Category: Far Shores

Far Shores // Inferred Views :: An Interview with Justin Gordon


Justin Gordon at the “Hot Mess” comic launch at INCLINE/DECLINE fest in Guelph.

Cartoonists Justin Gordon and Megan Arnold met up at Incline/Decline Fest last summer, where Justin launched their most recent comic project, “Hot Mess.” Together they found a nice tree on a hill during some downtime to talk about Justin’s work—new and old—their tattoos, and their hometown of Guelph, Ontario.


You had something up for Kazoo! Fest 2015, and I noticed there’s still a little bit left of it in Dis-A-Ray.

Yeah, the owner of Dis-A-Ray, Ray Mitchell, lends his window space to Kazoo! each year. I had a series of freestanding four-foot wood panels, and I cut the shapes out around them and painted the background so it was three-dimensional but still very flat and illustrative. It’s called “The Sun Comes Through the Glass” and it was sort of a play on still lives, like recreating still lives and the idea of stillness coming into windows. I was kinda feeling like Kazoo! and festivals like Incline/Decline are so fast-moving that it’s nice to have those breathing points.

In comparison to other places that you’ve lived, how do you feel about the Guelph art scene?

There are some great illustrators here. It’s very small and very friendly. I feel very connected to other people who draw things and make animations. Marc Bell and Amy Lockhart were also living here for the last six or seven, maybe eight years. Having them living down the street from me really shaped the way that I think about art.

I can definitely see their influence in your style.

Yeah, there was a lot from Marc and Amy. But there’s also younger illustrators, and a few people who do silkscreening. I’ve had some good collaborations with people and everyone is very receptive. Because it is a smaller city, things can have a big impact, and it keeps people working. I find it very laid-back here, in a way, where I think that maybe I’m craving an inner-city, confrontational thing, or like making art in response to other people. Whereas here it’s sort of like “everything is cool and nothing sucks,” and I wouldn’t want to be the person that makes a response piece to someone. But I think that really helps generate an idea flow and some kind of lineage between people. But maybe I’m just romanticizing being a painter in an era that I couldn’t fathom.

1. Sun Comes Through The Glass (window installation, Kazoo! Festival, Guelph 2015)

2. Sketch for upcoming project. 3. En Masse painting for NXNE (toronto, 2015) collaborators include: Jason Botkin, Waxhead, Bonar, Snail, Jerry Rugg.

What was your process like while working on “Hot Mess,” which was launched at Incline/Decline?

It was very much in this way of re-enacting a 9-to-5 job but over a comic book. I was diligent with it. I was also considering a lot of feminist theory and queer theory and identity politics – like the way people express feeling about their bodies in change and transition. I felt like I was listening to a lot of people talk about how they fit into social spaces and how they fit into their bodies, so I was just trying to re-enact that through a lighthearted, accessible comic book, and trying to relate that with softer shapes and identifiable figures. It took me a month to make. I kind of wanted to make it as a classic comic book, where it’s 6”x8” and 24 pages, and has nice opening credits.

Are themes of bodies and queer/feminist theory something that you work with a lot, or was it just a focus for “Hot Mess”?

I think they are. I’m trying to abstract a lot of things. It was a really big instigation for “Hot Mess.” I feel like it’s important for me to solidify my identity within that before I even start making things. There’s really few reminders to breathe and drink enough water and rest and take time for yourself before you jump the gun and start to produce something.


Hot Mess and Paperback Museum.

Do you have any more books planned?

My next book is gonna come out with Swimmers Group in Toronto and I’m gonna build things out of clay and paint more panels and take photos of them. I’d really like to have it be more like a gut instinct, or more about feeling than trying to maintain a certain format for it. ‘Cause I think it’s fun to play and good for your health to just experiment.

Is this one gonna have a narrative to it?

I think it’s gonna be a lot of short pieces, allowing the narratives to come up with different mediums, like having painting be contained in its own colour schematic and placement, and then switching it for pencil drawings. Just allowing things to collect themselves. I’m going to school in Montreal next year to study art theory. It’s sort of fun watching things change, and everything that you do recreates, reconstructs and informs what you would do after. And I think that’s why it’s funny to do an interview because I don’t have any answers.

That’s okay! Do you know when your next book will be done?

No. I might take some time with it. I might really feel it out. I feel like it’s easy for me to get into production mode and lose the content a bit. Living in a cabin in the woods over the summer has given me enough space to look at what I’ve been doing and what things are about. So I’m gonna try to keep this small part of me that’s like, “You’re still in your cabin in the woods. Don’t rush it.”


Justin’s tattoo of a Patrick Kyle drawing.

Are there any of your contemporaries that you think people should know about?

Yeah! What Alicia Nauta is doing with the Klassic Kool Shoppe is the best. Folks should all know about Colour Code Printing – they do the best work. I like what Boogerbrie is doing. They seem really rad, and are really working with femininity in panel comics. Jesi the Elder is forever the best. I’m always a really big fan of what Patrick Kyle does. There’s a lot of amazing and totally inspiring people. There is a subcultural community that has such amazing characters in it. It’s really why I wanna make things ever, is just to be able to engage with those people.

*Justin Gordon au festival Incline/Decline à Guelph pour le lancement de la bande dessinée « Hot Mess » *

Les caricaturistes Justin Gordon et Megan Arnold se sont retrouvés au festival Incline/Decline l’été dernier, où Justin a lancé son plus récent projet de bandes dessinées s’intitulant « Hot Mess ». Ils se sont installés sous un arbre sur une colline lors d’une pause afin d’échanger sur les projets récents et précédents de Justin, ses tatouages, et sa ville natale de Guelph en Ontario.


Vous avez fait quelque chose pour le festival « Kazoo » en 2015, et j’ai remarqué qu’il en reste encore un peu chez « Dis-A-Ray ». 

Oui, chaque année, le propriétaire de « Dis-A-Ray », Ray Mitchell, prête la vitrine de son commerce comme espace publicitaire à Kazoo!. J’avais une série de panneaux en bois mesurant quatre pieds de hauteur et j’ai coupé des formes autour et peint l’arrière-plan afin de donner une certaine illusion tridimensionnelle en gardant le tout plat et explicatif. Il est appelé « The Sun Comes Through the Glass » pour donner une apparence en quelque sorte d’inactivité et de bien recréer l’idée de l’immobilité qui entre par les fenêtres. Je me sentais un peu comme « Kazoo » et ce genre de festival comme Incline/Decline est en constant mouvement, il est agréable d’avoir ces moments de pause.

Quelle est votre opinion de la scène artistique à Guelph comparé aux endroits où vous avez déjà habité?

Il y a d’excellents illustrateurs ici. C’est très intime et très sympathique. Je me sens très lié avec d’autres dessinateurs et ceux qui font de l’animation. Marc Bell et Amy Lockhart ont également demeurés ici depuis six ou sept ans, peut-être même huit ans, et j’ai eu le plaisir de les côtoyer pendant plusieurs années. Ils ont influencé la façon dont je vois les arts par leur proximité.

Leur influence se démontre définitivement dans votre style.

Effectivement Marc et Amy ont donné beaucoup. Il y a aussi de jeunes illustrateurs et quelques personnes qui font de la sérigraphie. Il y a un bel esprit de collaboration et les gens sont très ouverts. Puisqu’il s’agit d’une petite ville, beaucoup de choses peuvent avoir un gros impact, ce qui peut encourage les gens à continuer leur travail. Je trouve ça très décontracté ici, au point d’avoir le gout d’un affrontement dans la ville en quelque sorte ou bien de réaliser des créations en réaction aux autres. Ici par contre, tout semble être cool, il n’y a rien de déplaisant et je ne voudrais pas semer de la controverse en réagissant à quelqu’un, mais je crois que ceci sert à générer des idées et un certain historique entre nous. Peut-être que j’idéalise être peintre dans une époque mystérieuse.


1. Sun Comes Through The Glass (installation de vitrine, Festival Kazoo, Guelph 2015)

2. Dessin pour un projet futur 3. La peinture « En Masse » pour le NXNE (Toronto 2015) les collaborateurs inclus : Jason Botkin, Waxhead, Bonar, Snail, Jerry Rugg

Expliquez-nous le cheminement du projet « Hot Mess » lancé au festival Incline/Decline?

C’était pas mal un travail de recréer une journée de travail de 9h à 17h, mais dans la création d’une bande dessinée avec des idées de théories féministes et queer et aussi de politique identitaire. Un peu comme la façon dont les gens s’y prennent pour s’exprimer sur l’évolution de leur physique lors de transition et de changement. J’avais le sentiment d’écouter tout le monde parler de la façon dont ils se situent dans les espaces sociaux et comment ils s’adaptent à leur image corporelle. C’est d’essayer de tout reconstituer par le biais d’une bande dessinée accessible et plaisante tout en tentant de relier l’ensemble avec des formes plus souples et des silhouettes reconnaissables. Ça m’a pris un mois pour la réaliser. J’ai voulu créer une bande dessinée classique de 6’’x 8” de 24 pages, avec un générique d’ouverture agréable.

Travaillez-vous beaucoup avec les idées de théories féministes et queer et avec les corps ou bien était-ce un projet unique pour « Hot Mess » ?

Je crois que oui et j’essaie de rendre abstraites beaucoup de choses. Ce fut un facteur motivateur pour « Hot Mess ». J’ai l’impression que c’est important pour moi de solidifier mon identité même avant que je me mette à créer quelque chose. Il faut prendre le temps de respirer, s’hydrater et se reposer avant de faire le saut vers une création.


Hot Mess et Paperback Museum.

Avez-vous d’autres livres de planifiés ?

Mon prochain livre verra le jour avec la collaboration de Swimmers group à Toronto dont le but est de fabriquer des objets avec de l’argile et de peinturer plus de panneaux et de les prendre en photo. J’aimerais être plus spontané et faire confiance à mon intuition au lieu de garder la même tendance. Je crois que l’expérimentation est très plaisante et bonne pour la santé.

Est-ce qu’il y aura une narration?

Je pense que ce sera de courts extraits avec des récits qui diffèrent selon la plateforme. C’est comme une peinture ayant ses propres couleurs et son propre lieu pour ensuite faire le virage vers des dessins au crayon et voir comment ça se passe. L’année prochaine, je serai à Montréal pour suivre des cours sur la théorie des arts. Je m’amuse à voir les choses changer, car tout ce que l’on fait aujourd’hui nous amène aux créations de demain et à nos aspirations futures. Pour moi, c’est drôle de faire des entrevues, car je n’ai pas les réponses.

C’est correct ! Savez-vous quand votre prochain livre sera terminé ?

Non. Je prendrai le temps qu’il faut. Je vais y aller intuitivement. C’est trop facile pour moi de me mettre en « mode production » et de perdre du contenu. Avoir passé du temps dans un chalet dans le bois pendant l’été m’a donné la chance de me retrouver et de découvrir la vérité. Alors sans trop me ruer, je vais tenter de rester fidèle à moi-même.


Le tatouage de Justin basé sur un dessin de Patrick Kyle.

Voulez-vous reconnaitre certains de vos camarades ?

Oui! J’aime beaucoup ce que Alicia Nauta fait avec Klassic Kool Shoppe. Tout le monde devrait connaitre le travail d’impression par code de couleur. C’est un travail impeccable. J’aime aussi les créations de Boogerbrie. Ils se démarquent par leurs vignettes avec un point de vue féministe. Jesi the Elder est l’une des meilleurs. J’ai une grande admiration pour le travail de Patrick Kyle. Il y a plein d’artistes qui sont une source d’inspiration incroyable. Il y a une communauté subculture qui a des superbes personnages. C’est pourquoi je fais des créations, afin de pouvoir côtoyer ce genre de personnes.

Far Shores :: Christina Bosowec – Dodge Spirit


Weird Canada: If you were stranded on an iceberg, would you rather have snacks or a beverage?

Christina Bosowec: Snacks. Doritos and nibs.

A recent addition to Montréal (via Winnipeg and Halifax), Christina Bosowec responds to the unrecognized allure of inanimate objects: revealing something both serene and vibrant. Her first solo show, “Dodge Spirit”, materialized in the Anna Leonowens this spring like a memory you didn’t know you had (including a heap of donuts for the opening night gallery-goers). An expressly personal but unsentimental examination of her first car, Bosowec describes the show as “a memorial that celebrates the existence of the Dodge Spirit.” It embodies not only the spirit of an object, but the spirit of her work. A spirit whose inexplicable beauty will have you transfixed and asking: Why is this fuchsia Barbie car so elegant? How have these cans of grapefruit soda given you the opportunity to pause and contemplate?

co-credit: Brandon Brookbank

Bosowec tunes into the mysterious power within her chosen objects: “The practice of collecting, selecting and arranging [..] ultimately reflects my orderly nature.” This consideration is a constant thread throughout her entire body of work, and the soft materiality of the Scrunchie Body Tube and Sponge Me Up is particularly compelling. There is an urge to experience these works in the real, although the documentation—much of which is through collaboration with friends and fellow artists Brandon Brookbank and Kyle Alden Martens —is nearly as tactile and seductive as a sponge in the hand.

co-credit: Kyle Alden Martens

For Bosowec, the sponge has been much more useful as subject than cleaning tool: “My investigation of objects began with my obsession with the sponge. I began exploring usual and recognizable stacked configurations of sponges and worked towards conceptualizing this obsession by recreating the sponge stacks in alternative materials that resembled the same color palette as the sponges.”


credit: Jordan Blackburn

Bosowec quietly asks you to reconsider everyday objects—to consider the meaning we place upon them—calling attention to how this gives objects power: “I feel that the power of an object is defined by the meaning that is placed on the object; this could be determined in the object’s physicalness/characteristics, use or sentiment. Dodge Spirit is less about sentiment and more about the physicality of the Dodge and how external objects can come together to commemorate the Dodge and acknowledge its existence. The physicalness of the car attributes to the power that exists in the spirit of the car.”


credit: Jordan Blackburn

Weird Canada: Si vous étiez coincés sur un iceberg, aimeriez-vous mieux avoir des collations ou un breuvage?

Christina Bosowec: Des collations. Des Doritos et des nibs.

Une arrivée récente à Montréal (via Winnipeg et Halifax), Christina Bosowec réagit à l’allure méconnue d’objets inanimés : révélant quelque chose à la fois serein et vivant. Sa première exposition en solo, « Dodge Spirit », s’est matérialisée dans la galerie Anna Leonowens ce printemps comme un souvenir que nous ignorions avoir (y compris un tas de beignes pour les présents à l’ouverture). Une enquête expressément personnelle, mais dépourvue de sentiment sur sa première voiture, Bosowec décrit l’exposition comme « un mémorial qui célèbre l’existence de l’Esprit Dodge. » Elle incarne non seulement l’esprit d’un objet, mais l’esprit de son ouvrage. Un esprit dont la beauté inexplicable vous fascinera et vous vous demanderez : Pourquoi cette voiture Barbie fuchsia est-elle si élégante? Comment ces canettes de soda au pamplemousse vous ont-elles donné la chance de vous arrêter et de contempler?


référence secondaire : Brandon Brookbank

Bosowec se rapproche des pouvoirs mystérieux de ses objets choisis: « La pratique de rassembler, de sélectionner et d’arranger [..] en fin de compte reflète ma nature ordonnée. » Cette considération s’agit d’un fil conducteur dans l’ensemble de son œuvre, et la matérialité souple du Scrunchie Body Tube et Sponge Me Up est particulièrement captivante. Il y a un désir ardent de vivre l’expérience de ces œuvres en personne, bien que la documentation—dont la plupart est en collaboration avec des amis et des collègues artistes Brandon Brookbank et Kyle Alden Martens — est presqu’aussi tactile et séduisante qu’une éponge dans la main.

référence secondaire : Kyle Alden Martens

Pour Bosowec, l’éponge a été bien plus utile en tant que sujet qu’en outil de nettoyage : « Mon enquête sur les objets a commencé par mon obsession avec l’éponge. J’ai commencé à explorer des configurations empilées d’éponges usuelles et identifiables et j’ai travaillé vers la conceptualisation de cette obsession en recréant les piles d’éponges dans des matériaux alternatifs qui ressemblaient à la même palette de couleurs que les éponges. »


référence : Jordan Blackburn

Bosowec nous invite discrètement à réexaminer les objets de tous les jours—à considérer la signification que nous leurs assignons—attirant l’attention sur la façon dont cela donne du pouvoir aux objets: « Je crois que le pouvoir d’un objet est défini par la signification qui y est attribuée; ceci pourrait être déterminée par la réalité physique et les caractéristiques d’un objet, par son utilité ou sentiment. Dodge Spirit a moins à voir avec le sentiment, mais plutôt avec la physicalité du Dodge et la façon dont les objets externes peuvent êtres rassemblés pour commémorer le Dodge et reconnaître son existence. La réalité physique de la voiture attribue le pouvoir qui existe dans l’esprit de la voiture. »


référence : Jordan Blackburn

Far Shores // Sanctum :: Also As Well Too


“It’s something in between a fun thing to do with other artists and a throwing-up-of-hands in the face of the ridiculously precarious position that artist-run culture is in today.” – Letch

Taking advantage of the potential in a living room of one’s own, Also As Well Too is bridging the vast physical distance between Canadian artists. Brainchild of Letch Kinloch, the library/gallery is generously based in his Winnipeg home, and there seems to be no more appropriate location. Bright windows illuminate bookshelves brimming with donated and loaned books, zines, cassettes, and records – an impressive response to a humble call for submissions. It comes as no surprise that the community response has been as supportive as it has been collaborative. Workshops and residencies began earlier this summer, and The Wandering Albatross tour, accompanied by Ray Fenwick’s Le Moat Juice, paid a visit to artist-run centers such as TRUCK, SAAG, and Yellow Dog, with more manifestations coming soon. A library never looked so good or felt so fresh.


How did this project come into being?

I’d wanted to make an arts space for a long time – something that gave every artist the potential for equal billing and opened up options for responsive opportunities and collaboration. But every time I looked for spaces to rent or buy, the cost seemed totally impossible. One day it struck me – the Morbid Anatomy Museum in Brooklyn started in Joanna Ebenstein’s living room. She housed it there for 10 years as it grew into an amazing community and eventually a museum in its own building. I was already using my living room as a studio, so I just cleared it out, put up some shelves, and started asking people about artist books. The response was fast and incredible.

Individuals who love and/or make books will find this totally exciting, but what would you tell someone who might not consider a library a relevant contemporary project?

I would say that, like so many other media, artist books are marginalized because people simply haven’t recognized their importance yet. Bookworks still operate on the fringes and, maybe because of that, they are often used to explore ideas that are not accepted in the mainstream. As they have not yet been co-opted or canonized, the medium gives people a certain freedom from the historical oppressiveness of other media, in the same way that video did. It can be anything. So maybe their lack of recognition is a good thing.

But really, it doesn’t matter. The great response I’ve had to the project – people sending in their books and the books of other artists they’ve collected, people showing up to read and explore the collection, the really amazing response to the workshops and events – there is already a large community that has been working with and thinking of artist books as relevant to contemporary art long before I ever showed up on the scene. I don’t really care if anyone else thinks it’s important.


There is totally something about the physical book that is inexplicably important – will Also As Well Too strive to be a physical-only library, or are you thinking of going digital?

It is both! There are some really neat artist books that exist in a digital format that mimics the classic page-turning of traditional books, and it is the perfect medium through which to create that bridge. But there are also digital works that really push the parameters of what a “book” can be. But I don’t think this is totally new to the digital age. There are cassette tapes and records in the Library’s collection that I see as precursors to the digital books.

Another digital aspect to the library is an upcoming project I’m working on, which will be launched with the Wandering Albatross Tour – a geographical database of the locations of artist books around the country (a lot of them are hiding out in regular libraries because people don’t know how to categorize them). The idea is to get people to review the artist books that they find, which will help people be able to engage with them from afar, and maybe get some exciting conversations started. All of this will be hosted on the Also As Well Too website.


“Also As Well Too” strikes me as all the words we use as filler when we’re really excited about something and can’t stop talking – how did you source this title?

These were words my friends and I used to string together in high school, emphasizing and extending the awkwardness of communication, the arbitrariness of the beginning and end of thoughts, the questionableness of language choices. It became a joke, almost like a tic – something we eventually filled in for each other.

Anything you would like to take this opportunity to say to the world?

Send me your artist books!

If you’re not in the neighbourhood or on the tour route, you can cruise the current catalogue, submit and get excited for the library’s future endeavours. Also As Well Too is worth checking out (and renewing).

C’est quelque chose qui se situe entre un truc amusant à faire avec d’autres artistes et simplement baisser les bras face à la position ridiculement précaire de la culture gérée par les artistes d’aujourd’hui. » [traduction] — Letch

Tirant avantage du grand potentiel d’un salon propre à soi, Also As Well Too vient combler la distance physique considérable entre les artistes canadiens. La bibliothèque/galerie est la progéniture intellectuelle de Letch Kinloch, et il a généreusement décidé de l’installer dans son domicile à Winnipeg — un emplacement on ne peut plus approprié. La lumière éclatante des fenêtres illumine les étagères qui débordent de livres, de zines, de cassettes et de vinyles donnés et prêtés : l’impressionnante réponse de la communauté à un humble appel aux soumissions. La réaction communautaire a été aussi encourageante que collaborative, et ce n’est pas surprenant. Des ateliers et des résidences ont débuté plus tôt cet été, et la tournée Wandering Albatross, accompagnée par Le Moat Juice de Ray Fenwick, a notamment rendu visite aux centres d’artistes tels que TRUCK, SAAG, et Yellow Dog, suit par d’autres manifestations bientôt. Jamais une bibliothèque n’a parût si belle et originale.


Comment ce projet est-il né?

Je voulais créer un espace artistique depuis longtemps, un endroit qui donnerait à chaque artiste la chance d’avoir une facturation égale et qui ouvrirait la porte aux possibilités et à la collaboration. Mais chaque fois que je trouvais des espaces à louer ou à vendre, le prix était complètement hallucinant. Puis un jour, ça m’a frappé — le Morbid Anatomy Museum à Brooklyn a commencé dans le salon de Joanna Ebenstein. Elle l’a accueilli pendant 10 ans, développant une communauté extraordinaire avant de devenir un véritable musée. Je me servais déjà de mon salon comme studio, alors je l’ai simplement vidé, puis j’ai installé des étagères et j’ai commencé à poser des questions au sujet de livres d’artistes dans mon entourage. La réaction a été rapide et incroyable.

Les gens qui adorent et/ou font des livres trouveront ça hyper passionnant, mais que diriez-vous à ceux qui ne considèrent pas une bibliothèque comme un projet contemporain pertinent?

Je dirais que, comme de nombreux autres médias, les livres d’artistes sont marginalisés parce que les gens n’ont simplement pas encore reconnu leur importance. Ces livres existent en marge de la société, et, peut-être grâce à cela, ils sont souvent utilisés pour explorer des idées qui ne sont pas acceptées par l’idéologie dominante. Comme ils n’ont pas encore été récupérés ni canonisés, le médium accorde encore aux gens une certaine liberté (contrairement au caractère oppressif d’autres médias), comme la vidéo l’avait fait. Ça peut être n’importe quoi. Alors peut-être que leur manque de reconnaissance est une bonne chose.

Mais ça n’a vraiment aucune importance. La quantité immense de réponses que j’ai eues pour le projet – les gens qui envoient leurs livres ou ceux qu’ils ont collectionnés faits par d’autres artistes, les gens qui se présentent pour lire et explorer la collection, leur présence aux ateliers et aux évènements – me montre qu’il y avait déjà une grande communauté qui travaillait sur les livres et qui les considérait comme étant pertinents dans le cadre de l’art contemporain longtemps avant que je n’arrive sur la scène. Ça m’est vraiment égal que les autres pensent que c’est important ou non.


Il y a quelque chose au sujet des livres matériels qui est inexplicablement important. Est-ce qu’Also As Well Too s’efforcera d’être une bibliothèque purement physique, ou est-ce que vous pensez vous convertir au format numérique?

Les deux! Il y a des livres d’artistes vraiment intéressants en format numérique qui imitent l’action de tourner les pages des livres traditionnels, et il s’agit du médium parfait pour créer un pont entre les deux. Il y a également des ouvrages numériques qui repoussent les paramètres de ce qui constitue un « livre ». Mais je ne crois pas que ce soit une nouveauté propre à l’ère numérique. Il y a des cassettes et des vinyles dans la collection de la bibliothèque que je vois comme des précurseurs. Un autre aspect numérique de la bibliothèque est un projet sur lequel je travaille actuellement, qui sera lancé avec la tournée Wandering Albatross Tour – une base de données géographiques situant les livres d’artistes à travers le pays (beaucoup se cachent dans les bibliothèques régulières car les gens ne savent pas comment les catégoriser). L’idée est d’inviter les gens à faire la critique des livres qu’ils trouvent, ce qui aidera le monde à s’engager avec eux à distance et permettra peut-être d’entamer des conversations excitantes. Le tout sera publié sur le site web d’Also As Well Too.


« Also As Well Too » me fait penser à tous les mots vides que l’on emploie lorsqu’on tripe sur quelque chose et qu’on ne peut pas arrêter d’en parler – comment avez-vous obtenu ce titre?

LK : Ce sont les mots que mes amis et moi avions l’habitude d’enchaîner au secondaire, en rallongeant sur le malaise de la communication et en mettant l’accent sur l’arbitraire du début et de la fin des pensées, sur le doute dans les choix langagiers. C’était devenu une blague, presque comme un tic – un vide que nous remplissions mutuellement.

Voulez-vous saisir cette occasion pour dire quelque chose au monde?

Envoyez-moi vos livres d’artistes!

Si vous n’êtes pas dans le quartier ou sur la route qui sera suivie en tournée, vous pouvez feuilleter le catalogue actuel, faire une soumission et vous réjouir des futures entreprises de la bibli. Also As Well Too vaut la peine d’être découverte (et alimentée).

Far Shores :: Michael DeForge – Ant Colony


In Ant Colony, Toronto’s Michael Deforge holds a magnifying glass up to a psychedelic underworld, revealing a gleefully grotesque community of anthropomorphised insects that struggle to find significance in their “itty bitty lifestyle.”

The plot is loosely structured around a drug-induced war between colonies of red and black ants, and we follow the five who manage to survive the massacre thanks to their cowardice, sadism, or just dumb luck (in one case, the psychic powers they got from ingesting a worm smoothie). Meanwhile the parade of life’s minutiae marches on; ants eat, bicker, fuck, and agonize over the meaning of any of it.

Originally published in an online format, each two-panel spread works as a standalone story. Read in one burst, it’s an eerily accurate representation of modern life in fast forward: equal parts pleasure, pathos, and fart jokes.


Dans “Ant Colony”, le Torontois Michael Deforge met un monde psychédélique sous la loupe, révélant une communauté grotesque d’insectes anthropomorphiques qui essaient à tout prix de trouver leur raison d’être.

La narration tourne autour d’une guerre où s’affrontent des colonies de fourmis rouges et noires, et présente cinq témoignages de survivants, s’en étant sortis grâce à leur lâcheté, leur sadisme, ou simplement sur un coup de chance (dans l’un des cas, des pouvoirs psychiques acquis à la suite de l’ingestion d’un smoothie saveur ver de terre). Entretemps, la parade du quotidien suit son cours; les fourmis mangent, se chamaillent, fourrent et agonisent sur le sens de tout cela.

Paru à l’origine sous un format en ligne, chacun des épisodes de deux cases relate une histoire en soi. Lu d’un coup, ceux-ci tissent une représentation sinistrement précise d’une vie moderne en accéléré – répartis en parts égales de plaisir, pathos et des blagues de pets.


Far Shores :: Forest City Gallery – Extra Ordinary


Extra Ordinary was contained within the walls of Forest City Gallery – Canada’s first established artist-run-centre – in April 2014, and it’s still fresh gum under the desk. Curated by tiny cyclist Jenna Faye Powell, the exhibition showcased three Toronto-based artists: Bree Zorel, Matt King (of Absolutely Free), and Sam Mogelonsky.


Mogelonsky’s pin-stuck cylinders and Shiny Spinning Thing (pictured) demanded to be touched and twirly-whirlied. This was no stay-a-metre-back and don’t-you-dare-touch-the-art kind of exhibition, but a temporary playground. The work was devoid of function, but invited viewers to play as well as look.

The title of Extra Ordinary was a clever summation of the show. Everyday objects (books, a ladder) and simple materials (sequins, paper, pins) presented a more playful version of reality, transforming the ordinary into the extra-ordinary. It zapped away at daily life and transformed the viewers into curious children, once again excited about little things. Look at this – life is cool! Life is fun!


Zorel’s I Like You Lots But I’m A Weirdo (pictured) was available for free in postcard form. Fall in love with its Harlequin-esque smoochie cover and send it to your honey.

Extra Ordinaire a été présentée à l’intérieur des murs de la galerie Forest City – le premier centre dirigé par des artistes au Canada – en avril 2014, et c’est encore tout chaud comme un pain fraîchement sorti du four. Réalisée par la toute petite cycliste, Jenna Faye Powell, l’exposition nous fait découvrir trois artistes travaillant à Toronto : [Bree Zorel], Matt King (membre du groupe[Absolutely Free]), et [Sam Mogelonsky].


Les créations de Mogelonsky, que ce soit le cylindre enchâssé dans sa base et la chose brillante qui tourne (illustrée), exigeaient qu’on les touche et les fasse tourbillonner. Ce n’était pas une exposition froide où il est interdit de toucher aux oeuvres, mais plutôt un terrain de jeux temporaire. Les oeuvres n’avaient aucune fonctionnalité particulière, mais elles conviaient plutôt les visiteurs à s’amuser autant qu’à regarder.

L’appellation Extra Ordinaire était un résumé intelligent de l’exposition. Des objets utilisés quotidiennement (livres, échelle) et des matériaux simples (paillettes, papiers, épinglettes) ont servi à présenter une version plus ludique de la réalité, transformant l’ordinaire en extraordinaire. La vie quotidienne a été occultée par cette présentation qui a métamorphosé les visiteurs en enfants curieux, émerveillés par les petites choses simples : La vie est cool! La vie est amusante!


L’oeuvre de Zorel I Like You Lots But I’m A Weirdo (photographiée) était disponible gratuitement sous forme de carte postale. Laissez-vous tomber en amour avec son look « Harlequin-lover » et envoyez-en une à votre chéri(e).

Inferred Views // Ex-Libris :: Jacob McArthur Mooney


Jacob McArthur Mooney is a poet, blogger, literary critic, and host of Toronto’s excellent series of poetry readings, Pivot.

How did Pivot start?

Pivot was started six years ago by the poets Carey Toane and Angela Hibbs, and before ending up in my lap was passed through Elisabeth de Mariaffi and Sachiko Murakami. Before that, even, it was known as the I.V. Lounge Reading Series and hosted at the I.V. Lounge by first Paul Vermeersch and later Alex Boyd.

I had been asked to take over a few times during those previous handoffs but wasn’t feeling up for it for various reasons around lifestyle and bad decision making. I took it over in 2012 and have been running the show with my wife, novelist Alexis von Konigslow, ever since.

What makes your poetry series different from other existing ones in Toronto?

A lot of those series don’t include windows and we have a rather large window.

Beyond the window, I would say Pivot is a rather blissfully unadorned series. Pivot contains no hyphens. It doesn’t do any reach out beyond the world of poetry and fiction and the occasional non-fict. It doesn’t try to be anything more than what it is. This is a big fucking city, you know? There is something out there for you no matter how weird and eccentric your tastes are, and so Pivot is there for that group of people: statistically insignificant until stretched across the landscape of a metropolis, who like to drink beer and be read to in the dark. So I would say that Pivot is very proudly niche in a way that might be unique, and that’s the only way I could ever have it. Some nights it’s just me, my hangdog Andy Kaufmann schtick, and the only room full of people in this whole city I can stand. It’s a small target and we want to nail it.

Do you use different approach when you work with emerging artists vs established ones?

There are no such things as “established artists” in poetry. The only two kind of poets are emerging and deceased.

But if you’re talking about age or publication record, then no. The new poets are generally better readers than the older poets, is all I can think of.

Is working with emerging poets more challenging than working with established ones? Could you elaborate on what makes working with emerging poets unique?

Okay, so let’s throw out my quick “No” above, and assume meaning for the term “emerging poets,” and that it means, roughly: young poets who haven’t published books. I will say that they should know that they are the best moment Canadian poetry has ever had. The generation of poets born, I’ll say, between 1984 and 1993 (let us be shits and call them “The Mulroney Poets”) are the most consistently interesting and deepest and most outrageously ambitious group we’ve ever seen. I’ve tried to articulate why this may be and have at best, two theories.

One, they have the opportunity, if they wish to take it, to be completely over the idea of “Canada.” We spent a long time in the literary culture of this country trying to figure out how to be simultaneously liberal and nationalist, and it didn’t work out because that’s an inherently bullshit position. The first big generation of Canadian writers, the boomers and their slightly older siblings, fought on and on about that. Dennis Lee is a hero of mine and a good friend but the battle he supposed in geopolitical terms in, say, Civil Elegies, or the one rendered in ecological terms by Farley Mowat, those have all been lost. These Mulroney kids are coming into adulthood at a time where the moral and environmental apocalypse being furthered by Canada is greater than the one being furthered by every other Western country. They are coming up in the only period in any living person’s memory where the Canadian Prime Minister sits to the right of the American President, and so much of that disco nationalism stuff demanded a Good Canada/Bad America dialectic. Which is no way to build a national culture, as it depends on the cultures of other nations to exist. So I would say that, though they are inexorably fucked in all the meaningful economic and moral ways, the end of a cultural Canada does them a lot of good as poets. There’s a bigger world out there.

And secondly, there’s a bigger world out there. I think that this group is so used to the repetitive smashing together of cultural products: near and far, high and low, old and new, that the reach of their metaphors can be so much more ambitious and natural than for poets born even a few years earlier. A lot of this is the internet but it’s also the Internet of Thoughts, you know. It’s how those technological gadgets reconfigure the brain if you’re young enough to be born into them. Juxtaposition is finished, I think, it doesn’t exist anymore. So you get crazy shit happening out there with people like Kayla Czaga and Michael Prior and Vincent Colistro (or Jessica Bebenek or Liz Howard or all those people in Vancouver) where an amount of figurative reach that might seem showy or performative for even our more culturally-literate older poets (McGimpsey, Rogers, Babstock) just flow off the tongue and there’s no ta-dah attached, it’s just culture speaking.

Your website mentions that you receive no funding other than PWYC – how do you make that work and how can others who might be interested in starting out in that environment manage that?

I pass a bucket at the break and people are encouraged to put money in the bucket. At the end of the break I take the money out of the bucket and divide it equally between all the readers. Simple. Anyone can do it. But we’re entertaining the idea of going out for public funding, in the interest of paying those readers more money.

In your opinion, what are the gaps/opportunities in Toronto’s poetry scene? What kind of work doesn’t get as much celebration as it should?

We are very lucky in Toronto. It’s a good scene and a generally welcoming world. If you were so inclined, you could go out and see something decent every night of the week. I would say that we lack people willing to do the less-glamourous work of scene buttressing, but that’s not unique to the city or to poetry. Nobody likes to fill out forms or cold-call venues or comparison shop for paper.

My big worry is probably, with the growth of unfunded internships and the like, is that much of that work becomes the speciality of rich people’s kids and grandkids. And we already have such a demographic problem in poetry (I’ll let spoken word off the hook on this generalization), it’s so Caucasian and upper-middle class and socioeconomically riskless already that I’m concerned that another thirty years of filtering out Grown Up White Trash like myself will render it static.

What are Pivot’s plans in the near future as a poetry series, e.g. whether or not you are envisioning any changes to Pivot’s scope or focus?

More younger poets this year. Also, I think we’ll bring in fewer readers with brand-new books. I’d like to have people do Pivot like 6 months after their book is out, otherwise it just gets lost in the rush of readings and releases and you end up with, like, four opportunities to go hear a given poet read in a week. We’re going to drift out of that game.

Jacob McArthur Mooney, le poète, blogueur et critique littéraire, est également animateur de Pivot, une excellente série de soirées dédiées à la lecture de poésie à Toronto.

Comment a commencé Pivot?

La série a commencé il y a six ans, avec les poètes Carey Toane et Angela Hibbs, puis elle est passée par les mains d’Elisabeth de Mariaffi et de Sachiko Murakami avant de tomber dans les miennes. En fait même avant ça, c’était la I.V. Lounge Serie, elle avait lieu au I.V. Lounge et elle a été animée par Paul Vermeersch d’abord et par Alex Boyd ensuite.

Quand il y a eu ces changements, on m’a demandé de m’en charger à quelques reprises, mais je ne me sentais pas prêt à m’en occuper pour diverses raisons (relatives à mon style de vie et à de mauvaises décisions que j’ai prises). En 2012 j’ai pris la série en main, et je m’en occupe depuis avec ma femme, la romancière Alexis von Konigslow.

Qu’est-ce qui différencie Pivot des autres soirées de poésie à Toronto?

La plupart d’entre elles n’offrent pas de vitrine : nous, nous en offrons une bonne.

Au-delà de ça, je dirais que Pivot est merveilleusement sans prétention. La série ne contient aucun trait d’union, elle ne cherche pas à sortir du domaine de la poésie, de la fiction et (occasionnellement) de la non-fiction. Elle n’essaie pas d’être plus que ce qu’elle est. Toronto, c’est une maudite grosse ville : c’est sûr qu’il va y avoir quelque chose pour t’intéresser, même si tes goûts sont vraiment bizarres et excentriques. Et Pivot est là pour ce groupe de gens – statistiquement insignifiant jusqu’à ce qu’on l’étende sur tout le territoire d’une métropole – qui aime boire de la bière et assister à une lecture dans le noir. Alors, je dirais que Pivot se positionne dans un créneau d’une façon plutôt unique, et je ne voudrais pas que ce soit autrement. Il y a des soirs où il n’y a que moi, mon chien de poche Andy Kaufmann qui fait ses trucs, et cette salle remplie de gens – la seule que j’arrive à supporter dans toute la ville. C’est un objectif très précis et on veut l’atteindre.

Est-ce que ton approche de travail est différente avec les artistes émergents et ceux établis?

En poésie, les « artistes établis », ça n’existe pas. Il n’y a que deux types de poètes : les émergents et les morts.

Mais si tu fais référence à l’âge ou à la publication, alors non. La seule chose qui me vient en tête est que les jeunes poètes sont généralement de meilleurs orateurs que les plus vieux.

Est-ce qu’il est plus difficile de travailler avec des poètes émergents qu’avec ceux établis? Pourrais-tu décrire ce qui rend cette expérience unique de travail?

OK, oublions mon « Non » rapide de tout à l’heure et disons que « poètes émergents » veut dire grosso modo : jeunes poètes qui n’a pas encore publié un livre. Je dirais qu’ils devraient savoir qu’ils sont dans le meilleur moment de l’Histoire de la poésie canadienne. Les poètes nés, disons, entre 1984 et 1993 (on va être chien et les appeler les « poètes Mulroney ») sont ceux dont la création est la plus globalement intéressante et profonde : ils sont les plus scandaleusement ambitieux qu’on n’a jamais vus. J’ai essayé de déterminer pourquoi et, au mieux, j’ai deux théories.

La première : ils ont la chance, s’ils veulent la saisir, de complètement dépasser l’idée du « Canada ». Dans la culture littéraire canadienne, nous avons passé beaucoup de temps à essayer de comprendre comment être à la fois libéral et nationaliste, et ça n’a pas fonctionné parce que c’est carrément n’importe quoi comme position. La première grande génération d’écrivains canadiens (les baby-boomers et leurs frères et sœur aînés) n’arrêtait pas de débattre sur le sujet. Que ce soit le combat proposé par Dennis Lee – un de mes héros et un bon ami – en termes géopolitiques dans Civil Elegies ou encore celui décrit en termes écologiques par Farley Mowat, ils ont tous été perdus. Ces enfants de Mulroney arrivent à l’âge adulte à un moment où le cataclysme moral et environnemental aggravé par le Canada est encore pire que celuiprovoqué par les autres pays occidentaux. Ils arrivent durant la seule période de mémoire d’homme où le premier ministre canadien siège à la droite du président américain, et une partie importante de tout ce discours nationaliste reposait sur une dialectique gentil Canada/méchants États-Unis; ce qui n’est pas une façon de construire une culture nationale puisque son existence est dépendante de celle des autres pays. Alors, je dirais que même s’ils sont inexorablement foutus de toutes les façons économiques et morales possibles, la fin d’un Canada culturel les aide beaucoup en tant que poètes. Il y a tout un monde à découvrir.

La deuxième : il y a tout un monde à découvrir. Je pense que ce groupe est tellement habitué à ce que les produits culturels soient agglomérés ensemble qu’ils soient d’ici ou d’ailleurs, bons ou mauvais, nouveaux ou vieux, que leurs métaphores peuvent avoir une portée beaucoup plus naturellement ambitieuse par rapport à des poètes nés quelques années avant eux. C’est sûr que c’est principalement causé par l’Internet, mais l’Internet est aussi un réseau de pensées. C’est la façon dont ces gadgets technologiques reconfigurent le cerveau quand on est assez jeune pour avoir baigné dedans dès la naissance. Il n’y a plus de juxtaposition, je pense que c’est mort. Alors, il y a des gens qui font plein de trucs fous un peu partout, comme Kayla Czaga, Michael Prior et Vincent Colistro (ou encore Jessica Bebenek, Liz Howard ou tous ces personnes de Vancouver), avec un rayonnement figuratif impressionnant qui pourrait sembler tape-à-l’œil ou performatif par rapport aux valeurs culturelles de nos vieux poètes (McGimpsey, Rogers, Babstock); et ça glisse sur la langue et il n’y a pas de ta-dah, c’est juste la culture qui parle.

Le site internet mentionne que Pivot se finance uniquement par le principe « payez ce que vous voulez ». Comment est-ce que ça fonctionne? Quels trucs donnerais-tu à des gens intéressés par ce mode de financement?

Durant la pause, je me promène avec un seau en encourageant les gens à y mettre de l’argent; et après, je sors ce qui a été ramassé et je le divise également entre les lecteurs. C’est simple, n’importe qui peut le faire. Mais nous pensons commencer à chercher du financement public dans l’objectif de donner plus à nos lecteurs.

Selon toi, quelles sont les lacunes et les possibilités de la scène poétique de Toronto? Quel genre d’œuvre ne reçoit pas toute l’attention qu’il mérite?

À Toronto, nous sommes très chanceux. La scène est bonne, généralement accueillante. Si telle était ton envie, tu pourrais sortir et aller voir quelque chose de décent tous les soirs de la semaine. Je dirais que ce qu’il manque, c’est des gens voulant faire le travail moins prestigieux de soutien scénique, mais ce n’est pas propre à la ville ni à la poésie. Personne n’aime remplir des formulaires, faire des appels à froid pour trouver des lieux d’événements ou pour comparer les prix pour acheter du papier.

Ce qui m’inquiète le plus c’est que, avec l’augmentation du nombre de stages non rémunérés et de postes du genre, ça finisse par devenir la spécialité des enfants et petits-enfants de riches. On a déjà un gros problème démographique en poésie (mais je n’inclue pas les créations orales dans cette généralisation) : c’est déjà tellement blanc, classe moyenne supérieure et sans risques socioéconomiques… j’ai peur qu’une autre trentaine d’années à éliminer les vieux white trash comme moi finisse par rendre le domaine statique.

Dans un avenir rapproché, quel est le plan pour Pivot, par exemple en termes de séries poétiques, pensez-vous faire des changements?

Cette année : augmenter le nombre de poètes plus jeunes. Aussi, je pense qu’on va inviter moins de lecteurs qui viennent juste de publier un livre. J’aimerais que les gens viennent à peu près 6 mois après avoir sorti leur livre, sinon ça se perd parmitoutes les autres lectures du lancement, et tu te ramasses avec quelque chose comme quatre occasions d’aller entendre tel poète dans une même semaine. On veut s’éloigner de cette dynamique.

Far Shores :: Bob Scott


From the spooky shores of Vancouver emerges Bob Scott’s Halloween masterpieces.

One of his latest is Baby Bogie #2, a bratty and condescending pumpkin child reminescent of the 1930s that is delicately crafted from recycled cork. It’s one of the many ghoulish carvings that appear as homemade decorations, but leave the impression of sinister intentions. Among the wall-eyed pumpkin and kooky black cat magnets, you’ll find more arduous and intricate demons, deities, and other legends attempting to run amok and stir up trouble.


Folklore and nightmares also come alive in Scott’s hell-ish drawings. A sea of shark’s spew and skeleton punks are translated into record covers.





Occasionally, cork-carved tiki figures surface as threatening onlookers or corrupt souls guised as Halloween characters. The menacing creatures seem to have evolved from earlier years when Scott had handpainted instruments, sometimes creating horrific tiki visions that were not for the faint of heart. Several guitars and even an upright bass have been marked straight from the pen of beezlebub himself.


Des côtes effrayantes de Vancouver nous viennent les chefs-d’œuvre halloweenesques de Bob Scott.

Confectionné minutieusement à partir de liège recyclé, Baby Bogie #2, l’une de ses dernières créations, représente un enfant-citrouille malpoli et arrogant, tout droit sorti dirait-on des années 1930. Simples décorations artisanales à première vue, ses sculptures macabres laissent toutefois entrevoir leurs sinistres intentions. Parmi les aimants de citrouilles qui louchent et les chats noirs bizarres, vous trouverez aussi de complexes démons, déités et autres créatures de légende, tous prêts à se déchaîner et à semer la zizanie.


Le folklore et les cauchemars prennent également vie dans les dessins infernaux de Scott. Un requin pris du mal de mer et des squelettes punk ornent ses affiches, tandis que des démons et des lutins malfaisants se transforment en pochettes d’album.





À l’occasion, des figures tiki, sculptées dans le liège, surgissent tels des badauds inquiétants ou des spectres corrompus déguisés pour l’Halloween. Ces créatures menaçantes datent de l’époque où Scott peignait des instruments( ornés parfois de terribles visions tiki. Cœurs sensibles s’abstenir. Plusieurs guitares et même une contrebasse portent la marque du stylo de Belzébob lui-même.


Festivities // Far Shores :: 6th Annual White Rabbit Celebration


White Rabbit is wild ocean waves crashing opposite deep woods. You’re listening to 92 Nothing FM. First, there is the residency. Ten or so artists selected to come to Red Clay, Parasborough way. Site specific and found material projects are encouraged. Seven feverish days pass: discussion, labour and summer rites. Last comes the festival. Intimate gives way to audience, an explosion of song, feast and triumph. Long nights on the Bay of Fundy, world’s highest tides.Weird_Canada-Festivities_Far_Shores-White_Rabbit_Residency-2

Lindsday Dobbin walks the beat.

Lindsay Dobbin drums forward as the water rises. Backwoods Nova Scotia all lit up. Kate Walchuk knows. She’s your KJ rocking Jefferson Airplane’s song of the same name on repeat. Feed your head.


Alana Yorke, you got this.

There’s a little stage illuminated by candles. Alana Yorke belting piano cheese. Tears roll down cheeks. Falling for it. The meadow is for dancing. Big stage, undulating boys—EFG —fake ESG. Groove backwards. DJ Goldilocks. Holy shit. Body movement. Great feelings.


Gurotszta and the Great Garlic Gazing.

Next morning, pancake breakfast. We praise the sun, soil and water and ceremoniously plant garlic. Truly incredible experience. I’m a believer.

White Rabbit est un océan sauvage dont les vagues s’échouent contre une forêt profonde. Vous écoutez 92 Néant FM. D’abord la résidence. Une dizaine d’artistes sont sélectionnés pour se rendre à Red Clay, Parasborough way. Interactions locales et projets d’objets trouvés sont encouragés. Sept jours fiévreux passent : discussions, labeur et rites d’été. Enfin, vient le festival. L’intimité est remplacée par un public, une explosion de chants; festins et triomphe. De longues nuits au cœur des marées imposantes de la Baie de Fundy.


Lindsay Dobbin promène le rythme.

Lindsay Dobbin marche son tambour pendant que la marée monte. Un trou de nouvelle écosse tout allumé. Kate Walchuk sait. Elle est votre KJ, jouant à l’infini la chanson homonyme du festival par Jefferson Aiplaine. Nourrissez vos pensées.


Alana Yorke sait quoi faire.

Il y a une petite scène illuminée par des bougies. Alana Yorke epoustouflante au piano. Les larmes coulent le long des joues. J’y crois. La plaine pousse pour qu’on y danse. Grande scène, garçons ondulants —EFG— ersatz d’ESG. Danse renversée. DJ Goldilocks. Holy shit. Mouvements du corps. Émotions du cœur.


Gurotszta et la grande observation de l’ail.

Le matin suivant, déjeuner aux pancakes. Nous prions soleil, terre et eau et plantons cérémonieusement des bulbes d’ail. Une expérience simplement incroyable. J’ai la foi.

Far Shores // Inferred Views :: Wednesday Lupypciw

a preview of the upcoming performance work ALLIES HONOUR YOU at Queen City Pride Festival in Regina next week (!!)


a still of the video Bed Of Intimacy, 2014.

Calgary’s Wednesday Lupypciw is known for her candid, humorous, and absurd video work that investigates the strange and murky intersections of art, craft, identity, feminism, sexuality and relationships. Wednesday’s personal grapplings with these issues become a means through which we can poke fun at our own attempts to rectify personal, political, and creative desires for satisfaction within a realm littered with obstacles. Here we discuss her home in Calgary, the Canadian art scene, sincerity & vulnerability, cunt-art, collaboration, art, and activism.

Your video work approaches, with a wry humour, matters of personal failure, intimacy, and the common awkwardness of relationships. It seems very sincere even when it is being sarcastic, and I think this is because of a lack of pretense and artifice. Have you always been so candid in your work? If not, was there a moment or breakthrough that allowed you to access this subject matter?

I think there was a show at Stride back in the day called Sincerity Overdrive. I agree with you that there’s a lot of awkwardness and wholeheartedness in my work. It’s because I use the first and only takes of myself rolling around these elaborate sets in my bathtub… My intentions are always the best! And I think there is a place for this in contemporary art and scholarship! I studied in the ACAD Textiles department, where there was this really heavy emphasis on 2nd Wave Feminist performance art from the 1970s, because it’s what the instructors at the time knew and came of age with. Again and again, we were drilled with the idea that The Personal Is Political, and eventually it rubbed off in this way that totally endeared me to Cunt Art. I WANT TO BE CUNT ART SO MY VIDEOS BRING THE PUSSY, but in a way that acknowledges that it’s the 21st Century and we know better than all of those essentialist ideas that were floating around 40 years ago. Cunt Art v2.0.

Also, I realized, I think just finishing and getting out of art college, that work I made earnestly and impulsively stood on its own a lot better in the world than work that was made to be Art and fare well in crits. That probably isn’t totally clear–of course I make things as art, I show these things in galleries, I apply for grants and file my taxes as an artist etc. etc. I’m in the cult or whatever. I just know, if I see something that’s really beautiful and slick and well-made, I only get so much out of it and then move on. So I want to make work that is a little restless and uncomfortable and incomplete and unsettled, work I keep on trying to figure out. The whole messy story is trying on the nerves, but more valuable than the demo reel.


a still of the video Bed Of Intimacy, 2014.

Embracing the soft, vulnerable, messy aspects of self and of relationship/community is an important tool for casting doubt on the values of dominator culture. Presenting those in a professional/academic art space wherein the values of individual success/“bootstrapping” (and the inherent diminishing of systematic oppression) and the institutionalized privileges still very much linger is an important aspect of feminist art traditions. What sorts of responses have you encountered from people who are made uncomfortable by your work, and in what ways do you see problematic dynamics being maintained?

Well, from the get-go my work only ends up in a very specific kind of institution and context. I’m often programmed because the piece is supposed to make people mildly uncomfortable, to fulfill a promise and moral duty to be “thought provoking” because it’s colourful and silly and certainly not going to be the “masterfully crafted” one! Some shows I get into–grab-bag survey shows based on geography (ex. any Biennial), or vag-only shows (conflating Feminism with female-ness, sisterhood based on assumption)–have their own way of normalizing very different practices, simply by being so extensive. Or, the show is marketed to a certain group from the beginning. Work is curated to fill that demographic need. These preconceptions and marketing are sometimes problematic because they can cheat work out of its full meaning.

I like doing solo exhibitions or working with independent curators, because then it feels like there is intelligence in how the host place relates to the work; their advocacy of it is holistic. Doing performance art in public places, even if it’s in a museum or something, is more confrontational and direct and the audience squirm factor is high. I think people are conditioned to believe that anyone doing performance art is gonna barf or bleed all over something! The only thing I’ve noticed is that people immediately withdraw or walk away if they’re uncomfortable with what’s happening. Or they tune out if it takes them longer than 3 seconds to assess what’s going on. People–audiences, curators, prep crews–aren’t in the habit of sitting with things they don’t like, or trying to express why they don’t like it. And that’s fine. I don’t like everything either.

What has been your experience been doing community based performance work, ie. your queer solidarity drum circle with FAG?

Oh man, I totally love that you picked up on the QUEER NOISE SOLIDARITY performance because it’s one of my favourites. QUEER NOISE SOLIDARITY was co-presented by the Feminist Art Gallery (FAG) and FADO Performance Art in Toronto. More so than community-based, I’d classify it as a conscious collaboration work. Community-based sounds like it would be more open than what I did. Maybe I’m not as breezy as I’d like to be about some details! I sifted through contact lists and Bandcamp pages for months before approaching specific people to join the group of 12 drummers. Everyone who was involved in that work was paid a proper artist fee, and was paid to rehearse. That is always important to me. Rita McKeough, my mentor, collaborator, and performance art hero, has worked like this too. You maintain authorship of the work, but you provide meaningful–hopefully meaningful–opportunities to many people who help you realize the vision. The vision that was a 20-foot equilateral triangle lined with female drummers thrashing and screaming with me from sunset to sundown on a grassy plain.



performance stills from QUEER NOISE SOLIDARITY, 2013. Photo credit Henry Chan for these.

I felt very networked, very legit, and very purposeful doing that performance in that context (and then I came back to Calgary where people often doubt Feminism haha!). I’m currently working towards similarly epic, but different drum-based performances in Regina and Calgary.

I’d like to one day do something community-based, but that seems like it would have to have a broader focus than a one-night only gig. I think the key to community-based projects is that they go out of the organizer’s hands to accommodate a fuller part of the collaborators’ opinions, ideas, aesthetics, etc.

Though your work addresses and employs traditional craft labour practices, I get the sense it is more about the human experience of working to survive, of striving to connect with others, and of struggling against systematic oppression. Was there a process by which your work came to be more about the latter than about, say, fibre art pure and simple, or were you always more concerned with the dialogue?

I do have concerns about craft and craft theory, but they are mostly about how people perceive crafts, the social settings in which crafts were made historically, and how crafts are being made today. I use craft media because I’ve been using craft media as long as I can remember, because I appreciate my formal training in textiles, because crafting is political in some ways, and because on some deep level I must enjoy yarn and soft things.

It’s always funny for me to see people walking up to my work, because they’ll do things like squint and pore over minute details in a textile, trying to glean some meaning from it, whereas I totally didn’t even think about that detail and I made the thing!

My work has always been a repository of emotional and psychic content for me. That is the richness, and a solid entry point. The textile is something I may have spent hundreds of hours making, but I was preoccupied about many things, like feeling it sit on my thighs instead about worrying about how it looked as it grew. I’ll put crafts into a show so that they can work in concert with everything else–the videos, the sound, the performers, the room. Basically, take a craft out of my whole setup and it’s just a pale anaemic object. Deirdre Logue from the Feminist Art Gallery said something really nice to me once about wanting “something with DNA on it” as a memento of a performance. I get it.


a still of the installation MY SEX WEBSITE, 2014. Photo credit Stacey Watson for this one.

Wednesday Lupypciw de Calgary est connue pour ses vidéos candides, comiques, et absurdes qui examinent les intersections étranges et obscures de l’art, de l’identité, du féminisme, de la sexualité et des relations. La lutte personnelle de Wednesday avec ces problèmes se transforme en moyens qui nous permettent de se moquer de nos tentatives de rectifier les désirs personnels, politiques, et créatifs afin d’être satisfait dans un royaume parsemé d’obstacles. Ici, nous discutons de son chez-soi, à Calgary, de la scène artistique canadienne, de la sincérité & de la vulnérabilité, du cunt-art, de la collaboration, de l’art et de l’activisme.

Votre vidéo frôle, avec un humour ironique, des sujets d’échecs personnels, d’intimité, et de malaises naturelles dans les relations. C’est très sincère même quand c’est sarcastique, et je pense que c’est parce qu’il n’y a pas de faux-semblant, ou d’artifice. Avez-vous toujours été si candide dans votre travail? Sinon, y a t’il eu un moment, ou une percée qui vous a permis d’aborder ce sujet?

Je pense qu’il existait une présentation à Stride dans le passé qui s’appelait « Sincerity Overdrive ». Je suis d’accord avec vous qu’il y a beaucoup de malaise et de sincérité dans mon travail. C’est parce que j’utilise la première et la seule prise de moi-même lorsque je tourne dans ma baignoire, entourée de cette mise en scène élaborée…Mes intentions sont toujours les meilleures! Et je pense qu’il y a une place pour ça dans l’art contemporain et l’érudition! J’ai étudié au département du Textile d’ACAD, où ils mettent vraiment un gros accent sur la performance artistique des années 1970 pendant la seconde vague du féminisme. C’était ce que les professeurs connaissaient et ce avec quoi ils avaient grandi. Maintes et maintes fois, on nous a martelé avec l’idée que « l’aspect Personnel est Politique », et éventuellement, j’en étais imprégnée et c’est ce qui m’a fait adorer le cunt-art. JE VEUX DEVENIR LE CUNT-ART, MES VIDÉOS AMÈNENT DONC LE PUSSY, mais dans un sens qui reconnait le fait que nous sommes dans le 21e siècle et que nous comprenons mieux ces idées d’essentialisme qui circulaient il y a quarante ans. Le cunt-art version.2.0.

En plus, je m’en rendais compte, juste après avoir fini et être sortie d’une école d’art, que les œuvres que je faisais honnêtement et impulsivement se tenaient mieux dans le monde que les œuvres qui étaient faites pour être de l’Art et s’en tiraient bien lorsque critiquées par d’autres étudiants en arts… Cela n’est probablement pas très clair—bien sûr, je transforme des choses en art, je montre ces choses dans des galeries, je fais les demandes pour des bourses et je déclare mes impôts d’artiste, etc. Je suis dans un culte, ou whatever. Je sais juste que si je vois quelque chose qui est vraiment beau et super et bien fait, j’en retire ce que je peux et je passe à autre chose. Donc, je veux créer des œuvres qui sont un peu agitées et gênantes et incomplètes et perturbées, des œuvres que je continue d’essayer de comprendre. Le but ultime, même si maladroit, et de mettre les nerfs à l’épreuve, mais que ça ait une plus grande valeur que le démo.

En adhérant à la faiblesse, à la vulnérabilité, aux complications de soi-même et aux relations et à la communauté est un outil important pour semer le doute dans les valeurs de la culture dominante. Présenter ces idées dans un espace d’art professionnel/académique, où les valeurs de réussite individuelle/bootstrapping (et la diminution inhérente de l’oppression systématique) et les privilèges institutionnalisés qui persistent encore fortement est un important aspect des traditions en art féministe. Quelles sortes de réponses avez-vous trouvées de gens qui sont perturbés par votre travail, et de quelles façons voyez-vous l’entretien des dynamiques de problématiques?

Eh bien, de prime abord, mon travail se retrouve seulement dans un genre d’institution et de contexte très spécifiques. Je suis souvent programmée parce que la pièce est supposée de perturber modérément les gens, de remplir une promesse et un devoir moral de susciter la réflexion parce qu’elle est colorée et débile et elle ne sera certainement pas celle qui sera « façonnée de mains de maître »! Les expositions auxquelles je suis admise—les expositions fourre-tout fondées sur la géographie (ex. Une biennale), où les expositions vag-only (regrouper le féminisme avec le fait d’être femme, la solidarité féminine fondée sur les suppositions) – ont leurs propres façons de normaliser des pratiques très différentes, simplement en étant si approfondies. Ou bien, l’exposition est lancée à un groupe particulier dès le début. Le travail est organisé afin de répondre aux besoins démographiques. Ces idées préconçues et le marketing sont souvent problématiques, car ils peuvent sacrifier la pleine signification de l’oeuvre.

J’aime faire des expositions en solo, ou travailler avec des conservateurs indépendants, puisqu’il me semble qu’il y a plus d’intelligence dans la relation entre la salle et la façon dont l’œuvre en est imprégnée; cette promotion est holistique. En faisant de l’art performance dans des lieux publics, même dans un musée ou quelque chose comme ça, il y a plus de confrontation et c’est plus direct et le degré de tortillement du public est élevé. Je pense que les gens sont conditionnés à croire que tout le monde qui fait de l’art performance va dégobiller ou saigner partout ! La seule chose que j’ai remarquée est que si les gens sont perturbés, ils se retirent calmement ou s’en vont immédiatement. Ou bien ils décrochent complètement si ça leur prend plus de 3 secondes pour évaluer ce qui se passe. Les gens—le public, les conservateurs, l’équipe technique—ne sont pas habitués de travailler avec des choses qu’ils n’aiment pas, ou d’essayer d’exprimer la raison pour leur aversion. Et c’est correct. Je n’aime pas toutes les choses non plus.

Quelles sont vos expériences de travail pour les oeuvres de performances en milieu communautaire, c.-à-d. votre solidarité gai et votre relation avec FAG ?

Super ! Je suis absolument ravie que tu aies reconnu la performance de QUEER NOISE SOLIDARITY parce que j’ai adoré. QUEER NOISE SOLIDARITY était présenté conjointement par le [Feminist Art Gallery (FAG)] ( et FADO Performance art à Toronto. Plus qu’une performance en milieu communautaire, je le classifierais comme un travail de collaboration délibéré et réfléchi. Ce genre de performance me semble amener plus d’ouverture que ce que je faisais. Peut-être que je ne suis pas aussi jovial que j’aimerais être pour certains détails ! Pendant des mois, j’ai filtré une liste de contacts et des pages de Bandcamp avant d’aller vers des gens en particulier pour qu’ils se joignent au groupe de 12 percussionnistes. Tous ceux qui étaient impliqués dans ce travail étaient rémunérés une somme appropriée pour des artistes et ils étaient payés pour répéter. C’est toujours important pour moi. Rita McKoough, ma conseillère, ma collaboratrice, et mon héroïne de l’art performance, elle, travaillait aussi comme ça. Vous gardez la paternité de l’œuvre, mais vous fournissez des occasions significatives –enfin, vous espérez qu’elles soient ainsi- aux gens qui vous aident à réaliser votre vision. La vision qui était un triangle équilatéral de 20 pieds garni des tambours féminins qui se débattent et hurlent avec moi de l’aurore jusqu’au coucher de soleil sur une plaine couverte d’herbe.

Je me suis sentie très connectée avec les gens, très réglo, et très déterminée en faisant cette performance dans ce contexte (et puis je suis retournée à Calgary où les gens doute souvent de l’existence du féminisme haha!) En ce moment, je travaille vers une performance à Régina et à Calgary basée sur des tambours aussi enlevants, mais différents en même temps.

Un jour, j’aimerais faire quelque en milieu communautaire, mais il me semble que ça devrait avoir un focus plus large que si c’était pour un seul gig. Je pense que la clé des projets communautaires est qu’elle sorte des mains de l’organisateur afin de satisfaire une plus grande partie des opinions des collaborateurs, de leurs idées, et de leur esthétique, etc.

Bien que votre travail traite des pratiques d’art traditionnel et à recours à ces dernières, j’ai l’impression qu’il s’agit plus de l’expérience humaine de travailler pour survivre, de vouloir absolument connecter avec les autres, et de lutter contre l’oppression systématique. Yavait-il un processus par lequel votre travail venait plus de ce dernier au lieu de, par exemple, le textile pur et simple, ou étiez-vous toujours plus préoccupé par le dialogue ?

En fait, j’ai des intérêts pour l’art et la théorie de l’artisanat, mais c’est surtout par rapport à la façon dont les gens comprennent les arts, les milieux sociaux dans lesquels les arts sont créés historiquement, et la façon les arts sont faits aujourd’hui. J’utilise les métiers d’arts médiatiques, parce que c’est ce que je fais depuis toujours, parce que j’apprécie ma formation institutionnelle dans le domaine des textiles, parce que l’artisanat est politique à certains égards, et parce qu’au fond, j’aime bien les fils et les choses douces.

Ça m’amuse toujours de voir les gens s’approcher de mes œuvres, parce qu’ils font des choses comme de plisser les yeux et examiner les détails minuscules dans un textile, essayer de trouver un sens dans tout ça, tandis que je n’ai absolument pas pensé à ce détail et c’est moi qui ai créé la chose !

Mes œuvres ont toujours été un entrepôt de contenu émouvant et psychique pour moi. C’est ce qui fait sa richesse, et un point d’entrée solide. Le textile est quelque chose que j’ai peut-être passé des centaines d’heures à fabriquer, mais j’étais préoccupée par beaucoup de choses, telles que de sentir le textile sur mes cuisses au lieu de m’inquiéter de son apparence au fur et à mesure de sa croissance. Je mets de l’art artisanat dans des expositions afin qu’il puisse travailler de concert avec toutes les autres choses—les vidéos, le son, les acteurs, l’espace. En gros, éliminez l’artisanat de l’ensemble de mes oeuvres et ça devient juste un pâle objet anémique. Une fois, Diedre Logue de Feminist Art Gallery a dit quelque chose de très beau par rapport à « vouloir quelque chose avec de l’ADN dessus » comme un souvenir de la performance. Je comprends.

Far Shores // Inferred Views : Phil Osborne


Local Ottawa (by way of Victoria) monster-maker Phil Osborne has been oozing and sliming his way into our hearts with his tripped out show posters, psychedelic band projections, and lysergic hand drawn and clay animations. Included in such is the video for “Cemetery House” by Montreal-via-Victoria band/rat pack, Babysitter. Phil also has been known for creating his own brand of DIY capitalism, from the Monster Party Art Gallery in Victoria, to Osborne Oddities, his weekend-only living-room cabinet of curiosities. Phil closed his store somewhat recently, but his wares are still available to purchase on Etsy and brand spanking new Ottawa record shoppe, Gabba Hey. He recently participated in a two month group exhibition at Saw Gallery.


If you could pinpoint a favourite project – even if it’s not the thing you’re most well known for, but were really happy about or jazzed on – does anything stand out?

The thing I’ve done that meant the most to me, and I’ve done it twice in Victoria, [was the] Monster Party Art Gallery. That was something that I had planned when I was 18-19, when I got into the idea of decorating my room, and possibly other places in the future, but I didn’t know where or how, or how a gallery worked, or what a gallery was. I was just like “I’m gonna sketch these out,” these ideas for kinda Peewee’s Playhouse kids show environments, kinda like wacky horror, colourful, 60s – 80s interactive puppet environments. Fast forward 10 years later, when I’m living in Victoria, I was like “fuck that, I’m just gonna do it now.” I had this studio in downtown Victoria surrounded by the acupuncture and yoga studios. It was a pretty big space, and I was living there but like you couldn’t live there, it was above a nightclub. It was really bad; horrible working conditions, but I was like: “I have to do that idea I’ve always had.” So I quit my job and got a business licence and just opened my own gallery. I had, by then, amassed enough of my own work to have a store. I had the pot heads, the screen prints, and the puppets, videos, it was all there.

People would come in and there would be a puppet moving, like, freaking people out, or a little mouse in a mouse hole, peeking, like, I’d be hidden behind the wall, you know… people would come in and they’d be like AH! [Phil makes the sound of a surprised or scared person] That was an idea that meant a lot to me… [to say] “fuck work, I’m just gonna do this”, try to get into the business side of it for the first time. That was the beginning of me trying to sell my art. Before that I didn’t even have an Etsy store. It started with that… and then I moved it to a record store, upstairs, Talk’s Cheap Records.


Why don’t you tell me about your recent project at SAW Gallery?

Jason [from SAW Gallery] asked me to do the show. I had done a fundraiser there, and he’s familiar with my stuff from the Saw Youth Program. We didn’t know each other back then. I would have never thought we would be collaborating so closely together. We’re really into the same shit, like, he’s helping me out, he’s sending me to Sudbury to another—

What’s going on in Sudbury?

I don’t know the details, it’s pretty, kinda sketchy. [Last year] they put all the artists in cages? They do this every year. One time they put them in this shitty, seedy hotel, and now it’s an abandoned, decrepit mall…the Galerie de Nouvel Ontario asked like 15 to 20 different Canadian galleries to send them a different artist of their choice, so because I just did that show, SAW Gallery sent me because they like what I do. It’s mostly geared towards installation it sounds like? We’re going to be in vacant spaces that used to be businesses, and there are still businesses in there apparently, but its mostly falling apart, and we’re going to, uh, do our thing in there, like share some spaces or each get a space or something like that. And then people come in and shop and see what you’re doing and there’s going to be an opening. But I don’t think it runs for long. And there’s going to be bands playing for the opening night.


Ok, back to talking about the show at Saw. Can you describe the project to me?

So, it was inspired by the David Hoffos show, if you know him. He had a show at the National Gallery, I went to see it twice. If it was there now I would go every day. One of his pieces was a projection on a piece of cardboard of a woman drinking a coffee in the dark. It looks like a real person, it looks 3D but then you get close and then realize that it’s a projection on layers of cardboard. That gave me some ideas, because I’m really interested in trying to make, this is like a theme in some of my art, is trying to make the cartoon world a real thing, or a hallucination or something that’s fantasy or science fiction, real. I was inspired by that, so what I did was… it’s three projectors, in the dark, three different walls… it’s so visual it’s hard to describe it… You’ll see it move, because it’s animation. Ok, there’ s a few different pieces. There’s a big monster: there’s a tree with holes in it, cartoon eyes that look left and right and pop in and out of the darkness of the tree, this eerie kind of halloween-y tree. And then there’s two planets, just floating there, and then there’s a big wall of… it’s like an organic horror wall with holes in it and a tentacle that comes out with claymation bugs going inside the holes. That’s [an] animation projection on this kind of zitty, bumpy, foam structure. It looks like really intense acne, tumours, veins, really organic. Everything is made out of foam, and there are monitors inside the structures showing animation. So not only is it animation projected on the structure, but the structure itself has animation inside of it that doesn’t interfere. The animation that’s projecting isn’t interfering with what’s on the monitor because it’s light itself. So the monster, for example, is a random monster with random disconnected monster mouths and eyes that are just kind of freaking out kind of like a kids drawing. Inside there’s a hole in the middle of the head and there’re these cracks. I put a monitor inside that, in that hole and there’s an animated cartoon-y brain kinda freaking out. All the animations are on a three minute loop. Sometimes they get darker, the colour gets darker and it changes the mood of the room and everything appears brighter, like the planets become lighter. The planets look like a cartoon-y version of Mars, with volcanos erupting, zits and bubbles forming, everything is changing colour, all the pieces change colour, psychedelic kinda like the stuff I do at rock shows, with an overhead projector and food colouring and olive oil.

There’s no concept, they’re not even meant to be in the same room. It’s kind of just like experiments of this kind of medium that’s new to me that [I realized] I could do a lot with .


You seem like a pretty process-oriented person: everything is part of or sort of exists in the same world. It feels like your projects kind of bleed into one another. Working on one project will lead into a film you want to make later on, that sort of thing. That’s the impression that I get.

One medium enters another. How it came about was because Jason was like: “you should do an installation,” because nobody else was going to do an installation. He was like: “go nuts… projectors, monitors, we’ll get it for you.” So it was based on what he said, what he randomly threw at me. I was like: “oh yeah, that thing I wanted to do!” or “that would be a good way [to do it], with projections.” I like the idea of the puppets and scaring people, but I’m not going to be there for two months. So how do I do that? Well, with video. So with the monitors and projectors. Jason said he’s seen a lot of shows, but that he couldn’t compare [my installation] to anything else, that it was essentially original. That he’s seen a lot of installations with projections, but he’s never seen one that combined both like that. So there’s something there. And that’s what I want to do with the Sudbury thing … to make it 3D. That’s the thing [with] 3D: if you’re really far away, you’re like: “is that alive?” Like, it’s in the dark and… it’s 3D! Again, it fits with the idea of trying to make the cartoon world a real thing. And also my disappointment with all the drugs I did that never made me hallucinate. Like, I wanna hallucinate with art and I want to make other people hallucinate together, they can all see the same thing.


Are you doing any music videos for anyone in the near future?

I’m finishing two now, one for Street Meat, and that’s totally improv, basically it’s like a mixture of a bunch of faces, cartoon-y faces, made up of clay animation parts and line animation parts. Moving, stop motion kinda objects, like a pair of scissors becoming eyes, a face that’s constantly changing, faces made out of many different things. And then another thing for a friend in Victoria, Slim Sandy, who is a rockabilly guy. That one [is all ready].

Alright! Any other projects you want to mention that are coming up? What’s the five year plan? Will you ever get a website?

I will have a website this year I hope, but for now I’m on people’s blogs like this one right now and Youtube and Etsy and Ebay and Facebook. I will always be making toys and animations, but I hope to make at least one short film involving weird alien puppets.


Le manufacturier de monstres originaire de Victoria, Phil Osborne, a su s’immiscer dans les cœurs à Ottawa avec ses affiches de spectacle complètement démentes, ses projections musicales psychédéliques et ses animations lysergiques en plasticine ou faites à la main (comme le vidéo de « Cemetery House » fait pour Babysitter, la meute de Montréal). Phil est aussi connu comme le créateur de sa propre marque capitaliste à la DIY, de la Monster Party Art Gallery à Victoria en passant par Osborne Oddities, son salon qui devient un cabinet de curiosités les fins de semaine. Phil a récemment fermé sa boutique, mais on peut toujours acheter ses trucs sur Etsy et dans un tout nouveau magasin de disques à Ottawa, Gabba Hey. Dernièrement, il a participé à une exposition de groupe qui a duré deux mois à la Galerie Saw.


Si tu pouvais nommer un projet préféré – qui t’a emballé ou que tu es vraiment content d’avoir fait, même si ce n’est pas un de tes plus connus – qu’est-ce que ce serait?

Un que j’ai fait et qui me tenait vraiment à cœur (et je l’ai fait deux fois à Victoria) [c’était le] Monster Party Art Gallery. C’était quelque chose que j’avais planifié quand j’avais 18-19 ans : l’idée m’était venue de décorer ma chambre, et peut-être éventuellement d’autres endroits, mais je ne savais pas où ni comment, ni même ce que c’était une galerie d’art ou comment ça marchait. J’étais juste « Je vais faire ces sketchs », des idées un peu dans le style de l’émission pour enfants Peewee’s Playhouse, un peu comme de l’horreur farfelue et colorée, avec des marionnettes interactives des années 60-80. Dix ans après, j’habitais à Victoria et je me suis dit « fuck that, je vais le faire maintenant ». J’avais un studio au centre-ville, entouré de locaux de yoga et d’acupuncture. C’était un endroit assez grand, j’habitais là, mais je n’avais pas vraiment le droit, c’était en haut d’un bar. C’était vraiment moche, les conditions de travail étaient horribles, mais je me disais : « Il faut que je fasse cette idée que j’ai toujours eu. » Alors j’ai démissionné, j’ai obtenu un permis d’exploitation et j’ai ouvert ma propre galerie d’art. À ce moment, j’avais accumulé assez de mes œuvres pour avoir un magasin. J’avais les pots en forme de têtes, les sérigraphies, les marionnettes, les vidéos… tout était là.

Chaque fois que quelqu’un rentrait, une marionnette s’activait et leur faisant peur, ou une petite souris dans son trou sortait la tête, ou j’étais caché derrière un mur, tu vois le genre… Donc les gens rentraient et ils étaient comme AH! [Phil imite un cri surpris ou effrayé] C’était une idée qui me tenait à cœur… [de juste dire] « fuck le travail, je vais faire ça », d’essayer de voir le côté entrepreneurial pour la première fois. C’était les débuts de la vente de mon art, avant même que j’aie une boutique Etsy. C’est comme ça que ça a commencé, et après je l’ai déplacé dans un magasin de disques, Talk’s Cheap Records.

Parle-moi de ton dernier projet à la Galerie SAW.


Jason [de la Galerie SAW] m’a demandé de faire l’exposition. J’y avais déjà fait une collecte de fonds, et il connait mon travail par le programme jeunesse de SAW. On ne se connaissait pas à l’époque. Jamais je n’aurais pensé qu’on en viendrait à collaborer autant. On aime le même genre de trucs, et puis il m’aide, comme il va m’envoyer à Sudbury pour…

Qu’est-ce qui se passe à Sudbury?

Je ne sais pas les détails, c’est quand même un peu louche. [L’an passé], ils ont mis les artistes dans… des cages? Ils font ça chaque année. Une fois, ils les ont mis dans un hôtel miteux et là, c’est un centre commercial abandonné… La Galerie de Nouvel Ontario a demandé à 15-20 galeries d’art canadiennes de leur envoyer différents noms d’artistes, alors comme je venais juste de faire cette exposition, la Galerie SAW a envoyé le mien vu qu’ils aiment ce que je fais. J’ai entendu que ça s’enlignait vers des installations..? On va être dans d’anciens commerces vides – il parait qu’il y en a qui marchent encore, mais c’est en train de tomber en ruine – et on va, eh, faire nos trucs là, comme se séparer les espaces entre nous ou quelque chose du genre. Et les gens vont venir magasiner et ils vont voir ce qu’on fait – mais je ne pense pas que ça va durer longtemps. Il va y avoir un vernissage et des groupes vont jouer pendant la soirée.


OK, si on revient sur l’exposition à SAW, est-ce que tu peux me décrire le projet?

J’ai été inspiré par l’installation que David Hoffos avait faite à la National Gallery, je ne sais pas si tu le connais. J’étais allée la voir deux fois. Si elle y était encore, j’irais la voir tous les jours. Une des pièces était la projection d’une image – une femme buvant du café dans le noir – sur un morceau de carton. On aurait dit que c’était une vraie personne, en 3D, mais en s’approchant, on voyait que c’était une projection sur des couches de carton. Ça m’a donné des idées… parce que c’est un thème dans une partie de mon art. Je voulais vraiment essayer de faire… de rendre le monde du dessin animé comme s’il était réel, ou une hallucination ou quelque chose comme du fantastique ou de la science-fiction. Ça m’a inspiré, alors ce que j’ai fait c’est… c’est trois projecteurs sur trois murs différents, dans le noir… C’est tellement visuel que c’est difficile à décrire… On va le voir bouger, parce que c’est animé. OK : il y a plusieurs pièces différentes. Il y a un gros monstre, il y a un arbre inquiétant avec des trous, comme on en voit à l’Halloween, et des yeux en dessin animé qui regardent à gauche et à droite en apparaissant et disparaissant dans les trous noirs. Et il y a deux planètes qui font juste flotter, et il y a un grand mur de… c’est comme un mur d’horreur organique avec des trous, et il y a un tentacule qui sort avec des insectes en plasticine qui rentrent dans les trous. C’est une projection de dessin animé faite sur une structure en mousse bossée, comme si elle était couverte d’acné vraiment intense, de tumeurs, de veines… Tout est fait de mousse, et il y a des moniteurs dans les structures qui montrent des animations. Donc en plus d’être projetée sur la structure, l’animation est aussi montrée dans la structure, mais ça ne fait pas d’interférence. Celle projetée n’interfère pas avec ce qui est sur le moniteur parce que c’est de la lumière. Alors, le monstre, par exemple, c’est un monstre générique avec des bouches et des yeux d’autres monstres aléatoires, faits un peu comme un dessin d’enfant, qui paniquent. Au milieu de la tête, il y a un trou et des craques. Il y a un moniteur à l’intérieur avec un dessin animé de cerveau en train de s’agiter. Toutes les animations font une boucle de trois minutes : parfois, elles deviennent plus sombres, les couleurs sont plus foncées et ça change l’ambiance de la pièce, ou tout devient plus clair, comme les planètes. Les planètes sont comme une version dessin animé de Mars – avec des volcans en éruption, des boutons et des bulles qui se forment – toutes les pièces changent de couleur, c’est psychédélique, un peu comme ce que je fais pour les spectacles rock avec un rétroprojecteur, de l’huile d’olive et du colorant alimentaire.

Il n’y a pas de concept, ils n’ont même pas été faits pour être dans la même pièce. C’est plus une expérience avec ce genre de médium qui est nouveau pour moi, et [que j’ai réalisé] qui me permettrait de faire beaucoup de choses.


On dirait que tu es une personne axée sur le processus : tout fait partie du même monde. C’est comme si tes projets se fondaient un peu les uns dans les autres. Par exemple, travailler sur un projet va mener à un film que tu veux faire plus tard. C’est l’impression que ça me donne.

Les médiums se rejoignent. C’est arrivé parce que Jason était comme « tu devrais faire une installation », vu que personne d’autre n’allait en faire. Il disait « ce que tu veux, des projecteurs, des moniteurs, on va te l’avoir ». Alors c’était basé sur ce qu’il disait, ce qu’il me lançait au hasard. J’étais comme « oh ouais, ce truc que je voulais faire! » ou « ça serait une bonne façon [de faire telle chose], avec projections ». J’aime l’idée des marionnettes et de faire peur aux gens, mais je ne serai pas sur place pendant les deux mois, alors comment je fais ça? Eh bien, avec une vidéo, alors avec des moniteurs et des projecteurs. Jason a dit qu’il avait vu beaucoup d’installations et qu’il ne pouvait comparer [mon installation] à rien d’autre, que c’était vraiment original. Il a vu plein d’installations avec des projections, mais jamais une qui les combinait comme ça. Donc, il y a quelque chose là-dedans. Et c’est ce que je veux faire avec le truc à Sudbury… le faire en 3 D. C’est ce qui est bien avec la 3D : si on est vraiment loin, on se dit « est-ce que c’est réel? » Et là, c’est dans le noir… et c’est 3D! Encore une fois, ça va avec l’idée de rendre le monde animé réel. Et aussi ma déception de toutes les drogues que j’ai essayées qui ne m’ont jamais fait halluciner. Je veux halluciner avec l’art, et je veux faire halluciner les gens, et qu’ils voient la même chose tous ensemble.


Est-ce que tu vas faire des vidéos pour des groupes de musique dans un futur proche?

Je suis en train d’en terminer deux, un pour Street Meat qui est totalement improvisé, en gros c’est un mélange de plein de visages en dessin animé, avec des parties en plasticine ou en ligne. Des objets qui bougent, image par image, comme une paire de ciseaux qui devient des yeux, un visage qui change constamment ou qui est fait par plein de choses différentes. L’autre est pour un ami à Victoria, Slim Sandy, qui est du genre rockabilly. Celui-là [est en ligne].

OK! Est-ce qu’il y a d’autres projets qui arrivent dont tu voudrais parler? Le plan des cinq ans? Enfin un site web?

J’espère avoir un site web cette année, mais pour l’instant je suis sur YouTube, Etsy, Ebay, Facebook et sur des blogues, comme celui-ci. Je vais toujours faire des jouets et des animations, mais j’espère faire au moins un film avec des marionnettes d’extraterrestres bizarres.