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New Canadiana :: The Band Whose Name Is A Symbol – Pathfinder

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The Band Whose Name is A Symbol’s 8th vinyl LP release dubbed Pathfinder will kick you squarely in the head repeatedly and ultimately BLOW your mind wide open… Appropriately recorded in Birdman Sound’s decrepit Bank Street basement during 2013 and 2014, this album is full of violent PUNK energy. Pathfinder boasts MACHINE GUN drum work by stick man John Westhaver, full on guitar riffage, as well as Jason Vaughan’s keyboard WIZARDRY. Its obvious that TBWNIAS has PASSION for making heavy yet challenging experimental music. Pathfinder is a one time pressing of 100 copies available at Ottawa’s only curated record store, Birdman Sound.

Le huitième LP de The Band Whose Name is A Symbol, Pathfinder, va vous cogner la tête, directement et à répétition, jusqu’à finalement vous faire ÉCLATER l’esprit. Enregistré très convenablement dans le sous-sol décrépit de Birdman Sound sur la rue Bank en 2013-2014, cet album déborde d’une énergie PUNK violente. Pathfinder peut se vanter d’être rempli de riffs de guitare en plus d’avoir le savoir-faire en MITRAILLEUSE du batteur John Westhaver et la SORCELLERIE du claviériste Jason Vaughan. La PASSION que le groupe met dans sa musique expérimentale lourde, mais provocatrice est évidente. Seulement 100 copies de Pathfinder ont été faites, et elles ne sont disponibles qu’à Ottawa, dans l’unique magasin de disques Birdman Sound.


The Band Whose Name Is A Symbol – Haf Hed


The Band Whose Name Is A Symbol – Indira

Far Shores // Inferred Views : Phil Osborne

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Local Ottawa (by way of Victoria) monster-maker Phil Osborne has been oozing and sliming his way into our hearts with his tripped out show posters, psychedelic band projections, and lysergic hand drawn and clay animations. Included in such is the video for “Cemetery House” by Montreal-via-Victoria band/rat pack, Babysitter. Phil also has been known for creating his own brand of DIY capitalism, from the Monster Party Art Gallery in Victoria, to Osborne Oddities, his weekend-only living-room cabinet of curiosities. Phil closed his store somewhat recently, but his wares are still available to purchase on Etsy and brand spanking new Ottawa record shoppe, Gabba Hey. He recently participated in a two month group exhibition at Saw Gallery.

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If you could pinpoint a favourite project – even if it’s not the thing you’re most well known for, but were really happy about or jazzed on – does anything stand out?

The thing I’ve done that meant the most to me, and I’ve done it twice in Victoria, [was the] Monster Party Art Gallery. That was something that I had planned when I was 18-19, when I got into the idea of decorating my room, and possibly other places in the future, but I didn’t know where or how, or how a gallery worked, or what a gallery was. I was just like “I’m gonna sketch these out,” these ideas for kinda Peewee’s Playhouse kids show environments, kinda like wacky horror, colourful, 60s – 80s interactive puppet environments. Fast forward 10 years later, when I’m living in Victoria, I was like “fuck that, I’m just gonna do it now.” I had this studio in downtown Victoria surrounded by the acupuncture and yoga studios. It was a pretty big space, and I was living there but like you couldn’t live there, it was above a nightclub. It was really bad; horrible working conditions, but I was like: “I have to do that idea I’ve always had.” So I quit my job and got a business licence and just opened my own gallery. I had, by then, amassed enough of my own work to have a store. I had the pot heads, the screen prints, and the puppets, videos, it was all there.

People would come in and there would be a puppet moving, like, freaking people out, or a little mouse in a mouse hole, peeking, like, I’d be hidden behind the wall, you know… people would come in and they’d be like AH! [Phil makes the sound of a surprised or scared person] That was an idea that meant a lot to me… [to say] “fuck work, I’m just gonna do this”, try to get into the business side of it for the first time. That was the beginning of me trying to sell my art. Before that I didn’t even have an Etsy store. It started with that… and then I moved it to a record store, upstairs, Talk’s Cheap Records.

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Why don’t you tell me about your recent project at SAW Gallery?

Jason [from SAW Gallery] asked me to do the show. I had done a fundraiser there, and he’s familiar with my stuff from the Saw Youth Program. We didn’t know each other back then. I would have never thought we would be collaborating so closely together. We’re really into the same shit, like, he’s helping me out, he’s sending me to Sudbury to another—

What’s going on in Sudbury?

I don’t know the details, it’s pretty, kinda sketchy. [Last year] they put all the artists in cages? They do this every year. One time they put them in this shitty, seedy hotel, and now it’s an abandoned, decrepit mall…the Galerie de Nouvel Ontario asked like 15 to 20 different Canadian galleries to send them a different artist of their choice, so because I just did that show, SAW Gallery sent me because they like what I do. It’s mostly geared towards installation it sounds like? We’re going to be in vacant spaces that used to be businesses, and there are still businesses in there apparently, but its mostly falling apart, and we’re going to, uh, do our thing in there, like share some spaces or each get a space or something like that. And then people come in and shop and see what you’re doing and there’s going to be an opening. But I don’t think it runs for long. And there’s going to be bands playing for the opening night.

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Ok, back to talking about the show at Saw. Can you describe the project to me?

So, it was inspired by the David Hoffos show, if you know him. He had a show at the National Gallery, I went to see it twice. If it was there now I would go every day. One of his pieces was a projection on a piece of cardboard of a woman drinking a coffee in the dark. It looks like a real person, it looks 3D but then you get close and then realize that it’s a projection on layers of cardboard. That gave me some ideas, because I’m really interested in trying to make, this is like a theme in some of my art, is trying to make the cartoon world a real thing, or a hallucination or something that’s fantasy or science fiction, real. I was inspired by that, so what I did was… it’s three projectors, in the dark, three different walls… it’s so visual it’s hard to describe it… You’ll see it move, because it’s animation. Ok, there’ s a few different pieces. There’s a big monster: there’s a tree with holes in it, cartoon eyes that look left and right and pop in and out of the darkness of the tree, this eerie kind of halloween-y tree. And then there’s two planets, just floating there, and then there’s a big wall of… it’s like an organic horror wall with holes in it and a tentacle that comes out with claymation bugs going inside the holes. That’s [an] animation projection on this kind of zitty, bumpy, foam structure. It looks like really intense acne, tumours, veins, really organic. Everything is made out of foam, and there are monitors inside the structures showing animation. So not only is it animation projected on the structure, but the structure itself has animation inside of it that doesn’t interfere. The animation that’s projecting isn’t interfering with what’s on the monitor because it’s light itself. So the monster, for example, is a random monster with random disconnected monster mouths and eyes that are just kind of freaking out kind of like a kids drawing. Inside there’s a hole in the middle of the head and there’re these cracks. I put a monitor inside that, in that hole and there’s an animated cartoon-y brain kinda freaking out. All the animations are on a three minute loop. Sometimes they get darker, the colour gets darker and it changes the mood of the room and everything appears brighter, like the planets become lighter. The planets look like a cartoon-y version of Mars, with volcanos erupting, zits and bubbles forming, everything is changing colour, all the pieces change colour, psychedelic kinda like the stuff I do at rock shows, with an overhead projector and food colouring and olive oil.

There’s no concept, they’re not even meant to be in the same room. It’s kind of just like experiments of this kind of medium that’s new to me that [I realized] I could do a lot with .

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You seem like a pretty process-oriented person: everything is part of or sort of exists in the same world. It feels like your projects kind of bleed into one another. Working on one project will lead into a film you want to make later on, that sort of thing. That’s the impression that I get.

One medium enters another. How it came about was because Jason was like: “you should do an installation,” because nobody else was going to do an installation. He was like: “go nuts… projectors, monitors, we’ll get it for you.” So it was based on what he said, what he randomly threw at me. I was like: “oh yeah, that thing I wanted to do!” or “that would be a good way [to do it], with projections.” I like the idea of the puppets and scaring people, but I’m not going to be there for two months. So how do I do that? Well, with video. So with the monitors and projectors. Jason said he’s seen a lot of shows, but that he couldn’t compare [my installation] to anything else, that it was essentially original. That he’s seen a lot of installations with projections, but he’s never seen one that combined both like that. So there’s something there. And that’s what I want to do with the Sudbury thing … to make it 3D. That’s the thing [with] 3D: if you’re really far away, you’re like: “is that alive?” Like, it’s in the dark and… it’s 3D! Again, it fits with the idea of trying to make the cartoon world a real thing. And also my disappointment with all the drugs I did that never made me hallucinate. Like, I wanna hallucinate with art and I want to make other people hallucinate together, they can all see the same thing.

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Are you doing any music videos for anyone in the near future?

I’m finishing two now, one for Street Meat, and that’s totally improv, basically it’s like a mixture of a bunch of faces, cartoon-y faces, made up of clay animation parts and line animation parts. Moving, stop motion kinda objects, like a pair of scissors becoming eyes, a face that’s constantly changing, faces made out of many different things. And then another thing for a friend in Victoria, Slim Sandy, who is a rockabilly guy. That one [is all ready].

Alright! Any other projects you want to mention that are coming up? What’s the five year plan? Will you ever get a website?

I will have a website this year I hope, but for now I’m on people’s blogs like this one right now and Youtube and Etsy and Ebay and Facebook. I will always be making toys and animations, but I hope to make at least one short film involving weird alien puppets.

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Le manufacturier de monstres originaire de Victoria, Phil Osborne, a su s’immiscer dans les cœurs à Ottawa avec ses affiches de spectacle complètement démentes, ses projections musicales psychédéliques et ses animations lysergiques en plasticine ou faites à la main (comme le vidéo de « Cemetery House » fait pour Babysitter, la meute de Montréal). Phil est aussi connu comme le créateur de sa propre marque capitaliste à la DIY, de la Monster Party Art Gallery à Victoria en passant par Osborne Oddities, son salon qui devient un cabinet de curiosités les fins de semaine. Phil a récemment fermé sa boutique, mais on peut toujours acheter ses trucs sur Etsy et dans un tout nouveau magasin de disques à Ottawa, Gabba Hey. Dernièrement, il a participé à une exposition de groupe qui a duré deux mois à la Galerie Saw.

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Si tu pouvais nommer un projet préféré – qui t’a emballé ou que tu es vraiment content d’avoir fait, même si ce n’est pas un de tes plus connus – qu’est-ce que ce serait?

Un que j’ai fait et qui me tenait vraiment à cœur (et je l’ai fait deux fois à Victoria) [c’était le] Monster Party Art Gallery. C’était quelque chose que j’avais planifié quand j’avais 18-19 ans : l’idée m’était venue de décorer ma chambre, et peut-être éventuellement d’autres endroits, mais je ne savais pas où ni comment, ni même ce que c’était une galerie d’art ou comment ça marchait. J’étais juste « Je vais faire ces sketchs », des idées un peu dans le style de l’émission pour enfants Peewee’s Playhouse, un peu comme de l’horreur farfelue et colorée, avec des marionnettes interactives des années 60-80. Dix ans après, j’habitais à Victoria et je me suis dit « fuck that, je vais le faire maintenant ». J’avais un studio au centre-ville, entouré de locaux de yoga et d’acupuncture. C’était un endroit assez grand, j’habitais là, mais je n’avais pas vraiment le droit, c’était en haut d’un bar. C’était vraiment moche, les conditions de travail étaient horribles, mais je me disais : « Il faut que je fasse cette idée que j’ai toujours eu. » Alors j’ai démissionné, j’ai obtenu un permis d’exploitation et j’ai ouvert ma propre galerie d’art. À ce moment, j’avais accumulé assez de mes œuvres pour avoir un magasin. J’avais les pots en forme de têtes, les sérigraphies, les marionnettes, les vidéos… tout était là.

Chaque fois que quelqu’un rentrait, une marionnette s’activait et leur faisant peur, ou une petite souris dans son trou sortait la tête, ou j’étais caché derrière un mur, tu vois le genre… Donc les gens rentraient et ils étaient comme AH! [Phil imite un cri surpris ou effrayé] C’était une idée qui me tenait à cœur… [de juste dire] « fuck le travail, je vais faire ça », d’essayer de voir le côté entrepreneurial pour la première fois. C’était les débuts de la vente de mon art, avant même que j’aie une boutique Etsy. C’est comme ça que ça a commencé, et après je l’ai déplacé dans un magasin de disques, Talk’s Cheap Records.

Parle-moi de ton dernier projet à la Galerie SAW.

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Jason [de la Galerie SAW] m’a demandé de faire l’exposition. J’y avais déjà fait une collecte de fonds, et il connait mon travail par le programme jeunesse de SAW. On ne se connaissait pas à l’époque. Jamais je n’aurais pensé qu’on en viendrait à collaborer autant. On aime le même genre de trucs, et puis il m’aide, comme il va m’envoyer à Sudbury pour…

Qu’est-ce qui se passe à Sudbury?

Je ne sais pas les détails, c’est quand même un peu louche. [L’an passé], ils ont mis les artistes dans… des cages? Ils font ça chaque année. Une fois, ils les ont mis dans un hôtel miteux et là, c’est un centre commercial abandonné… La Galerie de Nouvel Ontario a demandé à 15-20 galeries d’art canadiennes de leur envoyer différents noms d’artistes, alors comme je venais juste de faire cette exposition, la Galerie SAW a envoyé le mien vu qu’ils aiment ce que je fais. J’ai entendu que ça s’enlignait vers des installations..? On va être dans d’anciens commerces vides – il parait qu’il y en a qui marchent encore, mais c’est en train de tomber en ruine – et on va, eh, faire nos trucs là, comme se séparer les espaces entre nous ou quelque chose du genre. Et les gens vont venir magasiner et ils vont voir ce qu’on fait – mais je ne pense pas que ça va durer longtemps. Il va y avoir un vernissage et des groupes vont jouer pendant la soirée.

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OK, si on revient sur l’exposition à SAW, est-ce que tu peux me décrire le projet?

J’ai été inspiré par l’installation que David Hoffos avait faite à la National Gallery, je ne sais pas si tu le connais. J’étais allée la voir deux fois. Si elle y était encore, j’irais la voir tous les jours. Une des pièces était la projection d’une image – une femme buvant du café dans le noir – sur un morceau de carton. On aurait dit que c’était une vraie personne, en 3D, mais en s’approchant, on voyait que c’était une projection sur des couches de carton. Ça m’a donné des idées… parce que c’est un thème dans une partie de mon art. Je voulais vraiment essayer de faire… de rendre le monde du dessin animé comme s’il était réel, ou une hallucination ou quelque chose comme du fantastique ou de la science-fiction. Ça m’a inspiré, alors ce que j’ai fait c’est… c’est trois projecteurs sur trois murs différents, dans le noir… C’est tellement visuel que c’est difficile à décrire… On va le voir bouger, parce que c’est animé. OK : il y a plusieurs pièces différentes. Il y a un gros monstre, il y a un arbre inquiétant avec des trous, comme on en voit à l’Halloween, et des yeux en dessin animé qui regardent à gauche et à droite en apparaissant et disparaissant dans les trous noirs. Et il y a deux planètes qui font juste flotter, et il y a un grand mur de… c’est comme un mur d’horreur organique avec des trous, et il y a un tentacule qui sort avec des insectes en plasticine qui rentrent dans les trous. C’est une projection de dessin animé faite sur une structure en mousse bossée, comme si elle était couverte d’acné vraiment intense, de tumeurs, de veines… Tout est fait de mousse, et il y a des moniteurs dans les structures qui montrent des animations. Donc en plus d’être projetée sur la structure, l’animation est aussi montrée dans la structure, mais ça ne fait pas d’interférence. Celle projetée n’interfère pas avec ce qui est sur le moniteur parce que c’est de la lumière. Alors, le monstre, par exemple, c’est un monstre générique avec des bouches et des yeux d’autres monstres aléatoires, faits un peu comme un dessin d’enfant, qui paniquent. Au milieu de la tête, il y a un trou et des craques. Il y a un moniteur à l’intérieur avec un dessin animé de cerveau en train de s’agiter. Toutes les animations font une boucle de trois minutes : parfois, elles deviennent plus sombres, les couleurs sont plus foncées et ça change l’ambiance de la pièce, ou tout devient plus clair, comme les planètes. Les planètes sont comme une version dessin animé de Mars – avec des volcans en éruption, des boutons et des bulles qui se forment – toutes les pièces changent de couleur, c’est psychédélique, un peu comme ce que je fais pour les spectacles rock avec un rétroprojecteur, de l’huile d’olive et du colorant alimentaire.

Il n’y a pas de concept, ils n’ont même pas été faits pour être dans la même pièce. C’est plus une expérience avec ce genre de médium qui est nouveau pour moi, et [que j’ai réalisé] qui me permettrait de faire beaucoup de choses.

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On dirait que tu es une personne axée sur le processus : tout fait partie du même monde. C’est comme si tes projets se fondaient un peu les uns dans les autres. Par exemple, travailler sur un projet va mener à un film que tu veux faire plus tard. C’est l’impression que ça me donne.

Les médiums se rejoignent. C’est arrivé parce que Jason était comme « tu devrais faire une installation », vu que personne d’autre n’allait en faire. Il disait « ce que tu veux, des projecteurs, des moniteurs, on va te l’avoir ». Alors c’était basé sur ce qu’il disait, ce qu’il me lançait au hasard. J’étais comme « oh ouais, ce truc que je voulais faire! » ou « ça serait une bonne façon [de faire telle chose], avec projections ». J’aime l’idée des marionnettes et de faire peur aux gens, mais je ne serai pas sur place pendant les deux mois, alors comment je fais ça? Eh bien, avec une vidéo, alors avec des moniteurs et des projecteurs. Jason a dit qu’il avait vu beaucoup d’installations et qu’il ne pouvait comparer [mon installation] à rien d’autre, que c’était vraiment original. Il a vu plein d’installations avec des projections, mais jamais une qui les combinait comme ça. Donc, il y a quelque chose là-dedans. Et c’est ce que je veux faire avec le truc à Sudbury… le faire en 3 D. C’est ce qui est bien avec la 3D : si on est vraiment loin, on se dit « est-ce que c’est réel? » Et là, c’est dans le noir… et c’est 3D! Encore une fois, ça va avec l’idée de rendre le monde animé réel. Et aussi ma déception de toutes les drogues que j’ai essayées qui ne m’ont jamais fait halluciner. Je veux halluciner avec l’art, et je veux faire halluciner les gens, et qu’ils voient la même chose tous ensemble.

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Est-ce que tu vas faire des vidéos pour des groupes de musique dans un futur proche?

Je suis en train d’en terminer deux, un pour Street Meat qui est totalement improvisé, en gros c’est un mélange de plein de visages en dessin animé, avec des parties en plasticine ou en ligne. Des objets qui bougent, image par image, comme une paire de ciseaux qui devient des yeux, un visage qui change constamment ou qui est fait par plein de choses différentes. L’autre est pour un ami à Victoria, Slim Sandy, qui est du genre rockabilly. Celui-là [est en ligne].

OK! Est-ce qu’il y a d’autres projets qui arrivent dont tu voudrais parler? Le plan des cinq ans? Enfin un site web?

J’espère avoir un site web cette année, mais pour l’instant je suis sur YouTube, Etsy, Ebay, Facebook et sur des blogues, comme celui-ci. Je vais toujours faire des jouets et des animations, mais j’espère faire au moins un film avec des marionnettes d’extraterrestres bizarres.

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New Canadiana :: Pregnancy Scares – Mind Control EP

Pregnancy Scares - Mind Control

Howled chants hypnotize, rotting into feedback frequencies of confusion. Is the incessant pounding real or just inside your head? It doesn’t matter — anger always takes the bait. Childhood shame rises out the chest, twists for air and collapses into decay upon the expulsion, a doom spit nightmare of desperate delirium. Memories snap their teeth before going in for another bite, proving cerebral hysteria breeds from the inside out. Death may be a terror, but modern life is war.

Des chants hurlés, hypnotisants, qui se décomposent en des fréquences confuses de feedback. Et ce martèlement incessant, il est réel ou juste dans ma tête? Ça ne changerait rien – la colère réagit toujours. De vieilles hontes d’enfance sortent des poitrines, serpentant en cherchant de l’air avant de se transformer en pourriture une fois expulsées : le tragique crachat cauchemardesque d’un délire désespéré. Les souvenirs font claquer leurs mâchoires avant d’arracher une autre bouchée, preuve que l’hystérie cérébrale nait de l’intérieur. La mort soulève peut-être la terreur, mais la vie moderne, c’est la guerre.


Pregnancy Scares – Master Race


Pregnancy Scares – The Bait

New Canadiana :: Roberta Bondar – Caustic

Roberta Bondar - Caustic

Two EPs in, Roberta Bondar have already fused nimble noise-rock with an experimental edge. Their latest, Caustic, grinds alt-rock and shoegaze into a sludgy pulp. “Children” opens with a string section that makes Bernard Hermann sound as serene as Brian Eno and features a repeated, mantra-like chorus. “Palm Bay” skids to a near-halt before rising from the dead midway through. The title track feels like a midnight trip through the Greenbelt on peyote. Caustic may slow down Roberta Bondar’s sound, but damn if it won’t stop your heart as well.

À peine deux albums de faits, et Roberta Bondar ont déjà fusionné le noise rock vif et la marge expérimentale. Leur plus récente sortie, Caustic, réduit du rock alternatif et du shoegaze en un amas boueux. Les cordes du premier morceau « Children » donnent à Bernard Hermann une apparence aussi sereine que Brian Eno; sans parler du refrain répété comme un mantra. « Palm Bay » dérape jusqu’à un arrêt presque complet, puis revient d’entre les morts à mi-chemin. La chanson « Caustic » est comme une excursion nocturne dans la ceinture verte sous l’influence de peyotl. Cet album ralentit peut-être le son de Roberta Bondar, mais il va clairement ralentir votre cœur aussi.


Roberta Bondar – Children


Roberta Bondar – Caustic

How To Make a Zine

How To Make a Zine

Like independent music itself, zines are hard to define but easy to identify. Zines (pronounced “zeens”) are tiny, homemade magazines reproduced with the aid of a photocopier. There are two basic categories: fanzines (short for “fan magazine”) and perzines (short for “personal zine”). However, these categories certainly do not cover everything, as the magical world of self-publishing also includes mini comics, newsletters, chapbooks and much, much more.

So why would someone make a zine if they are essentially photocopied versions of a tumblr dashboard? Common reasons for zine-love include that they are personal, uncensored and portable. I like making zines because I find them therapeutic to write and read, as well as a great excuse to send and receive snail mail. Intimacy and effort (“Someone went through the trouble to actually MAKE this?!”) are also often stated as reasons as to why someone would go through the trouble of zine-ing.

Sometimes it is a hassle to actually create a zine, but as with anything, the effort is always worth the reward. Nothing is more fun to do than hold a stack of freshly-photocopied zines in your hands while dancing in your bedroom to The Courtneys screaming, “I MADE THIS! I DID IT!”

So stop putting it off! It’s time to finish that years-in-the-making zine once and for all. Only four steps stand between you and your creation: content creation, aesthetic considerations, assembly and distribution.

1. CREATING CONTENT:

A. ON YOUR OWN:
The biggest question that comes with making a zine is the first one that you are going to have to answer: What is this zine going to be about? As a medium, zines work the best when they are about something close to the author and that the author cares about. Even if you think that what you are writing about is mundane or average, chances are that other people have similar experiences and would love to read about your thoughts and experiences.

This bring us to an important note: Sometimes it is hard to write about yourself without feeling like a narcissistic asshole. “Why would anyone even START to CARE about a personal anecdote from my childhood?!” I hear you screaming. “Isn’t that self-indulgent?”

No! Well, maybe. Still, it is key to abandon that idea before you start creating. As William Zinnser writes in On Writing Well, “Writing is an act of ego, and you might as well admit it. Use its energy to keep yourself going.”

B. ZINE TEAM:
Whether it’s a split issue with a friend or a large compilation work with some vague scene acquaintances, there are some extra precautions to take regarding content if you are working with other people. When there’s more than one person on the zine team, the number one tip is to not make any assumptions.

First off, do not assume that they are okay with their real name being published with their piece, especially if they are writing about a personal or sensitive topic. Moreover, make sure to always ASK before changing or even rearranging what someone else has written.

Another important thing to consider is that with a lot of people on one project, it is incredibly likely that some will not follow through on their commitment. Set deadlines frivolously early. It might feel dumb to tell people you need material two weeks or even a month before you actually do, but this allows a good margin for any (inevitably) late submissions. You will thank yourself for doing this later on!

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2. AESTHETIC:

A. THIS IS THE FUN PART:
Now that the content is done, it’s time to make something that looks good. First of all, you need to decide what size your zine is going to be. Is it going to be quarter-size, half-size or just made with one page? Half-size, a standard piece of paper folded in two, is the easiest to start. However, you can get more bang for your buck by folding it once more and going for quarter-size, a format that is also easier to mail out later on. Next, it is good to think about how the content is going to be formatted. Will the text be written out on a typewriter, handwritten or typed on a computer? Are you using any images? If so, will they be drawings, photographs or cut-outs? The great part about zines is that this is all your call.

B. WATCH OUT:
Still, it’s important to realize that you are going to be reproducing whatever you make on a photocopier, which holds some limitations. For example, it is likely that your zine, especially your first one, is going to be in black and white (colour copies are an expensive, and present their own kind of hassle best left to your later issues, as you become more experienced).

With black and white copies, some colours (like yellow) don’t copy into grey tones, and pencil marks (especially light shading) don’t photocopy well. Given this, it’s a good idea to do a test run at the photocopier early on. Check in advance that whatever supplies you will be using are going to translate like you want them to when copied.

And whatever size, shape or shade of your zine, ALWAYS (ALWAYS!) leave margins of at least half a centimetre, if not more. You have spent all this time formatting words and images – it is a horrible feeling to arrive at the photocopier only to realize that the end of every sentence gets cut off during printing.

3. ASSEMBLY:

Now that you have written, drawn and formatted your zine, it is time to reproduce them for the masses. Photocopiers are pretty temperamental beasts, but they can easily be tamed with a little bit of know-how. There are two ways to go about copying: paying and not paying.

A. PAYING:
If you are paying for copies, go to a copy shop and ask someone to show you how to use the photocopier before wasting all of your allowance trying to make double-sided copies on your own. The staff is there to show you how to do this. Do not be afraid that they are looking at what you made and judging you about it. They are not! The staff help people make copies all day. It’s their job.

B. NOT PAYING:
On the other hand, maybe you work in an office. Perhaps you’re a student with access to a photocopier on-campus. You may have parents, friends, relatives, and they may have photocopiers, and you may just be in luck. Whatever the case, you have an IN to make your zine for free. Feel no guilt when copying without coin and continue in the footsteps of many a punk as fuck zinester before you.

N.B.: If you get fired because you stole your boss’ keys and hosted a wild 3 AM photocopying break-in, don’t blame me. You’re going to have to decide how you want to make your copies on your own, so I wish you best of luck on that one.

C. METAL DOWN THE MIDDLE (STAPLING):
Once you make your copies you will need to assemble them. Most people staple all of the pages together in the middle, but I’ve seen zines held together by sewn thread, paper clips and even bobby pins. If you go for the stapling route, your pages will probably be too wide for the average stapler to reach the middle. Hence, you will need one of my favourite pieces of office supplies… the long-armed stapler! These can be purchased for about $40, or you can use the one at the copy shop.

4. DISTRIBUTION

You did it! You made a zine! Now that you’ve held a bunch in your sweaty palms while simultaneously shimmying to “Lost Boys”, it’s time to get your work out there.

A. PAYING THE PRICE:
Like all art, one way to distribute your creation is to force people to pay for it. A good rule of thumb when it comes to pricing zines is to charge whatever it cost you to photocopy one issue, then doubled and rounded to the nearest 50 cents or dollar. For example, the first issue of my perzine, Finale 95, cost $0.72 to photocopy, so I charged $2 for it.

But where do you sell your zines now that you have priced them? The answer is to look around in your city. Is there an independent publishing fair? A punk flea market? A craft and zine sale? Table at them if you feel comfortable!

Another way is to approach a zine distro and ask if they’ll consider your zine. In Ottawa, there are two zine racks run by Lily Pepper. She buys my zine for half of what she sells it for. I don’t make a lot of money this way, but I don’t lose any money either.

B. GIVING IT AWAY:
Besides, the point of zines has never been to make money in the first place. In Ottawa, there is another way I get my creations out to the world: at the zine-off!

The Ottawa Zine-Off is a small event that occurs every six months for local writers and illustrators get together. Everyone makes something for the event, then trades with each other. This has been essential to the growth of the city’s zine scene and is an awesome way to meet new people who don’t go to shows.

However, you don’t need to organize a zine-off to give away your work (but wouldn’t it be cool if you did?!) You can leave your zine free for the taking at record stores, vintage stores, movie theatres, at the dentist’s office, on the bus… who knows who will pick it up?

END NOTES:

Don’t forget that it’s okay if your first zine doesn’t live up to all of your expectations or if something goes wrong while you’re making it. In fact, given the medium, that’s actually normal. Zines exist as a process of growing as an artist, writer and creative, a tool you can use to develop your skills, as well as yourself as a living, breathing human person! Zines are a weapon the size of your heart, so keep writing and keep copying.

Alanna Yaraskavitch is a second year journalism student at Carleton University who has been making zines under the name Alanna Why for the past four years. She has written many titles including Backwaves, a fanzine about Richard Simmons, and Scoopin’ Times, a comic zine about working in an ice-cream parlour. Currently, she writes a perzine called Finale 95, wherein which she explores post-secondary misadventures, friendship and existential crises prompted by power-pop.

Tout comme la musique indépendante, les zines sont difficiles à définir, mais faciles à identifier. Les zines (prononcé « tzine ») sont de tout petits magazines faits maison reproduits à l’aide d’un photocopieur. Il y a deux catégories de base : les fanzines (abréviation de « fan magazine ») et les perzines (abréviation de personal zine). Toutefois, ces deux catégories ne couvrent certainement pas tout, puisque le monde magique de l’autoédition comprend aussi les mini bandes dessinées, les bulletins d’information, les chapbooks (de petits livres qui contiennent des contes, des poèmes, des ballades, etc.) et beaucoup plus encore.

Alors, pourquoi faire un zine si ce ne sont essentiellement que des versions photocopiées d’un tableau de bord tumblr ? Le fait qu’ils soient personnels, non censurés et faciles à transporter comptent parmi les raisons les plus courantes pour lesquelles on aime les zines. J’aime faire des zines, car je les trouve leur rédaction et leur lecture thérapeutiques, en plus, ils constituent une superbe excuse pour entretenir des correspondances papier. L’intimité et l’effort qu’ils ont demandés (« Quelqu’un s’est vraiment donné la peine de FABRIQUER ça ?! ») sont aussi souvent évoqués comme raisons pour lesquelles quelqu’un irait s’embêter de faire et de lire des zines.

Parfois, c’est une corvée de passer du temps à créer un zine, mais comme avec toute chose, l’effort est toujours récompensé. Rien n’est plus amusant que de tenir une pile de zines fraîchement photocopiés entre ses mains en dansant dans sa chambre au rythme des Courtneys en criant : « JE L’AI FAIT! J’AI FAIT ÇA! »

Alors arrêtez de remettre à plus tard! Il est temps de finir de créer ces zines commencés il y a des années une bonne fois pour toutes. Il n’y a que quatre étapes entre vous et votre œuvre : la création du contenu, les considérations esthétiques, l’assemblage et la distribution.

1. CRÉER UN CONTENU :

A. CRÉER SEUL :
La plus grande question, et la première, à laquelle vous devez répondre lorsque vous décidez de créer un zine : de quoi parlera le zine? Comme média, les zines fonctionnent mieux quand ils traitent d’un sujet qui touche l’auteur et qui l’intéresse. Même si vous pensez que ce dont vous parlez est banal ou ordinaire, il existe probablement d’autres gens ayant des expériences similaires qui adoreraient lire à propos vos idées et vos expériences.

Ce qui nous amène à une remarque importante : parfois, il est difficile d’écrire à propos de soi sans se sentir comme un connard ou une connasse narcissique. « Pourquoi est-ce que quelqu’un aurait ne serait-ce qu’un DÉBUT d’INTÉRÊT pour une anecdote personnelle tirée de mon enfance ?! » Je vous entends crier: « N’est-ce pas de la complaisance envers soi-même ? ».

Non! Enfin, peut-être. Il n’en reste pas moins qu’il est primordial d’abandonner cette idée avant de commencer à créer. Comme William Zinsser l’a écrit dans On Writing Well, « Écrire est un acte d’ego, et vous êtes aussi bien de le reconnaître. Utilisez son énergie pour continuer à vous porter. »

B. ZINER EN ÉQUIPE :
Que ce soit un numéro partagé avec un ami ou un vaste travail de compilation regroupant de vagues connaissances d’une même scène, il y a quelques précautions supplémentaires à prendre quant au contenu lorsque vous travaillez avec d’autres gens. Quand plusieurs personnes participent à un zine, le premier conseil est de ne présumer de rien.

Tout d’abord, ne tenez pas pour acquis qu’ils sont d’accord pour que leur vrai nom soit publié avec leur oeuvre, surtout s’ils écrivent sur un sujet sensible ou personnel. Plus encore, soyez sûr de toujours DEMANDER avant de changer ou de réarranger ce que quelqu’un a écrit.

Une autre chose importante à considérer est que lorsque beaucoup de gens contribuent à un projet, il est plus que probable que certains ne termineront pas ce qu’ils avaient annoncé. Fixez des dates butoirs frivolement tôt. Cela peut paraître idiot de dire aux gens que vous avez besoin des documents deux semaines ou un mois avant que vous en ayez réellement besoin, mais cela laisse une bonne marge pour toute oeuvre remise (inévitablement) en retard. Vous serez heureux de l’avoir fait plus tard !

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2. L’ESTHÉTIQUE :

A. C’EST LA PARTIE AMUSANTE :
Maintenant que le contenu est réalisé, c’est le moment de faire quelque chose de joli. Tout d’abord, vous devrez décider quelle taille aura votre zine. Un quart de page, une demi-page ou une page entière ? Le plus facile pour débuter est de choisir une demi-page soit une page standard pliée en deux. Toutefois, vous pourrez en avoir plus pour votre argent en le pliant une fois de plus et en travaillant sur un format quart de page qui sera aussi plus facile à envoyer par la poste plus tard. Ensuite, il est bon de savoir de quelle façon le contenu sera formaté. Le texte sera-t-il écrit à la machine à écrire, à la main ou à l’ordinateur? Utiliserez-vous des images? Si tel est le cas, est-ce que ce seront des dessins, des photographies ou des images découpées? Ce qui est génial avec les zines : c’est votre décision.

B. PRENEZ GARDE :
Quoi qu’il en soit, il est important de garder à l’esprit que vous reproduirez ce que vous faites à l’aide d’un photocopieur, ce qui n’est pas sans contraintes. Par exemple, il est probable que votre zine, à plus forte raison votre premier, soit en noir et blanc (les copies couleurs coûtent cher et comportent leurs propres lots d’ennuis qu’il vaudrait mieux garder pour vos prochaines parutions, quand vous aurez acquis de l’expérience). Avec les copies en noir et blanc, certaines couleurs (comme le jaune) ne sont pas copiées dans les teintes de gris, et les traits de crayon de bois (surtout s’ils sont pâles) ne se photocopient pas bien. En prenant ça en compte, c’est une bonne idée de faire très tôt un essai au photocopieur. Vérifiez en avance que les fournitures que vous utiliserez répondront à vos attentes une fois copiées.

Et quelle que soit la taille, la forme ou la nuance de votre zine, laissez TOUJOURS (TOUJOURS!) des marges d’au moins ½ cm, sinon plus. Vous avez passé tout ce temps à formater les mots et les images – c’est un sentiment horrible que d’arriver au photocopieur et réaliser que chaque fin de ligne est coupée à l’impression.

3. ASSEMBLAGE :

Maintenant que vous avez écrit, dessiné et formaté votre zine, il est temps de les dupliquer pour les distribuer au peuple. Les photocopieurs sont des bêtes très caractérielles, mais elles peuvent facilement être domptées avec un peu de savoir-faire. Il existe deux façons d’aborder l’impression : payer et ne pas payer.

A. PAYER :
Si vous payez pour photocopier, allez dans un centre de copies et demander à quelqu’un de vous montrer comment fonctionnent les photocopieurs avant d’aller gâcher tout votre argent de poche à essayer de faire des copies recto-verso seul(e). Ne craignez pas qu’ils regardent ce que vous avez fait et qu’ils vous jugent. Ce n’est pas ce qui les intéresse! Ils sont là pour aider les gens à faire des photocopies toute la journée. C’est leur boulot!

B. NE PAS PAYER :
D’un autre côté, peut-être travaillez-vous dans un bureau. Ou êtes-vous un étudiant avec un accès aux photocopieurs du campus. Vous avez peut-être des parents, des amis, une famille élargie, et ils ont peut-être un photocopieur, et ce pourrait bien être votre chance. Peu importe, vous avez un moyen de photocopier vos zines gratuitement. Ne ressentez aucune culpabilité quand vous photocopiez sans payer, et suivez les traces de nombreux zineux et de nombreuses zineuses putainement punk avant vous.

N.B. Si vous êtes viré parce que vous avez volé la clé de votre patron et organisé une folle entrée par effraction à 3 h du matin, ne vous en prenez pas à moi. Vous devez décider seul(e) comment vous voulez faire vos copies, je vous souhaite bien du courage.

C. ATTACHER AU MILIEU (AGRAFAGE) :
Une fois que vous aurez vos photocopies, vous devrez les assembler. La plupart des gens agrafent toutes les pages au milieu, mais j’ai vu des zines retenus par un fil cousu, des trombones ou même des épingles à cheveux. Si vous choisissez l’agrafage, vos pages seront certainement trop larges pour pouvoir atteindre le milieu avec une agrafeuse de base. Vous aurez donc besoin de mon outil de bureau préféré … la grande agrafeuse. Elles se vendent environ 40 $, ou vous pouvez aussi utiliser celle du centre de copies.

4. DISTRIBUTION

C’est fait! Vous avez fait un zine! Maintenant que vous en tenez quelques-uns dans vos mains moites tout en vous trémoussant au son de « Lost Boys », il est temps de distribuer votre oeuvre.

A. EN PAYER LE PRIX
Comme tout art, vous pouvez distribuer vos créations en forçant les gens à payer pour l’avoir. Un bon point de repère pour donner un prix au zine est d’en demander le prix que cela vous a coûté pour photocopier un numéro, de le doubler puis de l’arrondir aux 50 sous ou dollar le plus près. Par exemple, le premier numéro de mon perzine, Finale 95, m’a coûté 0,72 $ à photocopier, donc je demandais 2 $.

Maintenant que vous avez déterminé le prix, où pouvez-vous vendre vos zines? Il suffit de regarder autour de vous. Votre ville tient-elle une foire de la publication indépendante? Un marché aux puces punk? Un salon d’artisanat et de zines? Si vous êtes à l’aise, participez-y!

Vous pouvez aussi approcher un distributeur de zines et lui demander s’il souhaite distribuer le vôtre. À Ottawa, Lily Pepper possède deux présentoirs à zines. Elle achète mes zines pour la moitié du prix de revente. Je ne fais pas beaucoup d’argent de cette façon, mais je n’en perds pas non plus.

B. LE DONNER GRATUITEMENT
De toute façon, le but premier des zines n’a jamais été de faire de l’argent. À Ottawa, il existe une autre façon de mettre mes créations à la disposition de tous : le zine-off!

Le zine-off d’Ottawa est un petit évènement qui se déroule tous les six mois lors duquel les écrivains et les illustrateurs locaux se rencontrent. Tout le monde fait quelque chose pour l’occasion, puis l’échange avec les autres. Cet événement a été essentiel à la croissance de la scène zine de la ville, et c’est un moyen génial de rencontrer de nouvelle personne qui ne vont pas aux concerts.

Toutefois, il n’est pas nécessaire d’organiser un zine-off pour distribuer gratuitement votre travail (mais ne serait-ce pas trop cool si vous le faisiez?!) Vous offrir gratuitement votre zine chez les disquaires, dans les friperies, aux cinémas, chez le dentiste, dans le bus… Qui sait qui le prendra?

NOTES FINALES :

N’oubliez pas qu’il est normal que votre premier zine ne remplisse pas toutes vos attentes ou que quelque chose tourne mal pendant que vous le faites. En fait, étant donné le médium, c’est parfaitement normal. Les zines servent de processus de maturation en tant qu’artiste, qu’écrivain et que créateur. C’est un outil que vous pouvez utiliser pour développer vos compétences, aussi bien que pour vous épanouir en tant que personne vivante. Les zines sont une arme de la taille de votre cœur, alors continuez d’écrire et continuez de copier.

Alanna Yaraskavitch est une étudiante en journalisme de deuxième année à l’Université Carleton. Depuis quatre ans, elle crée des zines sous le pseudo Alanna Why. Elle a écrit pour plusieurs parutions, dont Backwaves, un fanzine sur Richard Simmons, et Scoopin’ Times, un zine BD à propos du travail dans un bar laitier. En ce moment, elle écrit un perzine intitulé Finale 95, dans lequel elle explore ses aventures à l’université, ses amitiés et ses crises existentielles suscitées par la power-pop.

Ex Libris :: Herd Magazine Issues 01-03

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Communities are built and sustained through documentation, collaboration, participation.

Herdmag, free and published independently on a quarterly basis, begins its inaugural issue with a personal letter that offers itself to the city of Ottawa, its home. Herd is a platform for local cultural institutions, musicians, artists, chefs, and writers to make their presence known. With the turn of each page, the idea that one’s creative trajectory must include moving to a larger metropolis (nearby Montreal or Toronto, for instance) is challenged.

“You’re not looking hard enough.” Here is a vibrant roster of groups and individuals who are making things happen. Locally.

In a gripping story about the closure of a historic downtown nightclub, an onlooker imagines what a typical night during the club’s heyday might have been like. Ghosts and figments of the past are recalled alongside the old, discarded carpet that once caught the broken glass of flashbulbs. Herdmag is a collection of these glass shards. Only it is alive and active right now, reflecting, sharing, and documenting cultural activity so that one will never have to wonder about how the city might have looked, sounded, and moved.

Pour faire rouler une communauté, il faut combiner ces trois choses : documentation, collaboration et participation. Herdmag, un trimestriel indépendant gratuit, ouvre son premier numéro avec une lettre personnelle adressée à sa ville d’origine, Ottawa. Herd est une plateforme sur laquelle des musiciens, des artistes, des chefs cuisiniers, des écrivains et des organismes culturels peuvent se faire connaître. La notion que tout cheminement créatif doit passer par les plus grandes agglomérations (comme Montréal ou Toronto, par exemple) est remise en question à chaque page.

« Tu ne cherches pas assez loin. » Voici un vibrant catalogue d’artistes et de groupes qui font brasser la scène locale. Dans une histoire poignante à propos de la fermeture d’un club du centre-ville, un observateur imagine ce qui devait être une soirée typique lorsque l’établissement était à son apogée. Spectres et bribes du passé sont retrouvés aux côtés du vieux tapis qui a naguère attrapé les fragments d’ampoules cassées. Herdmag est une collection de ces mêmes morceaux de vitre. Contrairement à la vieille bâtisse, le magazine est toujours actif en ce moment, remémorant, partageant et documentant l’activité culturelle pour que personne n’ait plus jamais à se demander de quoi la ville avait l’air dans le temps.

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New Canadiana :: Tropical Dripps – Is Cool Dude

Tropical Dripps - Is Cool Dude

Bred in the basement. Reared on crazy. Tropical Dripps come on like snot-nosed gunslingers barreling straight into the abyss. The malformed music of Is Cool Dude is low on fidelity but high on everything else. Opener “Orbit” blasts the tape wide open with stabs of squealing guitars and an oppressive dual vocal attack. “Isolation” rides a twisted tropicalia riff before galloping across high lonesome verses and ring-modulated surf solos. The tape’s third song “Cowboys” extends the swirling mix of surf, punk and western sounds as well as bolstering lyrical themes found throughout the album:

I met a cowboy / he had no words

He gave me the best advice / I ever heard

Lyrically, Is Cool Dude presents a type of exuberant existentialism; One that posits that the seeking of any real meaning, or, ahem, “truth” in this world is a pursuit of vanity. Rather than wallowing in meaninglessness, the Tropical Dripps rejoice. Closer “We Are All Going Away” pulses exuberantly, repeating the song’s title until what is first perceived as an uncomfortable truth mutates into a comforting mantra-like slogan: “Don’t worry… is cool dude.”

Conçu au sous-sol. Entretenu dans la folie. Les Tropical Dripps font leur entrée avec l’intensité d’une bande de caïds mal-léchés fonçant à toute vitesse vers l’abysse. La musique malformée de Is Cool Dude contient peu de fidélité, mais déborde de tout le reste. Le morceau d’entrée « Orbit » explose avec des braillements de guitare ainsi qu’une attaque à double voix des plus agressantes. « Isolation » chevauche un riff tropicálien tordu avant de galoper à travers des vers solitaires et des solos de surf modulés en anneau. « Cowboys », la troisième chanson, continue dans la même graine de musique surf, punk et western et contient un bel exemple du genre de paroles encourageantes qu’on retrouve dans le reste de l’album :

I met a cowboy / he had no words

He gave me the best advice / I ever heard

Lyriquement parlant, Is Cool Dude présente un type d’existentialisme exubérant qui suggère que la recherche de tout sens ou, hum, « vérité » en ce bas monde est un acte motivé par la vanité. Au lieu de se morfondre dans l’insignifiance, les Tropical Dripps s’y exultent. Avec chaque répétition de ce passage résonnant avec exubérance, « We Are All Going Away », ce qui est d’abord perçu comme une vérité troublante se transforme en un slogan mantraesque réconfortant : « Don’t worry… is cool dude » (T’inquiètes pas man… tout baigne).

Tropical Dripps – Isolation

Tropical Dripps – Cowboys

New Canadiana :: Organ Eyes – Visual Meetings

Organ Eyes - Visual Meetings

At dawn, Visual Meetings is perhaps the darkest. Waves of heavy fog, moving in from beyond. Rolling hills break up the heavy, low clouds with a hypnotic rhythm that mirrors our pulse. Yet, there is a warmth that carries through. As it brightens, strings and “Ahs” and an upbeat kick call-and-respond to a poppy psychedelic sensibility. Glowing, growing, spiraling and winding into a room that echoes, revealing its vastness. At dusk voices near and far, past and present, remind us that it’s only love that will break our hearts.

C’est aux premières lueurs du jour que Visual Meetings est à son plus sombre. Un épais brouillard surgit de l’au-delà. Un vallon de collines perce les nuages volant à basse altitude avec un rythme hypnotique qui évoque notre pouls. Pourtant, on peut sentir le passage d’une certaine chaleur. Alors que la journée avance, des coups de cordes, des multiples « Ah ! » ainsi qu’un bon coup enjoué réagissent harmoniquement à une sensibilité pop-psychédélique. Le son brille, croît, serpente et se répercute à l’intérieur d’une chambre avec un écho qui révèle son immensité. Au crépuscule, des voix de près et de loin, d’antan et d’aujourd’hui nous rappellent qu’il n’y a que l’amour qui peut nous briser le cœur.


Organ Eyes – Ghost Lap


Organ Eyes – Empty Time

New Canadiana :: Blake Hargreaves – Gitmo / Camp X-Ray

Blake Hargreaves - Gitmo/Camp X-Ray

Part one of a four-part series originally released in 2006, Fluorescent Friends and Cool Fest founder Blake Hargreaves’ Gitmo / Camp X-Ray initially comes off as a sensory overblown interrogation chamber of heavy smog and venomous gases. Its title suggests a politically-charged affair, and coupled with the music it’s easy to boil it down as a linear statement of political intention, but to do this would ignore its rumbling pleasures and deeply humanizing distortion.

As was pointed out by Hargreaves in an interview in AA Records Magazine #2, a hand-made flexi-disc lathe and zine released by artist Alivia Zivich and Nate Young (Wolf Eyes) of Aryan Asshole Records in 2007, “…history seems more like a tragedy, where people’s intentions and capabilities and the real good and bad consequences of their interactions are hard to see, especially when they fight… and no one ever really wins the way they hoped to. I guess I could call it a comedy too, but I don’t find it easy to be like that with the occurrences of complete fucking brutality in this hilarious comedy of humanity.”

This ‘comedy of humanity’ is Gitmo / Camp X-Ray’s modus operandi, with the abrasive, machinistic textures bellowing like a hearty laugh; a product of a human being. In exploring the edges between industrial pomp, pop swagger, and immersive noise, the engine buzz of such tracks as “You can pray once you cooperate 1” and “Brothers in Cuba” seems less to do with political intent and more as “a serenade to the observers and actors the world over who are actually making a real effort to understand and meet the challenges posed by situations like Gitmo, and of course to the people who find themselves there.”

La première partie d’une série de quatre, originalement parue en 2006, Gitmo / Camp X-Ray de Blake Hargreaves, fondateur de Fluorescent Friend et du Cool Fest, se ressent initialement telle une chambre d’interrogation de smog lourd et de gaz vénéneux survoltée de sensations. Le titre suggère un sujet chargé politiquement qui, conjugué à la musique, réduit facilement l’album à une affirmation politique linéaire. Mais ce serait ignorer les murmures de plaisirs et la distorsion profondément humanisante.

Comme l’a souligné Hargreaves dans un entretien dans AA Records Magazine #2, un flexi disc pressé à la main et un zine publié par Alivia Zivich et Nate Young (Wolf Eyes) sur Aryan Assohole Records en 2007, « … L’histoire ressemble davantage à une tragédie où les intentions des gens, leurs capacités et les véritables conséquences de leurs interactions, bonnes ou mauvaises, sont difficiles à voir, surtout quand ils se battent… et personne ne gagne réellement de la manière espérée. J’imagine que je pourrais également qualifier cela de comédie, mais il n’est pas simple de se comporter de cette façon face aux occurrences de brutalité complète dans cette hilarante comédie de l’humanité. »

Cette « comédie de l’humanité » est le modus operandi de Gitmo / Camp X-Ray avec ces textures machinales abrasives mugissant comme un rire franc; un produit d’un être humain. En explorant les frontières entre la splendeur de l’industriel, le maniérisme pop, et le noise immersif, le vrombissement de pièces comme « You can pray once you cooperate 1 » et « Brothers in Cuba » semble moins relié à une intention politique et davantage à « une sérénade aux observateurs et aux acteurs du monde entier qui font un réel effort pour comprendre et répondre aux défis posés par des situations comme Gitmo et bien sûr, à ceux qui se trouvent sur place. »


Black Hargreaves – You can pray once you co-operate 1


Blake Hargreaves – Brothers in Cuba

New Canadiana :: Grime Kings – Honeymooning

Grime Kings - Honeymooning

Grime Kings’ Honeymooning is a companion when your life is falling apart. This album is a reminder that music can so often be an intimate glimpse into the inner workings of someone’s mind. It is cradling a baby bird in your cracked, weathered palms. It’s startlingly easy to get swept up into the crescendos of harmonies that fit like interlocking fingers, in the time signatures, phrasing, rhythms which are always in flux. If this album was an object it would be a light-leaked, slightly out of focus photograph; weathered, faded, and a talisman imbued with all your memories. If this album was a colour it would be a tanned leather yellow.

Honeymooning de Grime Kings est là pour vous lorsque la vie s’effondre. Cet album nous rappelle que bien souvent, la musique est un coup d’œil intime dans l’esprit de quelqu’un. C’est un peu comme de tenir un oisillon au creux de ses paumes usées et craquelées. C’est surprenant à quel point il est facile de se laisser emporter par ce crescendo d’harmonies qui se mêlent à un flux constant de mesures, de phrases et de rythmes, tels des doigts qui s’entrelacent. Si cet album était un objet, ce serait une photo un peu floue avec des fuites de lumière; usée et décolorée, c’est un talisman qui contient tous vos souvenirs. S’il était une couleur, ce serait le jaune cuir tanné.


Grime Kings – One Of Us Is Lonely


Grime Kings – Summer