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New Canadiana :: The Beverleys – The Beverleys EP

The Beverleys - The Beverleys EP

Buzz Records’ winning streak continues with this crucial three-song EP. The Henry’s Dress-style blown-out mucky low-end is kinda miraculous given that the trio doesn’t even feature bass (not even one!). Gush to your inner Warped Tour teen about the return of the much-missed boozy Brody Dalle snarl on “Bad Company”, and rejoice that “Dream” reclaims the epic mode of punk songcraft from the legions of post-Tim bozo phonies. Driven by that hardcore sprint, the pit-ready “This Is Not A Union” is an alternative history of grunge in which the ones who like to sing along and like to shoot their guns didn’t win out. If you haven’t had enough, don’t miss their cover of a TO classic.

La série de succès de Buzz Records continue avec cet essentiel EP de trois chansons. L’explosion crasseuse bas de gamme dans le style de Henry’s Dress est plutôt miraculeuse puisque le trio n’utilise pas de basse (même pas une seule!). Extasiez-vous sur le retour du grognement bien arrosé à la Brody Dalle qui vous a tant manqué avec votre adolescent intérieur pendant « Bad Company », et réjouissez-vous que « Dream » récupère l’art épique de la chanson punk auprès des légions d’imposteurs post-Tim. Poussée par ce sprint hardcore et prête pour la fosse, la chanson « This Is Not A Union » est l’histoire alternative du grunge, dans laquelle ceux qui aiment chanter en choeur et ceux qui aiment tirer leurs fusils ne triomphent pas. Si ce n’est pas assez pour vous, ne manquez pas leur cover d’un classique de Toronto.

The Beverleys – Dreams

The Beverleys – Bad Company

New Canadiana :: Billie Dre & The Poor Boys – Garlic Fingers

Billie Dre & The Poor Boys - Garlic Fingers

Anthems of late-night attitude. Odes to sweat-soaked ceiling tiles, one a.m. al fresco and speed — the lifestyle, not the drug — played loud and fast, then louder and faster. Garlic Fingers is a monumental release, with 10 songs that distill the garage tsunami of the Poor Boys’ live show pure grease. This is a record for the people: woah-oh choruses, melody-deconstructing solos and relentless rhythms, the kind of music that sounds better with handclaps included. Smiles guaranteed.

Des hymnes d’attitude nocturne. Des odes aux carreaux du plafond trempés de sueur, un matin al fresco et du speed — le style de vie pas la drogue — jouées bruyamment et vite, puis plus bruyamment et plus vite. Garlic Fingers est un enregistrement monumental avec 10 chansons qui distillent le tsunami dans le garage du concert live des Poor Boys, de la graisse pure. Il s’agit d’un enregistrement pour le peuple : des refrains wouah-oh, des solos qui déconstruisent les mélodies et les rythmes incessants; le genre de musique qui a un meilleur son en tapant des mains. Des sourires garantis.

Billie Dre & The Poor Boys – King Taco

Billie Dre & The Poor Boys – Hattie Watson

New Canadiana :: No Hands – No Hands

No Hands

Not to be confused with the unfairly-forgotten but incredible Edmonton band of the same moniker, Toronto’s No Hands deliver a cassette of tough ragers; a united front of the wuss-free. Opener “Lifejacket” is the perfect harbinger for the proceeding shred-fest: ignorant bass into Jehu-like riff, maniac thoat caterwaul and charging drums. Rinse and repeat. None of that middle ground junk, either be hella soft or hella hard. In a world of candy-ass “punk” bands, it’s great to see No Hands dish out some assured, pissed jammers to flail away the nights. Yes please, hit me with that burly Traynor sound.

À ne pas confondre avec l’injustement oublié mais incroyable groupe d’Edmonton du même nom, les Torontois No Hands nous livrent une cassette de morceaux solides, un front uni sans chansons molles. « Lifejacket », le premier morceau, annonce le festival shred qui suit : des riffs de basse à la Jehu, des miaulements de gorge fous et une batterie qui défonce. Rincez et répétez. Pas de compromis; soit vous êtes carrément doux, soit vous êtes carrément heavy. Dans un monde de groupes « punk » bonbons, ça fait plaisir de voir No Hands servir des chansons pleines d’aplomb et de furie pour nous faire danser toute la nuit. Oui, s’il vous plaît, balancez-moi le son solide de Traynor.

No Hands – Lifejacket

No Hands – Borrowed Time

New Canadiana :: Jerk Damaged – For the Ones Who Don’t Feel Right

Jerk Damaged - For the Ones Who Don’t Feel Right

Channeling Hüsker Dü and the Replacements, Truro legend Evan Mumford crafts a crucial reminder for us old-punks: it is still cool to wax poetic on the steady flashes of frustration, pain, and joy we haven’t lost ourselves to since high school. Half the tracks are backed by Sackville rats Joe Chamandy (Astral Gunk) and Scott Brown (Kappa Chow), making this an essential grip for fans of recent marsh-scuzz releases. For the Ones Who Don’t Feel Right is currently soothing my grown-up pains, and I’m considering crowd surfing on the TTC.

C’est en canalisant Hüsker Dü et The Replacements que la légende truroise Evan Mumford rappelle aux vieux punks quelque chose de crucial : il n’y a pas de honte à poétiser ces moments de frustration, de douleur et de joie dans lesquels on ne s’est pas abandonné depuis l’école secondaire. La moitié des morceaux sont faits en collaboration avec les rats sackvillois Joe Chamandy (Astral Gunk) et Scott Brown (Kappa Chow), faisant de cet album un incontournable pour les fans de punk sale et marécageux contemporain. For the Ones Who Don’t Feel Right met du baume sur mes plaies existentielles, et je pense sérieusement aller faire du body surfing sur le réseau de la TTC.

Jerk Damaged – Anthemage

Jerk Damaged – Evan

Ideas :: Electroacoustics is the New Punk Energy

Electroacoustics is the New Punk EnergyElectroacoustics is the New Punk Energy

Canadian punk, noise and electroacoustics exist in closer proximity than we might expect. Is it time for them to come together in a union of aesthetics and sensibilities?

I took the title of this article from an online message board hosted by Concordia University. A user going by the name Tandora wrote the following:

The hiss and the snarl of a stranger sound
That gets in your willies and makes you growl
A snog for your pot to bandy your wares
These lips are crazy and ready to sneer;
Acousmatic and totally wild
A vulture to peck at their innards and to make you smile
Trippy and ekstatic a drug for you
To rip through the wisdoms that are no longer true.

How many here are old punks then?

Let me focus on the last line. It seems to encapsulate the beauty of the Canadian punk scene: desolate, yet endlessly far-reaching across the plains and rivers. This is how punk scenes developed in Canada, with a day’s worth of driving between venues and fellow performers (for more on the isolation between music scenes in Canada, see Perfect Youth: The Birth of Canadian Punk by Sam Sutherland). And here on this message board a self-proclaimed ‘old punk’ searches for others, asking for recommendations of electroacoustic music that captures the ferocity of punk bands. This strikes me as a surprisingly progressive questions for an old punk, but maybe I don’t know much about how old punks operate. So I’ll ask my own version of the question: how many here are in search of a new Canadian punk?

As Canadian composer R. Murray Schafer referred to urban noise, ‘sonic vulgarities’ are pervasive throughout our big cities. Why do we as musicians continue to separate practices of music and environment (a musical-ecological movement that by and large manipulates nature sounds using electroacoustic techniques), and punk movements?

Are punk and punk scenes the urban incarnate? Why is punk that comes from rural environments so appealing? It is an element of shock value, surprise, a confluence of listener’s delight?

How can Canadian punk shift towards some sort of techno-mindedness? Is punk too abrasive, or too fast for electroacousticians, or does electroacoustic music not afford the immediacy punks love?

I ask many questions because I am not keen on being prescriptive, just genuinely curious. Considering Canada’s monumental connections to punk, noise and electroacoustics, it only makes sense for the three to meet somewhere amongst the provinces.

Two Scha(ef)fers: Electroacoustic Music and The Soundscape

What follows is a very brief and rough history of electroacoustic music.

Acousmatic, the term used in Tandora’s poem, refers to sounds that have no perceptible source. Accordingly, acousmatic sound is found in electroacoustic music, pioneered by French composer Pierre Schaeffer’s musique concrète. Using techniques such as tape manipulation, punch card computer programming, Schaeffer’s legacy is in the use of any and all sounds as music. This infuriated other composers, and delighted artists at the vanguard of sound design. Musique concrète would heavily influence Canadian composers, and lead to an entirely new form of music-making of which recording was at its heart.

  • Pierre Schaeffer – “Études de bruits” (1948)

Canada is the proud home of some serious advancements in understanding the relationship between music, recording and environment. Simon Fraser University’s emeritus and one of Canada’s most eclectic educators, the aforementioned R. Murray Schafer, brought together composers in the communications department to raise awareness of noise pollution and our sonic environment. His team, known formally as members of the World Soundscape Project, developed compositional techniques and recorded environmental sounds all over the country. These led to the CBC broadcast of the aptly titled Canadian Soundscapes. Former WSP member Barry Truax continues this legacy as an active composer, and with his book Acoustic Communication (1994), his own manifesto on sound in the electronic age. Truax’s students make their own soundscapes and contribute to the massive electronic archive of Canadian electroacoustic work. They even walk the same.

World Soundscape Project 1973

  • World Soundscape Project members R. Murray Schafer, Bruce Davis, Peter Huse, Barry Truax and Howard Broomfield strut across SFU campus, 1973

World Soundscape Project 2011

  • Students of the SFU Communications Department mimic their mentors, 2011

No Record: Canadian Noise

Canada is also home to noise music (or noise art, depending on your aesthetic/philosophical allegiances). London, Ontario’s Nihilist Spasm Band is said to have sparked the development of a global Japanese noise scene, the godfathers of noise – though they do not consider their own work to be music. Founded as the official band of the Nihilist Party of Canada, they built their own instruments, wrote the soundtrack to a film titled “No Movie”, and followed it up with their own album No Record.

  • Nihilist Spasm Band – “Dog Face Man”

For 25 years they were a bar band, a group of noisemakers, performers and entertainers for their friends and family. Each year they hosted No Picnic, a festival of the absurd. When they were informed that their bootlegged recording had made it around the world by Hiroshige Jojo (founder of the Osaka based Noise label Alchemy Records), they started touring. These performances influenced Japanoise, which has now become a genre of international interest (for more, read David Novak’s Japanoise, 2012).

Nihilist Spasm Band 1966

  • The Nihilist Spasm Band (then, 1966)

Nihilist Spasm Band 2011

  • NSB members John Boyle, Murray Favro, Bill Exley, John Clement and Art Pratten, with Aya Onishi (now-ish, 2011)
  • Photos copyright 1966 Estate of Don Vincent. Reproduced by permission.

This past year I attended Queen’s University Belfast Sonorities Festival. Throughout the three-day event, I heard some of the best electroacoustic composers perform at what is possibly the most technologically advanced music venue, the Sonic Lab (8.1 surround on the ceiling, the walls, the ground and in the basement). From their website: The ground level is a metal grid that allows sound to come from the basement level. It is therefore advised not to wear heels).

I also took part in a conference, the theme of which was Beyond Soundscape. I wondered then if moving beyond the soundscape wasn’t leaving it behind, but reinterpreting it: making sonic vulgarities even more abrasive, and the quiet moments more palpable and tactile for all to experience. It seems serendipitous that punk and noise music would return to the acousmatic, and even embrace the soundscape be it through lo-fi recordings, howling distorted instruments, or manipulated environmental recordings. Digital distribution makes it easier to spread the word, about gigs, recordings and new ideas for music making (take this site as a prime example). I would love to hear what music could be synthesized from collaborations across genres and art forms in Canada, a land of quiet innovation.

Ely Rosenblum is a Canadian researcher of art, music and performance, as well as a filmmaker and sound recordist with experience combining anthropology and critical media practice. Ely trained in ethnographic filmmaking at the Centre for Visual Anthropology at Goldsmiths, University of London, where he co-founded ART/E/FACT, a publication and event series of art and anthropology. He is currently a Ph.D candidate in Music at the University of Cambridge under the supervision of Nicholas Cook, a doctoral fellow of Cape Breton University, and a 2014 visiting researcher at Smithsonian Folkways Recordings. Ely has directed documentary films and produced recordings for the Smithsonian Institution, the MIT Media Lab, the University of Cambridge, and CBC Radio 1.

Le punk, le bruit et l’électroacoustique canadiens ont plus de points communs qu’on ne pourrait le penser. Est-il temps qu’ils se rejoignent en une union d’esthétique et de susceptibilité?

Le titre du présent article est tiré d’un forum mis en ligne par l’Université Concordia. Un utilisateur nommé Tandora y a publié le passage suivant :

Le sifflement et le grondement d’un son étranger
Qui vous donne la chair de poule et vous fait grogner
Un baiser monnaie d’échange pour vos marchandises
Ces lèvres folles et prêtes à ricaner
Acousmatiques et complètement sauvages
Un vautour qui picore leurs entrailles et vous fait sourire
Psychédélique et en délire, une drogue pour toi
Afin de déchirer la sagesse qui n’existe plus

Alors, combien y a-t-il de vieux punks parmi nous?

Permettez-moi de me concentrer sur cette dernière phrase. Elle me semble incarner l’essence même de la beauté de la scène punk canadienne : une scène isolée, qui s’étend pourtant à l’infini au-delà des plaines et des rivières. C’est ainsi que les scènes punk du pays se sont développées, avec l’équivalent d’une journée de route entre les salles de spectacle et les artistes (pour plus de renseignements sur l’isolement des scènes musicales au Canada, consultez l’article de Sam Sutherland « Perfect Youth: The Birth of Canadian Punk ». Et voilà que, sur un forum, un homme s’autoproclame « vieux punk », et cherche des semblables et des suggestions en matière de musique électroacoustique qui arrive à capturer toute la férocité des groupes punks. Cette requête me surprend et me semble bien progressive de la part d’un vieux punk, mais peut-être que je ne connais pas grand-chose à leur façon de procéder. Laissez-moi reformuler ma propre version de la question : combien d’entre nous sommes à la recherche d’une nouvelle scène punk canadienne?

Les « vulgarités sonores », appellation donnée au bruit urbain par le Canadien R. Murray Schafer, envahissent nos grandes villes. En tant que musiciens, pourquoi séparons-nous toujours les pratiques musicales et environnementales (un mouvement musico-écologique qui, en gros, manipule les sons de la nature à l’aide de techniques électroacoustiques) des mouvements punks?

Les punks et leurs scènes éponymes sont-ils l’incarnation de la ville? Pourquoi le punk issu d’environnements ruraux nous attire-t-il autant? Est-ce un élément de choc ou de surprise, au confluent de nos plaisirs auditifs?

Comment le punk canadien peut-il s’orienter vers un genre de pensée techno? Le punk est-il trop abrasif ou trop rapide pour les amateurs d’électroacoustique, ou au contraire, celle-ci ne rejoint-elle pas l’immédiateté que les punks affectionnent tant?

Si je pose autant de questions, c’est par réelle curiosité : loin de moi l’envie d’être normatif. Vu les liens titanesques que le Canada entretient avec le punk, le bruit et l’électroacoustique, une rencontre de ces trois éléments, quelque part au hasard des provinces, me paraît toute naturelle.

Les deux Scha(ef)fer : la musique électroacoustique et le paysage sonore

Le passage suivant présente un historique bref et rudimentaire de la musique électroacoustique :

L’acousmatique, terme utilisé dans le poème de Tandora, fait allusion aux sons dénués de sources perceptibles. Ainsi, on retrouve le son acousmatique dans la musique électroacoustique, qui tire ses origines de la musique concrète du compositeur français Pierre Schaeffer. Fort de techniques telles que la manipulation de bandes magnétiques et la programmation par ordinateur de cartes perforées, l’héritage de Schaeffer réside dans l’utilisation de tous les sons en tant que musique. À l’époque, ce genre artistique rendait furieux les autres compositeurs, mais enchantait les artistes à l’avant-garde du design sonore. La musique concrète a exercé une grande influence sur les compositeurs canadiens, en plus de mener à une toute nouvelle forme de création musicale, dont la pierre angulaire était l’enregistrement.

  • Pierre Schaeffer, « Études de bruits » (1948)

Le Canada a été le fier témoin de certaines grandes avancées en matière de compréhension de la relation entre la musique, l’enregistrement et l’environnement. R. Murray Schafer, professeur émérite de l’Université Simon-Fraser et l’un des formateurs les plus éclectiques au pays, a rassemblé divers compositeurs du Département de communication afin de sensibiliser les gens à la pollution auditive et à l’environnement sonore. Les membres de l’équipe, officiellement connue sous le nom de Projet mondial d’environnement sonore (World Soundscape Project), ont élaboré des techniques de composition et enregistré des sons environnementaux partout au pays. Ces réalisations les ont menés à la diffusion d’une émission judicieusement intitulée Canadian Soundscapes (« Paysages Sonores Canadiens ») sur les ondes de CBC. Barry Truax, un ancien membre de WSP, propage toujours l’héritage grâce à ses activités de compositeur et à son livre « Acoustic Communication » (1994), manifeste sur le son à l’ère électronique. Les étudiants de Truax produisent leur propre paysage sonore et contribuent aux volumineuses archives électroniques des œuvres électroacoustiques canadiennes. Même leur façon de marcher est semblable à celle du prof.

World Soundscape Project 1973

  • Les membres du World Soundscape Project R. Murray Schafer, Bruce Davis, Peter Huse, Barry Truax et Howard Broomfield se pavanent sur le campus de l’Université Simon-Fraser en 1973

World Soundscape Project 2011

  • Des étudiants du Département de communication de l’Université Simon-Fraser imitent leur mentor en 2011

No Record : bruit canadien

La musique bruitiste (ou art bruitiste, selon vos allégeances esthétiques et philosophiques) est également présente au Canada. Le groupe Nihilist Spam Band de London, en Ontario, serait à l’origine du développement d’une scène globale de bruit japonais, les parrains du bruit, même s’ils ne considèrent pas leurs œuvres comme de la musique. Les membres du groupe, fondé en tant que groupe officiel du partie nihiliste du Canada, ont fabriqué eux-mêmes leurs instruments, composé la trame sonore du film « No Movie » puis lancé leur propre album intitulé No Record.

  • Nihilist Spam Band, « Dog Face Man »

Pendant 25 ans, ils ont fait la tournée des bars : un groupe de faiseurs de bruits et d’artistes qui se produisaient devant leurs amis et familles. Chaque année, ils organisaient l’événement No Picnic, un festival de l’absurde. Lorsque Hiroshige Jojo (fondateur de l’étiquette bruitiste Alchemy Records) leur a appris que leur enregistrement pirate avait fait le tour du monde, ils sont partis en tournée. Leur performance a alors influencé Japanoise, qui a depuis muté en un genre d’intérêt mondial (pour en savoir plus, consultez l’article « Japanoise » de David Novak paru en 2012).

Nihilist Spasm Band 1966

  • Le Nihilist Spasm Band (jadis, 1966)

Nihilist Spasm Band 2011

  • Les membres du NSB John Boyle, Murray Favro, Bill Exley, John Clement et Art Pratten, avec Aya Onishi (plus récemment, 2011)
  • Tous droits réservés, 1966 Estate of Don Vincent. Photos reproduites avec autorisation.

Au cours de la dernière année, j’ai assisté au Sonorities Festival de l’Université Queen’s de Belfast. Pendant les trois jours qu’ont duré l’événement, j’ai pu entendre certains des meilleurs compositeurs électroacoustiques au Sonic Lab, peut-être bien la salle de concert la plus avancée en matière de technologie (une ambiophonie de 8.1 au plafond, sur les murs, le plancher et au sous-sol). Extrait tiré de leur site web : « Au niveau du sol se trouve une grille de métal qui laisse filtrer le son en provenance du sous-sol. Le port de chaussures à talons hauts n’est donc pas recommandé. »

J’ai également participé à une conférence qui avait pour thème « Au-delà du paysage sonore ». Je me suis alors demandé si le fait d’aller au-delà du paysage sonore consistait non pas à renoncer à celui-ci, mais plutôt à le réinterpréter d’une autre façon : émettre des vulgarités sonores encore plus abrasives et produire des moments tranquilles plus palpables et tactiles que tous pourraient ressentir. Je suis bien content que le punk et la musique bruitiste effectuent un retour à l’acousmatique, et qu’ils s’étendent aussi au paysage sonore par l’entremise d’enregistrements lo-fi, de hurlements d’instruments désaccordés ou d’enregistrements manipulés de sons environnementaux. Grâce à la distribution numérique, il est plus facile de tenir les gens au courant des prestations, des enregistrements et des idées nouvelles sur la production de musique (Weird Canada en est l’exemple parfait). Je serais curieux d’entendre la synthèse musicale engendrée par diverses collaborations entre les genres et les formes artistiques au Canada, terre d’innovation tranquille.

Chercheur canadien dans le domaine des arts, de la musique et de la scène, Ely Rosenblum est également cinéaste et preneur de son. Ses domaines d’expertise vont de l’anthropologie à la critique des pratiques médiatiques. Il possède une formation en cinéma ethnographique du Centre d’anthropologie visuel de Goldsmiths, à l’Université de London, où il a cofondé ART/E/FACT, une publication et une série d’événements sur les arts et l’anthropologie. Il est présentement candidat au doctorat en musique à l’Université de Cambridge sous la supervision de Nicholas Cook, un doctorant de l’Université du Cap Breton et chercheur invité en 2014 chez l’étiquette de disques Smithsonian Folkways Recordings. Ely a réalisé des documentaires et produit des enregistrements pour la Smithsonian Institution, le MIT Media Lab, l’Université de Cambridge et la chaîne de radio CBC 1.

Ex Libris :: PostApoc [Liz Worth]


Liz Worth made her name with the Toronto/Hamilton punk tome Treat Me Like Dirt, and this poetic death trip is its illogical extreme. PostApoc’s rapidly unraveling plot is seen through the twitching eyes of a suicide pact survivor in the midst of a music scene taking no future to heart. Make-believe bands like Valium serve as stand-ins for the Viletones, Girl for the B-Girls, and Shit Kitten for Simply Saucer, providing the soundtrack for an unholy bender in bizarro Toronto after the world’s end.

As the second page explains, “it started with the earth sucking all the moisture back into the ground and replacing it with a slow, quiet dread that hung over the city like a veil.” But drought is the least worrisome thing in this dystrophic dystopia run rampant with flesh-eating canines, imploding chests, and the cries of the dead. The first-person narrative switch-turns from an amplification of the unreliable into a drug-addled nightmare; Visions of two-faced praying mantis people, black magic beach houses, and animals with fungus for brains flickering between intervals of true desperation.

Here in the real world, the flip from music journalist to fictional weaver has roots of platinum logic. Liz Worth’s blackened prose shoots up from six feet underground, and her characters still get treated like wormfood. Dig!

Liz Worth s’est fait connaître avec son tome punk en provenance de Toronto/Hamilton Treat Me Like Dirt. Ce présent délire mortel et poétique est extrêmement illogique par rapport à ce tome. Le dénouement rapide de l’intrigue de PostApoc se fait connaître à travers les yeux tremblants d’un survivant à un pacte suicidaire au beau milieu d’une scène musicale ne prenant espoir en aucun futur. Des groupes de musique inventés, tels que « Valium », servent de remplaçants pour the Viletones, Girl pour B-Girls et Shit Kitten pour Simply Saucer. Ils offrent la trame sonore d’une beuverie démente dans la ville bizarroïde de Toronto, après la fin du monde.

Comme la seconde page l’explique, « ça a commençé avec la Terre qui aspira toute l’humidité et la remit dans le sol pour la remplacer par un effroi silencieux suspendu sur la ville comme une voile » (NDT ceci fut traduit par la traductrice de cette critique. Voici le passage en langue originale anglaise : « it started with the earth sucking all the moisture back into the ground and replacing it with a slow, quiet dread that hung over the city like a veil. ») Mais, la sécheresse est la dernière inquiétude à avoir dans cette dystopie dystopique remplie de canidés mangeurs de chair, de poitrines en éclats et de cris de morts. La narration à la première personne oscille entre amplifications invérifiables et cauchemars embrouillés induit par la drogue: des visions de mantes religieuses humaines à deux visages, des maisons ensorcelées au bord de l’eau et des animaux ayant des moisissures en guise de cerveau qui clignote en intervalles de véritable désespoir.

Ici, dans le vrai monde, la journaliste musicale devenue une tisserande de fiction a des racines logiques et exubérantes. La sombre prose de Liz Worth ressort de six pieds sous terre et ses personnages se font encore traiter comme des appâts pour vers de terre. Ça vous plaira !


New Canadiana :: First Base – First Base

First Base - First Base

Twelve perfect bittersweet pop songs to get you ready for the summer and wish you were making out. First Base’s debut on Chicago-based HoZac Records is laced with hooks, charm and sing-alongs. These tunes will worm their way into your ears’ brain, throw up a cot and tell you to chill out and have a time. Don’t let them down this summer — pick up a copy on gold vinyl!

Douze chansons pop, douces-amères, parfaites pour vous donner envie que ce soit l’été et d’être en train d’embrasser quelqu’un. Le premier album de First Base sur HoZac Records installé à Chicago vous accroche, vous charme et vous invite à chanter. Ces chansons se transformeront en vers d’oreille, déposeront leurs valises et vous diront de relaxer et de prendre une pause. Ne les laissez pas tomber cet été : achetez-en une copie en vinyle or!

First Base – No Surprise

First Base – You Can Come Over

New Canadiana :: Zakary Slax – Teenage Mutant

Zakary Slax - Teenage Mutant

Despite the claims that rock and roll is dead, it remains alive and well in the multivalent work of Zakary Slax. This unhinged one-man multi-instrumentalist reinvigorates garage moves with a contemporary and relevant quality; combining cross-genre techniques from metal guitar gallops to funk-style drumming. The bass-heavy mosaic of musical styles proves that rock’s still charged with soul!

Malgré les détracteurs qui affirment que le rock and roll est mort, son existence perdure et il est bien vivant dans le travail polyvalent de Zakary Slax. Ce multi-instrumentiste dément revigore le genre garage en y apportant une sensibilité contemporaine et pertinente. Il y combine des techniques d’entrelacements de genres, des galops de guitares métal aux percussions funk. Cette mosaïque de styles musicaux à la basse lourde prouve que le rock est toujours rempli d’âme!

Zakary Slax – Get Yr Shit Together

Zakary Slax Slax – Rat City

New Canadiana :: Paul Jacobs – Drug Theaters

Paul Jacobs - Drug Theatres

Deep under the mountains of antiquity and reason, water drips from the ceilings in an infinite chorus of reverb. Stalagmites form from these drips, borrowing the reverb while mocking the mountains and their eternal rumbles. Young in contrast to the rocks from which they form, they are the mountain’s essence of youth. Paul Jacobs is a stalagmite. He rises from deep undercurrents, and yells into the depths.

Dans un refrain infini de réverbération, l’eau s’écoule des voûtes profondément enfouies sous les montagnes de l’Antiquité et de la raison. De ces gouttes d’eau s’élèvent des stalagmites, puisant à même les réverbérations et imitant ces montagnes et leurs grondements éternels. D’existence récente en comparaison des roches depuis lesquelles ils se forment, ils sont l’essence de la jeunesse de la montagne. Paul Jacobs est tel un stalagmite. Il s’élève par-delà des lointains courants sous-marins et hurle dans les profondeurs.

Paul Jacobs – Basement Corner

Paul Jacobs – I Got It

New Canadiana :: The New Values – The New Values

The New Values - The New Values

The New Values’ self-titled LP opens with a crash, like a beat up hot rod skidding to a stop on the neighbours’ lawn. The nervous mania of the class of 2013 makes fast friends with the relentless power chords of classic Stooges sped up to breakneck pace while the ghost of Malcolm Owen lingers in the corner. Smoke is pouring out of the car. It could explode at any moment. The pace is ever-shifting without letting up, lingering for a minute on noizy scuzz before deftly switching to tight Televisionesque rhythm. The driver stumbles out of the car, wild-eyed and coughing. Fifteen minutes later, you’re sitting in your quiet living room wondering what happened.

Le disque LP éponyme des New Values s’ouvre avec fracas, comme une hot rod cabossée dérapant sur le gazon des voisins. La manie nerveuse de la classe de 2013 s’acoquine rapidement avec les accords de puissance entêtés classiques des Stooges accélérés à une cadence folle, alors que le fantôme de Malcolm Owen lambine dans un coin. De la fumée se déverse de la voiture. Ça pourrait exploser à tout moment. Le rythme est en constante évolution sans s’adoucir, s’attardant une minute sur une crasse bruyante avant de passer habilement à un rythme Televisionesque. Le conducteur s’extirpe en titubant de la voiture, les yeux fous et toussant. Quinze minutes plus tard, vous vous retrouvez assis dans votre salon au calme et vous vous demandez ce qui s’est passé.

The New Values – Straight Line

The New Values – Axe on Your Doorstep