De l’art éternel d’Alexander Moskos:
(Traduit par Odile Leclerc)

C’est ici : le Saint Patron des étranges records Canadiens. Avec Delusions de Corpusse et Casse-Tête de Bernard Bonnier, Gotta Go For It! De Carlyle Williams forme La Trinité Sainte de la beauté de la presse privée des années 80 de Montréal; chacun d’eux additionnant leurs parties et transcendant avec un-homme une vision complètement formée possédée d’ ID incontrôlées et de total dédain pour les règles actuelles et les pratiques.

Oublié dans le fétichisme habituel du code ‘’filles du roi’’ (1), au-delà des lignées royales Françaises et des Premières Nations, c’est que les femmes de Montréal possèdent l’ultime qualité sexy : de bon goût. Et alors c’est venu que Leila Majeri (2) et Marie-Douce St. Jacques (3) m’ont joué Gotta Go For It! Et à chaque occasion séparée, mon esprit c’est fendu, l’air s’est chargé, tout a changé et la putain d’équipe n’a jamais été la même depuis.

Sortie en 1988 et enregistré aux studios Unidisc (4) dans le quartier de St. Henri à Montréal, les qualités de Gotta Go For It! sont multiples : la programmation de batterie des Studios Chung King en bloc, un style carénant de guitares sans techniques qui sonne comme The Birthday Party moins les coiffures fay de démonstration de feu-d’artifice et de flots des sur-enregistrements vocales qui fait à quiconque Tim Buckley pensait qu’il était sur Starsailor sembler comme une personne saine d’esprit et un homme bien arrangé. Quelques pistes ont une sensation synthétique tropicale qui attribuent les fis(5) de la dernière moitié de décennie comme un champion, faisant un boucan monstre dans l’esprit des auditeurs, forçant l’un à reconsidérer chaque catégorie esthétique.
Pour toute sa densité sonique et son pouvoir déiste, le message de Carlyle, via un travail vocal réellement inspirant, est positif : de la conscience de soi obsessive et accompagner l’autocritique peut former la réalité, dont le plus vous regardez à l’INTÉRIEUR le plus vous verrez. Ceci, comme il dit dans ‘’No Reason’’, ‘’ Il n’y a pas de raison pour ta prochaine dépression. Et c’est la vérité.’’ Ce qui en tant qu’une ambiance sous-adjacente rend Gotta Go For It! unique parmi les grands travaux de l’Art Canadien du 20e siècle.
La pochette de Gotta Go For It! dit: ‘’Plus tu regardes—plus tu vois’’, et comme tout les super géniales enregistrements, plus tu écoutes, plus tu entends.

Carlyle Williams – Self-Criticize Daily …

Carlyle Williams – Moving Up

Carlyle Williams – The Price …

Carlyle Williams – Gotta Go For It …

(1) Ces femmes, qui étaient pauvres, sous-éduquées et souvent orphelines, dans leurs adolescence ou début vingtaine, étaient envoyées pour les hommes du Canada. La rumeurs qui ne veut pas mourir c’est qu’elles étaient des prostituées.

(2) L’extraordinaire de la sérigraphie, utilisant souvent le surnom Alphonze Raymond, et aussi le batteur dans le formidable Yomul Yuk.

(3) Éditeur en chef du super aMAZEsine, qui a duré quelques publications, est venu avec un GYBE! 7’’ et couvre générallement une zone, Marie-Douce était aussi la joueuse et chanteur de Farfisa dans Pas Chic Chic! Je me suis assis avec elle pour discuter de cette pièce.

(4) Évidemment, alors que les années 80 s’usaient et le disco, particulièrement le genre Français-Canadien, diminuait en popularité, Unidisc est tombé sur des temps durs et a commencé à louer leurs installations à bon prix. Ils étaient basés dans l’édifice RCA, qui eux aussi évidemment ralentissaient.

(5) Basse, sans, lente, brillante, hi et haute fidélité, que ce soit Ariel Pink, Spencer Clark, James Ferraro et le reste, vous pouvez entendre Carlyle dans la fausse folie. L’incroyable cassette Afternoon Penis sur Heavy Tapes est l’étudiant le plus apparent de Gotta Go For It!, cependant. Ça vaut la peine d’y jeter un coup d’œil pour les fans de Carlyle.

Des supérieurs avec les cerveaux lavés d’Aaron Levin: (Traduit par le sang, la sueur et les larmes de Maya Keshav)

Voici la première (et avec un peu de chance, la dernière) fois que quelque chose reliée à Blood, Sweat, and Tears va apparaître dans notre quadrant du nord. Heureusement, la plupart de choses d’une nature fantastique endure les débuts humbles, et le deuxième single de David Clayton Thomas sur ACTA incarne cette vision. En ouvrant la voie à l’onde harneuse et enragée qui s’appelle garage-punk, Thomas incarne l’énigmatique Bo Diddley avec ses deux premiers singles. Néanmoins, caché quelque part dans “Lucy”, DCT casse l’orgue maussade et débordant de basse avec un cri torride. Le shred qui résulte relance l’orgue bourdonnant qui emballe la cacophonie au rythme merveilleux de 4/4. C’est certainement pas psychédélique, ou trop punk. La simplicité de “Lucy” est son charme, et pour n’importe quelle raison, son don est complètement sans allusion dans la discographie de DCT. Merci à Brandon Hocura / Polyphasic Studios pour le transfer. Génial.

Des mélodies cachées de Brandon Hocura: (Le mode en rafale de Odile Leclerc)

Loneliness, malgré son titre, est un album avec un cœur chaleureux de fils et en son cœur se tient l’amitié musicale au long terme entre Don Stagg et Eric Simpson. Le duo a précédemment enregistré un épic prog fait-maison sous le nom de VIIth Temple, mettant en vente une sortie de LP d’un rare orange brûlé trempée dans du Moog-doux, Mellotron et Giant. Sur Loneliness la paire ont échangé leurs plumes, velours et épic groupe de jam pour de minces cravates et des batteries bon marché. Le LP porte encore des odeurs de patchouli, mais le son pique de soudure et d’électricité et habite une zone naissante quelque part entre krautrock et nouvelle vague. Les chants sont tout amassés sur la face-a, commençant avec une ode à l’inefficacité du T.T.C. (certaines choses ne changent pas!). Les thèmes dystopiens de science fiction sont égaux pour la Ligue, un point culminant est la ballade romantique ‘’Anna King’’ qui sonne comme si ça pourrait être un prélèvement de Trans. Les instrumentaux sur la face-b sont décidément ressentis plus comme Teutonique et avait un certain charme de CBC qui sonne comme l’enregistrement de JP Decerf pour Parry Music. Le côté s’ouvre même une sinueuse Panthere rose défoncée. À propos du truc de solitude de cet album c’est l’incroyable photo couverture. Don Stagg m’a dit qu’il a grimpé sur un toit à St-James Town pour prendre une photo pour la manche quand il a rencontré un jeune homme prenant du crack. L’homme était étonnement aimable et Don a pris cette photo évocatrice alors que la nuit tombait sur la froide cité. Empoignez cette tranche préservée d’étalement d’Ontario si vous en avez la chance, ça va probablement vous surprendre de savoir comment peu de chose ont changé durant toutes ces années.

De la lune estivale d’Aaron Levin: (Traduit par le clair de lune de Maya Keshav)

Grâce au travail dur de Rob Sevier de Numero Group, le marmonneur soft-synthé le plus énorme du monde a été attrapé avec une citoyenneté canadienne. Ce qui a commencé avec une trouvaille dans un marché aux puces à Edmonton de Jon Murphy a fini en tant que phénomène planétaire déroutant de douceur. Le seul LP de Lewis de 1983 est aussi étrange que délicat; un chuchotement incompréhensible reste au-dessous des brouillards de synthés doux en dentelle et de la guitare en nylon pendant que Lewis chantonne à travers l’amour inaudible, les souffrances, et la joie d’après-midi. La confusion augmente pendant que tu commences à disséquer l’album: les dédicaces à Christie Brinkley, un fac-similé incroyable sur la couverture (qui ressemble étonnamment à Aaron Levin), une étiquette qui s’appelle R.A.W., et une histoire d’arnaques et de meurtres possibles (découverts par plusieurs personnes qui ont suivi les membres associés au LP de Lewis). Au bout du compte, il n’y a aucune réponse. Lewis reste un mystère, avec seulement son nom (pas Lewis), sa citoyenneté (canadienne), et une boîte postale à Hawaii. Un fois j’ai trouvé cinq copies à Calgary, en Alberta, qui me donne l’idée que cette douceur imminente anonyme a commencé au cœur des roses sauvages. Mais on ne peut que se demander. Jusqu’alors, on vous présente l’album le plus incompréhensible dans l’univers (oui, c’est même plus doux que THOMAS). Si vous pouvez transcire les paroles de “I Thought The World of You” je vais vous donner un morceau rare. [J’aimerais remercier surtout ceux qui s’impliquaient dans le dévoilement du mystère de Lewis (et de rire de moi quand j’ai commencé de le défendre): Jon Murphy, Rob Sevier, Jack Fernwood, and Douglas McGowan].

Des heures de deuil d’Aaron Levin: (Traduit par Maya Keshav)

Originaire d’un des avant-postes les plus nord au Canada, The Stonefield restent un énigme dans le cosmos du garage-punk canadien. C’est facilement un préféré personnel ainsi qu’un puzzle sérieux avec son massacre fuzz brutal, sa bizarrerie de piano double, et son jumelage déconcertant des faces A et B. “Deep Shades of Blue” émane une fatigue lysergique qui rend accro avec son orgue maussade mi-tempo coincé firmement en mode mineur pendant que leur batteur, qui a l’air d’être dans son propre univers, augmente le rythme avec un mépris total pour la conscience des patterns de batterie. “Morning Hours”, le morceau qui fait suer les acheteurs de cet single, est aussi déconcertant, avec un piano paillard sans cesse qui tourbillonne sous le lead fuzz primitif, le deuxième orgue (deux claviers?!), et le chant brouillé (le chanteur Joe Verheyden a dit qu’il avait la grippe le jour qu’ils ont enregistré). Le summum est au milieu de “Morning Hours” quand un des solos fuzz-guitare les plus intenses et ridicules couvre complètement le morceau entier. Une fois j’ai conduit à The Hub of the Peace (Rycroft) en me donnant pour mission de dévoiler le mystère derrière le groupe et leur 7” extrêmement obscure, avec aucun succès. Ils ont enregistré à Edmonton et plus tard ils ont réformé en tant que The Exit, en laissant réfléchir le reste du monde sur la génialitude pure et l’absurdité de leur héritage. J’aimerais dédier ce poste à mon ami tellement proche Jon Murphy qui a apporté au jour plusieurs singles mal connus des années 60 partout au Canada, y compris The Stonefield.

Des nouvelles de minuit de Brandon Hocura: (Traduit par Odile Leclerc)

Une scène familière; un jeune rêveur seul dans le sous-sol de ses parents fait de la musique pour échapper la solitude et l’ennui. Maintenant, la chose inhabituelle à propos de cette scène c’est que le sous sol est rempli d’équipement d’enregistrement maison d’état de l’art (pour 1984) et de synthétiseurs et le sous-sol est situé en Alberta rural entouré d’infinis champs de patates, à des miles de n’importe quoi d’à peine métropolitain. Pour le jeune Tona Walt Ohama, les portails majeurs vers le monde entier de sa ferme isolée étaient à travers la télévisions, la radio et les enregistrements. Une diète bien étoffée de classique, de rock, de prog et d’encore plus important du New Wavers comme Gary Numan et John Foxx ont donné à Ohama le vocabulaire dont il avait besoin pour diffuser de magnifique messages analogues de sa ferme vers le monde plus grand. I Fear What I Might Hear, le premier album approprié de Ohama, est un pièce maîtresse de forme folk moderne, capturant parfaitement le climat culturel Canadien du début des années 80 et son effet sur un jeune esprit sensible. I Fear est à la fois une introspective et un pastoral comme Nick Drake, mais plutôt qu’évoquer des images acoustiques de Camus et de tempéramental landes Anglaise, ça parle de McLuhan et un paysage branché qui est également à moitié du labeur boueux et du butin de média. Le LP marche effectivement comme un document uni en partie parce que les thèmes existentiels de l’isolation, de l’identité et du délabrement culturel sont explorés comme de la matière à sujet en parole tout au long, mais aussi parce que les chansons sont toute cousues ensembles utilisant de concrètes pastiches de son qui s’étend d’idyllique et rustique (animal&eau) à industriel et urbain (moteur et TV). Vraiment c’est une lettre de détresse claire voyante et de déboîtement révélant la disparition d’une dichotomie, où ça n’a pas d’importance là où tu vis, Google va te trouver. N’ayez pas peur toutefois, c’est un grand confort de savoir que la voix claire et visionnaire de Ohama est quelque part dehors dans le Grand et Large Aether. Pour plus d’aperçu dans le super esprit d’Ohama, allez voir mon dialogue étendu avec Tona via Polyphasic Recordings.

Des résisteurs de l’esprit de Brandon Hocura: (Traduit par Odile Leclerc)

La seule façon de survivre à la vie dans le néant bourgeois de Oakville, Ontario est d’enterrer voter tête profondément dans les sables intoxiquant de l’imagination. Pour Lou Champagne cela veut dire remplir son nez de piqûre de soudure, ses yeux de circuits de labyrinthes, son esprit de résisteurs et ses oreilles de synthopie virtuelle de Cabaret Voltaire, The Human League, Chrisma et leurs semblables analogues. Le ‘’Champagne System’’ de Lou est un appareil auto-inventé qui lui permet de contrôlé les synth avec sa guitare pour qu’il puisse performer comme un groupe d’un homme des jours modernes (pré-MIDI). La bête née de ses explorations d’ingénieur, No Visible Means, sonne parfois comme un Swell Maps gristleizé, aux autres comme le déprimé Transparent Illusion produit par Rago & Farina. Même si la vision de Lou est examinée à travers les lunettes singulières de Chrome & Cristal, il y a quelque chose dans ces chansons qui est familier pour n’importe qui tourné vers l’art, la musique et rêvant d’échapper à l’ennui d’avoir grandi entouré d’insensible creux de banlieue. Les mots de Lou sont aussi vrais maintenant qu’ils étaient en 1981, ‘’Je suis comme un homme dans une fantaisie, et peut-être que je devrais juste me geler’’. Jetez vos lunettes dans le foyer et avalez le bouillon de Lou directement de la bouteille; réédition légitime disponible venant de Medical Records.

De la colonisation spatiale d’Aaron Levin: (Traduit par Odile Leclerc)

Alors que je commence mon voyage vers l’est, j’ai commencé à réfléchir sur les étrangers de l’ouest dont les testaments lysergiques ont moulé ma propre vision. Paul Marcano, avec son ode à un futur éclatant de colonies spatiales et de vents solaires, est le premier à l’esprit. Enregistré dans son studio isolé hors de Victoria, CB, Islands in Space est un testament à la conscience créative de réflexion prospective existant dans le cosmos du Nouvel Âge. De la guitare irrégulière, des solos brûlants, des vocales superposées et de dense électronique synthétisent Islands in Space vers un des plus grands canons psychédéliques du nord. En tant qu’expériences qui supplie à la méditation et à l’écoute continue, je défie les lecteurs de plongez dan l’univers de Paul. Islands in Space est un précurseur vers la sortie sur cassette seulement de Lightdreams, 10,001 Dreams.

Du disco douteux de Brandon Hocura: (Le mode en rafale de Odile Leclerc)

La couverture révérencieuse de Cosmic Cars par Ken Lewis sortie en 1982, la même année que l’original Cybotron 45, prouve que les gens sentaient presque immédiatement les ondulations électriques de Juan Atkins juste au Nord de la ligne d’assemblée. Sortie sur Scorpio Records, le foyer d’innombrable disco douteux, de rap boogie et d’enregistrements mixés de provenance particulière, Le fouet de Ken est plus de luxe DeLorean que le chaud Spinner, sa rotation de voyage plus Grace Jones que The Normal. Malgré que sa version reproduit presque mécaniquement l’original, on dirait une photographie reluisante d’une photocopie; l’enregistrement moins brut et dans-le-rouge, la batterie moins mordante, les bruits de synth froids rampant remplacés par des riffs de guitare de sueurs froides. Mais encore, le facsimilé de Ken évoque un futur dystopique, pas la cyber-sexualité super industrielle de Cronenberg, mais un monde de simulacres givré dans un vernis vacant de plaisir répliqués, comme la description de Tokyo par Ryu Murakami. Mais encore, ce record heurte et brûle quand il est joué fort, alors faites du pouce pour une promenade si vous voyez cet avant-coupe passer.

De la bacchanale basée de Brandon Hocura: (Traduit par Odile Leclerc)

De la bacchanale basée de Brandon Hocura:
Faisant un furieux plongeant lysergique du pilier mauve de New Age (née Mood) Music vers la Record Pool rose de Mancuso, ‘’Insertion in Middle C’’ de Robert Leth et Phillip Ross émerge éclatante du courant consommateur, baisse vos pantalons, vous regarde directement dans votre 3e œil et demande ‘’ Par tout les Enfers, t’espérait quoi de ce record?!’’ Accueilli dans une fabuleuse fausse manche de Deutsche Grammofon, avec des images du doux Docteur assied en avant du gigantesque Moog Modular et plusieurs grues levant un tuyau rose géant sur l’endos, ce LP lève certainement, mais pas de la manière indiquée, à moins que vous changez pour l’attrapage. Même leur label, Criminal Records, révèle ces escrocs comme étant les charlatans complexé qu’ils sont, vendant des soniques obscènes comme des mouches espagnol culturelle. Ce qui résulte des expériences de laboratoires grivois de Banx est une bacchanale basée de mélodrama de piano étendu, du disco proton motorik, du rock engourdi poseur et du Schule pah ivre. C’est une tapisserie splendidement tordue de surmixage qui sonne comme Brast Burn moquant P&P et enregistrant pour Sky. Levez le si vous le pouvez— c’est garanti d’excité votre aiguille. // *Remerciements spéciaux à Gary Abugan pour toute l’aide avec mes tapons et pour m’avoir tourné vers cette pillule.*