défaut stipulent que le groupe dans son ensemble paie le remplaçant et le membre absent reçoit quand même sa part. Une entente pourrait dire le contraire, dépendamment de la gestion du groupe.

Les artistes en solo et les sociétés :

Que fais-tu si tu es un individu? Tu es un propriétaire unique : une personne opérant avec le but de faire un profit. Tu gardes tout. Les pertes de ton entreprise peuvent être utilisées pour contrebalancer le revenu de ton travail quotidien et réduire tes impôts sur le revenu avec quelques exceptions. Cependant, toutes dettes ou responsabilités qui s’en suivent peuvent être utilisées contre tes actifs personnels : tu n’as pas d’autres membres pour t’aider à t’en sortir. Si tu as besoin des autres, tu peux choisir d’engager d’autres musiciens comme employés pour aller en tournée ou enregistrer avec toi; tu devrais t’assurer de monter un accord avec eux qui va éviter un partenariat.

Des groupes ou des individus peuvent choisir d’agir en tant que société. C’est une personne juridique distincte appartenant à des actionnaires et dirigée par ses directeurs. Tous les profits et les pertes sont ceux de la société, laquelle peut organiser des paiements à ses directeurs et ses actionnaires comme elle le veut. Ses actionnaires et directeurs ont une responsabilité limitée, avec des exceptions. À cause des coûts ponctuels et financiers provenant de l’administration d’une société et de la brève durée de vie de la plupart des groupes de musique (cinq à sept ans), il n’y pas vraiment d’avantages à constituer en personne morale un groupe de musique. Si tu commences à générer un profit substantif, un comptable ou un spécialiste du droit devrait être consulté concernant l’incorporation et le traitement fiscal, mais pour la plupart des groupes canadiens, ce n’est pas nécessaire.

Des exemples d’ententes et conclusions:

Plusieurs exemples d’ententes de groupe sont disponibles en ligne gratuitement ou pour des frais minimes. Faites attention aux définitions des termes et assurez-vous que le langage de l’entente préétablie est clair avant que tous les membres l’approuvent. Si vous êtes inquiet à propos de comment l’entente fonctionne, faites-le réviser par un avocat. Le but d’une entente de groupe est d’éviter des conflits et de permettre à tous les membres du groupe de savoir comment le groupe fonctionne. Que ce soit pour partager les coûts des réparations de l’autobus de tournée ou pour payer un peu plus le membre le plus travaillant du groupe pour ses efforts, une entente de groupe peut aborder beaucoup de choses et empêcher plusieurs disputes entre les membres. De cette façon, le groupe peut se concentrer sur ce qu’il fait de mieux : jouer ses concerts, divertir les foules et contribuer à la scène musicale de Wyrd.

How To Be a Writer



Writing is really hard. Everyone writes differently. Everyone needs different atmospheric conditions present to make this profoundly weird activity possible. Figuring out what those are and making them a part of your day is as much a part of being a writer as actually writing is. Once you know what your space requires, guard this jealously. Tell your loved ones why you have to do the things you do. And then do them, unrepentantly. Don’t let Writing become an ominous thunderhead lurking on the horizon of your brain-screen. If you do, it will never rain and you will walk around with a continual, tremendous barometric-pressure headache.

The page staring at you is terrifying because it is where you are going to put what you think so it has to be perfect, right? It’s like going on a first date every time. You want to be exquisitely prepared, elegant, charming, loquacious but not insufferable, captivating but approachable, both a hunter and desirable, diamond-perfect but gloriously human.

Oh, fuck it. I’m going to go make a sandwich.

Really, being a writer is about inhabiting all of your anxiety and somehow shaping this into a house that other people would want to have a sit in. This aspiration is never totally attained. So, instead, you have to chip away at that lump in your throat to make passage for what feels, at first, like pitiable little cloudy squeaks. These little squeaks, accumulated, are like lumber. You can move them around and place them in consonances with one another until a structure emerges. Then you will have a writing-fort that you have made and that you can invite people over to.

Fort building requires advance planning. Here are some things I can tell you to help you:

1. Writing is weird because you actually generate your own raw material and then give that form

There is a nature documentary about caves narrated by David Attenborough, who describes a glow worm that is pretty much made out of mucous that also makes itself a hammock out of mucous to live in out if its own mucous. This is analogous to a first draft. You are making something out of yourself, into the external world, to give you a place where you can suspend something of yourself. This is important to remember because then you will know that when you are starting this beautiful, disgusting process, that while it possesses a certain peculiar temporal sprawl, it is not in the slightest a matter of “spontaneous emotion recollected in tranquility” or any other such bullshit.

2. Writing is work

Here is what one of the best writers, ever, Edgar Allan Poe, wrote when describing how he wrote “The Raven”:

“It is my design to render it manifest that no one point in its composition is referable either to accident or intuition – that the work proceeded, step by step, to its completion with the precision and rigid consequence of a mathematical problem.”

In other words, writing does not come from somewhere else. When you are writing you are not a radio. You are doing work, in the deepest dialectical sense: You are engaging with your material in a way that imprints it with a subjective mark, changing it, and in doing so, creating a manifestation in the objective world of what is inside you. You are working out a particular problem that only you could set yourself.

What this means is that if you have an idea about writing something, you are already inspired. You do not have to wait for inspiration to realize your idea. It is merely a matter of choosing to either relieve yourself or get off the can.

3. Writing is method

This is not just as regards your process, which is a matter as arcane and personally singular as what for each of us constitutes “the morning.”

Writing is a whole way of being towards the world. It is generous. It is characterized by the economy of the gift. It is not purely altruistic, but it is not capitalist either. For this reason writing is antithetical to the drive to translate all forms of social interaction into surplus value which has become the dominant activity in our world.

In pragmatic terms, this means that unless you are of independent means, a large part of your process will consist of figuring out ways to have that once-in-a-while day when your overdue bills are settled, and when you are not too busy commodifying your own time through the sale of your alienated labour, to compose yourself into the form of a text.

It’s important to state this explicitly so that you remember to never give up on being a writer. If you are writing, you are a writer. It does not matter if you pay your rent bartending or digging ditches or working the swing-shift as a diagnostic imaging technician. Finding the means to sustain yourself is part of the method of writing. Once you’ve reconciled yourself to this and given up worrying about how you will play all of your hard work into a renumerative career as a writer, you will write what you want to. You will write yourself into the world, and no one can take this from you, and it is how you will do writing as it must be done.

4. You always write to someone

There is always an Other on the other side of the text you are writing who is staring into you with their spooky non-corporeal eyes while you implore, “What do you want from me?!?” This correlates to the burdening, inexplicable desire that disrupts any certainty of yourself while you are writing except the knowledge that the Other is waiting for you.

This makes the whole thing a bit odd, and means that your draft may require a second opinion. Reading it out loud to yourself is good. Letting a trusted friend read and edit it while you sit calmly and do not attempt to debate their proposed alterations in the moment is even better.

5. Perfection is death

If you ever perfectly articulated everything exactly as you wished, a drain-hole would open up in the interstices between the world of signification and that world it refers to, and all that is would implode into this drain-hole in an impeccable inversion of the Big Bang. Thankfully, this has not yet happened.

This means that your piece is done not when it is perfect, but when it is done. Does it make sense? Does it say something? Are you deeply sick of the sight of it? Done. Everyone regards that which she excretes with an undeniable interest, but if you’re trying to shove it back into yourself in the hope of a more transcendent outcome, it’s just going to end up a mess. Just. Let. go.

6. Bring it home

Writing the conclusion is like the last stretch of a long-distance run. You’ve already made your point, the action has already occurred. Why write more? Probably because this is a chance to knit together all of the things that your process has brought to you, and by proxy, to that Other you’re writing to. Along these lines, I can write the following:

You can be a writer by being a writer, by tigerishly demanding the space to write, by honouring that space by filling it up with writing, and by remembering that there are also readers, whose primary luxury is the beauty of words, who know full well that this luxury is one whose bounds are endless, and who may be writing for you right now. This is very good, because the plenitude of forts that words can build will always, no matter where we are, give us somewhere to go.


Écrire est quelque chose de très difficile. Chacun le fait différemment; et les conditions environnantes nécessaires pour rendre possible cette activité profondément étrange sont aussi différentes selon chacun. Déterminer ce qu’elles sont et s’assurer de les intégrer à son quotidien fait autant partie du travail d’écrivain que le fait d’être assis à écrire. Une fois que tu sais ce dont tu as besoin dans ton environnement, garde-le jalousement. Explique à tes proches pourquoi il faut que tu fasses ce que tu fais, puis fais-le, sans aucun remords. Ne laisse pas l’écriture devenir un nuage noir se profilant à l’horizon de ton radar cérébral. Sinon, la pluie ne tombera jamais, et tu te promèneras avec un mal de crâne continuel causé par la pression atmosphérique phénoménale.

La page qui te rend ton regard est terrifiante parce que tu y consigneras tes pensées, alors tout doit être parfait, pas vrai? C’est comme un premier rendez-vous, à chaque fois. Tu veux te présenter sous un jour élégant, charmant; loquace sans être insupportable, charismatique tout en étant facile d’approche; un chasseur désirable avec la perfection d’un diamant, mais glorieusement humain.

Ah, fuck it. Je vais me faire un sandwich…

Plus sérieusement, être un écrivain, c’est connaitre ses anxiétés et réussir à les modeler en une maison dans laquelle d’autres personnes pourraient vouloir venir s’asseoir. Cette aspiration n’est jamais réellement atteinte. À la place, il faut essayer de défaire le nœud dans ta gorge pour faire un passage à ce qui, au tout début, peut sembler n’être que de petits cris pitoyables et vagues. Une fois accumulés, ces couinements sont comme des poutres de bois : tu peux les déplacer, les faire résonner les uns avec les autres, jusqu’à ce qu’une charpente en émerge. Et là, tu auras érigé un fort d’écriture où tu pourras inviter des gens.

La construction d’un fort nécessite de la planification. Voici quelques trucs que je peux donner pour t’aider :

1. Écrire, c’est bizarre parce que ça implique de créer d’abord une matière brute pour ensuite lui donner une forme.

Dans un documentaire sur les grottes narré par David Attenborough, on décrit un type de ver luisant presque entièrement composé de mucus qui utilise son propre mucus pour se faire un hamac dans lequel vivre. C’est comparable à un premier jet. Tu crées quelque chose à partir de toi-même, mais dans le monde extérieur, dans le but de te donner un espace où suspendre une partie de toi. Il est important de se le rappeler quand tu vas entamer ce processus dégoûtant/sublime, parce que même s’il possède un certain étalement temporel qui lui est propre, ce n’est absolument pas une question «d’émotion remémorée dans la quiétude » ou d’une autre connerie du genre.

2. Écrire, c’est du travail.

En décrivant son processus d’écriture pour Le corbeau, Edgar Allan Poe, un des meilleurs écrivains au monde, a dit qu’il avait voulu rendre manifeste qu’aucun détail de la composition de son œuvre n’était le résultat d’un accident ou d’une intuition, mais plutôt celui d’un travail d’élaboration progressive aussi précis et rigide que la résolution d’un problème mathématique. Autrement dit, écrire ne vient pas d’ailleurs. Quand on écrit, on n’est pas une radio. On fait du travail, dans le sens le plus dialectique du terme : tu abordes ton matériel d’une façon qui laisse une empreinte, une marque subjective qui le change et, ce faisant, qui crée une manifestation visible, dans le monde objectif, de ce qui est en toi. Tu cherches à résoudre un problème qui ne pouvait t’être posé que par toi-même. Ce que ça veut dire, c’est que dès que tu as une petite idée sur laquelle écrire, tu es déjà dans l’inspiration. Tu n’as pas à attendre que l’inspiration te vienne pour mettre en oeuvre ton idée. C’est simplement une question de choisir, de faire ce qu’il y a à faire ou non.

3. Écrire, c’est une méthode.

Et je ne parle pas simplement du processus, qui est aussi obscur et propre à chacun que ce que nous appelons « le matin », chacun pour soi.

Écrire, c’est une façon d’être, de se positionner face au monde. C’est généreux. C’est caractérisé par l’économie du don. Ce n’est pas totalement altruiste, mais ce n’est pas capitaliste non plus. Pour cette raison, l’écriture est l’antithèse de l’impulsion devenue l’activité dominante dans notre monde, soit celle de transposer toutes les formes d’interaction sociales en plus-value.

En termes pragmatiques, ça veut dire qu’à moins d’être indépendant de fortune, une grande partie de ton processus va se résumer à trouver des façons d’avoir une journée de temps en temps où toutes les factures sont réglées et où ton temps n’est pas trop occupé à être marchandisé par la vente d’un travail aliéné pour te composer sous la forme d’un texte.

C’est important de le spécifier pour se souvenir de ne jamais renoncer à être écrivain. Si tu écris, tu es un écrivain. Ça n’a pas d’importance si tu payes ton loyer en creusant des fossés ou en travaillant de soir dans un bar ou comme technologue en radiodiagnostic. Trouver les moyens de subvenir à ses besoins fait partie de la méthode d’écriture. Une fois qu’on a accepté cette idée et qu’on arrête de s’en faire avec la façon d’articuler tout ce dur labeur en une carrière d’écrivain rémunéré, on peut écrire ce qu’on veut. Tu vas t’écrire une place dans le monde, et personne ne peut t’en empêcher; c’est comme ça qu’on écrit comme il se doit.

4. On écrit toujours pour quelqu’un.

Il y a toujours quelqu’un de l’autre côté du texte qu’on est en train d’écrire; quelqu’un qui te fixe avec des yeux éthérés alors que tu supplies : « Qu’est-ce que tu attends de moi?!? ». C’est lié au désir pesant et inexplicable qui t’empêche d’avoir une quelconque certitude envers toi-même lorsque tu écris, sauf celle que cet Autre t’attend. Cette certitude rend l’ensemble un tantinet étrange, et veut dire que ton premier jet peut avoir besoin d’un deuxième avis. Se le lire à haute voix est une option. Laisser un ami en qui on a confiance le lire et le commenter pendant qu’on reste assis calmement en n’essayant pas d’argumenter toutes les modifications qu’il propose, c’est encore mieux.

5. La perfection, c’est la mort.

S’il arrivait qu’un jour tu parviennes à articuler exactement tout ce que tu voulais dire, un gouffre s’ouvrirait dans les interstices entre le monde de la signification et celui auquel elle se réfère, et tout ce qui existe imploserait en une inversion parfaite du Big Bang. Heureusement, ce n’est encore jamais arrivé.

Ce qui veut dire que ton texte est terminé quand il est terminé, non pas quand il est parfait. Est-ce que ça a du sens? Est-ce que ça dit l’essentiel? Est-ce que simplement poser les yeux dessus te rend malade? Oui? Il est terminé. Chacun regarde ce qui sort de son propre corps avec un intérêt indéniable, mais si tu essayes de le renvoyer d’où il provient en espérant un résultat plus transcendant, ça va juste tout gâcher. Il faut lâcher prise.

6. L’importance d’une conclusion.

Écrire une conclusion, c’est comme les derniers mètres d’un marathon. Le message est passé, l’action s’est produite; pourquoi continuer à écrire? Probablement parce que c’est l’occasion de rassembler toutes les choses qui ont été amenées par le processus, pour toi et (par procuration) pour cet Autre à qui tu t’adresses. Suivant cette idée, je peux affirmer que :

Tu peux devenir un écrivain en étant un écrivain, en exigeant férocement un espace où écrire, en honorant cet espace en le remplissant d’écrits, et en te rappelant qu’il existe aussi des lecteurs dont la plus grande luxure est la beauté des mots, et qu’ils savent pertinemment que cette opulence est sans limites, et qu’ils peuvent même être en train d’écrire pour toi, en ce moment même. Tout ça est excellent, parce que l’ensemble des forts érigés par les mots nous offrira toujours quelque part où aller, peu importe où nous sommes.

How To Get Support From Campus and Community Radio


So you’ve got some music and you want people other than your friends and family to listen to it. Sure you can throw it on the web and add your voice to the cacophony, but there is another way… campus and community radio.

Start local

Campus and community radio is a strange and fickle creature. Every station is independent and operates under its own set of rules and procedures. For that reason it’s best to begin close to home at your nearest campus and community station. Most Canadian universities have a station and many rural communities have stations as well. A good resource for finding stations is the National Campus and Community Radio Association member directory, although there are many more stations in the country.

Do your homework

Just like you, a station is excited to know they’ve got an engaged community of listeners, so it helps a lot to actually be familiar with your local station. Do they play ambient electronic music? Do they have a metal show?

Read the station’s website to get an idea of their program schedule and also make sure you check out their music submission guidelines. In order to deal with the large volume of music stations receive every day they have some basic needs that make their lives easier. Generally stations require:

  • A physical CD copy (more on this later)
  • Full track listings
  • Brief background information

Visit the station

If you’re able to drop off your record in person it can help a lot. Don’t be surprised though if the station’s Music Director or other staff don’t have a lot of time to chat. They’re busy people working way too hard. Being polite and courteous goes a long way in an industry built on good will. Tell them a bit about your music and don’t forget to mention you love their station, and if you’ve got a favourite show on their schedule, tell them about it.

Volunteer at the Station

Like all things, it helps to have an inside edge. But unlike most institutions, campus and community radio is pretty much an open door. Volunteering at your local station can be super rewarding, you’ll meet great people, learn about awesome music and get to be a part of a huge, supportive community. This is a great way to meet like-minded people and become a part of a strong community. And if you happen to be a musician, it doesn’t hurt to have some pals with open ears that might want to lend you some support.

Going nationwide

So, you’ve submitted your music and now you’re charting in the top ten at your local station. Of all the records recently received at the station, yours has received more spins than most and it’s landed you a spot on their charts. Maybe by now you’ve also played some fundraiser concerts for the station, done an interview or live performance on air, and you’re ready for the big time. Before you go packing a hundred envelopes with your CD or mass emailing every Music Director across the country without a blind cc (please don’t do this) it’s time for more… research!

Start by chatting with the Music Director at your local station to find out if they know any other stations where you should send your record. Campus and community radio is a tight community and having the backing of your local station will go a long way. Many stations communicate with each other and review the charts at other stations to get an idea of what they should be looking out for.

When you’re selecting which station to send your music to, visit !earshot magazine online and check out what albums are charting at the different stations across the country. If the station’s charts are fairly up-to-date with what’s new, this means they’re processing new submissions quickly. If not, they’re probably backed up and your album might sit in a bin for awhile. Are there albums of a similar style to yours appearing on their charts? If so, then you’ve got a target.

Come up with a list of all the stations you want to send your album– thirty is a good number to start with. Check out their websites and make sure you read over their submission guidelines (this is also where you’ll find their mailing addresses). Don’t forget that every station is different. Each has its own needs and requirements.

Assembling your radio mailer

Now you’ve got a stack of envelopes all lovingly addressed to Music Directors (or another appropriate staff person as discovered from the station’s website) from across the country. Let’s put something inside!

Most stations require a release to have a minimum of 4 songs (no singles or remixes), and they need complete tracklistings with composer information. Track times are helpful too. Album art will make your CD-R stand out. If you have time to make each mailer somewhat personalized to the station you’re sending it to (without going nuts) that can make an impact as well.

Most stations DO NOT require a fancy info kit with a glossy photo of your band. Most of the time your music will do the talking and press kit won’t change a Music Director’s mind. In fact, some folks think they’re a huge waste of materials and will think less of your submission.

When you’re ready to mail your packages, talk to your local post office worker about the best (aka cheapest) way to ship your CDs. Depending on the thickness, weight and size of your envelopes the costs can vary widely. The flatter and lighter the better. Try and convince the postal worker that it should be sent by regular mail instead of parcel.

Kiss ‘em for good luck if you’re feeling nervous and then it’s time to wait.

Following up

It’ll take about a week for your package to reach all the stations. Then it’ll take anywhere from a couple days to a couple weeks for the stations to check out your CDs. In the meantime you can tag stations on social media or email them to let them know a package is on the way. The most important thing with this is to not be too persistent. If you’re emailing everyday asking about your submission, you’ll likely be written off pretty quickly. It sucks, but most Music Directors are fielding hundreds of emails just like yours and they want to have pleasant interactions. Getting nagged isn’t fun for anyone. A concise and friendly email is best. You can offer to do an interview but don’t push it. If they really want that they’ll ask you.

Keep an eye on the charts from each station you sent your record to by visiting their homepage, !earshot or ask to be added to their mailing list. If you see yourself on someone’s charts, send them a message thanking them. Campus and community radio stations love when they get promoted by musicians so if you share their charts they’ll be even more excited about your band.

Sometime you’ll find out that your album wasn’t added to the station’s library. It’s a bummer but try not to take it out on the stations or get too frustrated. Stations receive a ton of music and listen to everything. They may not have a lot to tell you about why it didn’t get added, usually they’ll say something like “It’s not the right fit for our station.” This isn’t necessarily a reflection on the quality of your music, it just means it didn’t resonate with them. If they’re into having a dialogue with you about this, use it as an opportunity to learn. If not, check-in with the other stations.

What now?

So now you’ve got some fans in far and distant cities across the country. Maybe you saw your band’s name in Exclaim! magazine or a relative heard your song in their town. So cool. Is that the end of your relationship with these stations until you release another record? Hopefully not!

Remember that a lot of stations will do interviews and even studio sessions with bands. When you’re plotting your cross country domination tour, try and coordinate stops at all those stations that showed you some love. This is a great way to hype your show in the evening and it’ll connect you with even more people who will love and support your music.

There are lots of ways you can get support from campus and community radio. Like all relationships there’s a give and take, with lots of compromise. Not every station is the same and not every experience will be the same, but that’s part of what’s so great. One station might not dig your record, but the next might love it. Each is independent of the other and they will all give your tunes a fair shake. These are the people in the trenches of the underground music scene working hard to support artists like you. Take a few steps to make their lives easier and they’ll be even more excited to champion your cause.

Johnnie Regalado is the Program Director at CFUV 101.9 FM in Victoria, BC. He’s also the Vice President of the National Campus & Community Radio Association, runs a DIY radio distribution service called Hot Hand Cold Hand, and is a Music Editor for Weird Canada.

Alors, tu as de la musique, et tu aimerais que d’autres personnes (à part tes amis et ta famille) l’écoutent. C’est sûr que tu peux la mettre sur internet, ajoutant ainsi ta voix à la cacophonie générale, mais il y a une autre possibilité : les radios étudiantes et communautaires.

Regarde autour de toi

Les radios étudiantes et communautaires sont des créatures étranges et capricieuses. Chaque station est indépendante et fonctionne selon ses propres règles et procédures; c’est pourquoi il est préférable de commencer par la plus près de chez toi. La plupart des universités canadiennes en ont une, tout comme de nombreuses communautés rurales. L’annuaire des membres de l’Association nationale des radios étudiantes et communautaires est une bonne source pour trouver des stations, mais il y en a beaucoup d’autres à travers le pays.

Fais tes devoirs

Un peu comme toi, une station est toujours contente de constater qu’elle a des auditeurs engagés; et connaitre réellement ce qu’elle fait aide beaucoup. Est-ce qu’elle joue de la musique électro d’ambiance? Est-ce qu’elle a une émission consacrée au métal?

Consulte le site web de la station pour avoir une idée de sa programmation et pour connaitre ses critères de soumission pour un projet musical. Pour arriver à gérer la quantité phénoménale de musique qu’elles reçoivent tous les jours, les stations établissent des exigences de base qui leur simplifient la vie. Généralement, elles demandent :

  • Un exemplaire physique du CD (nous y reviendrons)
  • La liste complète des pistes
  • Une brève présentation du groupe

Visite la station

Aller déposer l’album en personne peut aider beaucoup. Il ne faut pas s’étonner si le directeur musical ou le personnel n’a pas beaucoup de temps pour discuter avec toi : ce sont des personnes occupées qui travaillent énormément. C’est toujours payant d’être poli et courtois, surtout dans une industrie basée sur la bonne volonté. Parle-leur un peu de ta musique, n’oublie pas de mentionner que tu écoutes leur station, et si tu aimes particulièrement une de leurs émissions, dis-leur.

Deviens bénévole

Comme dans toute chose dans la vie, on a souvent avantage à aller chercher la perspective intérieure. Par contre, contrairement à celle de bien des organismes, la porte des radios étudiantes et communautaires est généralement ouverte. Devenir bénévole pour ta station locale peut être super gratifiant, en plus de te faire rencontrer des personnes géniales, découvrir de la musique vraiment bonne et devenir membre d’une gigantesque communauté solidaire. C’est une excellente manière de rencontrer des gens partageant des points de vue similaires et de faire partie d’une communauté solide. Et si tu es musicien, ça ne peut pas nuire d’avoir des amis attentifs qui sont prêts à donner un coup de main.

Vois plus grand

Donc, tu as soumis ta musique, et elle est maintenant dans le top 10 du palmarès de la radio locale. Parmi tous les albums reçus par la station dernièrement, c’est le tien qui a joué le plus souvent, et il se tient toujours vers le sommet de leur palmarès. Tu as peut-être même déjà joué lors d’un concert-bénéfice pour la station, fait une entrevue ou une performance en direct à la radio – tu es prêt à voir plus grand. Avant d’aller lécher une centaine d’enveloppes contenant ton CD ou d’envoyer un courriel de groupe à tous les directeurs musicaux du pays sans les mettre en copie conforme invisible (par pitié, ne fait pas ça), c’est le moment de faire… plus de recherche!

Commence par discuter avec le directeur musical de ta station pour lui demander s’il connait d’autres stations où tu pourrais envoyer ton album. La collectivité des radios étudiantes et communautaires est solidaire, et avoir l’appui de ta station locale aidera certainement. Beaucoup communiquent entre elles et consultent le palmarès des autres stations pour se faire une idée de ce qu’elles devraient garder à l’œil.

Pour déterminer à quelles stations envoyer ta musique, lis le magazine !earshot en ligne pour regarder quels albums sont sur les palmarès des différentes stations à travers le pays. S’ils sont à jour, ça voudra dire que les nouvelles soumissions sont traitées rapidement; autrement, les stations sont probablement surchargées, alors ton album pourrait passer un certain temps sur le coin d’un bureau… Est-ce qu’il y a des albums avec un style similaire au tien? Si oui, tu as une idée d’où l’envoyer.

Dresse une liste de toutes les stations où tu veux envoyer ton album – 30 est un bon nombre pour commencer. Va voir leur site web pour trouver leur adresse postale et assure-toi de lire leurs directives de soumission. N’oublie pas que chaque station est différente : elles ont toutes leurs propres besoins et exigences.

Prépare ton envoi

Tu as maintenant en main un paquet d’enveloppes adressées avec amour à divers directeurs musicaux (ou autre personne appropriée selon ce qui était noté sur le site de la station) un peu partout au Canada. Alors… glissons quelque chose à l’intérieur!

La majorité des stations demandent que les enregistrements aient au moins quatre chansons (donc pas de single ni de remix), et soient accompagnés d’une liste complète des pistes (la durée peut aussi être utile) et de renseignements sur le compositeur. Une illustration sur la pochette aidera ton CD-R à se démarquer. Si tu as le temps, personnaliser quelque peu chaque envoi (sans virer fou pour autant) peut également avoir un impact.

La plupart des stations ne demandent PAS un dossier de presse tape-à-l’œil ni des photos de groupe avec un fini glacé. La majorité du temps, c’est la musique qui fait le travail; un directeur musical ne changera pas d’idée à cause d’un dossier de presse. En fait, il y en a même qui trouvent que c’est du gaspillage, ce qui nuit à la soumission.

Quand tes enveloppes sont prêtes à être envoyées, va voir l’employé du bureau de poste de ton quartier pour savoir la meilleure façon (c’est-à-dire la moins chère) de poster tes CD. Le prix peut varier beaucoup selon l’épaisseur, le poids et la grosseur des enveloppes : plus elles sont minces et légères, mieux c’est. Essaye de convaincre l’employé que tout devrait être envoyé par courrier régulier plutôt que par colis postal.

Croise les doigts si tu as un élan de nervosité; il ne reste plus qu’à attendre.

Fais un suivi

Il faut compter environ une semaine avant que chaque station ait reçu son enveloppe. Ensuite, ça peut prendre de quelques jours à quelques semaines avant que les stations aient le temps d’écouter tes CD. En attendant, tu peux tagger les stations sur les médias sociaux, ou leur envoyer un courriel pour les aviser que quelque chose leur a été envoyé. Le plus important à retenir est de ne pas trop insister. Si tu leur écris tous les jours pour savoir si ta soumission a enfin été reçue, ton album risque d’être mis de côté assez rapidement. C’est poche, mais la plupart des directeurs musicaux traitent chaque jour des centaines de courriels exactement comme le tien, et ils veulent des interactions agréables. Personne n’aime se faire harceler. La meilleure option reste un message concis et amical. Tu peux offrir de faire une entrevue, mais sans trop insister : si la station en veut une, elle va le demander.

Surveille les palmarès de chacune des stations auxquelles tu as envoyé ton enregistrement en visitant leur page d’accueil, !earshot, ou en demandant à être ajouté à leur liste d’abonnés. Si tu découvres que tu es sur un palmarès quelque part, écris un message de remerciement. Aussi, les radios étudiantes et communautaires adorent recevoir de la promotion de la part de musiciens; si tu fais connaître leurs palmarès, elles vont être encore plus emballées par ton groupe.

Tu peux aussi découvrir que ton album n’a pas été ajouté au répertoire d’une station. C’est dommage, mais il faut éviter de se frustrer ou de lui en vouloir. Les stations radio reçoivent énormément de musique, et elles écoutent tout. Il n’y a peut-être pas toujours un long commentaire explicatif justifiant pourquoi l’album n’a pas été ajouté (souvent, c’est quelque chose comme « Ne convient pas aux besoins de la station. »); mais ce n’est pas nécessairement parce que ta musique est de mauvaise qualité, c’est souvent juste qu’elle ne correspondait pas à leurs goûts. Si les gens sont ouverts à en discuter avec toi, ça peut devenir une occasion pour apprendre. Si ce n’est pas le cas, entre en contact avec d’autres stations.

Quoi faire maintenant?

Alors, maintenant, tu as des fans dispersés un peu partout au pays. Le nom de ton groupe est peut-être apparu sur un exemplaire du magazine Exclaim!, et un membre de ta famille vivant dans une autre ville a peut-être même entendu une de tes chansons à la radio. C’est super cool. Est-ce que ça veut dire que, en attendant de sortir ton prochain album, c’est la fin de ta relation avec toutes ces stations de radio? J’espère que non!

Il faut garder en tête que beaucoup de stations font des entrevues avec les groupes et même des séances de studio. Quand tu planifieras de partir en tournée pour conquérir le pays, essaye de prévoir des arrêts dans chacune des stations qui t’a envoyé de l’amour. C’est une excellente façon de promouvoir les spectacles, en plus de te mettre en contact avec encore plus de gens qui aiment ta musique et l’encouragent.

Il y a plein de manières différentes pour obtenir le soutien des radios étudiantes et communautaires. Comme dans toute relation, il faut être prêt à faire des compromis, à donner pour recevoir. Chaque station est différente et aucune expérience ne sera pareille, mais c’est ce qui rend tout ça génial. Une station peut ne pas triper sur ton album, alors qu’une autre peut l’adorer; chacune est indépendante et toutes te donneront une chance. Ce sont ces personnes qui se battent sans relâche dans les tranchées de la scène musicale underground pour aider les artistes comme toi. Pose ces quelques gestes pour leur simplifier la vie, et elles seront encore plus heureuses de défendre ta cause.

Johnnie Regalado est directeur de la programmation chez CFUV 101.9 FM, à Victoria (C.-B.). Il est également vice-président de l’Association nationale des radios étudiantes et communautaires, en plus de gérer un service DIY de radiodistribution appelé Hot Hand Cold Hand.

How To Start Taking Concert Photographs


Piece editors: Edited by Maegan, Matthew, Ariel, Magnus & Jarrett during a How To How-To workshop for CJSF 90.1 FM in Vancouver, BC.

I am an amateur photographer who knows very little about the mechanics of photography other than what I’ve picked up from taking a boatload of photos. But! I have had my photos published in multiple publications, including festival program guides, CITR 101.9’s magazine half Discorder Magazine, and The Globe & Mail. So if you want to take some concert photos and you have no idea what you’re doing with a camera, do not let that stop you! Here are some of things I’ve picked up while bumbling around with a camera that might help you as you get started.

I use a DSLR camera that was several models out of date when I bought it in 2009. The auto-focus doesn’t work and (most of the time) neither does the flash. But that’s okay! It does the trick and it produces a quality image. When I take concert photographs, my objectives are to a) Get a shot of each band where everyone looks cool and b) Annoy the artists and audience members as little as possible.

These are the steps I take in pursuit of these objectives:

1) Setting up the shot.
In low-light scenarios such as a music concert, black and white photography is everyone’s friend. This prevents odd colourations from ruining what could be a good photo and makes everyone’s cheekbones look better. Be my guest and take colour photos but make sure you grab a couple in b/w, just in case.

High angles are also an asset. In general, people in photos just look better from above. I don’t know why. Try getting on your toes when you’re taking the shot or looking for a higher place around the sides of the stage to prop yourself up. If that’s not available, try holding your camera higher up but if your camera uses a viewfinder instead of a display window, be conscious of where you’re aiming the lens or you’ll end up taking a picture of some disembodied heads.

2) Quality control: Just because you can take a million photos doesn’t mean you should. Here’s why: Every time you hold up your camera, you are blocking the view of the people behind you. Flash photos are conspicuous and they can tend to disrupt the flow of the performance, for both the audience and the artists. Don’t rely on good odds. With a bit of patience and set up, you can get a good photo on purpose. When you get home and have to upload and sort through one thousand pictures, you will hate yourself.

3) Be a part of the crowd. As a rule, people are generally pretty tolerant of photographers but don’t push your luck. It’s not worth ruining everyone else’s night. Instead, try dancing into the audience to take your picture. If that’s not for you (you don’t dance), learn the key unobtrusive photographing stations. These are generally located toward the far sides of the stage. Take shots from both sides.

4) Share your work. Volunteer as photographer for blogs and magazines. Put pictures on your own Flickr and Tumblr but also consider putting a note asking people to ask for permission to use your photos. I used to just leave my photos up for unqualified grabs but eventually I began finding them published without even being aware that anyone had liked my photographs well enough to publish them.

Taking photos can be a really fun way to enjoy a show and it’s awesome and satisfying when they turn out. So go forth and try it out!

Penny Clark is the How-To Editor at Weird Canada and plays power chords in a band called Tough Age. She has been taking amateur photos since 2008 and some of these can be found in Discorder Magazine, The Globe & Mail, the Vancouver Fringe Festival and the New Forms Festival program guides, and on the cover of the Korean Gut 7” called Lava Flow, out on Kingfisher Bluez.

Comment prendre des photos de concert lorsque l’on débute en photographie

Je suis photographe amateure et m’y connais très peu en photographie : ce que j’ai appris, je l’ai appris en prenant photo après photo après photo. Pourtant, mon travail est apparu dans de nombreuses publications, incluant des programmes de festivals, le magazine de CITR 101.9 Discorder Magazine et The Globe & Mail. Même si tu penses ne pas savoir ce que tu fais lorsque tu tiens une caméra, photographie sans arrêt! Voici quelques astuces que j’ai apprises en caracolant de fosse en fosse, caméra en bandoulière —j’espère qu’elles encourageront tes débuts.

J’utilise toujours un appareil réflex. Il était déjà dépassé de plusieurs modèles lorsque je l’ai acheté en 2009, la mise au point automatique ne fonctionne pas (la plupart du temps), le flash non plus. Cela dit, ce n’est vraiment pas un problème, il fait quand même des photos de qualité. Quand je prends une photo lors d’un concert, mes objectifs sont, a) de saisir un cliché de chaque groupe où tous les membres sont visibles et paraîssent à leur avantage b)de déranger les artistes et le public aussi peu que possible.

Voici les étapes qui me permettent d’atteindre au mieux ces objectifs :

1) Anticipation des prises de photos. Dans les scénarios tels un concert, la lumière se fait rare, le noir & blanc est ton meilleur ami. Il évite que des couleurs étranges ruinent une bonne photo qui serait autrement réussie—et qui n’a pas l’air d’avoir un visage plus saillant et sexy en noir et blanc? N’hésite pas à prendre des photos en couleurs, mais juste au cas où, assure-toi que tu as aussi quelques clichés en noir et blanc.

Les prises de vues en hauteur sont aussi un atout. Je ne sais pas pourquoi, mais en général, un sujet apparaîtra sous son meilleur jour lorsqu’on le capture de haut. J’essaye de me dresser sur la pointe des pieds pour prendre mes photos ou bien de localiser un point élevé à proximité de la scène. Si cette option n’est pas envisageable, je tiens mon appareil en hauteur. Attention : si tu utilises un appareil avec un viseur plutôt qu’un écran d’affichage, sois attentif lorsque tu positionnes ton objectif sinon tes photos risquent de n’être qu’un nuage flou de têtes sans corps.

2) Contrôle de qualité : Ne prends jamais une tonne de photos juste parce que tu as un appareil numérique. Voici pourquoi :

À chaque fois que tu brandis ton appareil, tu bloques le champ de vision des personnes qui se trouvent derrière toi.

Utiliser le flash lorsque l’on prend une photo passe rarement inaperçu et peut interrompre la continuité de la performance, aussi bien pour le public que les artistes.

Ne compte pas trop sur la chance. Avec un peu de patience et d’installation au préalable, il est possible de planifier la prise d’une bonne photo.

Tu vas te détester lorsque tu rentres chez toi et que tu te retrouves avec un millier de photos à télécharger et trier.

3) Fonds-toi dans la foule! Les gens sont généralement très tolérants vis-à-vis des photographes, mais ne prends pas le risque de les froisser inutilement. Ça ne vaut pas la peine de gâcher la soirée de tout le monde autour de toi. Essaye plutôt de danser avec le reste du public pour prendre tes photos. Si ça n’est pas vraiment ton style et que toi et la danse ne faites pas équipe, apprend à repérer les endroits où tu peux prendre des photos sans obstruer la vue des autres spectateurs. Ils se trouvent souvent sur les côtés extrêmes de la scène : prends des photos depuis la gauche ainsi que la droite.

4) Partage ton travail. Propose-toi comme photographe bénévole pour des blogues et des magazines. Poste tes photos sur ton Flickr et Tumblr et réfléchis à la possibilité d’ajouter une légende précisant que l’on devrait demander ta permission avant d’utiliser tes photos. Dans le passé, je laissais la liberté à n’importe quelle publication d’utiliser mon travail, mais j’ai commencé à trouver mes photos publiées un peu partout, dans des publications où personne n’avait jugé utile de me prévenir.

Prendre des photos peut-être une super façon de profiter d’un concert et de les voir à nouveau une fois le moment passé est extrêmement satisfaisant. N’hésite pas et lance-toi !

Penny Clark est l’éditrice « How to » de Weird Canada et joue des power chords dans le groupe Tough Age. Elle prend des photos en amatrice depuis 2008 et l’on peut retrouver certaines d’entre elles dans Discorder Magazine, The Globe & Mail, les guides du Fringe Festival de Vancouver et du New Forms Festival et la couverture du single de Koren Gut « Lava Flow », disponible chez Kingfisher Bluez.

How to Communicate With Media About Your Music


From the perpetually cycling inbox of Kristel Jax:

It’s getting harder to be a band on the internet when it should be getting easier. A rigid and largely indefinable force reduces art to economics, and the supply of independently produced music far outweighs demand. The market is tired.

Well-intentioned music fans and media have become so inundated with gimmicks, hype bands, big bands, new bands, reuniting bands, and disappointing bands that any voice trying to emerge is treated with perhaps more suspicion than ever before. Several factors contribute to this fatigue, the largest of which is time. There are not enough hours in a lifetime to listen to every Soundcloud stream. To watch every video. To reply to every email. To read every email.

When I say the market is tired, I mean the appetite for new work is being suppressed by cynicism. When the internet allows blogs, websites, and PR/marketing companies to call masses of upstart bands with half an idea and no stage presence important, essential, or interesting (increasingly often for a price), it’s easy to distrust the machine we’ve built and to lose interest in seeking out good work. Who listens to new artists anymore? As I write this I’m in one of the most creative neighbourhoods in the world and I fall asleep to the sounds of Rihanna drifting up off the street. I love Rihanna — but I also love finding out about and tracking brilliant new artists toiling in obscurity. At least, I like to think I do.

Some of the blame for my own cynicism lies in bad etiquette. I’m music editor of a Toronto-based website. I’m employed full-time, but music is 1/10th of my job at most. For every email sweetly requesting I stream someone’s new video, there’s somebody demanding justice for being left out of a listicle and a dozen PR agents touching base for the third time about securing a feature my site doesn’t provide. I see artists dish out hundreds or thousands of dollars out of pocket for publicity, and I wonder: who’s reading these emails? Who’s deleting them? Who is silently judging them?

Email exhaustion isn’t limited to music media, but artists need to be aware of it, and of the phenomena of content (I won’t use the word content again) overload. Returning to economics: this is about resources — valuable resources like time, space, energy, and yes, money. All of these things are valuable to you; they’re what allow you to make work. You’ve likely been frustrated by rejection or perceived rejection; your work can feel like an extension of you, and the separation of art from the personal might be difficult or impossible. Some of the best artists I know can’t make that separation and still make wonderful work and achieve industry success. But to build stable relationships, there’s undeniable value in balancing these feelings with what’s fair and practical in the moment.

Patterns emerge for me when I note the mistakes and success stories in my inbox, and I’ve tried to put this advice together as someone who’s been both a frustrated artist and frustrated editor. Whether you’re a musician or just a PR rep looking for clues, from the smallest DIY artists to the biggest cogs in the machine, what happens on the other side of your communications is crucial to consider.

If you’re not in the industry to support good work, by all means keep sending sketchy press releases with “Re:” in the subject line and all caps links to Buzzfeed mentions. It doesn’t take me much time to delete those emails. But if you’re an artist making work that needs support and you’re unsure of how you’re being perceived by the media (my background is in digital but I’d imagine much of this applies beyond blogs and webzines), or if you’re in marketing and want to represent your clients better, I hope this guide will be valuable to you.

<<< read more >>>

What do you want?

Everyone should ask themselves this question more often, and it’s key before you start working on an email campaign for your work. When you lay it out honestly, what you want might surprise you. Maybe you want more plays on Soundcloud or more Facebook fans so you can get the attention of a label or a booking agent. Maybe you want as many people as possible (how many people is that realistically? Ideally?) to stream your song because it’s about an issue that’s important to you. Maybe you want to start filling bigger rooms at local shows to impress better promoters. Set goals (as many as you want) smaller than “Best New Music” or a deal with 4AD. The more hyper-specific your goals, the easier it will be to know who to contact and how.

Who should you contact?

Building a contact list is a task unto itself. First ask, who do you know? If a friend writes music reviews for the university paper, that contact could be a lot more valuable than a favourite writer’s name pulled from the masthead of your favourite major music website. Not to say you shouldn’t contact both, but while you’re proud of your work, is it the first thing you want to pitch to a major website? Does this media outlet ever post bands as small as yours or are they only supporting bands who tour, bands on labels, or bands with some smaller press under their belt? What if you make something better a few months from now? You don’t have to start from the ground up, but emailing a local writer or a small blog is more likely to provide you with coverage when you’re starting out.

Figure out what you’re doing and think about where you fit into the media landscape. Who’s covering new music locally and regionally? Where are bands similar to you finding a home online? Which writers would best understand your approach? Can someone from your community provide you with media contacts? 

Start building a tiered list of contacts, organized by their potential level of interest. At least some of these should be people you can reach out to directly and personally.

While you shouldn’t tell your life story, being personal isn’t a bad idea. I respond better to personal emails (to a point — more on that below). Addressing each email separately rather than sending a mass email means it’s more eye-catching to the writer or publication, who will be more likely to think you’re contacting them because you’re familiar with their work (it’s best, and typically apparent, if you actually are familiar with their work). The huge downside here is your time. Even emailing the same form email with slight variations dozens or hundreds of times is a considerable commitment.

A tradeoff approach is to pick a few sites or writers to email individually, and then send a mass email to the rest. (Important: If you’re not using a mass email site like MailChimp, remember to BCC all recipients and address the email only to yourself.)

Beyond catching the eye of the receiver, a personal email is more likely to help you build a relationship with the individual writers who believe in your stuff — a strategy that’s often better than blind emailing hundreds of publications/sites. I don’t have specific advice for how to do this because it’s different in each situation — personalities and/or tastes will mesh when they mesh. Watch out for it and value it. These relationships go a long way.

Please keep in mind that personally addressed emails or having a relationship with the writer will not guarantee you coverage or a reply. Many PR reps have the names of hundreds of writers and address their emails either individually or through a spam machine. It would be impossible to reply to each one — and the reasons your pal on the music team at doesn’t write back could number too many for you to resent their silence. More on that soon.

When should you make contact?

Only email when you have something to say. Maybe all you have to say is “I’d like to make you aware of the work I’m doing” or maybe it’s very specific — “I am releasing a record at this place and time this month.”

If, say, your new video isn’t ready yet but you want to build some hype, be selective about who you notify. Try to pin-point who would actually want advance notice — generally it’s sites who have covered you before. Only send this kind of email once — a check-in email asking, “so, will you cover this thing you’ve never seen?” is asking too much. You’ll email again when your video is ready to share.

You can also contact sites before you release something to ask for a debut (again, be selective — if they have never covered you before, how likely is it they want to debut your new video/single/album stream?), but it’s risky. If they don’t email back right away, how long are you willing to wait?

Don’t send a press release to other publications asking them to share a review or story you got in another blog. I’m surprised when artists ask other sites for help sharing coverage another publication has given them. From an indie artist proud of their half page spread in a weekly to PR agents announcing their client’s mp3 is on a New York Times affiliated blog, it’s useless information and it comes off as desperate. If the feature you’re in is good, it will get seen. As a rule, focus on your work, not your media coverage. Quotes and links to other publications are okay to include in your press release, of course.

How many times should you make contact?

Email no more than twice about any subject or event (“I exist.” “I’m having a release for my debut album.” “I directed a video I’d like to share,” etc). After the initial email, there can be one follow up email. After that, if you believe your message was lost, let it be lost – because the truth is, your message probably wasn’t lost. There was likely just nothing the receiver could do with it.

Should you contact on Facebook?

Maintain personal boundaries. When should you approach writers or editors on their personal page with your band/album/festival? It’s going to differ by the person, but because enough people are jarred and discomforted by it, the answer with regard to anyone you have never interacted with before is never — unless you’ve exhausted finding any other contact. Then, message them asking for an email or alternate contact, not with your pitch.

What about Twitter?

“@” tweets on Twitter are less intrusive than messages sent via Facebook, but again, just ask for an email contact. Same goes for every other social platform.

How should you talk about your project?

Simple answer: be brief and straightforward. A quirky, esoteric, personal and/or long winded and exhaustive email about your project (be it your band, website, new single, coffee shop, record release show, tour, or etc) might seem like a good way to stand out, but it’s not.

Remember that you’re sharing information with someone who is already overloaded with information — even if they just run a small blog. When you put a lot of effort into a communication that doesn’t immediately resonate with the reader, you’re making a large demand on the recipient. No matter how gifted you are or how special your project is to you, your email is making a demand for their time and you need to show that you recognize that time as valuable.

Writing out your whole life’s story rarely works to your benefit in a cold pitch, and it will actually probably work against you. Remember your email will be skimmed rather than read. The appropriate place for art and abstract ideas is in your work. You’re emailing to find support for your work. Be straightforward about that.

Try to approach things like they’re going to be put through Google Translate (they might be!). Are your points clear? You don’t have to be a brilliant writer or more than passably literate at the language you’re writing the email in — you just need to be clear and concise about what you’re doing and what you want.

Basic tips for email

a) Even though you should have specific outcome goals for your email, outright asking for a specific kind of support from a writer or publication can create a stressful engagement with the receiver (remember, you’re emailing a human being). Know what you want, but when you write the message it’s best not to make specific requests or demands (So, are you interested in an interview? Can you post the track? Can I rely on you for promo?). Opt instead for more considerate phrasing: I’d like to make you aware of…, would love to chat with you more about this some time, hope this might be a fit at some point. This kind of language shows that you’re aware of and respect the site’s resources. It also opens you up for more opportunities: if you ask for a track embed the writer can’t provide, they may forget about you. If you reach out with a link to the track in hopes of some form of support, you might find yourself included in some other capacity. Make open ended requests.

b) Don’t send attachments. Link to media (songs, albums, videos, images, one sheets, bios, etc). An email with an attachment is way more likely to get spam filtered, and even if it does make it into someone’s inbox, it looks like spam. An attachment also places another demand on the receiver — a demand that they download your content onto their computer without knowing what it is. If that doesn’t seem like a huge demand, or you like the idea of forcing someone to have a digital copy of your work on their hard drive, remember hundreds of emails just like yours making the same demand each week. You don’t do yourself any favours by contributing to someone’s clutter problem — and I doubt many bloggers bother to download random content.

c) Say what your links are pointing to so they don’t appear as random hyperlinks. Keep it short. “Watch the video here: [link],” “Press kit: [link], ” “Facebook: [link].”

d) Remember you don’t know what your email looks like on the other side. A perfectly formatted email might come through as one paragraph with all the special characters converted into strings of undecipherable HTML. This is another reason to keep things short and simple.

e) Don’t write in all caps. The people you’re emailing get tons of emails that are in all caps, and these emails are not afforded any priority — if anything, they’re more likely to be seen as nuisance emails or spam.

f) Don’t use phrases like “BUZZ BAND” or “HYPE SINGLE.” If you’re a buzz band or you have a hype single (or the artist you represent is/has one), the writer will already know. Otherwise the claim is stretching, and it looks silly.

g) Same goes for “1 MILLION PLAYS,” “SOLD OUT IN 5 MINUTES,” “MOST DOWNLOADED OF THE WEEK“— if you’re so popular, why are you cold emailing? It looks desperate, and even if you’re representing a huge artist, the receiver will wonder what’s really going on behind the scenes. For example, “*Is [established artist]’s record selling so poorly that I’m being emailed about Youtube stats?*”

h) Don’t write “Re:” in a subject line when it’s your first email so it looks like a thread of conversation with the receiver has already been established. That’s transparently manipulative, and it will instill resentment instead of interest. Some people can’t believe that this practice happens, but I see it a lot — mostly with bad PR companies.

i) Always BCC mass emails. This bears repeating. If you’re not using a mass email site like MailChimp, remember to BCC all recipients and address the email only to yourself. One disgruntled or careless blogger who hits “reply all” can kickstart a massive and disastrous chain of spam. I’ve watched this happen with anyone from unknown indie bands to major festivals. Plus, you don’t want everyone to know who else you’re emailing.

j) Say where you’re from. I’m biased as I work full time on a Toronto-centric blog, but this is a good rule no matter who you’re emailing (you should also list where you’re from on your profiles online). It might seem boring or bourgeois, but your profile/email is not your art, or an extension of your work as an artist. It’s a communication about what you do. If you identify as an internet artist, I get that, and I also know what it’s like to be an artist based from the road, or multiple locations, or to feel like your work has nothing to do with your home base. But if I don’t know you’re based in Toronto, I can’t help you if I see you claim to live in Liberia.

Are you entitled?

It will work against you to be upset that a publication hasn’t been keeping tabs on you — and it will also tire you out. Be aware that if you’re not in direct communication, you’re often relying on pure chance to land your new record in the hands of busy media. Maybe someone will read about it on social media or another site. Maybe they won’t. If you’re a tiny label that never sends press releases, how can you legitimately claim your artists are ignored? Expecting writers to come and check out your page periodically is asking a lot. Plus, have you even updated your webpage? Posted those new discs to Facebook? I wish more underground artists and micro labels would actively reach out to me and the other channels available to them.

It’s also important to understand that if a site has covered you before, they don’t owe you more coverage in future. There are tons of reasons why a writer who blogged positively about your last video will be unable to help you out with your new video — consider that they might want or need to spend their limited resources on other artists, rather than devoting these resources to a lucky few (their editor may also have a rule about this in place); their column might have been cut (my local weekly was cut this summer); your new video may not fit this site while the other one did; they might not like your new video; they may be too busy during this period of time (this is the big one) — etc. It’s a great idea to maintain communication with writers and sites who have supported you before, but the misstep lies in firing back if they don’t act on your emails. There are too many variables in place for you to rely on coverage. Storming about over perceived neglect will destroy contacts.

Don’t harass sites for leaving your project out of a story, either. There’s a way to make this exclusion work for you instead of against you: if you see a list or feature that could have included your work, politely and briefly get in touch to say you liked the article. Include info on who you are and links to your media, and say you hope you can be considered in future.Keep it positive, and the person receiving your message will receive it positively. When I see heartfelt letters from artists saying they’re disappointed they weren’t included in a story it will always read as entitled — nothing guilt trippy or antagonistic will truly work in your favour. Keep your contact professional and you will be taken seriously, and build potentially easy bridges to areas where work like yours has already found a home.

Similarly, never ask that an article be altered to include you. This is even more untoward, especially if you’re suggesting another artist be removed for your benefit. This is the kind of discomfort writers and editors remember. You might really think you belong on that top 10 list in place of [band you haven’t heard of/think are terrible], but it’s best to keep that opinion to yourself.

The exception would be if your name was excluded from a project you actually deserve credit for — say all the band members were named except you. I’ll get to that below.

Note: Similarly, don’t comment on articles saying they “missed your project.” No potential fan or media outlet who reads that comment will respect your work, and you never know who will see it and remember it negatively. Do comment and say “here’s my project” or better yet, say something positive about the piece and how it relates to your work, and then link your project. If you don’t have anything positive to say about the article, you don’t want your stuff linked from it anyway.

What if they fucked up?

If a small mistake has been made (say your name was left out of a feature on an event you’re running purely because they forgot), a good writer or editor will alter the piece or make amends however possible after you email to (politely!) remind them you exist. If they don’t, they fucking suck — or they just got busy with more urgent priorities and forgot. Cut losses here after contacting once or twice instead of making yourself into an urgent priority through harassment. It’s rough and disappointing, but there will be other pieces, and you don’t know what’s up behind the scenes.

If an article gets something wrong about you or an event or project you are involved with or close to, it’s definitely okay to request a change. But! There’s a productive way to handle this too rather than tweeting cathartic curses and insults at the publication. Remember it’s likely that a genuine mistake has been made. In this case, email the writer or the appropriate figure from the masthead, or at least calmly tweet corrections and a request for change. Don’t make demands or suggest ultimatums for changes — give them a fair chance to make right, and they usually will. You may end up building a relationship instead of coming off as hostile. If you contact twice and get no response, you can try moving up the masthead (say from section editor to editor-in-chief), try a different medium (say Twitter instead of email), or (I know it hurts) cut losses. If it happens more than once, maybe this publication isn’t worth your time.

It might seem weird, but the same-ish rule applies if you’re going to call out a publication for harmful content such as plagiarism, sexism, homophobia, or slander. You’ll learn a lot about who is behind a publication by how they respond to your initial contact. It should be understandable to the publication in this case if you’re angry — but do try to give them a chance. You could end up building relationships and, possibly more importantly, making things better on the publication’s end instead of building walls. I’m more hesitant to suggest the cutting losses approach here if the publication has really fucked up, though. It depends how much energy you have to spend.

Should you pay for PR?

Maybe. I’m always in favour of the DIY and community driven approach (make good work; support good work) but I’ve seen it work the other way. If you are considering paying for PR, know what you’re getting into. A lot of the time the above mistakes aren’t being made by bands — they’re being made by the people the bands pay to represent them. I sometimes wonder if bands are aware they’re being referred to as a “HYPE LOCAL BUZZ BAND” to hundreds or thousands of outlets by their PR rep.

Here’s what you should do before you pay a thousand bucks for an email campaign. Once you figure out exactly what you want, then look into finding out how realistic your goals are (is there someone in your community who can give you a knowledgeable practical opinion? This is a great time to use the contacts you’ve built). Get referrals and stories from other artists in your communities. Shop around and compare rates. Find a rep who will give you the time you need, the amount of control that you desire, and who will deliver competitive packages. Tell the agent or agency what you want and ask them how (not if) they can get it for you. Ask who’s on their email list and how they’ll tailor that list for you. Look at who is on their roster and ask to see campaigns they’ve worked on. Find out how they’ll handle inquiries from publications about you or your work. Research what they’re doing with social media. Ask for past success stories. Ask why they would want to represent you. See if they can go beyond web based marketing with your work. If you feel uncomfortable, try to figure out why — or just say no. As an artist, you can be and should be in control. If you can’t find what you want, maybe it’s not time to go this route.

A PR rep can save you time and energy — but the emails I’m most likely to take action on will always be those messages that are coming from the band or label directly. This will vary by publication, though — for the most part the higher you go, the less time anyone has for getting personal.

Instructional essay exhaustion

Do take this, cynically or sympathetically, as coming from a writer/editor who is also trying to make their own life easier. I’m not happy with the state of the “back end” of media (aka where your press releases and emails end up), and I wish I could offer better advice than learning when cut your losses, stay positive, and to focus your energy contributing to a grassroots community. I know that you, too, are tired and stretched for resources.

What I’ve observed from either side is an overwhelmed and haphazardly erected system, which must be seen as malleable and in flux. We need new ideas and better support systems than the ones we have. It’s more important that artists’ lives get easier than mine, and I hope there’s something here that can help you achieve that.

Kristel Jax is Arts & Events Editor at,in Toronto and performs as Brigitte Bardon’t. She’s on Twitter as @AubreyJax.

Du cycle perpétuel dans la boîte de réception de Kristel Jax:
(Traduit par Jessica Grenier)

Il est de plus en plus difficile d’être un groupe sur internet alors que ce devrait être le contraire. Une force rigide et indéfinissable réduit l’art à une question d’argent, et l’offre de musique indépendante dépasse largement la demande. Le marché est fatigué.

Médias et amateurs de musique bien intentionnés se sont retrouvés tellement inondés d’attrapes, de big bands et de groupes « nouveaux », « de l’heure », « séparés, mais réunis » ou carrément décevants que toute nouvelle voix tentant de se faire entendre est accueillie avec une plus grande méfiance qu’auparavant. Parmi les facteurs contribuant à cette fatigue, le principal est le temps. Une vie entière ne contient pas d’assez d’heures pour écouter tout ce qui est diffusé sur Soundcloud, regarder chaque vidéo, répondre à chaque courriel – ou les lire.

Quand je dis que le marché est épuisé, je veux dire que le cynisme a écrasé l’appétit que nous avions pour la nouveauté. Puisque les blogues, les sites web et les compagnies de marketing/relations publiques peuvent utiliser internet pour présenter un paquet de nouveaux groupes avec le début d’une idée qui n’ont aucun charisme sur scène comme importants, intéressants, à voir (de plus en plus, moyennant un certain montant); il devient facile de se méfier de cette machine que nous avons construite et de perdre l’envie de partir en quête de ce qui est bon. Qui écoute de nouveaux artistes de nos jours? Alors que j’écris ces lignes, je suis dans un des quartiers les plus créatifs au monde, mais je m’endors au son de Rihanna qui déambule dans les rues. J’adore Rihanna – mais j’aime aussi découvrir les nouveaux artistes brillants qui travaillent dans l’ombre. Ou du moins, c’est ce que j’aime penser.

Une partie de mon propre cynisme vient du manque d’étiquette. Je suis éditrice de musique pour un site web de Toronto. Je travaille à temps plein, mais la musique représente (tout au plus) le dixième de mon travail. Pour chaque courriel demandant gentiment que je diffuse le nouveau vidéo de quelqu’un, il y en a un autre qui demande réparation pour avoir été écarté d’un article et une douzaine d’agents de relations publiques qui essayent pour la troisième fois de s’assurer un article de fond que notre site n’offre même pas. Je vois des artistes qui vont puiser des centaines ou des milliers de dollars de leurs poches en publicité, et je me demande : qui lit ces courriels? Qui les supprime? Qui les juge en silence?

L’épuisement par courriels n’est pas limité aux médias de la musique, mais les artistes doivent savoir qu’il existe, lui et le phénomène d’excès de contenu (je ne réutiliserai pas le mot contenu). Si l’on revient à la question d’argent : on parle de ressources – des ressources précieuses comme le temps, l’espace, l’énergie et, oui, l’argent. Toutes ces choses sont importantes pour vous puisqu’elles vous permettent de travailler. Vous avez vraisemblablement été frustrés par un rejet (réel ou perçu). Votre travail peut vous sembler une extension de vous-mêmes, et la séparation entre l’art et le personnel peut être difficile à faire, voire impossible. Quelques-uns des meilleurs artistes que je connais n’arrivent pas à faire cette séparation, et ils parviennent quand même à faire un travail merveilleux et à avoir du succès dans l’industrie. Mais pour construire des relations stables, savoir équilibrer ces sentiments avec ce qui est juste et pratique sur le moment est d’une aide indéniable.

J’ai noté des tendances en observant les réussites et les échecs dans ma boîte de réception, alors j’ai essayé d’en déduire des conseils (en tant que personne ayant été tant l’artiste frustrée que l’éditrice). Que vous soyez musicien ou simplement un agent cherchant des pistes, du plus petit artiste DIY aux plus gros rouages de la machine, il est crucial de considérer ce qui se passe de l’autre côté de vos messages.

Si vous n’êtes pas dans l’industrie pour encourager le bon travail, s’il vous plaît continuez d’envoyer des communiqués de presse louches dont le sujet commence par « Re : » suivi d’un lien vers Buzzfeed écrit tout en majuscules. Ce n’est pas très long de supprimer ces courriels. Par contre, si vous êtes un artiste qui a besoin de soutien pour son travail et que vous n’êtes pas certain de comment les médias vous perçoivent (je suis dans le domaine numérique, mais j’imagine que les grandes lignes s’appliquent à l’extérieur des blogues et des webzines), ou si vous travaillez en marketing et désirez mieux représenter vos clients, j’espère que ce guide saura vous être utile.

<<< la suite >>>

Que voulez-vous?

On devrait tous poser cette question plus souvent. C’est la clé avant d’entreprendre une campagne de courriels pour promouvoir votre travail. Quand c’est fait honnêtement, on peut être surpris de la réponse. Peut-être que vous voulez plus d’écoutes sur votre Soundcloud, ou plus de fans sur Facebook pour pouvoir attirer l’attention d’un label ou d’un agent artistique. Peut-être que vous voulez que le plus de gens possible (de combien de personnes parle-t-on concrètement? Idéalement?) écoute votre chanson en ligne parce que c’est sur un sujet qui vous tient à cœur. Peut-être que vous voulez commencer à remplir de plus grandes salles locales pour impressionner de meilleurs promoteurs. Fixez-vous des objectifs (autant que vous voulez) plus petits que « Meilleure nouveauté musicale » ou contrat avec 4AD. Plus ils seront hyper spécifiques, plus il sera facile de trouver qui contacter et comment.

Qui contacter?

Élaborer une liste de contacts est une tâche en soi. Premièrement, il faut se demander : qui connaissez-vous? Si un de vos amis écrit des critiques pour le journal universitaire, ce contact pourrait être beaucoup plus important que le nom d’un de vos rédacteurs préférés tiré du bloc-générique d’un de vos grands sites de musique préférés. Ce n’est pas qu’il ne faudrait pas contacter les deux, mais bien que vous soyez fier de votre travail : est-ce que c’est première chose que vous voulez présenter à un grand site web? Est-ce que ce média a déjà publié sur des groupes aussi petits que le vôtre, ou est-ce qu’ils écrivent uniquement sur ceux qui ont fait des tournées, qui ont des labels, ou qui ont un peu plus d’expérience? Et si vous faites quelque chose de mieux d’ici quelques mois? Il ne faut pas nécessairement commencer au bas de l’échelle, mais lorsqu’on commence, contacter un rédacteur local ou un petit blogue est plus susceptible de se conclure par une couverture médiatique.

Déterminez ce que vous faites et où vous vous situez dans le paysage médiatique. Qui couvre la musique émergente localement, régionalement? Où vont les groupes semblables au vôtre pour trouver un tremplin en ligne? Quels rédacteurs seraient plus à même de comprendre votre approche? Y a-t-il quelqu’un dans votre communauté qui peut vous fournir des contacts dans les médias? Commencez à rédiger une liste de contacts organisée en fonction de leur niveau d’intérêt potentiel. Il devrait y en avoir au moins quelques-uns que vous seriez en mesure de contacter directement, en personne.

Éviter de raconter l’histoire de sa vie est une bonne chose, mais faire quelques remarques personnelles n’est pas une mauvaise idée non plus. Je réponds mieux aux courriels personnels (jusqu’à un certain point – j’y reviendrai plus loin). Envoyer chaque message séparément plutôt qu’un envoi massif fait en sorte qu’il risque plus d’attirer l’attention du rédacteur ou de la publication, et il y aura plus de chance qu’il pense que vous les contactez parce que vous savez ce qu’ils font (c’est mieux – et généralement évident – si c’est réellement le cas). Le gros côté négatif ici est le temps : même envoyer un message identique avec quelques petites modifications des douzaines ou des centaines de fois est un investissement de temps considérable.

Un bon compromis est de choisir quelques sites ou rédacteurs à contacter individuellement, puis d’envoyer un message de groupe au reste. (Important : Si vous n’utilisez pas un site comme Mailchimp pour les envois massifs de courriels, rappelez-vous de placer tous les destinataires en CCI et d’adresser le message uniquement à vous-même.)

En plus d’attirer l’attention du destinataire, un courriel personnel augmente les chances de pouvoir bâtir une relation avec les rédacteurs qui croient en votre travail – une stratégie qui fonctionne souvent mieux que l’envoi d’un courriel au hasard, à des centaines de sites ou de publications. Je n’ai pas de précisions sur combien de temps il faudrait le faire puisque c’est différent selon les situations – les personnalités et/ou les goûts se rencontrent quand ils se rencontrent. Soyez à l’affût et chérissez-les. Ces relations vous seront profitables.

Il est important de garder à l’esprit que le fait de s’adresser au rédacteur personnellement ou de le connaitre ne garantit pas un article ni une réponse. Beaucoup d’agents de relations publiques ont le nom de centaines de rédacteurs et vont les contacter soit individuellement soit par une machine à spams. Répondre à chacun est impossible – et les raisons derrière le silence de votre ami dans l’équipe de musique de peuvent être trop nombreuses pour que vous lui en vouliez. J’en reparlerai bientôt.

Quand les contacter?

Envoyez un courriel uniquement quand vous avez quelque chose à dire. Peut-être que ce sera juste « J’aimerais vous mettre au courant de ce que je fais » ou peut-être que ce sera très spécifique – « Je fais le lancement de mon album à tel endroit, tel moment ce mois-ci. »

Si, par exemple, votre nouveau vidéo n’est pas encore prêt, mais que vous voulez mousser l’intérêt, choisissez qui vous voulez aviser. Essayez de cerner qui serait réellement intéressé à être avisé – ce sont généralement des sites qui ont déjà écrit sur vous auparavant. Ce genre de courriel ne doit être envoyé qu’une fois – un message voulant s’assurer que « et puis, allez-vous couvrir cette chose que vous n’avez jamais vue? » en demande trop. Vous enverrez un nouveau courriel lorsque le vidéo sera prêt à être partagé.

Vous pouvez aussi contacter des sites pour demander un premier article avant de lancer quelque chose (encore une fois, il faut être sélectif – s’ils n’ont encore jamais écrit sur vous, quelles sont les chances qu’ils veulent le faire pour votre nouveau vidéo/single/album?), mais c’est risqué. S’ils ne répondent pas, combien de temps êtes-vous prêt à attendre?

N’envoyez pas de communiqué de presse à une publication en lui demandant de partager une critique ou un article qui est paru dans un autre blogue. Je suis toujours surprise quand un artiste demande à des sites de partager une couverture faite par une autre publication. Du musicien indie fier de sa demi-page dans un hebdomadaire à l’agent annonçant qu’un mp3 de son client est sur un des blogues affiliés au New York Times, si l’article dans lequel vous êtes mentionné est bon, il va être vu. De façon générale, misez sur votre travail, pas sur votre couverture médiatique. Les citations et les liens vers d’autres publications sont évidemment OK si elles sont incluses dans votre communiqué de presse.

Combien de messages faut-il envoyer?

Pas plus que deux pour un même sujet ou événement (« J’existe. », « J’organise un lancement pour mon premier album. », « J’aimerais partager un vidéo que j’ai produit. », etc.). Il peut y avoir un deuxième message après le courriel initial pour faire un suivi. Par la suite, si vous pensez que le message a été perdu, laissez les choses ainsi – la vérité, c’est que votre message n’a probablement pas été perdu. Il est vraisemblable que le destinataire ne pouvait simplement rien faire avec.

Peut-on contacter par Facebook?

Conservez les limites personnelles. Quand devriez-vous approcher les éditeurs ou les rédacteurs sur leur page personnelle pour votre groupe/album/festival? C’est différent selon les personnes, mais comme certaines peuvent être choquées ou mal à l’aise, la réponse est jamais si l’ on parle de quelqu’un avec qui aucun message n’a encore été échangé – sauf si c’est le seul moyen de les contacter. Dans ce cas, écrivez-leur pour demander un courriel ou une autre façon de les joindre, pas pour présenter vos trucs.

Et pour Twitter?

Les « @ » tweets de Twitter sont moins envahissants que les messages envoyés sur Facebook, mais encore une fois, demandez un courriel. La même chose s’applique pour les autres médias sociaux.

Comment parler de votre projet?

C’est simple : soyez bref et direct. Un courriel original, ésotérique, personnel, exhaustif et/ou de longue haleine sur votre projet (que ce soit votre groupe/site web/nouveau single/café-restaurant/spectacle de lancement/etc.) peut sembler une bonne façon de se séparer du lot… ce ne l’est pas.

Rappelez-vous que vous communiquez avec quelqu’un qui croule déjà sous une montagne d’informations – même si ce n’est qu’un petit blogue. Quand vous mettez beaucoup d’effort sur un message qui ne va pas chercher le lecteur, vous en demandez beaucoup au destinataire. Peu importe votre talent ou l’importance que vous accordez à votre projet, votre courriel demande de son temps, et vous devez démontrer que vous êtes reconnaissant de ce temps précieux qui vous êtes accordé.

Raconter l’histoire de votre vie fonctionne rarement lors d’une présentation à froid, et cela risque même de vous nuire. Souvenez-vous que votre message sera probablement survolé plutôt que lu. L’art et les idées abstraites devraient être dans votre art; vous envoyez un courriel pour obtenir du soutien, et en ce sens, soyez direct.

Essayez de présenter les choses comme si elles étaient pour être passées dans Google Translate (et c’est possible!). Les points sont-ils clairs? Pas besoin d’être un excellent rédacteur ou de maîtriser parfaitement la langue dans laquelle vous écrivez le courriel – il faut seulement expliquer de façon claire et concise ce que vous faites et ce que vous voulez.

Conseils utiles pour le courriel

a) Même si vous devriez avoir des résultats spécifiques en tête, demander directement un soutien précis de la part du rédacteur ou de la publication peut lui imposer des attentes stressantes (rappelez-vous, vous écrivez à un être humain). Il faut savoir ce que vous voulez, mais en écrivant le message, il est préférable de ne pas formuler de demandes précises (Donc, êtes-vous intéressé à faire une entrevue? Pouvez-vous diffuser la piste? Je peux me fier à vous pour la promo?). Optez plutôt pour des phrases plus cordiales : J’aimerais vous aviser de…, j’adorerais prendre un moment pour en discuter davantage avec vous, j’espère que cela pourrait convenir un jour. Ce genre de langage respectueux démontre que vous êtes conscient des ressources du site. Cela vous ouvre également d’autres possibilités : si vous demandez qu’une piste soit mise en ligne et que ce n’est pas possible pour le destinataire, il se peut qu’il vous oublie. Mais si vous communiquez dans l’espoir d’une aide quelconque en fournissant le lien vers la piste, vous pourriez être inclus d’une autre façon. Faites des demandes ouvertes.

b) N’envoyez pas de pièces jointes, seulement des liens (vers des chansons/albums/vidéos/images/one sheets/bios/etc.). Un courriel avec une pièce jointe a plus de chance de se retrouver dans le courrier indésirable, et même s’il arrive dans une boîte de réception, il a l’air d’un spam. En plus, la pièce jointe impose une demande supplémentaire à la personne qui la reçoit – qu’elle télécharge le contenu sur son ordinateur sans savoir de quoi il s’agit. Si cette demande ne semble pas énorme, ou si vous aimez l’idée de forcer quelqu’un à avoir une copie numérique de votre travail sur son disque dur, rappelez-vous que des centaines de courriels comme le vôtre font la même demande chaque semaine. Vous ne vous aidez pas en empirant le fouillis de quelqu’un – et je doute que beaucoup de blogueurs se donnent la peine de télécharger des contenus hasardeux.

c) Décrivez brièvement les liens pour éviter qu’ils paraissent aléatoires. « Pour voir le vidéo : [lien] », « Dossier de presse : [lien] », « Facebook : [lien] ».

d) Rappelez-vous que vous ne savez pas de quoi aura l’air le courriel de l’autre côté. Un message parfaitement formaté peut se retrouver en un paragraphe où tous les caractères spéciaux ont été convertis en chaines HTML indéchiffrables, raison de plus pour garder les choses simples et courtes.

e) N’écrivez pas en majuscules. Les gens à qui vous écrivez reçoivent des tas de courriels qui le sont, et ces messages ne sont pas considérés comme prioritaires – en fait, ils risquent surtout d’être vus comme des courriels indésirables ou du spam.

f) N’utilisez pas des phrases comme « BUZZ BAND » ou « HYPE SINGLE ». Si vous l’êtes ou en avez un (ou que c’est le cas de l’artiste que vous représentez), le rédacteur est déjà au courant. Autrement, l’affirmation est exagérée et parait absurde.

g) Même chose pour « 1 MILLION D’ÉCOUTES », « VENDU EN 5 MINUTES », « LE PLUS TÉLÉCHARGÉ CETTE SEMAINE » — si vous êtes si populaire, pourquoi le courriel à froid? Ça parait désespéré, et même si vous représentez un artiste connu, le destinataire va se demander ce qui se passe dans les coulisses; par exemple : « Est-ce que les ventes de [tel artiste connu] sont mauvaises au point qu’il m’envoie un message avec ses stats de YouTube? »

h) N’écrivez pas « Re : » dans le sujet de votre premier courriel pour qu’il ait l’air d’une conversation déjà entamée avec le destinataire. C’est clairement manipulateur, en plus d’inspirer du ressentiment plutôt que de l’intérêt. Certains n’arrivent pas à croire qu’une telle pratique existe, mais je le vois souvent – surtout par des mauvaises compagnies de relations publiques.

i) Mettez toujours les destinataires en CCI. Ça mérite d’être répété. Si vous n’utilisez pas un site pour les envois massifs comme MailChimp, souvenez-vous de mettre toutes les adresses courriel en CCI et de n’adresser le message qu’à vous-même. Il suffit d’un blogueur distrait ou mécontent qui appuie sur « répondre à tous » pour commencer une chaine de spam longue et désastreuse. C’est quelque chose que j’ai souvent vu se produire, tant de la part du petit groupe indie que du gros festival. Et puis, vous ne voulez pas que tout le monde sache ceux à qui vous avez écrit.

j) Dites d’où vous venez. Mon avis est biaisé puisque je travaille à temps plein pour un blogue de Toronto qui encourage la production locale, mais c’est une bonne règle à suivre, peu importe à qui vous écrivez (vous devriez aussi l’écrire sur votre profil en ligne). Cela peut paraitre plate ou bourgeois, mais votre profil/courriel n’est pas votre art ni une extension de votre travail en tant qu’artiste. Il communique ce que vous faites. Je comprends que vous pouvez vous définir comme artiste d’internet, et je sais à quoi ça peut ressembler d’être un artiste souvent sur la route, ou à différents endroits, ou d’avoir l’impression que votre art n’a rien à voir avec la ville d’où vous êtes. Mais je ne pourrai pas vous aider si vous dites être du Libéria et que je ne sais pas que vous êtes de Toronto.

Êtes-vous reconnaissant?

Se fâcher contre une publication qui ne garde pas à l’œil tout ce que vous faites pourrait jouer contre vous – et vous épuiser. Il faut savoir que si vous n’êtes pas en communication directe avec eux, c’est souvent une question de chance si votre nouvel album finit par atterrir entre les mains des médias occupés. Peut-être que quelqu’un va lire quelque chose à propos de votre album sur les médias sociaux ou un autre site, et peut-être pas. Si vous êtes un petit label qui n’envoie jamais de communiqués de presse, comment pouvez-vous légitimement affirmer qu’on ne porte pas attention à vos artistes? C’est beaucoup demander que de s’attendre à ce que les rédacteurs viennent fréquemment consulter votre page. Et puis, est-ce que cette page a été mise à jour? Et les nouveaux albums, annoncés sur Facebook? J’aimerais que plus d’artistes underground et de microlabels nous joignent activement, moi et les autres canaux à leur disposition.

Il est aussi important de comprendre que ce n’est pas parce qu’un site a parlé de vous dans le passé qu’il vous doit quoi que ce soit dans le futur. Il y a des tas de raisons qui peuvent faire en sorte qu’un blogueur ayant publié quelque chose de positif sur votre dernier vidéo ne puisse pas vous aider pour le nouveau – dans l’optique où il peut vouloir ou devoir dépenser ses ressources limitées sur d’autres artistes plutôt que de les réserver pour une poignée de chanceux (c’est peut-être même une règle imposée par l’éditeur), leur colonne peut avoir été réduite (comme ma section locale hebdomadaire cet été); votre nouveau vidéo ne cadre peut-être pas avec le site alors que c’était le cas pour l’autre; peut-être qu’il n’aime pas ce nouveau vidéo; peut-être qu’il est très occupé en ce moment (et c’est le principal) – etc. C’est une excellente idée de rester en contact avec les rédacteurs et les sites qui vous ont soutenu par le passé, mais ce serait une erreur de les attaquer s’ils ne réagissent pas à vos courriels. Il y a trop de variables à considérer pour que vous teniez leur couverture pour acquise.

Accuser vos contacts parce que vous vous sentez négligés va détruire la relation. Évitez aussi de harceler les sites qui n’ont pas mentionné votre projet dans un article. Il y a une façon de prendre cette exclusion et de la faire fonctionner à votre avantage : si vous voyez une liste ou un article qui aurait pu inclure votre travail, envoyez-leur un message bref et poli disant que vous avez apprécié l’article. Expliquez qui vous êtes et faites des liens vers ce que vous faites en disant que vous espérez qu’ils vous considéreront dans le futur. Soyez positif, et la personne qui liera le message le recevra positivement. Quand on reçoit des cris du cœur d’artistes déçus de ne pas avoir été mentionnés dans un article, ça transmet toujours l’idée d’être redevable – et un message hostile ou culpabilisant ne jouera pas en votre faveur. Restez professionnel : vous serez pris au sérieux et construirez peut-être même des ponts vers des endroits où un projet semblable au vôtre a déjà été accueilli.

De la même façon, ne demandez jamais qu’un article soit modifié pour vous inclure. C’est encore plus déplacé, surtout si vous suggérez d’enlever un autre artiste pour le remplacer. C’est le genre d’inconfort dont les rédacteurs et les éditeurs se souviennent. Vous pouvez être réellement persuadé que votre nom irait mieux dans ce top 10 que [tel groupe inconnu/que vous trouvez mauvais], mais gardez cette opinion pour vous.

L’exception serait dans le cas où votre nom a été oublié dans le cadre d’un projet pour lequel vous avez du mérite, par exemple tous les membres du groupe – sauf vous – ont été nommés. J’y reviendrai.

Note : Évitez aussi de commenter des articles en disant qu’ils « ont manqué votre projet ». Aucun respect envers votre travail ne découlera de la lecture de ce commentaire par un média ou un fan potentiel, et ils s’en souviendront de façon négative. Vous pouvez par contre commenter en disant « voici mon projet » ou, encore mieux, en ajoutant quelque chose de positif à propos de l’article et en soulignant en quoi ça rejoint votre art (avec un hyperlien). Si vous ne trouvez rien de positif à dire sur l’article, vous ne voulez pas y être associé de toute façon.

Et s’ils se sont plantés?

Si une petite erreur a été commise (votre nom a été tout simplement oublié dans un article couvrant un événement que vous organisez), un bon éditeur ou rédacteur va modifier l’article ou se rattraper dans la mesure du possible après que vous ayez envoyé (poliment!) un message pour lui rappeler votre existence. S’ils ne le font pas, ils sont vraiment mauvais – ou ont juste oublié parce qu’ils sont trop occupés avec des choses plus urgentes. Lâchez prise après les avoir contactés une ou deux fois plutôt que de vous faire escalader au rang de chose urgente en les harcelant. C’est difficile et décevant, mais il y aura d’autres articles, et vous ne savez pas ce qui se passe dans les coulisses.

Si un article mentionne une information erronée sur vous, un événement ou un de vos projets, c’est certainement OK de demander une modification. Mais! Il y a une façon productive de le faire plutôt que tweeter en envoyant des insultes cathartiques à la publication. Rappelez-vous qu’il est possible que ce soit réellement une erreur. Dans ce cas, écrivez un message au rédacteur ou à la personne responsable, ou encore un tweet avec les bonnes informations pour demander la correction. Ne faites pas d’exigence ou d’ultimatums – donnez-leur vraiment la chance de régler le problème, et ils le feront généralement. Il est même possible que vous commenciez ainsi une relation durable plutôt que de sembler hostile. Si vous les contactez deux fois sans obtenir de réponse, vous pouvez toujours monter dans la pyramide (disons du responsable de la section au rédacteur en chef), essayer un autre média (par Twitter au lieu d’un courriel), ou (c’est difficile, je sais) lâcher prise. Si ça arrive plus d’une fois, peut-être que cette publication ne mérite pas votre temps.

Ça peut paraitre bizarre, mais à peu près la même règle s’applique si vous devez contacter une publication pour quelque chose d’offensant (plagiat, sexisme, homophobie ou diffamation). Vous apprendrez beaucoup sur les personnes dirigeant les publications selon comment elles répondent à votre contact initial. Dans un tel cas, la publication devrait être en mesure de comprendre que vous soyez fâché – mais essayez de leur donner une chance. Vous pourriez vous retrouver avec un bon contact de plus et, peut-être plus important encore, vous pourriez faciliter le travail de l’éditeur plutôt que de lui ajouter des obstacles. Par contre, j’hésite un peu à conseiller le lâcher-prise ici si la publication s’est vraiment plantée. Ça dépend de la quantité d’énergie que vous voulez y mettre.

Devriez-vous payer pour un agent?

Peut-être. Je suis toujours pour les approches communautaires et à la DIY (faites du bon travail, et encouragez-le), mais j’ai vu les choses fonctionner de l’autre façon aussi. Si vous pensez à payer pour un agent de relations publiques, vous devez savoir ce dans quoi vous vous embarquez. Les erreurs mentionnées plus haut ne sont souvent pas faites par les groupes, mais par les gens qu’ils payent pour les représenter. Il m’arrive de me demander si les groupes savent que leur agent dit qu’ils sont un « HYPE LOCAL BUZZ BAND » à des centaines, voire des milliers de médias.

Voici ce que vous devriez faire avant de payer des centaines de dollars pour une campagne de courriels. Une fois que vous savez exactement ce que vous voulez, cherchez à déterminer si vos buts sont réalistes (y a-t-il quelqu’un dans votre communauté qui pourrait vous donner une opinion pratique et éclairée? C’est un excellent moment pour utiliser les contacts que vous avez bâtis). Demandez dans votre entourage pour des références et des cas vécus. Magasinez et comparez les prix. Trouvez un agent (ou une agence) qui vous donnera le temps dont vous avez besoin, la quantité de contrôle que vous souhaitez avoir et qui vous offrira des services concurrentiels. Dites-lui ce que vous voulez et comment (pas si) il peut vous le donner. Demandez qui fait partie de la liste de courriels et comment elle va être adaptée pour vous. Regardez qui est sur son bloc-générique et demandez à voir des campagnes sur lesquelles il a travaillé. Renseignez-vous sur la façon dont il gère les questions des publications sur vous et ce que vous faites. Allez voir ce qu’il fait sur les médias sociaux. Demandez des détails sur ses réussites passées. Demandez pourquoi il veut vous représenter. Cherchez à savoir s’il peut faire plus pour vous que du marketing sur internet. Si vous ne vous sentez pas à l’aise, chercher à comprendre pourquoi – ou dites simplement non. En tant qu’artiste, vous pouvez (et vous devriez) être en contrôle. Si vous n’arrivez pas à trouver ce que vous cherchez, ce n’est peut-être pas le temps d’opter pour ce chemin.

Un agent de relations publiques peut vous faire économiser du temps et de l’énergie – mais les courriels pour lesquels il y a plus de chance que j’entreprenne des démarches sont toujours ceux qui proviennent directement du groupe ou du label. Cela varie par contre en fonction des publications – de façon générale, plus vous montez, moins les gens ont de temps pour les trucs personnels.

Épuisement par essai éducatif

Il faut lire ce texte, que ce soit avec cynisme ou bienveillance, comme provenant d’une rédactrice/éditrice qui essaye aussi de se faciliter la vie. Je ne suis pas satisfaite de l’état actuel de « l’arrière » des médias (aka là où se retrouvent vos courriels et vos communiqués de presse), et j’aurais aimé offrir de meilleurs conseils que d’apprendre quand il faut lâcher prise tout en restant positif et en investissant votre énergie au niveau communautaire et local. Je sais que, vous aussi, vous êtes fatigués et à court de ressources.

Ce que j’ai observé des deux côtés est un système surchargé et monté n’importe comment, mais qui doit être vu comme étant malléable et en mouvement. Il nous faut de nouvelles idées et de meilleurs systèmes de soutien que ceux que nous avons actuellement. Il est plus important de faciliter la vie des artistes que la mienne, et j’espère qu’il y a quelque chose ici qui pourra vous aider à le faire.

Kristel Jax dirige la section Art & Événements de, basé à Toronto, et fait des spectacles en tant que Brigitte Bardon’t. Elle est aussi sur Twitter: @AubreyJax.

How To Do Hand Designed Poster Production and Distribution


Welcome! This is a step by step guide to one way of making handmade show posters and getting them around town. I figured out the process from scratch and it’s been pretty simple and effective. I’m a visual artist and I put on shows a lot, so I figured I’d try and combine those things. It’s a fun project either way. Anyone can do poster art. Anyone. You can make something fun and funny even by using the wrong hand to draw with an old chocolate Easterbunny you found behind your TV. Don’t do that though probably.

1. Gather all necessary information. Make sure all info for your show is 100% confirmed before you start creating the poster. This includes stuff like:
a) Band names
b) DJ names
c) The full date (Friday, April 21). Year is optional.
d) Doors open time
e) Location with address
f) Price (At the door and in advance with location of sale, if necessary.)
g) The logos of any affiliated organizations you may be working with.
h) It may also be useful to list any relevant points of social media promotion, such as Facebook pages, websites or Twitter accounts that you’ll be using to spread the word.

2. If you are making it by hand, a good starting point would be to find a local print shop and purchase some paper. You can experiment with different sizes, but an especially eye catching size is 11“ X 17”. Card stock in this size is very easy to draw on and will help keep your unfinished product from getting crushed or wrinkled.

3. When hand designing, make sure to allow for about half an inch of space around the edge that is free of important design elements or information. During the printing process, a white track line often appears, cutting off whatever was in that space.

4. Feel free to be as busy or as minimal with the design as you like, as long as you avoid unnecessary clutter that detracts from the text and the message you’re trying to convey. You only have a split second to catch someone’s attention. You can achieve this by making them ask themselves “What on earth is going on with that poster?”. Bright and interesting coloring or art is effective but the same can be true for the intrigue of a simple, to-the-point design. Avoid providing more information than is necessary. People don’t need to see hyperbolic quotes from your local paper/blog on the poster. Save that stuff for social or print media promotion.

5. Once you’re satisfied with the design, bring the original copy to the print shop. Tell them the number of copies, the size and type of paper you like. An employee should be happy to show you which varieties of stock they have. While it’s a bit more expensive, 11“ X 17” glossy card stock will make colours stand out and give you a durable and impressive product. As is often the case though, cost efficiency is the goal, so any kind of regular stock will do. As for the number of copies, it usually isn’t necessary to print 100 copies and spend tons of time plastering the streets. About 20-40 is a good number, just enough to target key places and save you some cash. These days, the online presence of a poster is just as or more effective than the physical.

6. Another thing you may want to do while at the shop is ask if they can print copies of the poster image in clusters of four on regular printer paper. You can cut these out, usually on site, to create useful hand bills to distribute casually to friends and colleagues. You can often leave these at cafes and record stores to increase visibility.

7. Bring along a portable USB stick/jump drive so that the print shop can provide you with a digital copy of your poster for use in online / social media promotion. If you don’t have a portable drive, often you can ask to have the file burned onto a CD at little to no cost. They may only give you a PDF file of the scan. These can be a little trickier to edit, so it may be a good idea to ask for a .jpg file as well.

8. Now that you’ve got posters in hand, you can either start putting them up yourself or get a friend to help you out with it. If you ask someone else to do it, a standard rate is about $50 for a run, but that’s entirely variable.

9. The most important places to target are cafes, bars, restaurants, bakeries, rehearsal studios, book shops, record stores or even laundromats. Pretty much anywhere you’d imagine to have good visibility to your target demographic. It’s also good idea to put one or two up at the venue your show is happening at.

10. It’s also good etiquette to ask permission before sticking up posters anywhere, if you can. Often there are designated spots or boards for use, and sometimes places like to provide their own painters tape to save the walls from getting damaged.

11. Putting posters on poles is usually pretty ineffective as people will just tear them down, poster over them or just plain ignore them. In some places it’s illegal to do at all, and if someone’s feeling brazen enough to report it, they can get you or the venue you’ve booked slapped with a fine.

12. Remember to save a few copies for yourself to archive and/or sell at the show. Keep the original art too.

So yes, there you have it. Making a poster can be a really fun and rewarding part of putting on a show. If people dig your stuff, they might even ask you to make posters for them, which is sweet and you might get money for pizza. Postering around town yourself is also a super great way to get to know your town or city and all it’s sweet little cultural nooks. Plus you can find out about other stuff going on while you’re at it.

Adam Bradley is Weird Canada’s shadowy lizard Assistant Editor for New Canadiana and one of the concert programmers for Toronto’s Wavelength concert series. He’s made a bunch of handmade show posters with crayons and Crayons is sometimes his nickname.

Bonjour! Voici un guide qui explique les étapes à suivre pour faire des affiches de spectacle à la main, et la façon de les distribuer ensuite. Je l’ai élaboré en partant de zéro, il est plutôt simple et fonctionne bien. Je suis un artiste visuel et j’organise beaucoup de spectacles, alors je me suis dit que j’essaierais de combiner les deux. C’est un projet amusant à faire dans tous les cas. Tout le monde peut faire de l’art sur des affiches. Tout le monde. On peut même s’amuser en faisant une affiche drôle, par exemple en utilisant la mauvaise main pour dessiner avec un vieux lapin en chocolat qui trainait derrière la télé… Ce serait peut-être mieux de ne pas le faire par contre.

1. Il faut commencer par recueillir l’information nécessaire, et s’assurer que tout a été confirmé à 100 % avant de commencer à créer l’affiche, ce qui veut dire des trucs comme :
a) le nom des groupes
b) le nom des DJ
c) la date complète – l’année est facultative – (le vendredi 21 avril)
d) l’heure d’ouverture des portes
e) les coordonnées de l’endroit du spectacle
f) le prix (à la porte et, si c’est le cas, en prévente avec les lieux où on peut acheter les billets)
g) le logo des organismes affiliés
h) Ce serait une bonne idée de faire une liste avec toutes les informations pertinentes pour la promotion sur les médias sociaux qui seront utilisés pour répandre la nouvelle, comme les pages Facebook, les sites web ou les comptes Twitter.

2. Un bon point de départ pour une affiche faite à la main serait de trouver une imprimerie proche et d’acheter du papier. On peut faire des essais avec différents formats de papier, mais celui 11“ X 17” est une bonne grandeur pour attirer le regard. Ce format est très facile à utiliser, tant pour le dessin que pour conserver les affiches qui ne sont pas encore terminées (et éviter qu’elles se froissent ou s’écrasent).

3. Durant la conception, il faut s’assurer de laisser un espace d’environ un demi-pouce sur les bords de l’affiche où il n’y a pas d’information ou d’éléments importants : lors de l’impression, il y a souvent une ligne blanche qui apparait là, par-dessus peu importe ce qui s’y trouvait.

4. Le concept de l’affiche peut être très minimal ou très baroque, c’est au goût. L’important, c’est d’éviter qu’un paquet de détails inutiles viennent détourner l’attention du message qu’on veut transmettre. On n’a qu’une fraction de seconde pour attirer l’attention des gens. On peut y arriver en les faisant se demander « Mais qu’est-ce qui se passe sur cette affiche? » Les couleurs vives, attrayantes et l’art fonctionnent bien, mais c’est aussi vrai pour une affiche simple et intrigante, qui va droit au but. Il faut éviter de donner plus d’information que nécessaire. Les gens n’ont pas besoin de voir les citations hyperboliques du journal local ou d’un blogue. Ce genre de trucs peut être réservé pour la promotion sur les médias sociaux ou imprimé.

5. Quand le dessin est terminé, apportez l’original à l’imprimerie, puis dites-leur le format, le type de papier et le nombre de copies désirés. Les employés sont généralement heureux de montrer ce qui est disponible en magasin. Bien que ce soit un peu plus cher, le papier 11“ X 17” glacé rendra les couleurs plus vibrantes et donnera un fini impressionnant et plus durable. Ceci étant dit, comme le but est souvent de diminuer les coûts, n’importe quel type de papier régulier fera aussi l’affaire. Pour le nombre de copies, ce n’est généralement pas nécessaire d’en imprimer une centaine et de passer des heures à les afficher partout en ville; 20 à 40 copies sont suffisantes, c’est juste assez pour cibler les endroits clés (et économiser de l’argent). De nos jours, une affiche disponible en ligne fonctionne aussi bien que la version papier, parfois même mieux.

6. Une autre bonne chose à faire sur place est de demander s’ils peuvent faire des copies de l’affiche sur du papier régulier, en groupe de quatre par page. Après les avoir découpées, (souvent sur place), on obtient des dépliants qui peuvent être distribués facilement aux amis et aux collègues. Il est souvent possible d’en laisser dans des cafés ou des magasins de disque pour rejoindre plus de gens.

7. Apportez une clé USB pour que l’imprimerie puisse vous donner la version numérique de l’affiche. Ceci est utile pour la promotion en ligne et sur les réseaux sociaux. Si vous n’en avez pas, il est souvent possible, sur demande, de faire graver le fichier sur un CD gratuitement ou pour un moindre coût. Il se peut qu’ils ne fournissent que la version PDF de l’affiche numérisée. Si c’est le cas, demandez un fichier .jpg aussi puisque les PDF sont parfois difficiles à modifier.

8. Une fois les affiches en main, l’affichage peut commencer. Ça peut se faire seul ou en demandant un coup de main. Si vous le demandez à un ami, le tarif est généralement autour de 50 $ pour une tournée, mais c’est très variable.

9. Les endroits les plus importants à cibler sont les cafés, les bars, les restaurants, les boulangeries, les librairies, les studios de répétition, les magasins de disques et même les laveries. En fait, pas mal partout où vous pensez rejoindre le public visé. C’est aussi une bonne chose d’installer une ou deux affiches sur les lieux du spectacle.

10. Demander la permission avant de coller des affiches partout, quand c’est possible, est une bonne habitude à avoir. Il y a souvent des babillards ou des endroits réservés aux annonces, et il y a parfois des endroits où du ruban de peintre est fourni, histoire d’éviter que les murs ne soient endommagés.

11. Poser des affiches sur les poteaux est généralement inutile, puisque les gens vont souvent les déchirer, mettre d’autres affiches par-dessus ou simplement ne pas les voir. Dans certains quartiers, c’est même illégal de le faire et si quelqu’un a l’impudence de le signaler, ça peut valoir une amende (à vous ou à la salle de spectacle qui a été réservée).

12. Il ne faut pas oublier de conserver quelques copies pour vous-même, pour les garder et/ou les vendre au spectacle. Aussi, gardez l’original.

Alors voilà, c’est terminé. Concevoir une affiche peut être une partie vraiment amusante et gratifiante dans l’organisation d’un spectacle. Si les gens aiment ce que vous faites, ils vont peut-être même vous demander de dessiner des affiches pour eux, ce qui est vraiment bien, et qui peut même vous donner de l’argent pour acheter des pizzas. Installer les affiches par soi-même est aussi une super bonne façon d’apprendre à connaitre votre ville et de trouver tous ses recoins culturels cachés. Et en plus, tant qu’à y être, ça permet de découvrir les choses qui se passent.

Adam Bradley est le rédacteur adjoint lézard des ombres pour la section New Canadiana de Weird Canada, ainsi qu’un des programmateurs pour les séries de concerts torontois de Wavelength. Il a lui-même conçu un paquet d’affiches de spectacles avec des crayons – et “Crayons” est parfois son surnom.

How To Interview


Interviewing someone you’ve never met can be one of the scariest parts of covering the music scene. If you are shy/in awe of someone/not good on the phone/not in the mood/tired/hungover/under time constraints, the anticipation before you interview a musician can cause extreme anxiety. Then you actually have to do the thing.

Depending on the mood the musician is in, your interview can either be one of the most satisfying, inspiring conversations ever …or it can be totally horrible and you cringe your way to the end, praying for completion. Here’s how to get the most out of your interviews:

1. Be prepared

This seems obvious but sometimes – especially when you are on a super-tight deadline – it is easier said than done. Whether you’re interviewing someone for a zine or a newspaper or a blog, your life will be easier if you know as much as you possibly can about the person you’re speaking with:

  • We are gifted to be living in the age of the Internet, where you can find out a lot of information easily and quickly. Read other stuff that’s been written about the band.
  • Find the local paper or alt-weekly in their city and search those archives, dammit!
  • Go to zine archives and look around for fanzines that might have some pieces or stories from the bands. (Find the zine library or a good zine distro in or near your city. Anchor Archive Zine Library in Halifax, the Toronto Zine Library and QPIRG Concordia have a lot of resources both online and onsite. Maximum RocknRoll has an extensive web archive – for a small fee you can download a digital version of classic issues all the way back to ‘82.)
  • Check out show reviews from the plethora of Canadian music blogs out there – Exclaim, Grey Owl Point, Herohill, Southern Souls and more. If you know people who know the bands, talk to them. Find out what they love and hate.

2. Ease into the conversation.

Sometimes it’s easiest to start things off by getting someone talk about something other than themselves and their work. Did the band/musician just play a cool festival recently? Ask them who they saw and who they loved. Did they eat the most amazing tacos? What a coincidence, you also love tacos. Are they super into cats? Tell them about the weird Halloween cat show you went to that one time. Be on the lookout for weird details that will lead to an interesting conversation– talk about a venue in Canada that you’ve both barfed in. If all else fails, talk about B.A. Johnston. Every musician in Canada has at least one B.A. Johnston story. These are conversational inroads. These are the jewels in your crown. Things to keep in mind:

  • It’s ok to joke around and be a goof at first. Be disarming. Be yourself. If you’re comfortable using a more formal “interviewer tone” that’s fine if it works for you, but don’t assume or pretend to know every reference and nuance that comes your way. Don’t be scared to ask questions about stuff you haven’t heard of – you’ll get better answers!
  • If they are a band that gets interviewed a lot, they may have some unconscious barriers up, or they might be on their 8th interview of the day, and they’re tired. If they are a band that is just starting out, this might be one of their first interviews, and they might be nervous too! Take it easy.

3. Try to ask the questions you need, but also ask the questions you want.

This is where reading old interviews with the band can help. They may get asked the same questions a lot – “What are your influences?” “What’s it like being an all-female three-piece in a mostly male punk scene?” “Do you miss being at home?” Stuff like that. Sometimes this is unavoidable and you have to ask these questions to get the quotes you need for your story. Sometimes, though, certain questions can be re-phrased or avoided altogether and you can still have a good story.

  • If you’re asking about being an all female three-piece, why not cite a specific event in the band’s history and ask ’em for more detail about that? Why not, instead of asking about influences, mention a specific song from the band’s record that reminds you of something else – a band you love, or an experience from your own life – and ask where their story came from?
  • Try not to recycle the same Q’s if you can. Try to stump the band and surprise ’em.
  • And for sure, ask the crazy fanboy/fangirl questions you HAVE to know the answers to….but save ’em ‘til the middle/end, once you’ve warmed them up and hopefully won them over.

4. Don’t be afraid to stray away from your prepared questions.

If the conversation is going to an unexpected place, sometimes it’s ok to let it go there – but sometimes it isn’t. It’s important to know when you should intervene and set the interview back on track.

  • If the musician is unleashing some philosophical and/or profound personal truths – or they’re just telling a hilarious tale that might have nothing to do with any of their shows or their record – sometimes it’s ok to just let it go there and enjoy what they’re saying.
  • If they are launching into personal attacks or some kind of vendetta, this is not really something you can use in your story (unless you plan on getting the other side of the perceived grievance) so you may want to gently nudge them elsewhere.

5. For the love of God make sure your recorder is turned on and you have fresh batteries and/or make sure your phone is charged and make sure your recording app is on and running. EVERYONE MAKES THIS MISTAKE TRY NOT TO BECAUSE IT FEELS SO HORRIBLE.

6. Mark your spots in the conversation

You can do this by turning your recorder on and off, or some recorders will let you actually mark when a new question is asked. This will help you a lot when you’re doing the transcribing, the most HATED PART of interviewing.

7. Don’t get defensive.

Sometimes musicians are pissy or sassy or cranky or not very talkative. A lot of them will be talking to you from the road, and being on tour is exhausting and they are probably super tired and hungover or broke, or they might be coming off a bad show, or something else might be buggin’ ’em. They’re human. Don’t take it personally – they don’t know you, and it’s not your fault they’re in a shitty mood. It happens. If the interview seems to be going badly or stalling altogether, just try to get through your questions the best you can and wrap that shit up. If you have time, get an email address and mention you might follow up on a few things later, and they can reply to you when they want. Don’t get snippy or cranky at them though, it won’t help, and it might burn bridges down the road. Plus, you’re the interviewer – you can take the high road.

8. Be gracious.

Unless the musician(s) were total unresponsive dicks, be grateful for your experience. Thank them. Thank the publicist who connected you. Let them know the interview went well (even if it was just ok). They want to know – it’s part of the whole publicity game. Let the band/publicist know when your story is posted.

9. Make sure you’re really LISTENING.

The interviewee may drop an interesting fact as an aside (maybe the fact that they’re moving, or even that they might be leaving the band). Sometimes it’s good to listen hard to pick up changes in tone, or little hints that the person might want you to ask about something that they’re too shy/coy/anxious to bring out straightaway. Sometimes people need coaxing, and you need to be really listening to them to know when to jump in.

10. Don’t be scared to go smaller/indie/local.

Everyone wants to interview their idols, but the most satisfying interviews are quite often the ones you don’t expect – the road dogs who have an impassioned small-town fanbase, the locals who are just starting out and getting a tiny bit of buzz. These connections might last forever – one good experience can lead to you having a good rapport with a band for their entire career, and maybe they can help you out sometime too. If you put out good vibes during your interview you will invariably get something back in return. That’s why we do this, right?

Interviewing is an amazing skill to develop, and if you approach it with the right preparation and mindset, it can be an immensely enriching experience regardless of the outcome. It will teach you how to be an active listener, and you will also learn insane things about what musicians do and get insights and stories that most people don’t normally have the privilege of hearing. The skills of a good interviewer are also analogous to being a good conversationalist and can help you become a more empathetic, thoughtful human.

Alison Lang is the editor of Broken Pencil, a magazine that covers zine culture and the independent arts. The best interview she ever had was with voice actor Michael Winslow, who conducted half the interview in the voice of Stripe from Gremlins.

Interviewer une personnalité que tu n’as jamais rencontrée peut représenter l’un des défis les plus angoissants d’une couverture de la scène musicale. Que tu sois timide, en admiration devant l’artiste en question, mal à l’aise au téléphone, d’humeur peu encline, en proie à la fatigue, que tu aies la gueule de bois ou des échéances strictes à respecter, l’appréhension qui précède une interview peut causer une grande anxiété. Vient alors le moment de passer à l’action.

Selon l’humeur du musicien, l’interview peut se transformer en une conversation des plus inspirantes et gratifiantes… ou elle peut tourner au cauchemar et te faire grincer des dents en priant pour que ça en finisse. Voici divers conseils afin de tirer le meilleur parti de tes interviews :

1. Prépare-toi.

La préparation peut te sembler un facteur incontournable, mais il n’est pas toujours évident de bien se préparer, surtout si tu es confronté à une échéance serrée. Qu’elle soit réalisée pour un magazine, un journal ou un blog, l’interview se déroulera beaucoup mieux si tu te renseignes au préalable à propos des artistes en question :

  • Quelle chance de vivre à l’ère d’Internet : tu bénéficies ainsi d’un accès facile et rapide à une foule de renseignements. Lis les articles déjà publiés sur le groupe.
  • Trouve le journal local ou les hebdomadaires alternatifs de la ville du groupe et fouille dans les archives, bordel!
  • Consulte les archives de fanzines et recherche ceux pouvant contenir des articles ou des récits à propos du groupe. (Recherche la bibliothèque de fanzines, ou un bon distributeur, dans ta ville ou dans les environs. L’Anchor Archive Zine Library à Halifax, la Toronto Zine Library et le QPIRG (Quebec Public Interest Research Group) de l’Université Concordia offrent une multitude de ressources sur place et en ligne. Maximum RocknRoll regroupe des archives web bien documentées : moyennant une somme modique, tu pourras télécharger la version numérique de numéros classiques qui remontent à 1982.)
  • Consulte la myriade de blogues canadiens à la recherche de critiques de concerts : Exclaim, Grey Owl Point, Herohill, Southern Souls, etc. Communique avec tes connaissances qui entretiendraient des liens avec les membres d’un groupe. Apprends-en plus sur ce qu’ils aiment et ce qu’ils détestent.

2. Mets les gens à l’aise dès le départ.

Il est parfois plus facile d’entamer une conversation en faisant parler son interlocuteur d’autre chose que de lui-même ou de ses réalisations professionnelles. L’artiste ou les membres du groupe ont-ils participé à un festival cool ces derniers temps? Questionne-les à propos des concerts auxquels ils ont assisté ou des artistes qu’ils affectionnent. Ont-ils eu la chance de goûter aux meilleurs tacos? Quelle coïncidence : tu adores les tacos! Vénèrent-ils les chats? Parle-leur de cette étrange exposition féline à thématique Halloween à laquelle tu as déjà assisté. Sois à l’affût de ces détails bizarres qui mèneront à une conversation intéressante; par exemple, parle de cette salle de spectacle quelque part au Canada où l’artiste et toi avez tous deux vomi. Si rien de tout cela ne réussit, évoque B.A. Johnston. Tous les musiciens canadiens ont au moins une histoire de B.A. Johnson à raconter. Voilà quelques pistes de conversation, les armes secrètes dont tu disposes.

N’oublie pas les points suivants :

  • Il est tout à fait acceptable de blaguer et de faire le bouffon au début de l’interview. Use de charme et reste toi-même. Si tu es à l’aise avec le fait d’utiliser un ton plus formel, n’hésite pas si ça fonctionne pour toi, mais ne prétends ou ne présume pas connaître toutes les nuances et références dont on te parlera. N’aie pas peur de poser des questions sur ce que tu ne connais pas : tu recevras ainsi des réponses plus étoffées.
  • Si les membres du groupe sont abonnés aux interviews, ils se sont peut-être inconsciemment fixé des barrières, ou peut-être sont-ils fatigués après la huitième interview de la journée. Si tu as affaire à un nouveau groupe, il s’agit peut-être de la première interview des membres. Ils peuvent aussi afficher une certaine nervosité! Vas-y doucement.
3. Tente d’obtenir les réponses dont tu as besoin, mais pose aussi les questions qui te tiennent à cœur.

C’est ici que la lecture préalable de vieilles interviews du groupe peut te venir en aide. On pose peut-être souvent les mêmes questions : « Quelles sont vos influences? » « Comment un groupe composé de trois femmes évolue-t-il au cœur d’une scène punk qui compte surtout des hommes? » « Le confort de votre foyer vous manque-t-il? » Ces questions, et d’autres du genre, sont parfois inévitables dans l’obtention des citations dont tu as besoin pour ton article. Toutefois, tu peux parfois reformuler, ou tout simplement éviter, certaines d’entre elles et quand même mener à bien ton récit.

  • Si tu interroges les artistes sur le fait d’être un groupe constitué de trois femmes, pourquoi ne pas rappeler un événement spécifique de leur histoire pour obtenir plus de détails à ce sujet? Au lieu de les questionner sur leurs influences, fais mention d’une chanson particulière de leur album qui te rappelle autre chose (un groupe que tu aimes, ou une expérience que tu as vécue, par exemple) et demande-leur la source de leur inspiration.
  • Évite de toujours répéter les mêmes questions, dans la mesure du possible. Tente de prendre les membres du groupe au dépourvu et de les surprendre.
  • Bien sûr, pose toutes ces questions typiques de fan fini dont tu te dois de connaître les réponses… en prenant soin de les garder pour le milieu ou la fin de l’interview, une fois qu’ils seront réchauffés et que, espérons-le, tu auras gagné leur confiance.

4. N’hésite pas à t’éloigner des questions déjà préparées.

Si la conversation prend une tournure inattendue, il faut parfois laisser les choses aller, selon les circonstances. Il est important que tu saches quand intervenir afin de ramener l’interview sur la bonne voie.

  • Si l’artiste te confie des propos de nature philosophique ou personnelle, ou s’il te relate une histoire hilarante qui n’a peut-être rien à voir avec ses spectacles ou albums, le contexte te dictera parfois de laisser les choses suivre leur cours et d’apprécier l’histoire qui t’est racontée.
  • Si l’artiste se lance dans des attaques personnelles ou une quelconque vendetta, tu devrais peut-être le ramener gentiment sur la bonne voie, car ces propos ne te seront d’aucune utilité lors de la rédaction de ton article (à moins que tu ne veuilles obtenir l’autre version des faits du présumé conflit).

5. Je t’en supplie, assure-toi que ton enregistreur est en marche et que les piles sont neuves, ou que ton téléphone est chargé et que ton application d’enregistrement est en marche. CETTE ERREUR EST TRÈS COURANTE : ÉVITE-LA À TOUT PRIX OU TU VIVRAS UN MOMENT HORRIBLE.

6. Use de marqueurs de référence lors de la conversation.

Tu y arriveras en allumant et en éteignant ton enregistreur. Certains appareils te laisseront même créer une marque chaque fois qu’une nouvelle question est posée. Cette étape t’aidera beaucoup lors de la transcription de l’interview, la partie LA PLUS DÉTESTÉE du processus.

7. Ne sois pas sur la défensive.

Les musiciens sont parfois irritables, d’humeur massacrante ou peu bavards. Nombreux sont ceux qui seront en tournée lorsqu’ils te parleront : probablement fatigués, ils auront la gueule de bois et plus un sou en poche, leur plus récent concert se sera peut-être mal déroulé ou ils vivront une autre situation contraignante. Les artistes sont humains. Ne le prends pas personnel : ils ne te connaissent pas, et ce n’est pas ta faute s’ils sont d’humeur exécrable. Ce sont des choses qui arrivent. Si l’interview semble mal se dérouler ou encore stagner, fais de ton mieux afin de poser tes questions et de boucler l’entretien. Si le temps te le permet, demande un courriel aux musiciens en mentionnant que tu feras peut-être un suivi ultérieur sur certains points, auquel ils pourront répondre quand bon leur semblera. N’adopte pas une attitude hargneuse ou négative à leur égard, ce qui n’arrangerait rien et pourrait brouiller vos relations futures. C’est toi qui mènes l’interview, après tout : il ne tient qu’à toi de rester digne et de faire preuve de professionnalisme.

8. Témoigne de la gratitude.

À moins que les musiciens ne se soient comportés en parfaits bâtards insensibles, sois reconnaissant d’avoir passé ce moment en leur compagnie. Remercie les artistes, ainsi que l’agent de publicité qui t’a mis en contact avec eux. Dis-leur que l’interview s’est bien déroulée (même si tu l’as trouvée plutôt ordinaire). Ils veulent en savoir plus, ça fait partie du manège de la publicité. Informe le groupe ou l’agent de publicité de la date de parution de ton article.

9. Assure-toi de BIEN ÉCOUTER.

L’interviewé mentionnera peut-être au passage un fait intéressant (un déménagement ou le départ d’un membre du groupe, par exemple). Parfois, tu auras tout intérêt à tendre l’oreille afin de capter un changement dans le ton, ou de saisir une perche que l’artiste, trop timide, évasif ou anxieux, te tend à propos de sujets qu’il n’ose pas aborder directement. Tu devras parfois amadouer les gens, et une bonne écoute est nécessaire afin de saisir toutes les occasions de le faire.

10. N’aie pas peur de t’aventurer au coeur de la scène underground, indie ou locale.

Tout le monde rêve d’interviewer son idole, mais les interviews les plus gratifiantes sont souvent celles auxquelles on ne s’attend pas : les artistes en tournée perpétuelle qui comptent de fervents adeptes dans les petites villes ou les nouveaux groupes du coin qui génèrent un buzz à peine perceptible. Ces rapports pourraient durer au fil du temps : une bonne expérience t’amènera peut-être à tisser des liens solides avec un groupe tout au long de sa carrière. Peut-être même pourrait-il te donner un coup de pouce de temps à autre? Si tu dégages des ondes positives lors de l’interview, tu obtiendras invariablement quelque chose en retour. C’est la raison pour laquelle on fait des interviews, non?

L’art d’interviewer est une compétence extraordinaire à développer; si tu te prépares bien et que tu te présentes dans un bon état d’esprit, tu sortiras grandi de l’expérience, peu importe le résultat. Tu apprendras ainsi à faire preuve d’une écoute active, et tu découvriras des choses incroyables à propos de la vie de musicien, des histoires et des réflexions que la plupart des gens n’ont pas le privilège d’entendre. De plus, les aptitudes d’un bon intervieweur se transposent à l’art de la conversation et peuvent t’aider à devenir un être plus empathique et attentionné.

Alison Lang est la rédactrice en chef de Broken Pencil, un magazine sur la culture et les arts indépendants. Sa meilleure interview à vie a été celle de Michael Winslow, acteur spécialisé dans le doublage, qui a effectué la moitié de l’interview en empruntant la voix de Stripe du film Gremlins.

How To Write a Review – Weird Canada Style!

How to Write a Wyrd Review

You have an artist picked out, or have been assigned a review. You’ve got 100 words or less to describe the music, evoke a response, and put a feeling into words. Go!

  • Grip the physical copy of your chosen release. Hold it in your hands. Take a close look at the packaging, artwork, and tangible signs of love that have been left on it. This is one of the things unique to a Weird Canada review. We love it that artists take the time, effort and finances to manifest their artwork in physical form, and in a world where the bulk of commercial art is disseminated widely and idly on the internet, we want to salute those who are still living in the material world. We’re just kind of rootsy like that.
  • Listen to the music. Now listen to it again. Listen to it on repeat. The objective is not to scrutinize every lyric, key change and drum fill, or to identify what you dislike about it. Rather, it is to get a more thorough understanding of the tone of the music. Immerse yourself in the aural landscape, and the sound will take on physicality. It helps to not only hear it, but to see it, smell it and taste it. Reviewing tangible, physical copies helps with this process as well.
  • Brainstorm some key ideas or points you would like to hit on in your review. Remember: brevity is important. It’s useful to create a messy pile of signifiers, descriptors, technical terms, and fun phrases to draw from. Proper sentence structure can come later (or not at all). Examples: morning music; surfside crab rock; teenage daydream; tin can rattling across pavement; mud.
  • Refine your little lump of coal. Before sweating over it, read a handful of Weird Canada reviews, and take notice of the casual, slang-ridden tones, symbolic language, and general lack of grammatical rigidity. We would rather you communicate the feelings you’re experiencing, in the consciousness-streaming kind of way that you experience them, than give us a semantically pristine piece of writing. Producing a linguistically perfect review of an experimental post-punk record makes about as much sense as painting a portrait in classical form of an abstract postmodern concept.
  • Link whatever it is that you feel should be linked. This is the handy attribute of an online publication, even one that emphasizes physicality. No need to waste valuable words explaining to us why this song reminds you of another artist, or why the lyrics bring this philosophical concept to light, just show us!

Rachel Weldon has contributed words to the weird cause for 1.5 years in varying capacities (mostly low). She holds a BA in English Literature, and is going back for more this Fall. The special quality of Weird Canada’s literary style has always inspired her, so she unpacked her own process for us, to show how it’s meaningful to her.

Une fois que tu as choisi un artiste ou qu’on t’a confié la critique d’un album, tu disposes d’un maximum de 100 mots pour décrire la musique, susciter une réaction et traduire l’émotion sur papier. À toi de jouer!

  • Procure-toi la version matérielle de l’album en question. Prends-la dans tes mains. Observe bien l’emballage, les illustrations et les signes tangibles de l’amour qui a été mis dans sa création. Il s’agit d’une des caractéristiques propres aux critiques de Weird Canada. Nous apprécions le fait que les artistes investissent temps, efforts et argent dans l’aspect physique de leur œuvre artistique. Dans un monde où la majeure partie de l’art commercial est largement et facilement diffusée dans Internet, nous tenons à saluer ceux qui évoluent encore dans l’univers matériel. Nous sommes toujours ancrés dans les traditions.
  • Écoute bien la musique. Écoute-la encore et encore. Écoute-la en boucle. Il ne s’agit pas de scruter à la loupe chaque parole, changement de gamme ou roulement de batterie et de décortiquer tout ce qui ne te plaît pas. Il s’agit plutôt de mieux comprendre la tonalité de la musique. Plonge au cœur du paysage sonore, et les sons deviendront plus vrais que nature. En plus de mieux entendre la musique, tu arriveras aussi à la voir, à la sentir et à y goûter. Le fait d’utiliser des versions matérielles et tangibles contribue également au processus.
  • Fais-toi un ramassis d’idées et de points importants que tu aimerais aborder dans ta critique. N’oublie pas l’importance de la concision. Il peut s’avérer utile de dresser une liste pêle-mêle de signifiants, de termes techniques et de phrases amusantes desquels tu t’inspireras. La construction de phrases plus formelles viendra plus tard (ou non). En voici quelques exemples : musique matinale, « crab rock » du littoral, rêvasserie adolescente, bruit d’une boîte de conserve sur la chaussée, boue.
  • Peaufine ta plume. Avant de te casser la tête à propos des questions grammaticales, prends le temps de lire d’autres critiques publiées sur le site de Weird Canada et note bien le style familier teinté de joual, l’usage d’une langue symbolique et l’absence générale d’une structure grammaticale rigide. Nous préférons que tu nous rendes l’émotion engendrée par la musique telle que tu l’as vécue, plutôt que tu nous pondes un superbe texte d’un point de vue sémantique et linguistique. La rédaction d’une telle critique d’un album de post-punk expérimental est à peu près aussi pertinente que l’utilisation du vocabulaire classique pour la description d’un concept abstrait post-moderne.
  • Crée des liens hypertextes là où tu sens qu’il convient d’en mettre. C’est là qu’une publication en ligne devient intéressante, même lorsque celle-ci prône les versions physiques. Ne gaspille pas tous ces beaux mots à nous expliquer en quoi la chanson te rappelle tel artiste, ou la raison pour laquelle les paroles nous éclairent sur tel concept philosophique : montre-nous, tout simplement.!

Depuis un an et demi, la plume de Rachel Weldon apporte une contribution variable (surtout faible) à la cause WC. Elle détient un baccalauréat en littérature anglaise et a repris les études à l’automne. Elle s’est toujours sentie inspirée par le caractère particulier du style littéraire de Weird Canada. Elle nous dévoile ici son processus pour montrer à quel point celui-ci a de l’importance pour elle.

How To Make a Zine

How To Make a Zine

Like independent music itself, zines are hard to define but easy to identify. Zines (pronounced “zeens”) are tiny, homemade magazines reproduced with the aid of a photocopier. There are two basic categories: fanzines (short for “fan magazine”) and perzines (short for “personal zine”). However, these categories certainly do not cover everything, as the magical world of self-publishing also includes mini comics, newsletters, chapbooks and much, much more.

So why would someone make a zine if they are essentially photocopied versions of a tumblr dashboard? Common reasons for zine-love include that they are personal, uncensored and portable. I like making zines because I find them therapeutic to write and read, as well as a great excuse to send and receive snail mail. Intimacy and effort (“Someone went through the trouble to actually MAKE this?!”) are also often stated as reasons as to why someone would go through the trouble of zine-ing.

Sometimes it is a hassle to actually create a zine, but as with anything, the effort is always worth the reward. Nothing is more fun to do than hold a stack of freshly-photocopied zines in your hands while dancing in your bedroom to The Courtneys screaming, “I MADE THIS! I DID IT!”

So stop putting it off! It’s time to finish that years-in-the-making zine once and for all. Only four steps stand between you and your creation: content creation, aesthetic considerations, assembly and distribution.


The biggest question that comes with making a zine is the first one that you are going to have to answer: What is this zine going to be about? As a medium, zines work the best when they are about something close to the author and that the author cares about. Even if you think that what you are writing about is mundane or average, chances are that other people have similar experiences and would love to read about your thoughts and experiences.

This bring us to an important note: Sometimes it is hard to write about yourself without feeling like a narcissistic asshole. “Why would anyone even START to CARE about a personal anecdote from my childhood?!” I hear you screaming. “Isn’t that self-indulgent?”

No! Well, maybe. Still, it is key to abandon that idea before you start creating. As William Zinnser writes in On Writing Well, “Writing is an act of ego, and you might as well admit it. Use its energy to keep yourself going.”

Whether it’s a split issue with a friend or a large compilation work with some vague scene acquaintances, there are some extra precautions to take regarding content if you are working with other people. When there’s more than one person on the zine team, the number one tip is to not make any assumptions.

First off, do not assume that they are okay with their real name being published with their piece, especially if they are writing about a personal or sensitive topic. Moreover, make sure to always ASK before changing or even rearranging what someone else has written.

Another important thing to consider is that with a lot of people on one project, it is incredibly likely that some will not follow through on their commitment. Set deadlines frivolously early. It might feel dumb to tell people you need material two weeks or even a month before you actually do, but this allows a good margin for any (inevitably) late submissions. You will thank yourself for doing this later on!

<<< read more >>>


Now that the content is done, it’s time to make something that looks good. First of all, you need to decide what size your zine is going to be. Is it going to be quarter-size, half-size or just made with one page? Half-size, a standard piece of paper folded in two, is the easiest to start. However, you can get more bang for your buck by folding it once more and going for quarter-size, a format that is also easier to mail out later on. Next, it is good to think about how the content is going to be formatted. Will the text be written out on a typewriter, handwritten or typed on a computer? Are you using any images? If so, will they be drawings, photographs or cut-outs? The great part about zines is that this is all your call.

Still, it’s important to realize that you are going to be reproducing whatever you make on a photocopier, which holds some limitations. For example, it is likely that your zine, especially your first one, is going to be in black and white (colour copies are an expensive, and present their own kind of hassle best left to your later issues, as you become more experienced).

With black and white copies, some colours (like yellow) don’t copy into grey tones, and pencil marks (especially light shading) don’t photocopy well. Given this, it’s a good idea to do a test run at the photocopier early on. Check in advance that whatever supplies you will be using are going to translate like you want them to when copied.

And whatever size, shape or shade of your zine, ALWAYS (ALWAYS!) leave margins of at least half a centimetre, if not more. You have spent all this time formatting words and images – it is a horrible feeling to arrive at the photocopier only to realize that the end of every sentence gets cut off during printing.


Now that you have written, drawn and formatted your zine, it is time to reproduce them for the masses. Photocopiers are pretty temperamental beasts, but they can easily be tamed with a little bit of know-how. There are two ways to go about copying: paying and not paying.

If you are paying for copies, go to a copy shop and ask someone to show you how to use the photocopier before wasting all of your allowance trying to make double-sided copies on your own. The staff is there to show you how to do this. Do not be afraid that they are looking at what you made and judging you about it. They are not! The staff help people make copies all day. It’s their job.

On the other hand, maybe you work in an office. Perhaps you’re a student with access to a photocopier on-campus. You may have parents, friends, relatives, and they may have photocopiers, and you may just be in luck. Whatever the case, you have an IN to make your zine for free. Feel no guilt when copying without coin and continue in the footsteps of many a punk as fuck zinester before you.

N.B.: If you get fired because you stole your boss’ keys and hosted a wild 3 AM photocopying break-in, don’t blame me. You’re going to have to decide how you want to make your copies on your own, so I wish you best of luck on that one.

Once you make your copies you will need to assemble them. Most people staple all of the pages together in the middle, but I’ve seen zines held together by sewn thread, paper clips and even bobby pins. If you go for the stapling route, your pages will probably be too wide for the average stapler to reach the middle. Hence, you will need one of my favourite pieces of office supplies… the long-armed stapler! These can be purchased for about $40, or you can use the one at the copy shop.


You did it! You made a zine! Now that you’ve held a bunch in your sweaty palms while simultaneously shimmying to “Lost Boys”, it’s time to get your work out there.

Like all art, one way to distribute your creation is to force people to pay for it. A good rule of thumb when it comes to pricing zines is to charge whatever it cost you to photocopy one issue, then doubled and rounded to the nearest 50 cents or dollar. For example, the first issue of my perzine, Finale 95, cost $0.72 to photocopy, so I charged $2 for it.

But where do you sell your zines now that you have priced them? The answer is to look around in your city. Is there an independent publishing fair? A punk flea market? A craft and zine sale? Table at them if you feel comfortable!

Another way is to approach a zine distro and ask if they’ll consider your zine. In Ottawa, there are two zine racks run by Lily Pepper. She buys my zine for half of what she sells it for. I don’t make a lot of money this way, but I don’t lose any money either.

Besides, the point of zines has never been to make money in the first place. In Ottawa, there is another way I get my creations out to the world: at the zine-off!

The Ottawa Zine-Off is a small event that occurs every six months for local writers and illustrators get together. Everyone makes something for the event, then trades with each other. This has been essential to the growth of the city’s zine scene and is an awesome way to meet new people who don’t go to shows.

However, you don’t need to organize a zine-off to give away your work (but wouldn’t it be cool if you did?!) You can leave your zine free for the taking at record stores, vintage stores, movie theatres, at the dentist’s office, on the bus… who knows who will pick it up?


Don’t forget that it’s okay if your first zine doesn’t live up to all of your expectations or if something goes wrong while you’re making it. In fact, given the medium, that’s actually normal. Zines exist as a process of growing as an artist, writer and creative, a tool you can use to develop your skills, as well as yourself as a living, breathing human person! Zines are a weapon the size of your heart, so keep writing and keep copying.

Alanna Yaraskavitch is a second year journalism student at Carleton University who has been making zines under the name Alanna Why for the past four years. She has written many titles including Backwaves, a fanzine about Richard Simmons, and Scoopin’ Times, a comic zine about working in an ice-cream parlour. Currently, she writes a perzine called Finale 95, wherein which she explores post-secondary misadventures, friendship and existential crises prompted by power-pop.

Tout comme la musique indépendante, les zines sont difficiles à définir, mais faciles à identifier. Les zines (prononcé « tzine ») sont de tout petits magazines faits maison reproduits à l’aide d’un photocopieur. Il y a deux catégories de base : les fanzines (abréviation de « fan magazine ») et les perzines (abréviation de personal zine). Toutefois, ces deux catégories ne couvrent certainement pas tout, puisque le monde magique de l’autoédition comprend aussi les mini bandes dessinées, les bulletins d’information, les chapbooks (de petits livres qui contiennent des contes, des poèmes, des ballades, etc.) et beaucoup plus encore.

Alors, pourquoi faire un zine si ce ne sont essentiellement que des versions photocopiées d’un tableau de bord tumblr ? Le fait qu’ils soient personnels, non censurés et faciles à transporter comptent parmi les raisons les plus courantes pour lesquelles on aime les zines. J’aime faire des zines, car je les trouve leur rédaction et leur lecture thérapeutiques, en plus, ils constituent une superbe excuse pour entretenir des correspondances papier. L’intimité et l’effort qu’ils ont demandés (« Quelqu’un s’est vraiment donné la peine de FABRIQUER ça ?! ») sont aussi souvent évoqués comme raisons pour lesquelles quelqu’un irait s’embêter de faire et de lire des zines.

Parfois, c’est une corvée de passer du temps à créer un zine, mais comme avec toute chose, l’effort est toujours récompensé. Rien n’est plus amusant que de tenir une pile de zines fraîchement photocopiés entre ses mains en dansant dans sa chambre au rythme des Courtneys en criant : « JE L’AI FAIT! J’AI FAIT ÇA! »

Alors arrêtez de remettre à plus tard! Il est temps de finir de créer ces zines commencés il y a des années une bonne fois pour toutes. Il n’y a que quatre étapes entre vous et votre œuvre : la création du contenu, les considérations esthétiques, l’assemblage et la distribution.


La plus grande question, et la première, à laquelle vous devez répondre lorsque vous décidez de créer un zine : de quoi parlera le zine? Comme média, les zines fonctionnent mieux quand ils traitent d’un sujet qui touche l’auteur et qui l’intéresse. Même si vous pensez que ce dont vous parlez est banal ou ordinaire, il existe probablement d’autres gens ayant des expériences similaires qui adoreraient lire à propos vos idées et vos expériences.

Ce qui nous amène à une remarque importante : parfois, il est difficile d’écrire à propos de soi sans se sentir comme un connard ou une connasse narcissique. « Pourquoi est-ce que quelqu’un aurait ne serait-ce qu’un DÉBUT d’INTÉRÊT pour une anecdote personnelle tirée de mon enfance ?! » Je vous entends crier: « N’est-ce pas de la complaisance envers soi-même ? ».

Non! Enfin, peut-être. Il n’en reste pas moins qu’il est primordial d’abandonner cette idée avant de commencer à créer. Comme William Zinsser l’a écrit dans On Writing Well, « Écrire est un acte d’ego, et vous êtes aussi bien de le reconnaître. Utilisez son énergie pour continuer à vous porter. »

Que ce soit un numéro partagé avec un ami ou un vaste travail de compilation regroupant de vagues connaissances d’une même scène, il y a quelques précautions supplémentaires à prendre quant au contenu lorsque vous travaillez avec d’autres gens. Quand plusieurs personnes participent à un zine, le premier conseil est de ne présumer de rien.

Tout d’abord, ne tenez pas pour acquis qu’ils sont d’accord pour que leur vrai nom soit publié avec leur oeuvre, surtout s’ils écrivent sur un sujet sensible ou personnel. Plus encore, soyez sûr de toujours DEMANDER avant de changer ou de réarranger ce que quelqu’un a écrit.

Une autre chose importante à considérer est que lorsque beaucoup de gens contribuent à un projet, il est plus que probable que certains ne termineront pas ce qu’ils avaient annoncé. Fixez des dates butoirs frivolement tôt. Cela peut paraître idiot de dire aux gens que vous avez besoin des documents deux semaines ou un mois avant que vous en ayez réellement besoin, mais cela laisse une bonne marge pour toute oeuvre remise (inévitablement) en retard. Vous serez heureux de l’avoir fait plus tard !

<<< la suite >>>


Maintenant que le contenu est réalisé, c’est le moment de faire quelque chose de joli. Tout d’abord, vous devrez décider quelle taille aura votre zine. Un quart de page, une demi-page ou une page entière ? Le plus facile pour débuter est de choisir une demi-page soit une page standard pliée en deux. Toutefois, vous pourrez en avoir plus pour votre argent en le pliant une fois de plus et en travaillant sur un format quart de page qui sera aussi plus facile à envoyer par la poste plus tard. Ensuite, il est bon de savoir de quelle façon le contenu sera formaté. Le texte sera-t-il écrit à la machine à écrire, à la main ou à l’ordinateur? Utiliserez-vous des images? Si tel est le cas, est-ce que ce seront des dessins, des photographies ou des images découpées? Ce qui est génial avec les zines : c’est votre décision.

Quoi qu’il en soit, il est important de garder à l’esprit que vous reproduirez ce que vous faites à l’aide d’un photocopieur, ce qui n’est pas sans contraintes. Par exemple, il est probable que votre zine, à plus forte raison votre premier, soit en noir et blanc (les copies couleurs coûtent cher et comportent leurs propres lots d’ennuis qu’il vaudrait mieux garder pour vos prochaines parutions, quand vous aurez acquis de l’expérience). Avec les copies en noir et blanc, certaines couleurs (comme le jaune) ne sont pas copiées dans les teintes de gris, et les traits de crayon de bois (surtout s’ils sont pâles) ne se photocopient pas bien. En prenant ça en compte, c’est une bonne idée de faire très tôt un essai au photocopieur. Vérifiez en avance que les fournitures que vous utiliserez répondront à vos attentes une fois copiées.

Et quelle que soit la taille, la forme ou la nuance de votre zine, laissez TOUJOURS (TOUJOURS!) des marges d’au moins ½ cm, sinon plus. Vous avez passé tout ce temps à formater les mots et les images – c’est un sentiment horrible que d’arriver au photocopieur et réaliser que chaque fin de ligne est coupée à l’impression.


Maintenant que vous avez écrit, dessiné et formaté votre zine, il est temps de les dupliquer pour les distribuer au peuple. Les photocopieurs sont des bêtes très caractérielles, mais elles peuvent facilement être domptées avec un peu de savoir-faire. Il existe deux façons d’aborder l’impression : payer et ne pas payer.

Si vous payez pour photocopier, allez dans un centre de copies et demander à quelqu’un de vous montrer comment fonctionnent les photocopieurs avant d’aller gâcher tout votre argent de poche à essayer de faire des copies recto-verso seul(e). Ne craignez pas qu’ils regardent ce que vous avez fait et qu’ils vous jugent. Ce n’est pas ce qui les intéresse! Ils sont là pour aider les gens à faire des photocopies toute la journée. C’est leur boulot!

D’un autre côté, peut-être travaillez-vous dans un bureau. Ou êtes-vous un étudiant avec un accès aux photocopieurs du campus. Vous avez peut-être des parents, des amis, une famille élargie, et ils ont peut-être un photocopieur, et ce pourrait bien être votre chance. Peu importe, vous avez un moyen de photocopier vos zines gratuitement. Ne ressentez aucune culpabilité quand vous photocopiez sans payer, et suivez les traces de nombreux zineux et de nombreuses zineuses putainement punk avant vous.

N.B. Si vous êtes viré parce que vous avez volé la clé de votre patron et organisé une folle entrée par effraction à 3 h du matin, ne vous en prenez pas à moi. Vous devez décider seul(e) comment vous voulez faire vos copies, je vous souhaite bien du courage.

Une fois que vous aurez vos photocopies, vous devrez les assembler. La plupart des gens agrafent toutes les pages au milieu, mais j’ai vu des zines retenus par un fil cousu, des trombones ou même des épingles à cheveux. Si vous choisissez l’agrafage, vos pages seront certainement trop larges pour pouvoir atteindre le milieu avec une agrafeuse de base. Vous aurez donc besoin de mon outil de bureau préféré … la grande agrafeuse. Elles se vendent environ 40 $, ou vous pouvez aussi utiliser celle du centre de copies.


C’est fait! Vous avez fait un zine! Maintenant que vous en tenez quelques-uns dans vos mains moites tout en vous trémoussant au son de « Lost Boys », il est temps de distribuer votre oeuvre.

Comme tout art, vous pouvez distribuer vos créations en forçant les gens à payer pour l’avoir. Un bon point de repère pour donner un prix au zine est d’en demander le prix que cela vous a coûté pour photocopier un numéro, de le doubler puis de l’arrondir aux 50 sous ou dollar le plus près. Par exemple, le premier numéro de mon perzine, Finale 95, m’a coûté 0,72 $ à photocopier, donc je demandais 2 $.

Maintenant que vous avez déterminé le prix, où pouvez-vous vendre vos zines? Il suffit de regarder autour de vous. Votre ville tient-elle une foire de la publication indépendante? Un marché aux puces punk? Un salon d’artisanat et de zines? Si vous êtes à l’aise, participez-y!

Vous pouvez aussi approcher un distributeur de zines et lui demander s’il souhaite distribuer le vôtre. À Ottawa, Lily Pepper possède deux présentoirs à zines. Elle achète mes zines pour la moitié du prix de revente. Je ne fais pas beaucoup d’argent de cette façon, mais je n’en perds pas non plus.

De toute façon, le but premier des zines n’a jamais été de faire de l’argent. À Ottawa, il existe une autre façon de mettre mes créations à la disposition de tous : le zine-off!

Le zine-off d’Ottawa est un petit évènement qui se déroule tous les six mois lors duquel les écrivains et les illustrateurs locaux se rencontrent. Tout le monde fait quelque chose pour l’occasion, puis l’échange avec les autres. Cet événement a été essentiel à la croissance de la scène zine de la ville, et c’est un moyen génial de rencontrer de nouvelle personne qui ne vont pas aux concerts.

Toutefois, il n’est pas nécessaire d’organiser un zine-off pour distribuer gratuitement votre travail (mais ne serait-ce pas trop cool si vous le faisiez?!) Vous offrir gratuitement votre zine chez les disquaires, dans les friperies, aux cinémas, chez le dentiste, dans le bus… Qui sait qui le prendra?


N’oubliez pas qu’il est normal que votre premier zine ne remplisse pas toutes vos attentes ou que quelque chose tourne mal pendant que vous le faites. En fait, étant donné le médium, c’est parfaitement normal. Les zines servent de processus de maturation en tant qu’artiste, qu’écrivain et que créateur. C’est un outil que vous pouvez utiliser pour développer vos compétences, aussi bien que pour vous épanouir en tant que personne vivante. Les zines sont une arme de la taille de votre cœur, alors continuez d’écrire et continuez de copier.

Alanna Yaraskavitch est une étudiante en journalisme de deuxième année à l’Université Carleton. Depuis quatre ans, elle crée des zines sous le pseudo Alanna Why. Elle a écrit pour plusieurs parutions, dont Backwaves, un fanzine sur Richard Simmons, et Scoopin’ Times, un zine BD à propos du travail dans un bar laitier. En ce moment, elle écrit un perzine intitulé Finale 95, dans lequel elle explore ses aventures à l’université, ses amitiés et ses crises existentielles suscitées par la power-pop.

How To Press A Vinyl Record

How To Press A Vinyl Record

Releasing your music on vinyl can be one of the most rewarding parts of being in a band or running a label. However, the uninitiated are bound to face some challenges. This guide is intended to prepare the reader for those things so he or she can get to the good stuff a little easier.

Let’s begin:


A broker is a company operating as an independent middleman between an artist or label and a record pressing plant. Their volume of projects may help establish more scheduling priority and better pricing. Many are focused on customer service and accessibility, which is important because some record plants have a reputation for pressing good records but keeping poor communication.

So should you press directly at the plant or go through a broker?

I am a broker, so I obviously prefer that route– I wouldn’t do it if I didn’t believe in it. But it’s a fact that all record plants are not created equal, and the same can be said of brokers. It’s also true that neither option is clearly cheaper than the other. Selecting the supplier of your choice is going to come down to more than just pondering one category versus the other.

Instead, what you want to look for most of all are two main qualities: communication and price.


Vinyl projects typically require in-depth correspondence so it’s important to choose the right person to work with. You’re going to want your contact to be organized, knowledgeable, easy to work with and above all, responsive. Their abilities here will directly translate to your order being prioritized and made correctly.

It’s my experience that some plants don’t have the time, structure or capacity to respond to emails quickly or provide timely information that keeps a project organized because they’re busy doing what they’re good at, which is pressing records. This is where a broker may be of use, as a project manager who has direct and daily conversations about the progress of their orders.

A broker is most valuable as a point of communication between you and the plant, so if you’re getting evasive answers or having difficulty contacting them, it’s probably wise to find someone else. Ask them outright which plant they use – you have the right to know so don’t be shy. If they don’t want to answer you, I’d take it as a red flag. Find out who cuts their lacquers and do some research to make sure it’s a reputable place, or ask for a list of cutting credits. Of course electroplating is important too but cutting and pressing are the most subjective and influential stages in shaping how your audio will ultimately be presented.

Lastly, arm yourself with the tools to start a good relationship – you’ll need them. Be organized, be positive and polite, and submit your materials on time and according to policy. You’re going to need your rep to be there for you when times are good but also to have someone who is willing to go to bat for you when a mistake happens…and it will eventually! I’m telling you, all plants screw up sometimes (the broker is also at this mercy) –it’s just what happens during such a complicated and manual process.

Try not to worry about it too much! When it happens somewhere down the road, it’s going to come down to how your rep is prepared to fix the issue. A tidy resolution to get your project back on track is only possible when you’ve chosen a plant or broker with strong communication skills.

<<< read more >>>


Geographical proximity is important because shipping can be a significant cost associated with pressing that some people don’t consider when looking at a price quote. For example, importing 500 12” records on your own from the US (where 95% of plants are located) can cost upwards of $300-$400+ and may require you to deal with the border and brokerage charges yourself. For these reasons I would encourage you to look at Canadian plants or brokers first.

If you’ve found a good deal at an American plant or broker, keep in mind the added cost of buying US dollars. Check out a site like and add 2% on top (which, at minimum, is what the banks will charge for the transaction). The extra cost associated with buying USD should be part of your overall consideration when thinking about the bottom line.


Now that I’ve discussed who to approach and why, let’s take a deeper look into making the best cost-related decisions.

The quantity of records you order is going to be a big factor in determining your resale price per unit. 100 is the minimum at most pressing plants but if that’s the route you want to go, I recommend also looking at a quote for 300 too for comparison’s sake. You never want to order more records than you think you can sell, but you also want to balance that with an appropriate resale cost – you want the records to be affordable to buy. You also want to give yourself a good shot at making your money back so you can do this all over again!

On a run of 300 7”s, I’d say at least 70% of your cost will be dedicated to one time set up charges. These set ups are generally static up to at least 1,000 units. Since the cost of the records themselves are quite small in comparison, you’re bound to see a difference when you divide your whole project by 100, 300 and 500. Ask your supplier where their price breaks on the records themselves start (usually 300), if they have set up charges (some do, some don’t) and at what quantity do those disappear (usually 500). Once again, don’t order more than you can handle, but consider your quantity options on low runs to make the most informed choice.

Most high quality record jackets are offset printed, which requires ‘plates’ to be made. Because of this, just like in the record pressing process, the paper itself is the smallest cost of the whole thing. Keeping this in mind, the process becomes viable for jacket manufacturers at 500, which is, especially for 12” jackets, the industry standard. So if you are making a 12” record and want good quality jackets, be prepared to fiddle with your pressing numbers a bit to find the sweet spot that make both quantities work (usually 300 records/500 jackets at minimum in my experience). But don’t make me say this again…do not order more than you think you can sell in the long term!

You may also want to weigh your options regarding packaging (meaning the insertion of your records/inserts/download cards into jackets, and bagging or shrink wrapping). Most projects go the fully packaged route to reduce shipping costs and to increase convenience. However, if you’re on a strict budget and have the space to handle approximately twice the amount of boxes, have the luxury of picking up the units instead of shipping them and can put in at least a few hours of insertion work, then ask your supplier rep for unpackaged or “raw” records and jackets as an option. Depending on the quantity involved, this could save you a bit of change. As a warning though, it’s far more time and space consuming than most people think!

Lastly, I highly recommend that you avoid 1-step electroplating to save on cost as opposed to the more commonly ordered 2-step. As a brief and non-technical description of the two, 1-step takes your freshly cut lacquer set and goes through one generation of a phase called ‘electroplating’ to turn your part into a stamper which can be used on press. 2-step meanwhile, takes your lacquers through 2 generations in order to make backup metal plates called “mothers” from which multiple stampers can then be made, in case of stamper breakage on press. Some people may be tempted to order 1-step on smaller runs thinking their chances of a stamper breaking are much less than a run of 500, but it’s possible for them to break after only a few units. Without a mother in inventory, you will have to go all the way back to lacquer cutting and the new parts will be billed to you.


I think this may be a good place to stop for now, as I’ve gone over the basics of how to order and from where. I could go on for much longer about the process and how it all works but I’ll save that for another guide. Until then, get your label pumping out some records and help keep our community thriving.

Paul Miller
President, SAMO media

I’d be very happy to talk to you about any points in this guide and make further recommendations on how to get the most out of your pressing experience. Please always feel free to contact me at or 416.425.6631.



SAMO media (Toronto, ON)
Vinyl Record Guru (Nanaimo, BC)
Analogue Media Technologies (Verdun, QC and North York, ON)
AotZ Media (New York, NY)
Morphius (Baltimore, MD)
Bellweather Manufacturing (Bloomington, IN)
Furnace MFG (Merrifield, VA)
Pirates Press (San Francisco, CA)


RIP-V (St Lambert, QC)
Brooklyn Phono (Brooklyn, NY)
Archer Records (Detroit, MI)
Gotta Groove Records (Cleveland, OH)
Musicol Recording (Columbus, OH)
Quality Record Pressing (Salina, KS)
United Record Pressing (Nashville, TN)
A&R Records (Dallas, TX)
Rainbo Records (Canoga Park, CA)
Bill Smith Custom Records (El Segundo, CA)
Erika Records (Buena Park, CA)
Record Technology Inc (Camarillo, CA)

Faire paraître sa musique sur vinyle peut être l’un des aspects les plus gratifiants lorsqu’on fait partie d’un groupe ou qu’on gère un label. Cependant, les non initiés feront forcément face à quelques défis. Ce guide a pour but de préparer le lecteur à affronter ces défis afin de pouvoir accéder aux bonnes choses un peu plus facilement.

Commençons :


Un prestataire de services est une compagnie qui agit comme intermédiaire indépendant entre un artiste ou un label et une usine de pressage de disques vinyles. La quantité de projets qu’ils entreprennent peut aider à établir la priorité de votre commande et vous aider à obtenir de meilleurs prix. La plupart des prestataires de services mettent l’emphase sur le service à la clientèle et sur la facilité d’accès, ce qui est important puisque certaines usines de pressage sont reconnues pour la qualité des vinyles qu’elles pressent mais entretiennent de médiocres communications avec leurs clients.

Alors, vaut-il mieux aller directement à l’usine ou passer par un prestataire de services?

Je suis prestataire de services et je préfère donc évidemment cette solution… Je ne le ferais pas si je n’y croyais pas. Mais il faut reconnaître que toutes les usines de pressage ne sont pas égales, et on peut en dire autant des prestataires de services. C’est aussi vrai qu’aucune de ces deux options est nécessairement plus abordable que l’autre. Choisir un fournisseur est plus compliqué que de simplement comparer ces deux catégories.

Ce dont il faut tenir compte en priorité, ce sont les deux aspects les plus importants du processus, à savoir la communication et le prix.


Habituellement, les projets vinyles demandent énormément de correspondance et il est donc important de choisir la bonne personne avec qui travailler. Vous aurez besoin de quelqu’un d’organisé, possédant de solides connaissances, avec qui vous vous entendez bien et par-dessus tout, quelqu’un de réceptif. Ces aptitudes détermineront directement la priorité de votre commande et si elle sera faite correctement.

D’après mon expérience, certaines usines n’ont pas le temps, la structure ou la capacité de répondre aux courriels rapidement ou de fournir l’information qui permet à un projet de rester organisé parce qu’ils sont trop occupés à faire ce qu’ils font le mieux, c’est-à-dire presser des disques. C’est à ce niveau qu’un prestataire de services peut vous être utile et agir comme un chef de projet qui s’entretient chaque jour directement avec l’usine au sujet du progrès des commandes.

Le rôle le plus précieux d’un prestataire de services est d’être un point de contact entre vous et l’usine. Si vous recevez des réponses évasives ou que vous avez de la difficulté à les joindre, il vaut mieux trouver quelqu’un d’autre. Demandez leur avec quelle usine ils font affaire – ne soyez pas gêné, vous avez le droit de savoir. S’ils refusent de répondre, voyez-y un signal d’alarme. Demandez qui coupe leurs vinyles et vérifiez la réputation de cet endroit, ou alors demandez une liste de sources de coupe. Bien sûr, l’électro-galvanisation est une phase importante, mais le découpage et le pressage sont des étapes subjectives et influentes dans le processus de pressage et, détermineront comment votre musique sera présentée au final.

Enfin, armez-vous des outils nécessaires à la construction d’une bonne relation. Vous en aurez besoin. Soyez organisé, soyez positif/positive et respectueux/respectueuse, et envoyez votre matériel à temps en suivant les directives de la compagnie. Vous aurez besoin que votre représentant soit là pour vous quand tout va bien, mais vous aurez aussi besoin de quelqu’un qui veut bien vous supporter quand il y aura des erreurs… et il y en aura probablement! Je vous le dis, toutes les usines font parfois des erreurs (le prestataire aussi)… c’est simplement ce qui se produit au cours d’un processus aussi compliqué et manuel.

Ne vous en faites pas trop! Quand ça se produira, la solution dépendra de comment votre représentant est prêt à réparer l’erreur. Une résolution sans complications est seulement possible si vous avez choisi une usine ou un prestataire de services qui possède de bonnes compétences de communication.

<<< la suite >>>


La proximité géographique est importante parce que le coût de la livraison peut être élevé, ce que certains ne prennent pas en considération lorsqu’ils regardent les estimations de prix. Par exemple, importer 500 disques 12″ à vous seul des États-Unis (là où 95% des usines se trouvent) peut vous coûter jusqu’à $300-$400 et peut exiger que vous déboursiez vous même les frais de douanes. Pour ces raisons, je vous encourage à considérer les usines et les prestataires de services canadiens en premier.

Si vous avez trouvé un bon prix auprès d’une usine ou d’un prestataire de services aux États-Unis, pensez aux frais additionnels d’un achat en argent américain. Visitez un site web comme et ajoutez 2 % de plus à ce chiffre, le pourcentage minimum que la banque vous chargera pour la transaction. Le coût supplémentaire d’un achat en dollar américain devrait faire partie de votre réflexion.


Maintenant que j’ai indiqué qui approcher et pourquoi, regardons plus en détail comment prendre les meilleures décisions relatives aux coûts.

La quantité de disques que vous commandez est un facteur important pour déterminer votre prix de revente par unité. 100 disques est le minimum dans la plupart des usines de pressage, mais si c’est ce que vous voulez, je vous suggère de regarder également les estimations pour 300 disques afin de comparer les prix. Vous ne voulez pas commander plus de disques que vous ne pensez pouvoir en vendre, mais vous voulez trouver un coût de revente approprié… vous voulez que le disque soit abordable. Vous voulez aussi vous donner une bonne chance de faire assez d’argent pour couvrir vos dépenses afin de recommencer plus tard!

Pour une commande de 300 disques 7″, je dirais qu’au moins 70 % de la somme servira à couvrir les frais de départ. Ces coûts restent généralement les mêmes jusqu’à au moins 1 000 unités. Étant donné que les disques eux-mêmes ne sont pas dispendieux en comparaison, vous verrez sans doute une différence de prix si vous divisez le coût total du projet par 100, 300 ou 500 unités. Demandez à votre fournisseur combien de disques vous devrez acheter pour profiter de taux réduits (habituellement 300), s’ils ont des coûts de départ (certains en ont, d’autres pas) et combien de disques vous devez acheter pour ne pas avoir à les payer (habituellement 500). Je répète : ne commandez pas plus de disques que vous ne pouvez en vendre, mais prenez en considération les différentes options au niveau de la quantité afin de prendre une décision éclairée.

La plupart des pochettes de qualité sont imprimées sur une presse offset qui nécessite la fabrication de ‘planches’. De ce fait, comme pour le processus de pressage de disques, le papier lui-même est le coût le moins élevé de toute l’affaire. Ceci étant dit, faire les pochettes devient viable pour le fabricant à 500, ce qui est la norme dans l’industrie, surtout lorsqu’on parle de disques 12″. Donc, si vous produisez un disque 12″ et que vous voulez des pochettes de bonne qualité, soyez prêt à modifier vos chiffres pour trouver la solution la plus avantageuse à la fois pour les disques et les pochettes (habituellement 300 disques et 500 pochettes minimum, d’après mon expérience). Mais ne me le faites pas dire à nouveau… ne commandez pas plus de disques que vous ne pouvez en vendre à long terme!

Vous voudrez peut-être aussi considérer vos options d’emballage, donc au niveau de l’insertion des disques/encarts/cartes de download dans les pochettes, et de l’ensachage et de l’emballage sous film plastique. La plupart des projets sont entièrement emballés pour réduire les frais de livraison et pour vous sauver du travail. Cependant, si votre budget est serré et que vous avez l’espace pour vous occuper d’environ deux fois plus de boîtes que la normale, que vous avez la chance d’aller chercher votre commande plutôt que de vous la faire livrer et que vous avez quelques heures à consacrer aux tâches d’insertion, demandez à votre fournisseur de vous envoyer des disques et des pochettes non emballés. Dépendamment de la grosseur de votre commande, ça pourrait vous sauver un peu d’argent. À titre d’avertissement, cette option prend beaucoup plus de temps et d’espace que vous ne le croyez!

Finalement, bien qu’elle coûte moins cher, je recommande vivement que vous évitiez l’électro-galvanisation en une étape et que vous optiez pour la méthode plus commune en deux étapes. Une brève description non technique : le processus en une étape utilise le vinyle fraîchement coupé et le fait passer par une seule phase de production appelée « électro-galvanisation » pour transformer ce morceau en une timbreuse qui peut être utilisée pour presser. Le processus en deux étapes quant à lui fait passer les vinyles par deux étapes de production afin de produire des copies des planches de métal appelées « matrices » desquelles plusieurs timbreuses peuvent ensuite être fabriquées, au cas où l’une d’elles briserait lors du pressage. Certains d’entre vous seront peut être tentés d’opter pour la méthode en une étape pour de plus petites commandes parce que vous pensez qu’il y a moins de chances que la timbreuse ne brise que lors d’une commande de 500 disques, mais il est possible que celle-ci se brise après quelques disques seulement. Sans une matrice en inventaire, vous aurez à recommencer du début et les nouveaux morceaux vous seront chargés.


Je pense que je vais m’arrêter ici pour l’instant, puisqu’on a vu où et comment passer une commande. Je pourrais parler encore longuement du processus de pressage et de comment tout ça fonctionne, mais je garde ça pour le prochain guide. D’ici là, sortez des disques sur votre label et aidez notre communauté à prospérer.

Paul Miller
Président, SAMO media

Je serais très heureux de discuter de chacune des étapes de ce processus plus en détail et de vous conseiller davantage sur la façon de profiter au maximum de votre expérience de pressage. N’hésitez pas à me contacter par courriel à ou par téléphone au (416) 425-6631.


Liste de prestataires de services spécialisés en vinyles:

SAMO media (Toronto, ON)
Vinyl Record Guru (Nanaimo, BC)
Analogue Media Technologies (Verdun, QC and North York, ON)
AotZ Media (New York, NY)
Morphius (Baltimore, MD)
Bellweather Manufacturing (Bloomington, IN)
Furnace MFG (Merrifield, VA)
Pirates Press (San Francisco, CA)

Liste d’usines de pressage de disques vinyles:

RIP-V (St Lambert, QC)
Brooklyn Phono (Brooklyn, NY)
Archer Records (Detroit, MI)
Gotta Groove Records (Cleveland, OH)
Musicol Recording (Columbus, OH)
Quality Record Pressing (Salina, KS)
United Record Pressing (Nashville, TN)
A&R Records (Dallas, TX)
Rainbo Records (Canoga Park, CA)
Bill Smith Custom Records (El Segundo, CA)
Erika Records (Buena Park, CA)
Record Technology Inc (Camarillo, CA)